Las principales obras del movimiento Art Nouveau ```` también tienen contenido cultural utilizado para reflejar las condiciones de desarrollo de varios países ```` ¡Gracias! ! !

1. Francia

Como cuna del "Nuevo Arte", Francia formó dos centros poco después de su inicio: uno es la capital París y el otro es la ciudad de Nans (Nancy; ). Entre ellos, el alcance del diseño de París incluye muebles, arquitectura, interiores, decoración de instalaciones públicas, carteles y otros diseños gráficos, mientras que este último se centra en el diseño de muebles. La Torre Eiffel, diseñada por el ingeniero de puentes Gustave Eiffel (1832-1923) en 1889, puede considerarse una obra de diseño clásica del movimiento francés "Art Nouveau". Este edificio monumental está ubicado a orillas del río Sena y fue construido por el gobierno francés para mostrar sus logros desde la Revolución Francesa. Entre más de 700 propuestas de diseño, el plan de Eiffel que adoptó audazmente un diseño de estructura metálica ganó la licitación de una sola vez. La torre tiene 328 metros de altura y está sostenida por cuatro enormes pies de apoyo en un ángulo de 75 grados con respecto al suelo, saltando hacia el cielo en forma de parábola. Toda la torre utiliza más de 1.500 vigas gigantes, 2,5 millones de remaches y un peso total de 8.000 toneladas. Este edificio simboliza la civilización científica moderna y el poder mecánico, y presagia el advenimiento de la era del acero y la nueva era del diseño.

Durante el movimiento francés "Art Nouveau", no sólo surgieron tres organizaciones de diseño en París y Nantes: la Casa Art Nouveau, la Casa Moderna y el Grupo de los Seis, sino que también surgieron varios diseñadores famosos; La Casa del Art Nouveau lleva el nombre del estudio y oficina de diseño llamada Casa del Art Nouveau inaugurada por Samuel Bin en 22 rue de Provence en París en 1895: "Casa Moderna" de Julius Meyer-Graffi Lleva el nombre de la oficina de diseño y Centro de exposiciones inaugurado por Julius Meier-Graefe en París en 1898 llamado "Maison Moderne". El "Grupo de los Seis" se fundó en 1898 y es un grupo de diseño informal compuesto por seis diseñadores. Los diseñadores famosos dentro y alrededor de estas tres organizaciones incluyen a Emile Galle (1846-1904), Louis Major Elle (1859-1926) y Rane Laliqua 1860～1945) Eugène Grasset (Eugene Grasset 1841-1917), Jules chéret (Jules chéret), Toulouse Lautrec (1864～1901) Pierre Bonnard (1860～1945) Pierre Bonnard 1867-1947) y Héctor Guimard (1867-1942).

Amile Garay es el fundador de la Escuela Nans. Sus logros en el arte del diseño se reflejan principalmente en el diseño del vidrio. Exploró audazmente varias decoraciones correspondientes a los materiales, dando como resultado una serie de formas suaves y asimétricas, así como exquisitas decoraciones superficiales en ricos colores. Sus diseños en vidrio muestran una predilección por las formas circulares, un uso virtuoso de la línea y un tratamiento magistral de los motivos florales. Los patrones comúnmente utilizados son flores, hojas, tallos de plantas, mariposas y otros insectos alados de la naturaleza reflejados en una textura cremosa. Además, los muebles que diseñó son los mismos que sus obras de diseño en vidrio. Los temas decorativos son principalmente plantas exóticas y formas de insectos. Las flores y las flores y hojas entrelazadas constituyen el efecto decorativo de superficie único de estas obras, que se caracteriza por el simbolismo. . A menudo utilizaba marquetería para la decoración, haciendo que los muebles que diseñaba fueran bellos y elegantes. Su diseño de mobiliario más famoso es la "Butterfly Bed", diseñada en 1904. El vidrio y el nácar utilizados para el cuerpo y las alas de la mariposa transmiten la fina piel, y los patrones alternos en blanco y negro de la madera reproducen las marcas. de las alas.

Louis Majorelle es otro representante de Yugoslavia. Sus logros en el diseño se reflejan principalmente en herrajes para muebles. Al igual que Emile Garay, el trabajo de Louis Majorel fusionó elementos exóticos y tradicionales, incluidos los patrones de cacao Shilla, el estilo japonés y las formas orgánicas, así como formas y decoraciones inspiradas en la naturaleza.

La construcción y decoración de sus obras expresan ritmos fluidos, con contornos redondeados y líneas inclinadas que les dan un aire escultórico. En sus diseños es muy evidente la característica de que la función está subordinada a la decoración. Debido a los destacados logros de Majorelle en el diseño de muebles, se los conoce como muebles de "estilo Majorelle".

Los logros en diseño de René Lalique se reflejan principalmente en la joyería. Sus obras son el mejor testimonio del delicado y lujoso estilo Art Nouveau francés. En su diseño de joyas, utiliza una gran cantidad de patrones decorativos de la naturaleza, entre los cuales los patrones de plantas e insectos son los más comunes, y los procesa en formas extrañas. Además, la elección de los materiales también es imaginativa: imitaciones de piedras preciosas, oro de colores, esmalte, perlas irregulares y esquinas translúcidas. El cuerpo femenino es otro de los temas favoritos en los diseños de Lalique. El cuerpo femenino de las joyas está delicadamente tallado y es realista. Por ejemplo, entre las exhibiciones que envió al Salón de Artistas Franceses en 1895, había una joyería de libélula particularmente encantadora. Larique decoró este broche original con un cuerpo femenino desnudo. Fue la primera pieza de joyería Art Nouveau que presentaba un desnudo femenino y rápidamente se convirtió en objeto de imitación por parte de diseñadores de otros países europeos.

Después de Larique, la persona que ha logrado grandes logros en el diseño de joyería Art Nouveau es Eugène Grasset. Las joyas que diseña son únicas, originales y llenas de pasión, imaginación y fantasía. Una de las piezas más famosas es el colgante "Sylvia". Presenta un patrón botánico y está confeccionado con esmalte base sin metales y perlas de agua dulce.

Durante el período Art Nouveau, los carteles franceses y otros diseños gráficos también fueron muy destacados y fueron reconocidos por la comunidad del diseño como el lugar de nacimiento de la publicidad comercial moderna. En 1866, el maestro gráfico Jules Scherain aplicó la técnica de litografía en color aprendida en Inglaterra a la impresión publicitaria, haciendo que este método fuera muy popular y conocido como el "significado de la publicidad" moderno. Durante su vida, diseñó cientos de carteles caracterizados por líneas rococó y bloques de colores brillantes.

Después de Scheret, el diseño de carteles se desarrolló rápidamente y surgieron artistas famosos en gran número. Entre ellos, los carteles de Toulouse-Lautrec utilizaban bloques planos de colores brillantes y los carteles de Pierre Bonnard utilizaban letras en negrita y líneas gruesas. sigue siendo impresionante. Los carteles de espectáculos de cabaret "La reina feliz", "Jane Avre" y "Moulin Rouge" diseñados por Toulouse Lautrec pueden considerarse representantes de las nuevas obras gráficas del arte. Sus carteles utilizan líneas para delinear objetos y personajes, y eligen temas de la vida cotidiana que hacen que la gente se sienta amigable. Lo más original es su exageración de personajes, su ingeniosa disposición de textos y gráficos y su poderoso contraste. Los carteles y carteles diseñados por Alphonse Musa son conocidos como los diseñadores gráficos más destacados del movimiento Art Nouveau por sus fuertes características del movimiento Art Nouveau: curvas, formas naturales, alto grado de decoración, efectos planos, etc. Según estadísticas incompletas, Musa diseñó casi un centenar de carteles a lo largo de su vida, con un estilo que mezclaba una variedad de influencias japonesas, elegantes líneas con bloques de colores brillantes combinados con decoraciones geométricas del arte bizantino y árabe. Estos carteles, que rezuman un estilo bizantino y presentan figuras femeninas idealizadas rodeadas de ángeles, hojas de palma y mosaicos, elevan los carteles publicitarios al nivel de las bellas artes (Figura 3-9). Por ejemplo, el cartel que diseñó para "JANE AVRIL" en 1893 es el ejemplo más típico de este estilo.

En cuanto a las obras de Hector Kima, encarnan el mayor logro de la arquitectura Art Nouveau francesa. Su diseño más importante fue una serie de entradas al sistema ferroviario subterráneo de París. A principios del siglo XX, el gobierno de la ciudad de París le encargó diseñar más de 100 entradas del metro. Estas estructuras arquitectónicas estaban hechas básicamente de bronce y otros materiales. Fabricado en metal. Dio pleno juego a las características del naturalismo y lo diseñó para imitar la estructura de las plantas. Los techos y las barandillas de estas entradas imitaban las formas de las plantas, especialmente las ramas retorcidas de los árboles y las enredaderas enredadas. conchas marinas, increíble! Entradas, barandillas, señalización, pilares y luces eléctricas crean una mezcla armoniosa de formas orgánicas y abstractas.

2. Bélgica

El movimiento Art Nouveau en Bélgica ocupa el segundo lugar después de Francia. Las principales organizaciones de diseño incluyen el "Grupo de los Veinte" establecido en 1884 y la Sociedad Libre de Estética, que luego pasó a llamarse.

Entre sus representantes importantes se encuentran Victor Horata (1867-1947) y Henry Van de Velde (1863-1957).

Henry Van de Velde Wilder puede considerarse el diseñador, teórico del diseño y arquitecto más destacado de la Bélgica de finales del siglo XIX. Siglo XIX y principios del XX. Su afirmación de la maquinaria, la teoría de los principios del diseño y su práctica del diseño lo han convertido en uno de los fundadores más importantes en la historia del diseño moderno. Estableció una escuela de artes y oficios en Weimar, Alemania, en 1906, que se convirtió en el primer centro de educación en diseño moderno en Alemania y más tarde en la mundialmente famosa escuela de diseño Bauhaus. Durante su estancia en Bélgica, Wilder se dedicó al diseño de muebles, interiores, teñido y tejidos de estilo "Art Nouveau" y al diseño gráfico, por otro lado, como principal líder del "Grupo de los Veinte" y de la "Sociedad Estética Libre"; , lideró el movimiento de diseño belga Art Nouveau.

El movimiento Art Nouveau belga es conocido como el movimiento de vanguardia en la historia del diseño belga. Comenzó en la década de 1880. En 1881, Octave Maus fundó la publicación de arte democrática L'Art Moderne para promover nuevas ideas artísticas. Bajo su organización, un grupo de jóvenes interesados ​​en reformar el arte y el diseño formaron un grupo de vanguardia, el Groupe des Vingt, en 1884. Realizaron una serie de exposiciones de arte para mostrar el arte más vanguardista de Europa en ese momento. Sus obras permitieron a los belgas comprender el desarrollo del arte de vanguardia en ese momento y estar expuestos a las ideas del arte moderno. El grupo de veinte eligió a Wilder como su líder y, a partir de 1891, celebró un salón de diseño anual para mostrar una amplia variedad de diseño de productos y diseño gráfico. En 1894, el grupo pasó a llamarse "Sociedad de Estética Libre". En lo que respecta a los diseños personales, los diseños de Wilder utilizan muchas curvas, especialmente flores, plantas y ramas, que se enredan para formar patrones complejos. Esto se refleja más plenamente en su diseño gráfico y diseño de patrones textiles. El uso de formas lineales abstractas formó el lenguaje formal único de Wilder. El diseño de cubiertos, joyas, candelabros, teteras y otros artículos prácticos transmiten su fuerte ritmo del Art Nouveau. . Pudo trascender la imitación directa de la naturaleza para descubrir líneas vívidas y abstractas, creyendo que dichas líneas eran la esencia de la naturaleza. "La línea es poder" debería convertirse en la base de la "nueva" decoración. El candelabro que diseñó en 1899 puede verse como la encarnación de esta idea. Elabora hábilmente la teoría de las líneas del diseñador y transforma con éxito el ritmo de las ramas en curvas dispuestas de forma abstracta.

Víctor Horta es un demócrata radical que se dedica principalmente a la arquitectura y el interiorismo. Su diseño arquitectónico tiene dos características evidentes: en primer lugar, presta atención a la decoración y se inspira en las líneas de "látigo de cuerda". se pueden ver en todas partes y son muy prominentes en la decoración de paredes, puertas y escaleras; en segundo lugar, la estructura de acero expuesta y la superficie de vidrio del edificio; La Mansión Borla es una de las primeras obras maestras de Horta. El diseño arquitectónico se basa en el movimiento ondulante de finos patrones de hojas, ramas y volutas. El interior sigue un magnífico diseño Art Nouveau. El vestíbulo de entrada y la escalera, con sus vidrieras y pisos de mosaicos, están decorados con un patrón de líneas intrincadas que hacen eco del patrón intrincado de las balaustradas, columnas y capiteles de hierro forjado, las arcadas de cumbrera y el contorno circular de la escalera. La Mansión Horta es el pináculo de la carrera de diseño de Victor Horta y un hito en la arquitectura Art Nouveau.

4. España

Antoni Gaudí (Andonni Gaudí, 1852-1926) es el representante más importante del movimiento Art Nouveau español. Arquitecto y diseñador con un estilo único, provenía de un entorno humilde, hijo de un calderero corriente. Ha sido torturado por la neumonía toda su vida y ha guardado silencio desde que era un niño. Comenzó a estudiar arquitectura en Barcelona a la edad de 17 años y su inspiración para el diseño provino en gran medida de los libros que leía mucho. En sus inicios, tenía fuertes características de estilo árabe-morisco, que fue la etapa de "estilo árabe-morisco" de su carrera de diseño. En esta etapa, sus diseños no son simplemente retro sino eclécticos, mezclando varios materiales.

Un diseño típico perteneciente a este estilo son los Apartamentos Vincennes en el Barrio Carolina de Barcelona, ​​construidos entre 1883 y 1888. Las paredes de este diseño utilizan una gran cantidad de baldosas cerámicas esmaltadas como decoración con incrustaciones. A partir de su mediana edad, Gotti integró las características del estilo gótico en sus diseños y desarrolló la forma orgánica y el estilo curvilíneo del Art Nouveau al extremo, al tiempo que le dio un color metafórico misterioso y legendario, expresando emociones complejas en su diseño aparentemente indiferente. . El diseño más creativo de Gotti es la Casa Batlló, cuya forma simboliza el océano con detalles de animales marinos. Todo el edificio parece lleno de innovación a primera vista. Los marcos de piedra en forma de hueso que forman los ventanales del primer y segundo piso, las incrustaciones de vidrieras que cubren toda la pared exterior y las coloridas tejas presentan una continuidad inusual y le dan al edificio una vitalidad infinita. Las ventanas del apartamento fueron diseñadas para que parecieran crecer fuera de la pared, creando un extraño efecto ondulado. Más tarde diseñó la Casa Milá, que desarrolló aún más la forma del apartamento de Bartlow. La fachada se trata como una serie de ondulaciones horizontales. que la gran caída del edificio de varios pisos complementa las ondulaciones horizontales de la superficie. El apartamento no sólo es ondulado por fuera, sino que por dentro no hay ángulos rectos y se evitan en la medida de lo posible las líneas rectas y las superficies planas, incluidos los muebles. Los arcos parabólicos que utilizó producen techos de diferentes alturas debido a las diferentes luces, creando un increíble paisaje de tejados, donde todo el edificio parece un helado derritiéndose. Debido a su estilo extremo, el Apartamento Mira suscitó críticas entre los barceloneses, y los periódicos atacaron el diseño con varios apodos: como Cantera el Pate el avispero (la Cantera el Pate el avispero).

De todos los diseños de Gotti, el más importante hoy en día es la Sagrada Familia, en la que trabajó durante 43 años y que permaneció inacabada hasta su muerte. La iglesia fue encargada por Gaudí para diseñarla en 1881, y la construcción comenzó en 1884. Tardó 42 años en completarse y la construcción se suspendió muchas veces, principalmente por falta de recursos económicos. El diseño de la iglesia simula principalmente el estilo arquitectónico gótico medieval. El diseño original tenía 12 chapiteles, pero sólo se completaron 4. Aunque la aguja conserva el encanto gótico, la estructura se ha vuelto mucho más concisa. El interior y el exterior de la iglesia están cubiertos con esculturas y decoraciones de estilo estalactita, con vidrios de colores y piedras adheridas, como si estuvieran en un mundo mítico. Hay menos que una línea recta y no hay reglas claras, y está lleno de una atmósfera de desafío al estilo industrial del mundo.

Otro representante del "Art Nouveau" español es Louis Domenico Montaner (1850-1930). Su estilo de diseño está básicamente sincronizado con los estilos de Francia y Bélgica, pero se pone más énfasis en la función y lo representativo. El diseño es la Sala de Conciertos Katalalan.

5. Austria

El movimiento Art Nouveau en Austria fue iniciado por la Secesión de Viena. Fue un grupo de artistas, arquitectos y diseñadores de vanguardia fundado en 1897, originalmente conocido como Asociación Austriaca de Bellas Artes. Más tarde, debido a que declararon su separación del arte tradicional y ortodoxo, se llamaron a sí mismos "Secesión". Su lema es "Arte para los tiempos, libertad para el arte" (Der Zeit Ihre Kunst-der Kunst Ihre Freiheit). Entre los principales representantes se encuentran: el arquitecto Otto Wagner (1841-1918), Joseph Hoffmann (1970-1956), Joseph Oblrich (1867-1908), Koloman? Koloman Moser (1868-1918) y el pintor Gustav Klimit, etc.

Wagner fue un defensor del Art Nouveau austriaco. Se dedicó al diseño arquitectónico en sus inicios y desarrolló sus propias teorías.

Admiraba el clasicismo en sus inicios. Más tarde, bajo la influencia de la tecnología industrial, gradualmente formó sus propios puntos de vista. Sus enseñanzas se concentran en el libro "Arquitectura Moderna" (Moderne Architektur) publicado en 1895. Señaló que las nuevas estructuras y los nuevos materiales conducirán inevitablemente al surgimiento de nuevas formas de diseño. El estilo retro en el campo de la arquitectura es extremadamente absurdo. El diseño es para la gente moderna, no para el renacimiento clásico. Sus predicciones sobre la arquitectura del futuro son muy radicales, creyendo que la arquitectura del futuro será "como las líneas horizontales que eran populares en la antigüedad, techos tan planos como tableros, estructuras y materiales extremadamente simples y poderosos. Estas visiones son muy similares a las posteriores". Conocida como la "Bauhaus" representa la perspectiva arquitectónica modernista. Incluso creía que el núcleo de la arquitectura moderna es el diseño de sistemas de transporte o comunicación, porque los edificios son lugares donde los humanos viven, trabajan y se comunican, no sólo un espacio circundante vacío. Los edificios deben tener la comunicación, la comunicación y el transporte como consideraciones centrales de diseño, con el propósito de promover la comunicación y proporcionar funciones convenientes, y la decoración también debe cumplir este propósito. El apartamento nº 40 del Neustiftguss 40 de Viena, que diseñó y construyó entre 1900 y 1902, encarna su principio de diseño de "primero la función, después la decoración" y abandona cualquier rastro del estilo "Art Nouveau" para adoptar curvas naturalistas sin sentido. Formas geométricas y se adornan con algunas curvas para conseguir un efecto decorativo.

Aunque el edificio de apartamentos Majorica construido en 1899 puede considerarse una de las obras maestras de Wagner, la decoración exterior de todo el edificio es muy lujosa, con ladrillos de colores Majorica y simples rejillas verticales y horizontales en marcado contraste. Sin embargo, sólo sus últimas obras reflejaron verdaderamente el estilo único del Art Nouveau vienés, abandonando todas las decoraciones superfluas. Por ejemplo, el Edificio de la Secesión de Viena, construido en 1897-1898, hizo pleno uso de formas geométricas simples, especialmente formas cuadradas, y agregó algunos patrones vegetales en la superficie para que el diseño fuera muy consistente con la función y la decoración, en marcado contraste. a los edificios diseñados por Gaudí, que tienen una apariencia extraña y funciones deficientes.

Joseph Olbrich y Joseph Hoffmann fueron alumnos de Wagner y heredaron los nuevos conceptos arquitectónicos de Wagner. La Casa de la Secesión diseñada por Olbrich para la exposición anual de la Secesión de Viena resumió las características básicas de la Secesión con su estructura geométrica y su decoración minimalista. La alternancia de cubos y esferas forma el tema principal del edificio, tan simple como un monumento.

Comparado con Olbrich, Hoffmann logró mayores logros en el movimiento Art Nouveau, incluso más que su maestro Wagner. En 1903, inició la creación de Wiener Werksttate, una fábrica de artesanía similar a la Morris Design Office durante el movimiento artístico británico. Mientras producía muebles, productos metálicos y decoraciones, también publicaba revistas "Holy" y promocionaba su propio diseño. e ideas artísticas. A lo largo de su vida, Hoffmann logró grandes logros en diseño arquitectónico, diseño gráfico, diseño de muebles, diseño de interiores y diseño de artículos metálicos. La sencillez de la decoración destaca en sus diseños arquitectónicos. Debido a su preferencia por las formas cuadradas y tridimensionales, en muchos de sus diseños de interiores, como paredes, tabiques, ventanas, alfombras y muebles, los muebles en sí se tratan como una forma tridimensional parecida a una roca (Figura 3-18). . Llama la atención en sus diseños gráficos la repetición de formas gráficas como espirales y cuadrados en blanco y negro, y los elementos básicos de su planteamiento decorativo son la yuxtaposición de formas geométricas, líneas rectas y tonos contrastantes de blanco y negro. Esta técnica decorativa de gráficos a cuadros en blanco y negro fue inventada por Hofmann y los círculos académicos la apodan "Hofmann a cuadros" (Figura 3-19).

Klimt, que fue pintor, fue el artista más importante de la "Secesión de Viena". En su estilo pictórico, también utilizó una gran cantidad de figuras geométricas simples como composición básica y colores metálicos muy brillantes. , como el oro, la plata, el bronce y otros colores brillantes para crear cuadros muy decorativos, que causaron gran conmoción en el mundo de la pintura de la época. Los murales que diseñó para el edificio utilizaron técnicas de mosaico cerámico y utilizó sus hábiles habilidades de pintura para agregar mucho encanto al diseño.

Aunque Mosset, otro representante de la Secesión de Viena, pinta desde hace mucho tiempo, colaboró ​​muy estrechamente con los diseñadores de la Secesión. Su estilo de pintura decorativa es simple y brillante, en marcado contraste con el estilo de pintura de Klimt, que tiende a diseñarse en colores monocromáticos o en blanco y negro. Por ejemplo, el cartel de exposición que diseñó para la Secesión de Viena en 1898 es una obra típica del movimiento Art Nouveau.

6. Gran Bretaña

Como movimiento de diseño, las actividades de diseño del Art Nouveau británico se limitan principalmente a Escocia. Por tanto, su influencia en Gran Bretaña fue mucho menor que la del Movimiento Arts and Crafts. En este movimiento de diseño de influencia limitada, quienes alcanzaron mayores logros fueron los Cuatro de Glasgow: Charles Rennie Mackimtosh (1868-1928), Herbert Herbert Mcnair (1868-1953), Margaret Mcdonald (1865-1933), Frances Mcdonald (1874-1921). ). Desde la década de 1890 hasta principios del siglo XX, formaron una expresión única del Art Nouveau escocés en el diseño de arquitectura, interiores, muebles, vasijas de vidrio y metal, es decir, una nueva expresión del movimiento alterno de curvas suaves y verticales duras y elegantes. líneas, que también se conoce como "estilo de línea recta" en el círculo de la historia del diseño.

McIntosh no sólo es el líder de los "Cuatro de Glasgow", sino que su diseño encarna el "estilo de línea recta". Nació en Glasgow el 7 de junio de 1868. Su familia tuvo 11 hijos. Fue muy feliz desde niño y decidió dedicarse a la arquitectura desde muy joven. Aunque sus padres se opusieron, abandonó su hogar a los 16 años para estudiar pintura, arquitectura y participar en diseño. Sus campos de diseño son muy amplios e incluyen arquitectura, mobiliario, interiores, lámparas, cristalería, alfombras, tapices, etc. Al mismo tiempo, también tiene un gran talento en el arte de la pintura. La formación de su estilo de diseño estuvo influenciada en gran medida por las pinturas japonesas Ukiyo-e. Desde muy joven se ha interesado mucho por el uso de las líneas en la pintura japonesa Ukiyo-e, especialmente las líneas rectas y sencillas del arte tradicional japonés, utilizando diferentes disposiciones y disposiciones para conseguir efectos muy decorativos. Por supuesto, su estilo de diseño también se originó en los logros del Movimiento de Artes y Oficios británico, especialmente el desarrollo de varios experimentos liderados por William Morris, John Ruskin y otros, así como el movimiento del "Nuevo Arte" en otros países europeos. especialmente la influencia de figuras como la Secesión de Viena, que fueron vistas como precursoras del modernismo.

Como diseñador integral y destacado, McIntosh ha logrado grandes logros en el diseño arquitectónico. Sus primeros diseños arquitectónicos estuvieron influenciados por la arquitectura tradicional británica, por un lado, y tendían a adoptar líneas rectas verticales y horizontales simples, por el otro. Sus diseños arquitectónicos de mayor éxito son algunos de los edificios de la Escuela de Arte de Glasgow, que adoptan formas geométricas tridimensionales simples con interiores ligeramente decorados y son muy ricos en el espíritu del cubismo. El interior utiliza una gran cantidad de estructuras de madera, formas geométricas simples y coordinación entre el interior y el exterior para formar un estilo unificado. Para lograr un estilo de diseño altamente unificado, también unificó el diseño de muebles y útiles dentro del edificio. El mobiliario utiliza colores primarios, presta atención al uso de líneas verticales y utiliza líneas rectas para la decoración, aunque se evita la decoración excesiva. . Por ejemplo, el diseño de la biblioteca de la Escuela de Arte de Glasgow no tiene líneas decorativas suaves, sino formas geométricas abstractas y poderosas, que dan a la gente la impresión de música polifónica en un conjunto de formas abstractas. Otro ejemplo es el interior que diseñó para el Hill Building en 1902. Sus gráficos tridimensionales simples hacen eco de los gráficos similares en el piso, y este tono se extiende a los marcos de puertas rectangulares, techos, paneles de pared y lámparas geométricas. forma Domina el interior, formando un efecto general simple y espacioso. Otro ejemplo es el diseño de muebles, como sillas, armarios, camas, etc., que son todos únicos. En particular, la silla con respaldo que diseñó tiene una forma completamente negra, lo que rompe por completo con las limitaciones. de cualquier forma tradicional y trasciende cualquier expectativa de imitación de formas naturales.

A juzgar por una gran cantidad de obras, el estilo de diseño de Glasgow representado por McIntosh se refleja concentradamente en el uso de contenidos y técnicas decorativas. En concreto, la decoración de la superficie sigue un estricto patrón de líneas, principalmente líneas verticales ligeramente curvadas que a menudo terminan en un óvalo, así como cuadros y rosetas estilizadas. La paleta de colores es apagada, limitada principalmente a oliva pálido, lavanda, crema, blanco y claro; y hermosos colores compuestos de gris y plateado; la postura meditativa de la mujer alargada también es muy prominente en sus diseños, aunque las líneas decorativas son más estables, sus efectos visuales no cambiarán, y la mayoría de los patrones de superficie son abstractos y complejos, salpicados de formas simbólicas; , que, como la mayoría de los diseños Art Nouveau, se comunican con la naturaleza; las líneas verticales curvas son las mismas que los patrones ovalados y en forma de celda, y las hojas estilizadas y los capullos de rosas le dan a la obra un ambiente dinámico que continúa creciendo.

7. Estados Unidos

En el campo del arte aplicado, el famoso diseñador influenciado por el movimiento Art Nouveau es Will H. Bradley (1868～1962), se le puede llamar un representante del diseño gráfico Art Nouveau. Bradley inicialmente se dedicó al diseño basado en el estilo de línea de Beardsley. Se puede decir que el trabajo de Beardsley tuvo una influencia decisiva en el estilo de diseño gráfico de Bradley. Esta influencia se puede ver claramente en el cartel "CHAPBOOK" que diseñó en 1895 y en "Twin Sisters", que los críticos consideran "el primer cartel de arte nuevo en los Estados Unidos con patrones decorativos y patrones planos de cabello rizado". fondo con estilo.

Las obras de Bradley de 1894 reflejan el enfoque puramente decorativo y altamente "moralista" de los diseñadores del movimiento británico Arts and Crafts, como el diseño de la portada de Storybook. Sin embargo, en la carrera de diseño posterior, también resumió algunas técnicas nuevas, como la repetición de patrones de líneas para establecer áreas tonales de textura en lugar de depender únicamente del contraste entre el blanco y el negro. Se utilizó el blanco y el negro para resaltar colores y líneas decorativas. Estas nuevas técnicas y otros estilos de diseño personal que resumió se reflejaron concentradamente en las ilustraciones que dibujó para la edición estadounidense de R.D. "Cover Design", ilustraciones para "Like" de Edmond Spencer y el diseño del cartel "Victor Bisikli".

Louis Comfort Tiffany (1848-1933) es una figura representativa en el campo del diseño artístico y artesanal.

Tiffany se dedica principalmente al diseño de utensilios cotidianos, especialmente al diseño en vidrio. Antes de que el movimiento Art Nouveau afectara a los Estados Unidos, los prototipos de diseño de vidrio de Tiffany procedían principalmente de Europa, pero en la última década del siglo XIX, sus obras se convirtieron en el modelo para el diseño de vidrio europeo.

Los logros de Tiffany en el campo del diseño de vidrio son únicos. No solo diseñó la lámpara de escritorio más popular y de moda en la sociedad estadounidense a finales de la década de 1890, la lámpara de escritorio de vidrieras, sino también a finales del siglo XIX. y siglo XX A principios de siglo se lanzó la famosa serie de jarrones "Favrel". En el diseño anterior, las lámparas de colores con forma de cristal suavizan enormemente la dura luz de las bombillas incandescentes. La base de bronce está hecha de raíces y postes de árboles, y de la forma irregular cuelga una pantalla de vidrieras decorada con lirios, lotos o glicinas, lo que le da un ambiente natural y romántico, y este último diseño introduce nuevos efectos de color, en su mayoría iridiscentes. , imitando cristalería antigua desgastada, a veces superpuesta con patrones estilizados de flores, plumas de pavo real y ondas de peine para realzar el efecto de color.

En el campo del diseño arquitectónico, antes de que el movimiento Art Nouveau se introdujera en los Estados Unidos, se había formado en los Estados Unidos la famosa "Escuela de Chicago". Esta escuela defendía que la función arquitectónica es lo primero y "la función arquitectónica es lo primero". la forma siempre obedece a las necesidades de la función. Esta escuela es una ley inmutable" y "la función permanece sin cambios y la forma permanece sin cambios". Entre sus figuras representativas se encuentran los arquitectos Beruhem, Jenney, Adler, Holabird y Louis Sullivan (Louis Sullivan, 1856amp; 1924), etc.

Gracias al trabajo de estos arquitectos se inició un auge en la construcción de rascacielos en Estados Unidos, comenzando en Chicago.

Louis Sullivan es el representante más importante de la Escuela de Chicago. Hizo contribuciones sin precedentes a la arquitectura Art Nouveau estadounidense. En 14 años diseñó más de 100 rascacielos en Nueva York, Missouri, Chicago y otros lugares. Sus primeras obras arquitectónicas expresaron el deseo de imponer el lenguaje arquitectónico del estilo románico a las formas modernas. El edificio de su auditorio tenía arcadas que rodeaban las ventanas sobre un piso inferior tosco. Dentro del edificio, Sullivan había comenzado a utilizar decoraciones florales. El trabajo de diseño arquitectónico más destacado de Sullivan es el diseño del centro comercial Carson Pirisk & Company. La simplicidad del centro comercial convirtió el diseño en el prototipo básico de innumerables edificios comerciales y de oficinas en el siglo XX. La suntuosa decoración de hierro fundido Art Nouveau encima y alrededor de la entrada principal es quizás la decoración arquitectónica más destacada de Sullivan. Los dos pisos inferiores del centro comercial son tiendas y los diez pisos superiores son edificios de oficinas. Los marcos de acero están cubiertos con baldosas de cerámica blanca y tienen hileras de grandes ventanales, lo que refleja plenamente su pensamiento arquitectónico moderno de "la forma sigue a la función". Particularmente digno de mención es el "Chicago Grand Theatre" diseñado por Sullivan y Adler. Sullivan utilizó parapetos de techo plegables y barreras verticales para alejar el sonido del escenario con muchos arcos circulares suspendidos y transmitirlo al público en la parte trasera del teatro. , logrando que el teatro con capacidad para 3.000 personas consiga una acústica perfecta. En el exterior del edificio, Sullivan cambió los materiales de la fachada del teatro, utilizando piedra rústica de granito en los tres pisos inferiores y arenisca en el cuarto piso superior, enfatizando la verticalidad de las paredes del edificio.

Después de Sullivan, Frank Lloyd Wright (1869-1959), que alguna vez trabajó en Sullivan Architectural Office, desarrolló aún más las ideas arquitectónicas Art Nouveau de Sullivan, entre las que se reflejaron principalmente en la selección de nuevos materiales y la consideración de la coordinación. entre arquitectura y medio ambiente, propuso el famoso concepto de "arquitectura orgánica". Wright es considerado uno de los más grandes arquitectos de los tiempos modernos. Sus diseños arquitectónicos de la década de 1890 mostraron una fuerte tendencia por la decoración de superficies, como su diseño para la Casa McAfee en 1894, que es un ejemplo típico. A partir de 1895, Wright incorporó elegantes formas verticales y curvas en sus diseños arquitectónicos de herrería. En 1904, el uso de líneas verticales y patrones superficiales en estas obras decorativas se había convertido en el estilo personal de Wright.