Historia del Manierismo
Hoy en día, los historiadores del arte ya no ven el arte de este período de esta manera. Generalmente reconocen su creatividad y creen que el arte manierista es en realidad una resistencia al equilibrio clásico del arte del Alto Renacimiento. Este estilo apareció por primera vez entre los jóvenes pintores florentinos. En 1521, Rosso Fiorentino creó "Colocando a Cristo en la Cruz", que expresaba plenamente esta nueva propuesta artística. Contra el fondo del cielo profundo, las figuras se extienden como una telaraña. Esta composición de cuadrícula diagonal produce un impacto sorprendente que nunca antes se había visto en la historia de la pintura. Las figuras del cuadro están agitadas pero inmóviles, como si su inquietud hubiera sido congelada por un repentino estallido de lluvia helada. Los colores deslumbrantes y la luz brillante pero irreal realzan el efecto de pesadilla de la escena. En esta pintura, el artista pretende presentar una "visión interior" subjetiva, incluso fantástica. Si el arte italiano del Renacimiento combinaba armoniosamente el arte clásico y la naturaleza, entonces el arte del período manierista debía hacer que esta visión interior anulara la autoridad dual de la naturaleza y los antiguos, creando un estilo encantador. El estilo inquieto, obstinado y fantástico expresa la ansiedad. en lo profundo del alma humana.
Este tipo de ansiedad espiritual tiene sus raíces en el propio pintor. El amigo pintor de Rosso, Jacopo da Pontormo (Jacopo da Pontormo), era excéntrico y tímido. Finalmente se encerró en casa y se aisló del mundo exterior durante varias semanas, sin siquiera ver a sus amigos. Su sensible boceto "El estudio de una niña" refleja plenamente su propio carácter. El sujeto mira con preocupación la nada frente a él, como si recordara vagamente algún tipo de trauma mental, con la esperanza de retirarse por completo del mundo exterior a algún lugar seguro. . Lugar.
El estilo de Rosseau y Pontormo era de carácter anticlásico y representó la primera fase del período manierista, que pronto fue reemplazado por otro aspecto del mismo. En esta etapa, el artista ya no representa la agitación del alma, sino que presta más atención a los cambios formales en la imagen misma. No va abiertamente en contra de la tradición clásica y se trata menos de emociones subjetivas, pero aún así se desvía esencialmente del estilo seguro y firme del Alto Renacimiento. El Autorretrato en un espejo convexo de Parmigianio representa esta tendencia. En la pintura se puede ver que el artista tiene una apariencia amable y está bien arreglado, y la pintura está envuelta en una sutil neblina estilo Leonardo. La transformación de personajes no es aleatoria, sino intencionada. De hecho, esta transformación es el tema de todo el cuadro. Esta pintura registra la imagen del pintor reflejada en una lente convexa. Los pintores anteriores usaron espejos para ayudarlos a observar. Por ejemplo, Javn van Eyck usó espejos para examinar las imágenes y eliminar la distorsión. Al mismo tiempo, también usó espejos para reflejar directamente la misma escena en la pintura para aumentar la autenticidad de la imagen. ¿Por qué Pamir Giannino estaba tan interesado en pintar autorretratos vistos a través de un espejo? Tenía la intención de reemplazar las pinturas con espejos, y sus pinturas en realidad estaban pintadas sobre tablas convexas que había preparado especialmente para que parecieran una lente convexa. Quizás quiso demostrar que no existía una única realidad exacta y que la metamorfosis era tan natural como la forma normal de las cosas. Sin embargo, su distanciamiento científico pronto pasó al otro extremo. Parmigianino, como Rafael y Giorgione, fue un pintor de corta duración. Vasari registró en "Biografías" que antes del final de la vida de Parmigianino, estaba fascinado por la alquimia y estuvo tan absorto en ella todo el día que se olvidó de limpiarse. Distraído, se ha convertido en un salvaje." Es completamente diferente. del pintor en el autorretrato bien vestido.
Parmigianino vivió en Roma durante varios años. Poco después de regresar de Roma a su ciudad natal, Parma, creó su famoso cuadro "La Virgen del cuello largo". En Roma, debió haber estudiado cuidadosamente las obras de Rafael. En "La Virgen del cuello largo", podemos sentir el elegante encanto de Rafael, pero transformó a la madre biológica rafaelita en un nuevo tipo. Los miembros alargados, suaves como el marfil, son débiles y simbolizan un ideal de belleza. Están tan alejados de la naturaleza como lo están las figuras bizantinas. Las escenas de los personajes también están construidas al azar: una hilera de enormes columnas ocupa el centro de la imagen sin ningún propósito. Frente a ella se encuentra una figura de profeta desproporcionada con respecto a las columnas.
Toda la pintura no tiene valores clásicos como la naturaleza y la racionalidad propuestos durante el Renacimiento, y el pintor parece alterar deliberadamente nuestras expectativas e impedirnos medir todo en la pintura con los estándares de la experiencia diaria. En este sentido podemos entender el significado del manierismo, que se refiere principalmente a un estilo "artificial". "Artificial" es una palabra neutral y su significado despectivo es "pretencioso". Sin embargo, "La Virgen del cuello largo" utiliza un estilo obviamente "artificial" para expresar una visión perfecta de lo sagrado y de otro mundo. Su encanto frío y su poder conmovedor no son menos que la violencia de Rosso.
La exquisitez del arte manierista ha revivido en cierta medida la tradición modelada del arte medieval "Leonor de Toledo y su hijo Giovanni De "Eleanora of Toledo and Giovanni de' Medici" (Eleanora de Toledo y). Giovanni de' Medici) es un ejemplo típico. Lo primero que nos llama la atención es el hermoso y complicado patrón de vestimenta de la persona en el cuadro. El retrato de la persona pintado en esta lujosa vestimenta no tiene expresión, como una hermosa y suave estatua de porcelana, sin personalidad ni intimidad. El amor maternal, simplemente como símbolo de pertenencia social jerárquica superior. Por tanto, el arte manierista estaba especialmente en consonancia con los intereses de ciertos príncipes y nobles. El gran duque de Toscana apreciaba mucho este estilo, al igual que el rey Francisco I de Francia. El manierismo pronto se convirtió en un estilo internacional, al igual que el arte gótico.
El estilo manierista se inició en Florencia y floreció en Venecia. Tintoretto es una figura representativa del arte manierista veneciano. Tintoretto estudió pintura en el estudio de Tiziano, donde aprendió las habilidades pictóricas de su maestro. Sin embargo, fue un artista original. Como se mencionó anteriormente, había dos tendencias en el manierismo florentino, una era la tendencia clásica y la otra. de elegancia y elegancia. Tintoretto quiso combinar estas dos tendencias en una sola. Al mismo tiempo, según la leyenda, decidió "pintar como Tiziano y diseñar como Miguel Ángel". Lo que quería decir era combinar los colores de Tiziano con los bocetos de Miguel Ángel para crear un arte nuevo y único. De hecho, la relación entre Tintoretto y el arte de Tiziano y Miguel Ángel es tan extraña como la relación entre Parmigianino y Rafael. Tintoretto prefiere composiciones con una perspectiva fuerte, incluso abrupta. Los personajes de sus cuadros tienen posturas variadas y movimientos fuertes, a menudo con un fuerte efecto de escorzo. Criado en medio de la Contrarreforma, fue un hombre de otro mundo, de piedad ferviente y de circunstancias en constante cambio. Su carácter es completamente opuesto al de su maestro Tiziano.
Las pinturas religiosas de Tintoretto están llenas de revelación emotiva. Frente a su obra maestra "La Pasión de Cristo", nuestras almas quedarán impactadas de inmediato, como si escucharan un rayo, y también estaremos con él. Los personajes del cuadro también están perdidos y tambaleándose. La obra es una pintura panorámica que se extiende de pared a pared, recorriendo el friso y llegando hasta el techo. Las figuras en primer plano son más grandes que el tamaño natural, y otras innumerables figuras tienen grandes movimientos y una fuerte sensación de escorzo. Sin embargo, esta multitud aparentemente mezclada, iluminada por una luz de fantasía, forma una escena rica y colorida. Cristo es crucificado de forma aislada en la cruz. Las fuertes líneas diagonales de la imagen se cruzan en Cristo, formando un doble triángulo en el centro de la imagen, que tira firmemente de toda la imagen turbulenta y resalta los puntos principales.
Los cuadros complejos y turbulentos de Tintoretto siempre nos impactan tanto que no tenemos tiempo para apreciar los maravillosos detalles de los personajes que pintó. "La Última Cena" es su obra tardía más importante y la más espectacular. Sabemos que hace un siglo Leonardo da Vinci creó una obra maestra sobre el mismo tema. Las pinturas de Tintoretto niegan por completo el valor clásico encarnado en las obras de Leonardo. Aunque la imagen de Cristo todavía está en el centro de la imagen, la mesa del comedor ya no está al otro lado de la imagen, sino que está colocada en diagonal, creando una fuerte sensación de perspectiva en la imagen, de modo que la imagen de Cristo sentado en el centro es muy reducido. Sólo podemos confiar en que el halo brillante alrededor de su cabeza confirma esta imagen. El artista estaba claramente pintando una escena de la vida cotidiana, no un tema religioso. La imagen no sólo está llena de los Doce Apóstoles, sino también de otras personas. Hay recipientes para comida y vino por todas partes, así como pequeños animales domésticos. La escena es ruidosa y desordenada, llena de la atmósfera de la vida cotidiana.
Sin embargo, el artista no pintó estas cosas con el propósito de pintar escenas cotidianas. Su propósito era crear un contraste dramático entre los mundos natural y sobrenatural a través de esta atmósfera.
Hay participantes seglares y del cielo. El humo de la lámpara de aceite encendida se transforma milagrosamente en una nube sobre la que cabalgan ángeles que vuelan hacia Cristo, que da el pan y el vino (que representan su cuerpo y su sangre distribuidos a los apóstoles). . El traidor Judas estaba sentado al otro extremo de la mesa, demasiado pequeño para pasar desapercibido. La principal intención de Tintoretto en este cuadro no era representar el tumulto que suscitaron los apóstoles cuando escucharon al Señor decirles que alguien lo iba a traicionar, sino representar en una imagen visual el milagro de la transubstanciación eucarística: secular Cómo el pan y El vino se convierte en el cuerpo y la sangre de Jesús cuando son consagrados durante la Misa.
Después de Tintoretto, el pintor más importante de Venecia fue Paolo Veronese. Los dos pintores tienen estilos muy diferentes. Pero ambos son estrellas a los ojos del público. La obra representativa de Veronés es "Cristo en casa de Leví" (Cristo en casa de Leví). El tema es el mismo que "La Última Cena" de Tintoretto, pero la técnica de expresión y la concepción artística del cuadro son completamente diferentes. En primer lugar, Tintoretto involucra a los personajes de la imagen en una escena inquieta y caótica, lo que nos impide temporalmente ver los detalles de la imagen. Al igual que la sinfonía de Beethoven, lleva nuestras emociones a un clímax de repente, y Veronese restaura la calma del cuadro, con la intención de permitirnos participar con calma en las actividades del cuadro y reconocer cada movimiento de las personas que nos rodean. En sus pinturas no hay indicios de nada más allá de la naturaleza. A primera vista, la pintura parece pertenecer al Alto Renacimiento, medio siglo atrás. Tras una inspección más cercana, la pintura carece del concepto ideal del hombre que se enfatizaba en el arte del Alto Renacimiento. Veronés pintó un festín magnífico, un festín para los ojos, sin ninguna intención de expresar "la intención del hombre como alma". No está claro qué acontecimiento de la vida de Cristo pretendía representar. Este cuadro despertó el disgusto de la iglesia, y alguien lo demandó por añadir "payasos y otras cosas vulgares y estúpidas" al cuadro, que era sospechoso de blasfemia contra las cosas sagradas. Sólo cuando fue citado a juicio le dio al cuadro su nombre actual. Veronese niega los cargos que se le imputan e insiste en que tiene derecho a representar detalles sacados directamente de la vida, por "inapropiados" que sean. Veronese no concedía mucha importancia al tema de la pintura, porque creía que todo el mundo visible era el ámbito de expresión del pintor, en este ámbito sólo reconocía una autoridad, es decir, sus sentidos y sus ojos, y todo. otras autoridades deberían ser rechazadas. Por supuesto, la época de Veronese se opuso ferozmente a esta impactante visión. No fue hasta el siglo XIX que la gente la aceptó. Los pintores impresionistas no podían esperar a utilizar lemas de estilo Correggio para pintar sus cuadros al aire libre. En este sentido, se puede decir que Correggio es el pionero del arte realista occidental.