El valor artístico de los caracteres chinos

Alguna introducción y resumen de los tipos de películas

Cine experimental

El cine experimental (película experimental) es una película no comercial desarrollada en Estados Unidos desde los años 1930. Películas de sexo, este tipo de películas son principalmente cortometrajes filmados con película de cavidad de 16 mm. No tienen una trama tradicional y el estilo de expresión principal es el surrealismo y la abstracción. En cuanto a su esencia artística, es una película de vanguardia en la era del cine sonoro.

El período comprendido entre la década de 1920 y mediados de la de 1940 fue el período incipiente del cine experimental. Hay sólo unas pocas obras, como el estilo abstracto "H z0" (1929) y "Los principios de la mecánica" (1930) del fotógrafo Ralf Steiner, "No. 94l" No. 3 de Slavko Volkapichi... La vida y Muerte de un partidario silencioso de Hollywood" (1928), etc.

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, el cine experimental experimentó nuevos desarrollos. Aunque el centro todavía está en Estados Unidos, también lo está en Reino Unido y Francia. Italia y algunos otros países europeos también han iniciado actividades de rodaje de películas experimentales. Esto se debe a que: 1. La llegada de películas de 16 mm baratas y de alta calidad y de cámaras de película sonora livianas ha proporcionado las condiciones técnicas para las actividades de producción personal de aficionados 2; Algunos cineastas europeos de vanguardia como Hans Rich comenzaron a tener impacto en los círculos intelectuales. Con la promoción del Museo de Arte Moderno de Nueva York, se estrenaron en Estados Unidos una serie de películas europeas de vanguardia, incluidas las de Jean Cocteau, que despertaron nostalgia e interés 3. El nuevo método de autoproducción, autodistribución y proyección iniciado por Maye-Délian resolvió el problema de la salida del cine experimental.

Desde mediados de los años 40 hasta finales de los 50, los principales representantes del cine experimental estadounidense fueron Maye Delian, Kenneth Angel, Grigory Markopoulos y Curtis Ha Clinton, Harry Smith, los hermanos Whitney y Frank Sintuffach. Estas personas pertenecen a dos alas del cine experimental: el surrealismo y la abstracción. "La red del día" de Delian (i9431), "En la Tierra" (1944), "Estudio de danza para la cámara de cine" (1945), "Fuegos artificiales" de Ingres (1945), "Psique" de Marco Duros (1948) , "Fragmentos de búsqueda" de Yu Lingtong (I 946), etc., son todas obras surrealistas que se entregan a sueños y fantasías y tienen fuertes influencias freudianas. Smith se inspiró en Fissing. Influenciado por Ger, fotografió varios gráficos abstractos pintados a mano. Los hermanos Whitney también llevaron a cabo varios experimentos con gráficos abstractos en "Five Film Ejercicios" mientras vivían en San Francisco. Organizó una serie de proyecciones de "Art in Film" y rodó sus propias películas, como "Sausalito" (1948). integrar poesía y cine sobre la base de la abstracción.

Las nuevas películas estadounidenses que comenzaron a aparecer a mediados de los años 1950 y las películas underground que comenzaron a aparecer a finales de los años 1950 son la continuación y el desarrollo del cine americano. Películas experimentales. Después de que el movimiento cinematográfico underground se extendiera a Europa occidental a mediados de la década de 1960, la gente rara vez utilizaba el término "experimental". La palabra "película" fue reemplazada por "película underground". /p>

El cine surrealista (cine surrealista) combina creaciones literarias surrealistas. El método se aplica al género cinematográfico de creación cinematográfica, que hereda los principios de André Breton, defensor de esta idea creativa, enfatizando la autenticidad del comportamiento irracional. el significado de los sueños y el poder emocional de las yuxtaposiciones de imágenes incongruentes y la búsqueda persistente del placer personal. Alguna vez se convirtió en la principal tendencia de las películas de vanguardia francesas en la década de 1920, y más tarde se convirtió en un ala importante del cine experimental y underground estadounidense. En el ámbito de los largometrajes para distribución comercial, el surrealismo no constituye un género independiente, su influencia sólo se puede ver en tomas individuales o pasajes de la película "El surrealismo en el cine" de Adou Kilo es un tratado típico de este género. de investigación.

La vanguardia francesa en la década de 1920. Los cineastas han descubierto que la naturaleza fotográfica y las técnicas de yuxtaposición del montaje del cine lo convierten en el medio de expresión más ideal para el surrealismo. cineastas antitradicionales y se ha puesto en práctica continuamente.

Generalmente se considera que "La concha y el monje" de Dulac es la primera película surrealista, pero es Louis. En "El perro Andalus" y "La edad de oro" de Buñuel, el primero es una serie de sueños de un vagabundo con problemas mentales, mientras que el segundo es un análisis freudiano del deseo sexual y el amor. Los investigadores del cine occidental coinciden en que la influencia del surrealismo todavía aparece en las obras de Buñuel de vez en cuando después de que se volcara hacia el cine experimental y el cine underground, la figura representativa de la tendencia surrealista es En el campo del largometraje, los investigadores del cine occidental. tienden a atribuir la representación de psicología anormal, posibles impulsos sexuales, comportamiento irracional, etc. al papel del surrealismo en los largometrajes. Así, como una serie de películas de Hitchcock: "Edward" (1945), "Vértigo" (1958), "North by Northwest" (1959), "Psycho" (1962) y "The Birds" (1963), una comedia frenética sobre la tres hermanos Marx, además de Samuel Fuller, Joseph von. Algunas películas de Sternberg y otros se han convertido en ejemplos típicos de la influencia del surrealismo en los largometrajes.

Chamber Spiel Film y Street Film

Chamber Spiel Film

Chamber Spiel Film (kammer spiel film) es un tipo de expresionismo que apareció en Alemania en la década de 1920. Películas frente a películas. "Drama de cámara" fue originalmente un término acuñado por el director de teatro alemán Max Gardenhart, que se refiere específicamente a una obra de teatro para pequeños teatros que se adhiere a la unidad de tiempo, lugar y acción. El guionista de cine austriaco Karl. Meiyu aplicó este concepto al cine y creó películas dramáticas de cámara. Meiyu escribió el guión de "Dr. Caligari" en 1919 y se convirtió en uno de los principales defensores del cine expresionista. Sin embargo, un año después, Meiyu comenzó a desviarse del camino del expresionismo y escribió "La escalera trasera" en 1921. 》, por Pablo. Dirigida por Lenny, se convirtió en la primera "película dramática de cámara".

Las películas de teatro de cámara abandonaron los temas habituales de fantasmas y locos en las películas expresionistas y, en su lugar, utilizaron pequeñas figuras de la sociedad, como trabajadores ferroviarios, dependientes y criadas, como objetos para describir su vida y su entorno cotidianos. Se adhiere a las tres unidades de la tragedia clásica, con una ambientación sencilla (principalmente escenas interiores), un número reducido de personajes, generalmente anónimos, y caracterizados únicamente por su ocupación. Se presta gran atención a la representación psicológica de los personajes, y la cámara a menudo permanece en los gestos, movimientos y expresiones faciales de los personajes durante mucho tiempo. Dado que la trama es relativamente simple y cambia poco en el tiempo y el espacio, requiere que los actores sean serios y realistas en sus habilidades de actuación y eviten la exageración. Por otro lado, requiere la menor cantidad de subtítulos posible y se esfuerza por transmitir. Contenido dramático a través de imágenes visibles. Sin embargo, debido a las limitaciones técnicas de las películas mudas, los personajes son demasiado simples, los planos demasiado redundantes y repetitivos y el público ni siquiera puede comprender las motivaciones de los personajes.

Las obras representativas del cine dramático de cámara incluyen una serie de películas escritas por Mei Yu, como "The Railway" (1921), "New Year's Eve" (192 3) y "The Lowest* Man". " (1924). Además, también hay películas como "Desire" de Paul Zinner (1924). Este tipo de películas desempeñaron un papel importante a la hora de guiar a algunos directores de cine alemanes a emprender el camino del realismo (ver "Cine de calle"). En el extranjero, su influencia se refleja principalmente en las formas cinematográficas de algunos directores de cine franceses representados por Marcel Carné.

Cine callejero

El cine callejero (street film) es una película alemana que apareció bajo la influencia de las películas dramáticas de interior con la calle como principal fondo de acción. Siegfried Kracauer acuñó el término en su libro De Rigali a Hitler. Las obras representativas incluyen "La calle" de Karl Gner (1923), "La calle sin alegría" de Pabst (1925) y "Tragedia en la calle" de Bruno Rahn. (i927), etc. Estas películas expresan la realidad de la sociedad, reflejando la vida cotidiana de las clases bajas en Alemania en un estilo directo, sin pretensiones y objetivo, con actuaciones concisas y escenarios realistas. Este tipo de películas se deshace de la loca fantasía del expresionismo, rompe el estrecho mundo del drama de cámara y refleja los esfuerzos del cine alemán por avanzar hacia el realismo al final del cine mudo. Sin embargo, con el ascenso de las fuerzas nazis y el establecimiento del monopolio UFA Film Company controlado por los nazis, este esfuerzo pronto se detuvo.

Grupo Cahiers du Cinéma

El grupo Cahiers du Cinéma también es conocido como grupo Cahiers du Cinéma. Eran un grupo de jóvenes críticos de cine que comenzaron a reunirse en torno a la redacción de Cahiers du Cinema dirigida por André Bazin en 1955. Posteriormente pasaron de la crítica cinematográfica al cine y se convirtieron en las principales figuras del cine francés de la "Nueva Ola".

La revista "Cahiers du Cinema" se fundó en 1951, con André Bazin, Ronald Duca y Jacques Duniol-Valcroze como redactores jefe. Los pensamientos estéticos de Bazin tienen una profunda influencia en la revista. juega una influencia destacada. A partir de 1955, un grupo de jóvenes que estaban de acuerdo con las opiniones teóricas de Bazin comenzaron a utilizar los "Cahiers du Cinema" como posición teórica, utilizando el método de la "teoría del autor" para establecer nuevos estándares de evaluación. Entre ellos, las figuras principales son Truffaut, Godard, Rivette, Chabrol, Dumachi y Scherer. A partir de 1958, Truffaut, Godard, Rivette y Chabrol hicieron sucesivamente sus primeras películas, que contribuyeron a la formación de la "Nueva Ola" del cine francés. Desde entonces, este grupo de personas se denomina "Nueva Ola". Después de que la "Nueva Ola" tendiera a declinar en 1996, este grupo de personas se diferenciaron. Truffaut y Chabrol se convirtieron en directores de cine comerciales populares, pero sus películas todavía tienen un alto valor artístico. Rivette recurrió al cine experimental. El camino de Godard fue más complicado y cambiante. Antes de 1968, sus películas tenían un color cada vez más modernista, promovían la antimoralidad existencial y el pensamiento político anarquista, y tenían una gramática cinematográfica tradicional. A partir de 1968, de repente giró hacia la extrema izquierda y rodó una serie de cortometrajes con fuertes connotaciones políticas, oponiéndose al capitalismo y defendiendo la revolución violenta. En 1971 sufrió un accidente automovilístico y dejó de hacer películas. A finales de la década de 1970, comenzó de nuevo a filmar largometrajes y declaró que "ya no se involucraría en política".

El "Grupo de la Ribera Izquierda" es un grupo de directores de cine que apareció en Francia a finales de la década de 1950. Debe su nombre a que todos sus miembros vivían en la margen izquierda del río Sena en París. Se trata de Alain Resnais, Agnès Varda, Chris Marchet, Alain Robbe-Grillet, Marguerite Dura y Henri Korpi. pero. La "Escuela de la Ribera Izquierda" en realidad no formó una "escuela" o un "grupo". Eran simplemente un grupo de artistas que tenían amistades de larga data, tenían intereses artísticos similares y a menudo se ayudaban mutuamente en la creación. Básicamente se pueden dividir en dos categorías: un tipo son los directores que se dedican a la creación cinematográfica desde hace mucho tiempo, como Resnais, Varda y Korpi, el otro tipo se dedica principalmente a la creación literaria, como Marche, Dura y Robbe-Grillet; Las películas más famosas del cine se estrenaron a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, como "Hiroshima Mon Amour" (i959) de Juno y "The Long Separation" (1961) de Korpi (ambas películas fueron producidas por (guión de Dora). , "El año pasado en Marienbad" de Resnais (1961, dramatizada por Robbe Grieti), "Dos horas de Cleo" de Varda (I 961), etc., además de sus películas. También prestan gran atención al estilo personal y no se adhieren al cine tradicional. gramática; por lo tanto, sus obras a menudo se clasifican como películas de la "nueva ola".

De hecho, las películas de los directores de Left Bank y los "Cahiers du Cinéma" existen grandes diferencias entre las películas de los directores. son:

1. Los directores de "Left Bank" sólo hacen películas a partir de guiones escritos específicamente para películas y nunca adaptan obras literarias

2. Siempre se han centrado en la descripción de las actividades internas de los personajes, adoptando al mismo tiempo un enfoque documental del entorno externo

3; Sus técnicas cinematográficas son muy minuciosas, y cada detalle debe estar pulido y pulido, nunca con un estilo descuidado y semiimprovisado

4; Sus películas tienen un fuerte sabor modernista, especialmente las de Doura y Robbe-Grillet, porque estos dos personajes eran originalmente representantes de las novelas modernistas francesas.

Las películas de la "Ribera Izquierda" se llaman "películas de escritores" en Francia, lo que significa películas filmadas por escritores literarios. Además de las varias películas mencionadas anteriormente, sus obras representativas incluyen "Mriyel" (1963). ) y "La guerra ha terminado" (1967), "La mujer inmortal" de Rob Ygri (1963), "Trans-European Express" (1966), "Eden and Beyond" (1970) y "Pawns" de Varda (1967), etc.

La influencia de las películas de la "margen izquierda" es de gran alcance.

Por ejemplo, "Goodbye, Filipinas" de Yorke Rozier (1962) utiliza diálogos improvisados, una cámara liviana y un micrófono oculto, mostrando la huella del cinema verité. Los Miserables (1959) de Truffaut también muestra claramente la influencia de la vérité en su estilo de filmación y contenido social altamente naturalistas. Godard llevó a cabo una intervención subjetiva en muchas de sus películas, e incluso adoptó directamente el método del cine real.

CINEMA VERITE es un género de creación cinematográfica que se inició a finales de los años 50 y se caracteriza por técnicas de grabación directa. Incluyendo el movimiento francés Cinéma Vérité y el movimiento americano Direct Cinema. Entre sus figuras representativas se encuentran los franceses Jean Louch, François Reichenbach, Mario Lucidori, los hermanos estadounidenses David Mesler y Albet Mesler, Richard Li Keduxiang, Don Allen Penny Shell y otros.

Los defensores del cinema verité afirman que su principal inspiración proviene de la teoría y la práctica del "ojo cinematográfico" del soviético Dziga Vertov. En la década de 1920, Vertov filmó una serie de noticieros compuestos por escenas de la vida real y luego editó estos videos de acción en vivo en largometrajes con cierta estructura. Llamó a este tipo de película "Film Pravda", y la película real es en realidad. la traducción francesa de este hambriento artículo. La diferencia artística entre las películas vérité y el Cinema Pravda es que los acontecimientos representados por las primeras son más completos y únicos, y por tanto tienen más características de largometraje.

Como método de producción, el cine real tiene las siguientes características:

1. Filma la vida real directamente, rechazando la ficción

2. No escribas un guión con antelación y no utilices actores profesionales;

3. El equipo de rodaje de la película estaba formado por sólo tres personas: el director, el camarógrafo y el ingeniero de sonido, y el propio director montó la película.

Dentro de este género cinematográfico, la única diferencia entre el cinéma vérité francés y el cine directo americano es el papel del director de cine: los franceses abogan por que el director pueda intervenir en el proceso de rodaje. Por ejemplo, cuando Lush estaba rodando "Crónicas de un verano" (1961), para dar al público la impresión de que el director no era en absoluto un espectador, intercaló una serie de entrevistas y debates con los personajes de la película que él mismo se condujo. Los estadounidenses se esfuerzan por no interferir en el curso de los acontecimientos y exigen a los directores que adopten una postura objetiva y estricta para no destruir la tendencia natural del tema. Por ejemplo, cuando Leacock rodó "David" (1962), simplemente siguió el curso natural. de los acontecimientos de principio a fin sin intervención. Un joven drogadicto fue capturado en un centro de rehabilitación donde abandonó con éxito su pasado y creó uno nuevo.

El método de rodaje de las películas reales requiere que el director descubra con precisión los acontecimientos y prevea sus procesos dramáticos, y que el equipo de filmación sea ágil. Al decidir sobre el terreno, este método inevitablemente impondrá grandes restricciones al tema de la película. Por lo tanto, hay muy pocas obras cinematográficas verdaderas en el sentido puro. La mayor importancia del cinéma vérité como género es que proporciona un método de filmación que garantiza la máxima autenticidad para la creación de largometrajes en general. En este punto, su influencia es de gran alcance. Por ejemplo, "Goodbye, Filipinas" (1962) de Yorke Rozibin utiliza diálogos improvisados, una cámara liviana y un micrófono oculto, mostrando la huella del cinema verité. Los Miserables (1959) de Truffaut muestra claramente la influencia del cinéma vérité en su estilo de filmación y contenido social altamente naturalistas. Godard llevó a cabo una intervención subjetiva en muchas de sus películas, e incluso adoptó directamente el método del cine real.

El crítico de cine francés Nino Frank acuñó el término en 1946, inspirándose en el término novela negra. Se refiere principalmente a las películas rodadas por Hollywood en los años 1940 y principios de los 1950, que estaban ambientadas en las oscuras calles de la ciudad y reflejaban el mundo del crimen y la depravación. El cine negro no es un género cinematográfico independiente. Está entrelazado con muchos tipos de películas tradicionales, como películas de gánsteres, películas del oeste, comedias, etc. Aunque su temática son principalmente actividades delictivas. Pero no todas las películas sobre crímenes pueden clasificarse como películas negras.

Tiene las siguientes características:

1. Hay muchas escenas nocturnas, ya sean interiores o exteriores, que siempre brindan a las personas un futuro inquietante e impredecible.

Por una sensación de crisis;

2. Adopta el estilo de fotografía expresionista alemán, utilizando extrañas sombras profundas y tonos sombríos para crear la ilusión de un mundo de pesadilla

3. El protagonista suele ser un personaje rebelde con doble personalidad moral, lleno de hostilidad hacia el mundo que lo rodea, decepcionado y solitario, que finalmente encuentra su destino en la muerte.

4. Los flashbacks o la narración en primera persona se utilizan a menudo como medio para describir la psicología. Por lo tanto, se puede decir que el cine negro es una combinación de temas violentos estadounidenses, el estilo de fotografía expresionista alemán y el existencialismo francés.

El cine negro entró en un período de prosperidad en la década de 1940. A mediados de la década de 1950, la audiencia disminuyó y Hollywood recurrió a nuevos estilos, temas y técnicas, y las películas de cine negro desaparecieron gradualmente. Las obras representativas incluyen: "El halcón maltés" de John Huston (1941), "Asesinato en el tren" de Billy Wilder (1943), "El sueño" de Howard Hawks (1946), "El extraño" de Dai Gagne (1946) de Orson Welles, "El extraño" (1946) y "La chica de Shanghai" (1949), "Laura" (1944) de Otto Preminger), Ángeles caídos (1948) y Donde termina la acera (1950), La dama fantasma de Robert Siodmak (1944) , El asesino (1946) y El grito de la ciudad (1948) )esperen.

Cine negro

El cine negro a veces se refiere a ciertas películas francesas de tono bajo y escapistas realizadas durante la Segunda Guerra Mundial, cuyos creadores no estaban dispuestos a aceptar las exigencias políticas del gobierno de Vichy. evitando deliberadamente el contacto con la vida real. Además, la generación de directores franceses de la posguerra alguna vez tuvo un gran interés en las películas de cine negro de Hollywood. Por ejemplo, Jean-Pierre Melville intentó restaurar la reputación artística del cine negro en la década de 1960 y rodó una serie de películas de cine negro. características básicas, como "Pain" (1962), "Second Breath" (1966) y "Samurai" (1967), etc.

Free Cinema

Free Cinema (free clllerna) es el nombre general de seis series de películas experimentales proyectadas por el British National Cinema de 1956 a 1959. También se basa en esta serie. de películas experimentales. El nombre de un movimiento cinematográfico del cual la película es la obra maestra. A partir de 1956, la Fundación Experimental del British Film Institute y la American Ford Motor Company financiaron conjuntamente a un grupo de jóvenes interesados ​​en "revivir el arte cinematográfico británico" para rodar una serie de cortometrajes, que se proyectaron sucesivamente en los Archivos Nacionales Británicos. Cine. Cuando se estrenó la película, estos jóvenes directores emitieron conjuntamente algunas declaraciones, anunciando que su propósito creativo era desafiar las ideas conservadoras en la sociedad y dentro de la industria cinematográfica. Enfatizan la responsabilidad social de los artistas y requieren atención a los temas de la vida diaria y la expresión individual en la creación. Esperan firmemente romper con las limitaciones comerciales de la industria de producción cinematográfica y ganar libertad creativa.

Las películas rodadas bajo el nombre de Free Cinema están todas basadas en personas y hechos reales, pero los creadores de estas películas tienen un tabú al utilizar la palabra documental para describir sus películas porque creen que, desde el El movimiento de cine documental británico alguna vez abogó por el uso de películas documentales para servir a los intereses de agencias gubernamentales o grupos sociales; la palabra documental tiene la connotación de blanquear y embellecer la realidad. Lindsey Anderson, defensora del movimiento, incluso afirmó que las técnicas documentales obstaculizarían la creación de obras maestras cinematográficas. Aunque estos jóvenes directores son hostiles a la industria de la producción cinematográfica, no se oponen a la cooperación con los trabajadores cinematográficos profesionales. Para ellos han trabajado directores de fotografía famosos como Walter Lassari y John Fletcher. El Free Film Movement también estuvo estrechamente relacionado con la tendencia de oposición a las ideas conservadoras que aparecieron en los círculos literarios y teatrales británicos en ese momento. Por ejemplo, el dramaturgo John Osborne, famoso por su anticonservadurismo, tenía una relación de creación cinematográfica. con las principales figuras del Movimiento Cine Libre. Trabajar en estrecha colaboración.

El Movimiento del Cine Libre llegó a su fin en 1959. En marzo de ese año, Anderson, Carlo Reisz, Lassari, Fletcher y otros emitieron conjuntamente una declaración declarando que "¡El cine libre está muerto, viva el cine libre!". Las causas que llevaron a la rápida desaparición de este movimiento son económicamente insostenibles.

Durante los varios años de existencia de este movimiento, se produjeron las siguientes películas que reflejaban su visión artística: “Mother Is’t Right” (1955), dirigida por Tony Richardson y Reiss, “Every Day Except” de Anderson Christmas" (1957) y "We Are the Boys from Lambeth" de Reitz (1959), etc.

Después de que terminó el Movimiento de Cine Libre, Anderson, Reitz, Richardson y otros ingresaron sucesivamente en organizaciones británicas de producción de películas comerciales y se convirtieron en directores de largometrajes famosos. Algunas de las películas que rodaron después del movimiento y a principios de la década de 1960, como "A Look Back in Anger" (1959), "A Taste of Honey" (1961) y "The Loneliness of the Distance Runner" (1962) de Richardson. , "Saturday Night and Sunday Morning" de Reitz (1960), "This Sporting Life" de Anderson (1963), etc., debido a que reflejan el espíritu rebelde del movimiento cinematográfico libre en diversos grados de contenido, generalmente se las considera como esta película. producto del movimiento.

Cine underground:

El cine underground es un movimiento que surgió en Estados Unidos a finales de los años 50 para proyectar en secreto películas experimentales producidas por particulares. Pronto el término se utilizó para referirse a todas las películas experimentales de Estados Unidos y Europa occidental.

Desde finales de los años 50 hasta principios de los 60, el Departamento de Policía de la ciudad de Nueva York intervino repetidamente en un archivo cinematográfico especializado en mostrar películas experimentales porque proyectaba contenido obsceno, representaciones desenfrenadas de sexo y cortometrajes sobre temas prohibidos. temas como la homosexualidad, el travestismo, las fiestas de baile erótico y los estilos de vida decadentes. En una ocasión, el organizador de una proyección de este tipo fue arrestado. Joe Mekas, el líder del "American New Film Group". Como resultado, la producción y proyección de este tipo de películas experimentales se volvió cada vez más clandestina, de ahí el nombre.

Los primeros representantes del movimiento cinematográfico underground fueron Jack Newman ("Burning Creatures", 1963, etc.) y Andy Warhol ("The Kiss", 1963, etc.). En sus películas, lo que llama la atención es la descripción sexual desnuda y el nihilismo descarado, más que la innovación en las técnicas de interpretación. Como declaró Jonas Mekas en su artículo de 1967 "¿Dónde estamos - bajo tierra? - "El nuevo cine americano"": "Nos decimos a nosotros mismos: no sabemos qué es el ser humano, no sabemos qué es el cine. tenemos que ser completamente abiertos. Nos moveremos en cualquier dirección... Somos la norma para todo." Desde mediados de los años 1960, cada vez más directores de cine experimentales con diferentes tendencias creativas se unieron a la industria cinematográfica clandestina. Aunque estos cineastas individuales. tienen estilos muy diferentes y compiten por la novedad, tienen dos características comunes: primero, utilizan película de 18 mm sin excepción. Esto es un signo de oposición al cine comercial: sigue tendiendo a la expresión sexual en los temas y defiende una moral antitradicional. conceptos. Como señaló el crítico de cine estadounidense Parker Taylor: "La historia del cine clandestino comienza con la afirmación de que una de las funciones más importantes de la cámara de cine, que no debe olvidarse, es penetrar en áreas que se han convertido en tabú. Estas áreas eran demasiado privado, demasiado impactante, demasiado poco ético para la representación de la fotografía." (A History of Underground Film Criticism, Nueva York, 1969)

Underground Valerian Bashuo. ?误康 Mou? La calidad es igual a la ¿Pulgar glotón de Langhao? ¿El ángel Qiang Xia Wei de la dinastía Song? Ha realizado innumerables cortometrajes, pero ninguno de ellos se ha mostrado públicamente. Lo que la gente ha visto son sólo fragmentos de algunas obras más largas o cortometrajes que fueron robados y difundidos tras la primera proyección. Ingres era adicto al loco mundo del deseo sexual y las misteriosas alucinaciones. Sus "Happy Circle House Inauguration" (1958), "Scorpio Rising" (1964) y "Ordinary Car" (1965) están llenas de relaciones entre personas del mismo sexo. Escenas y extraños rituales mágicos o religiosos, la extraña combinación de varios personajes y animales, imágenes y música, contienen metáforas misteriosas que son difíciles de entender.

El movimiento cinematográfico underground también propició el resurgimiento de las películas abstractas: Brakage creó la "película de interpretación", que utiliza la conexión de fragmentos de tomas e imágenes superpuestas de varias capas para formar películas puramente abstractas, como " Dog Star Man" (1959-1964); Emschweiler utilizó movimientos de danza para formar gráficos abstractos, como "Totem" (1962-1963); Robert Brill continuó los experimentos de las películas de vanguardia de la década de 1920, dirigiendo pinturas abstractas a dibujos. en cine, como Breathing (1963).

En la década de 1960 surgieron dos nuevas "clases" de películas abstractas, a saber, las "películas de empalme" y las "películas estructuralistas". Con sus propios trabajos, Bruce Connell y Robert Nelson son maestros en este tipo de producción cinematográfica.

"A Picture" (1958) de Conor unió escenas emocionantes de muchas películas, y "Confesiones de una madre negra en Cuba" de Nelson (1964-1965) combinó escenas violentas de películas de Hollywood con En los comerciales de televisión, se unen imágenes obscenas al azar. ​​juntos como una sátira de las películas con fines de lucro. Las "películas empalmadas" de Pat O'Neill y Scott Barrett reprocesan el metraje cortado en una impresora óptica o frente a una grabadora de vídeo magnética, cambiando las imágenes y los colores originales según las intenciones subjetivas de los productores. The Good Run" (1969-1970) y "Moon of '69" de Barrett (1969).

La característica de las "películas estructuralistas" es exponer las propiedades físicas y los procesos químicos del cine al público y crear nuevos conceptos de tiempo y espacio. Adams Sitney, creador del término y crítico de cine de la revista Film Culture, cree que los pioneros del "cine estructuralista" son Brakage y Warhol, y el representante típico es Michael Snow. "Wavelength" (1967) de Snow es un plano único de 45 minutos de duración que se acerca sin cesar a una habitación de unos 2,5 metros de largo. "La película" de Tony Conrad (1966) y "La película con escritura, perforaciones, manchas, etc." de George Randolph (1966) entran en esta categoría.

Desde mediados de los años 60. El movimiento cinematográfico clandestino también surgió en varios países de Europa occidental, especialmente en Alemania Occidental, Italia, los Países Bajos y el Reino Unido. La principal tendencia del cine underground en Europa occidental es rodar películas abstractas estructuralistas. Entre sus principales representantes se encuentran los británicos Malcolm Le Gris y Peter Gidal, el alemán occidental Cheng Erna Nix y el austriaco Peter Pelka et al.

Películas políticas, películas de combate y películas de terceras personas

1. Películas políticas

Las películas políticas se refieren a:

1. Películas contemporáneas sobre hechos políticos reales, movimientos políticos y tendencias políticas;

2. Representar directamente a los trabajadores que participaron en estos eventos políticos y movimientos políticos. Películas sobre los pensamientos, acciones y destino de estudiantes y otras personas;

3. Su característica común es que se centran en cuestiones políticas, centrándose en acontecimientos políticos, pensamientos y comportamientos políticos, y la relación entre los individuos y estos acontecimientos, pensamientos y comportamientos. Desde finales de los años 1960 hasta mediados de los años 1970, las películas políticas se convirtieron en una tendencia notable en la creación cinematográfica en los países occidentales.

El término cine político apareció con el estreno de la película "Z" rodada por la directora de cine francesa Kirsty Costa-Gavras. El gran número de trabajos de cine político aparecidos desde entonces se pueden dividir básicamente en cuatro categorías:

1. Largometrajes que muestran personas reales o están basados ​​en personas reales. Las obras representativas incluyen: una serie de películas del francés Costa-Gavras, como "z" (1969, sobre el asesinato del diputado izquierdista griego Grigoris Ramsky por la junta militar), "Confesiones" (1970, Un superviviente del caso Slansky en Checoslovaquia) y la película italiana "El caso Mattei" (1971, sobre el asesinato de Mattei, director general de la compañía petrolera estatal italiana) de Franz Sisi, la película estadounidense "Todos los hombres del presidente" de Leonard Pacola (1976, sobre el incidente de Watergate), "The Enforcer" (sobre el asesinato del presidente Kennedy), la sólida película británica "El día del chacal" (1973, sobre el asesinato del presidente Kennedy), Un intento de asesinato del presidente De Gaulle de Fred Zijman ), etc.;

2. Largometraje de ficción. Las obras representativas incluyen la película italiana "Confesiones del jefe de policía" de Damiano-Damiani (1971), "La clase trabajadora va al cielo" de Elio Petry (1972) y "Las confesiones de un jefe de policía" de Nani Roy (1971). "El hombre en espera de juicio" (1972) y "En nombre del pueblo italiano" de Dino Risi (1973), la película francesa "La Chinoise" de Godard (1967), la película estadounidense "Penunciation Park" de De Watkin "(1971 ) y "Billy Jack" de Frank (1971), etc.

3. Entre sus obras representativas se encuentran la película estadounidense "Mr. Liberty" (1067) de William Clerk, la película italiana "The Ensemble" (1978) de Fellini y "The Closed Circle" (1977) de Giuliano Montaldo, de Luigi Comancini. "El camino bloqueado" (1979), "El noble cadáver" de F. Rossi (1976), etc.;

4. Documentales informativos y otras películas con propósito.

Principalmente documentales cortos rodados por grupos de cine de combate franceses (ver "Películas de combate") y algunos grupos de cine político americanos.

Las películas políticas tendieron a decaer a mediados de la década de 1970.

En la Unión Soviética también se hacía referencia a películas políticas, pero sólo se hacía referencia a películas que "mostraban la lucha de clases internacional".

2. Películas de lucha

Películas de lucha se refiere a una película documental no comercial que apareció en Francia en la década de 1960 y reflejaba las opiniones políticas "izquierdistas" francesas. Nació después de la "Tormenta de Mayo" en Francia en 1968 (el movimiento de "rebelión" de los estudiantes universitarios de París). De 1968 a 1977, hubo en Francia más de treinta grupos que produjeron y distribuyeron este tipo de películas, cuyo tamaño oscilaba entre cuatro o cinco personas y decenas de personas. Entre ellos, los más poderosos eran el "Spark Group" y "The Only". Uno". "Grupo", "Grupo Diga-Vertov", "Grupo de Cine Proletario", "Grupo de Lucha Cinematográfica" y "Grupo de Acción Cinematográfica", etc. Filman en exteriores utilizando cámaras ligeras y películas de 16 o Super 8 mm, normalmente cortometrajes. Los temas expresan principalmente las luchas de los trabajadores, las luchas de los agricultores contra la explotación, los movimientos de liberación de las mujeres, los movimientos estudiantiles, la difícil situación de los trabajadores extranjeros y las luchas antiimperialistas y anticoloniales de los pueblos de Asia, África y América Latina. Estas películas a veces también tienen argumentos representados en el lugar por trabajadores, agricultores, estudiantes, etc. Los grupos de producción generalmente distribuyen ellos mismos sus películas y las proyectan principalmente en fábricas, zonas rurales o clubes de cine escolares. Algunas fuentes de financiación de las producciones dependen de la financiación de partidos políticos de izquierda, mientras que otras dependen de donaciones sociales.

Desde el principio, las películas de combate francesas no pudieron actuar de manera unificada debido a los complejos antecedentes políticos y las diferentes opiniones políticas de cada grupo. A finales de la década de 1970, debido a las cada vez más profundas divisiones internas de la "izquierda" francesa y su confusión política e ideológica, ya se encontraba en un estado de decadencia.

3. La tercera película

La tercera película también se llama "película de guerrilla". y películas que apuntan al colonialismo. Dirigida por los directores de cine cubanos Fernando Solanas y Otavi. Getino lo propuso por primera vez a principios de los años 1970. Exigieron que el cine sea utilizado como arma de combate para cooperar con las luchas armadas contra el neocolonialismo y el imperialismo en Asia, África y América Latina. Solanas declaró que el objetivo de la lucha del "Tercer Cine" es denunciar al "Primer Cine" ("películas imperialistas representadas por películas de Hollywood") y al "Segundo Cine" ("imitación de la buena comida en América Latina"). naturaleza del cine nacional que promueve el neocolonialismo, representado por películas comerciales como las películas de Hollywood y Fengyi.