Conocimientos y métodos básicos de la fotografía.

Conocimientos y métodos básicos de la fotografía

Introducción: No importa lo que aprendas, debes comenzar desde lo básico. Si sientas una base sólida, será cada vez más fácil en el futuro. En el futuro, si la base no es sólida, será difícil más adelante. Por lo tanto, para tomar buenas fotografías, primero debes dominar los conocimientos básicos de fotografía. Los siguientes son los conocimientos y métodos básicos de fotografía que he recopilado cuidadosamente para todos. ¡Puede consultarlos!

1. La forma correcta de sujetar la cámara

Dentro de los conocimientos básicos de fotografía, lo más importante es sujetar la cámara con firmeza. No importa qué tan bien domines otros elementos y técnicas fotográficas, siempre que haya vibración en el momento de disparar, la calidad de la foto se reducirá considerablemente debido al desenfoque de la imagen.

Aunque se puede utilizar un trípode para reducir la posibilidad de vibración, la mayoría de las veces se utilizan cámaras portátiles para disparar, y durante el "momento decisivo", los fotógrafos a menudo no pueden dedicar tiempo a configurar la cámara. Trípode y cámara segura.

En comparación con las cámaras tradicionales, las cámaras digitales tienen mayores requisitos de estabilidad de disparo. Esto se debe a que los componentes electrónicos requieren un período de tiempo adicional para almacenar información, lo que a menudo se denomina "retraso".

1. La postura correcta para sostener el teléfono

Ya sea que esté de pie, sentado o arrodillado, la postura correcta para sostener el teléfono debe ser:

( 1), mantenga la posición de apretón de manos en el costado de la cámara con la mano derecha y toque ligeramente el botón del obturador con el dedo índice para prepararse para disparar en cualquier momento.

(2). Sostenga la parte inferior del cuerpo de la cámara con la palma de su mano izquierda y sostenga la cámara con el pulgar y el índice para estabilizar la lente.

(3). Mantenga los brazos cerca de su cuerpo, trate de mantener un estado caído natural y acérquese a su cuerpo. Nunca encorves los hombros. Porque disparar con los hombros encorvados durante mucho tiempo provocará fatiga en las articulaciones de los hombros, lo que dificultará la estabilización de la cámara.

(4) Al sostener la cámara verticalmente para disparar, generalmente la mano izquierda está en la parte inferior y la mano derecha en la parte superior. Preste atención a que el brazo izquierdo esté cerca del cuerpo.

2. Precauciones al tomar fotografías estando de pie o sentado

(1) Al tomar fotografías estando de pie, debe separar ligeramente los pies o pararse hacia adelante y hacia atrás, para que todo el cuerpo pueda apoyarse sobre los pies. Será mejor si puedes apoyarte en algunos objetos fijos, como apoyarte en el tronco de un árbol o en una pared.

(2) La estabilidad al sentarse para fotografiar ya es muy alta, pero aún puedes usar objetos externos para estabilizar aún más tu cuerpo. Apoyarse en el respaldo de una silla o una mesa es una buena opción.

3. Precauciones al arrodillarse para tomar fotografías

Al arrodillarse para tomar fotografías, el pie izquierdo debe estar arqueado, el pie derecho debe estar arrodillado y la mano izquierda sosteniendo el La parte inferior del fuselaje debe apoyarse sobre el arco del pie izquierdo. En circunstancias normales, es difícil estabilizar el cuerpo al disparar de rodillas. Es mejor apoyarse en objetos fijos, como árboles, paredes, etc.

4. El importante papel de la correa de la cámara

Coloca la correa de la cámara en tu muñeca, sujétala en la boca del tigre y envuélvela dos veces antes de apretarla. Pasa el pulgar por la. bucle y luego sosténgalo firmemente La cámara integra la cámara y la mano derecha en uno, lo que no solo reduce el temblor de la mano, sino que también permite sostener la cámara cuando se suelta accidentalmente, evitando que caiga al suelo y. siendo dañado. 2. El uso de la luz

Las fotografías son productos artísticos de luces y sombras. No es exagerado llamar a la luz el alma de la fotografía. Para tomar buenas fotografías, debes dominar el elemento clave de la luz.

1. Naturaleza de la luz

(1) Luz directa

En clima soleado, el sol incide directamente sobre el sujeto sin ninguna obstrucción. la luz producirá sombras brillantes y el lado que no recibe luz directa formará sombras obvias. Este tipo de luz se llama "luz directa". Bajo "luz directa", habrá un contraste muy obvio entre la superficie receptora de luz y la superficie no receptora de luz, por lo que es fácil crear un efecto tridimensional.

Cuando el sol está bloqueado por nubes delgadas, la luz del sol aún penetrará a través de las nubes blancas y se difundirá, y el contraste de iluminación resultante se reducirá, lo cual es muy adecuado para la fotografía de retratos.

　(2) Luz dispersa

En un día nublado, la luz del sol es bloqueada por las nubes y no puede brillar directamente sobre el sujeto. Solo puede llegar al sujeto a través de un medio intermedio o a través. La luz se dispersa en los objetos, y este tipo de luz se llama "luz dispersa". Dado que la superficie receptora de luz y la superficie de sombra formada por la luz dispersa no son obvias, el contraste entre la luz y la oscuridad también es débil y los cambios en la luz y la sombra son más suaves, el efecto resultante es relativamente opaco y suave.

La "luz directa" producirá una luz con un fuerte contraste, lo que dará como resultado sombras más espesas, menos cambios de tono y líneas y tonos más duros en las imágenes capturadas. La "luz dispersa" producirá luz con un contraste débil, por lo que las sombras serán más claras, los cambios tonales serán más ricos y se producirán líneas y tonos de imagen más suaves. Por lo tanto, los fotógrafos deben elegir la luz adecuada según las diferentes situaciones.

2. Diferentes direcciones de proyección de la luz

Al fotografiar la misma escena, utilizar la luz proyectada desde diferentes direcciones producirá diferentes efectos.

(1)Luz frontal

La luz que proviene de detrás de la cámara e incide en el sujeto desde el frente se llama "Luz frontal". Las características de la iluminación de "luz suave" son: la mayoría de los sujetos están iluminados directamente, el área de sombra no es grande y el tono del sujeto es relativamente claro. El contraste de luz y oscuridad formado por este tipo de luz es débil y la sensación tridimensional del objeto no puede reflejarse principalmente por la luz de iluminación, sino que se expresa por sus propias fluctuaciones. Por tanto, el efecto tridimensional es débil.

(2) Luz lateral frontal

La luz proyectada desde la parte trasera izquierda o derecha de la cámara hacia el sujeto se denomina "luz lateral frontal". La mayoría de los objetos que reciben luz recibirán luz y la superficie brillante resultante será grande, por lo que el tono de la sombra será más brillante. El área de sombra producida por los objetos sin luz no será demasiado grande, pero sí la luz y. Se puede expresar la distribución oscura y la forma tridimensional de los objetos. Este tipo de luz no sólo puede retener un tono más brillante, sino también mostrar la forma tridimensional del sujeto.

(3) Luz lateral

La luz que proviene del lado izquierdo o derecho de la cámara se llama "luz lateral". Permite que la mitad del sujeto reciba luz, mientras que la otra mitad está en la sombra, lo que resulta beneficioso para expresar el estado ondulante del sujeto.

Dado que la iluminación de "luz lateral" aumenta el área de sombra del objeto, el tono de la imagen no es ni brillante ni oscuro, y es mitad claro y oscuro, que no es tan brillante como el producido por "luz frontal" y "luz frontal", pero no demasiado lúgubre. La forma tridimensional funcionará mejor.

(4) Retroiluminación lateral

La luz que proviene del frente izquierdo o derecho de la cámara se llama "retroiluminación lateral". Crea una pequeña parte de la superficie receptora de luz y una gran parte de la superficie de sombra del objeto, por lo que el tono será más oscuro. El efecto tridimensional producido por este método de iluminación sobre el objeto será mejor que el de la "luz suave", pero aún es débil.

(5) Luz de fondo

La "luz de fondo" es la luz que proviene de detrás del sujeto y brilla hacia la cámara desde el frente. El sujeto está mayoritariamente en la sombra. Debido a que el contraste de luz es débil, el efecto tridimensional también es débil y el tono es sombrío. Sin embargo, la "luz de fondo" se puede utilizar para delinear la silueta y el contorno de un objeto. También puede resaltar la textura y la forma del objeto y mostrar claramente las líneas del objeto. El uso de "luz de fondo" en un clima brillante creará un fuerte contraste.

(6) Luz superior

La luz que proviene de arriba del sujeto se llama "luz superior". Los rayos del sol al mediodía son un buen ejemplo. La "luz superior" a menudo crea sombras fuertes sobre el sujeto. Si se usa para fotografía de retratos, se formarán sombras oscuras en la cara, como debajo de la nariz, las cuencas de los ojos y debajo de la mandíbula.

(7) Luz inferior

La fuente de luz de la "luz inferior" se encuentra debajo del sujeto. Este tipo de luz es menos común en la experiencia de la vida diaria, por lo que tiene efectos extraños y dramáticos y rara vez se usa en situaciones de fotografía general.

3. Contraste de luz

"Contraste" se refiere a la relación entre los tonos "más brillantes" y "más oscuros" del sujeto. El llamado "fuerte contraste" significa que la diferencia entre la parte más brillante y la más oscura del cuerpo del sujeto es grande, y el cambio de la más brillante a la más oscura es muy drástico y el contraste es muy fuerte.

Por el contrario, "contraste débil" significa que la diferencia entre la parte más brillante y la más oscura no es demasiado grande, y el cambio de la parte más brillante a la más oscura es muy suave, lo que hace que el tono del color sea muy rico. 3. Composición fotográfica

La composición es el proceso de abordar la relación entre personas, paisajes y objetos dentro del espacio limitado de la foto, y organizar los tres en la mejor posición en la imagen para formar una estructura específica. de la imagen.

El objetivo principal de la composición es enfatizar y resaltar el escenario temático, mientras se organizan adecuadamente las cosas tediosas y secundarias como complementos. Una buena composición hace que las fotografías luzcan uniformes, estables, cómodas y regulares, y puede guiar la vista hacia el punto del sujeto. Una composición inadecuada provocará problemas como desorden, desequilibrio, sobrecarga y falta de enfoque visual debido a demasiados sujetos.

1. Precauciones de composición

Para obtener una buena composición fotográfica debes prestar atención a los siguientes puntos:

(1) La foto no debe ser demasiado monótono, de lo contrario la foto se verá aburrida. Pero no debería ser demasiado complicado o resultará confuso.

(2) Elija un fondo adecuado. Un buen fondo no sólo ayuda a resaltar el sujeto y resaltar al protagonista, sino que también enriquece el contenido de la foto y añade color a la imagen.

(3) Comprender la relación entre las personas, el paisaje y los objetos de la fotografía y organizarlos adecuadamente para expresar el tema de manera efectiva y evitar eclipsar al sujeto.

(4) Considera el contraste de color de cada escena. Un contraste nítido puede ayudar a resaltar un sujeto, pero los colores confusos pueden tener el efecto contrario.

(5) Es necesario dominar el ángulo de la luz y las sombras claras y oscuras resultantes, que afectarán el color y el efecto de la foto.

(6) Haz más uso de los cambios en la iluminación, la perspectiva, la superposición y los patrones de sombras, lo que ayudará a agregar una sensación tridimensional a una foto plana.

2. Utiliza diferentes ángulos de disparo para crear diferentes composiciones.

La mayoría de los objetos fotografiados son tridimensionales y presentan muchas caras. Hay superficies frontal, lateral, trasera, superior e inferior. Tomar el mismo sujeto desde diferentes direcciones y ángulos hará que la imagen muestre una variedad de efectos de composición. Por lo tanto, antes de disparar, debes observar y comparar objetos desde diferentes direcciones y ángulos para encontrar el mejor punto de vista, el más expresivo y vívido para encontrar la composición más adecuada.

(1) Disparo frontal.

La toma de frente es el ángulo fotográfico más utilizado. Disparar desde el frente produce una composición majestuosa y estable. Pero las líneas suaves y las estructuras simétricas también pueden parecer aburridas debido a la falta de perspectiva. Y en muchos casos, el sentido tridimensional del objeto no se puede resaltar porque los objetos reciben condiciones de iluminación similares.

(2)Plano lateral.

Utilizando un ángulo de fotografía oblicuo, las líneas paralelas originales de la imagen se convierten en líneas diagonales, dando una sensación de profundidad, lo que puede llevar los ojos de las personas más profundamente y mejorar la sensación tridimensional. Y extender la línea de visión a lo largo de la línea diagonal también hará que la imagen sea más vívida. A medida que cambia el ángulo del lado oblicuo, el efecto de perspectiva también cambiará de manera interesante.

(3) Disparo mirando hacia arriba.

Disparar mirando hacia arriba se refiere a disparar desde un ángulo diagonal hacia arriba y se utiliza principalmente para fotografiar paisajes altos. Este tipo de ángulo de disparo no sólo puede capturar la vista panorámica de un paisaje alto, sino también crear una sensación de perspectiva de líneas verticales del suelo que convergen hacia arriba. También puede resaltar las características imponentes del objeto y aumentar la sensación de opresión.

(4) Disparo desde arriba.

Disparar desde arriba es disparar de arriba hacia abajo. Mirar hacia abajo desde un lugar alto puede capturar una amplia gama de paisajes, por lo que se utiliza a menudo en fotografía de paisajes de gran angular. El uso del método de fotografía aérea en la fotografía de retratos puede aportar un efecto de esbeltez al protagonista.

3. La "Regla de los Tercios" en composición

La "Regla de los Tercios" fue propuesta por matemáticos griegos. Los fotógrafos a menudo pueden tomar muchas fotografías armoniosas y agradables aplicándolo a la composición de las fotografías. El método específico es: use dos líneas rectas y dos líneas horizontales para dividir la imagen en 9 cuadrados del mismo tamaño. Al disparar, coloque al sujeto en la intersección de líneas rectas y horizontales.

La "Regla de los Tercios" se puede aplicar a cualquier fotografía de personas y paisajes.

4. Selección de fondo y primer plano

La diferencia de color, forma, línea, textura, luz y sombra entre el fondo o primer plano y el tema creará contraste y resaltará el tema. . usar.

(1) Fondo sencillo y suave.

Un fondo simple no quitará el estado del tema y ayudará a resaltarlo. Pero un fondo demasiado simple y monótono hará que la foto sea demasiado aburrida.

(2) Evite fondos desordenados.

Un fondo desordenado hará que la foto parezca muy confusa y, peor aún, dificultará la identificación del sujeto.

(3) Evite demasiadas personas y cosas en primer plano.

Si hay demasiadas personas y objetos en primer plano, será difícil resaltar el sujeto, lo que dañará seriamente el efecto general de la foto.

5. Patrones básicos de composición fotográfica

(1) Composición equilibrada y estable

Equilibrio es equilibrio. Se distingue de la simetría. La imagen compuesta de esta forma no es una correspondencia uno a uno entre las formas, cantidades, tamaños y disposiciones del paisaje en los lados izquierdo y derecho, sino diferentes disposiciones de formas, cantidades y tamaños iguales o similares, que brinda a las personas estabilidad visual y es una especie de El equilibrio de respuesta de formas y cantidades anormales es un equilibrio artístico que utiliza reglas de perspectiva y hábitos visuales como peso cercano y luz lejana, cerca grande y muy pequeño, profundidad y peso, luz superficial, etc. . Por supuesto, el equilibrio también incluye el equilibrio simétrico.

La composición equilibrada da a las personas una sensación de tranquilidad y estabilidad, pero no tiene la apariencia aburrida y sin vida de la simetría absoluta. Por lo tanto, es una forma comúnmente utilizada por los fotógrafos en la composición. a la composición fotográfica. Uno de los requisitos básicos.

Para formar una composición equilibrada, la clave está en elegir un buen punto de equilibrio (objeto en equilibrio). ¿Qué es un punto de equilibrio? Esto debe encontrarse desde la perspectiva del efecto artístico. Siempre que la posición sea adecuada, los objetos pequeños pueden equilibrarse con los objetos grandes, los objetos distantes también pueden equilibrarse con los objetos cercanos y los objetos en movimiento también pueden equilibrarse con los objetos estáticos. Los objetos y el paisaje bajo también pueden equilibrar el paisaje alto. Es necesario practicar y aprender más para hacer un buen uso de esta habilidad artística.

(2) Romper el equilibrio

Con el desarrollo y el progreso de la sociedad, algunos fotógrafos de moda creen que el equilibrio no es emocionante y no refleja el ritmo y las características de la vida en el nuevo época Abogan por romper el equilibrio, y también practican sus puntos de vista y producen algunas obras desequilibradas. A la composición de estas obras la llamamos composición desequilibrada. La vida es diversa y en la vida real hay tanto equilibrio como desequilibrio. La forma puede elegirse arbitrariamente siempre que satisfaga las necesidades del contenido y la intención creativa.

La composición desequilibrada tiene las características de inestabilidad, falta de armonía, tensión, excitación y agitación. Es ideal para expresar el impulso de la imagen de la escena; tiene ventajas de la reflexión psicológica para expresar emociones inquietas, movimientos descoordinados o atención inconsistente y expresiones diferentes como mostrar la crueldad de la guerra y la tormenta revolucionaria, escenas desordenadas y otras escenas. , también puede lograr buenos efectos visuales.

(3) Composición del encuadre

La composición del encuadre utiliza algo de primer plano para encuadrar al sujeto. Los más utilizados incluyen ramas, arcos, barandillas bellamente decoradas y puertas de pasillo. Esta composición centra naturalmente la atención en el tema y ayuda a resaltarlo. Por otro lado, los bordes bien enfocados, aunque atractivos, pueden ir en contra del sujeto. Por lo tanto, las composiciones basadas en cuadros a menudo se coordinan con el ajuste de la apertura y la profundidad de campo para hacer que el paisaje alrededor del sujeto sea claro o borroso, permitiendo a las personas enfocarse naturalmente en el sujeto.

(4) Composición de triángulo rectángulo

La composición de triángulo rectángulo generalmente utiliza un lado vertical de la imagen como un lado rectángulo del triángulo y la base como el otro lado rectángulo del triángulo. Este tipo de composición presta mayor atención a la direccionalidad del tema. La dirección de movimiento o el encaramiento del escenario debe ser hacia la hipotenusa del triángulo, dejando espacio frente al objeto en movimiento o el encaramiento del escenario para proporcionar una salida.

La composición en forma de triángulo rectángulo se puede utilizar en pancartas o imágenes verticales. Su característica es que las líneas rectas verticales pueden mostrar el paisaje imponente y las líneas horizontales inferiores tienen sentido. de estabilidad, estabilidad y están llenos de movimiento. Tiene las ventajas duales de la forma de triángulo rectángulo y la composición de forma de triángulo invertido. Al mismo tiempo, los lados derecho e izquierdo son flexibles y cambiantes. entre los fotógrafos, por lo que se utiliza a menudo.

La flexibilidad de la composición de la forma del triángulo rectángulo también se refleja en el hecho de que se puede utilizar con una base larga o un lado vertical corto o una base corta o un lado vertical largo. Siempre que una de las tres esquinas pueda formar un ángulo recto, se puede utilizar este tipo de composición formal.

(5) Composición circular

La composición circular organiza el paisaje en el centro de la imagen, y el centro del círculo es el centro visual. La composición circular parece un grupo unido, que se representa mediante un diagrama esquemático, formando un círculo en el centro de la imagen.

Composición circular, además de los objetos circulares que expresan sus círculos de esta manera, en realidad hay muchas escenas donde se puede utilizar la composición circular para expresar la unidad, tanto en la forma como en la voluntad. Por ejemplo, muchas personas firman autógrafos alrededor de un modelo heroico, muchos niños escuchan atentamente al anciano contar historias, los niños juegan en círculo, etc., puedes elegir una composición circular.

La composición circular da a las personas una sensación de unidad y ninguna sensación de soltura, pero este modo de composición carece de vitalidad, impacto y vitalidad.

(6) Composición en forma de S

La forma de S es en realidad una curva, pero esta curva es una curva regular y estereotipada. La forma de S tiene la ventaja de una curva, que es elegante, llena de vitalidad y encanto. Al mismo tiempo, la línea de visión del lector se mueve en profundidad junto con la forma de S, lo que puede expresar eficazmente la sensación de espacio y profundidad de la escena.

Existen dos tipos de composiciones en forma de S: verticales y horizontales. La vertical puede expresar la profundidad de la escena, mientras que la horizontal puede expresar la amplitud de la escena. La composición en forma de S se centra en la imagen general que se combina estrechamente con líneas y tonos, más que en las conexiones internas o ecos entre las escenas.

La composición en forma de S es más adecuada para expresar el paisaje curvilíneo. En fotografía de paisajes naturales, puede elegir ríos sinuosos, caminos sinuosos en patios, caminos sinuosos en minas, etc.; en fotografía a gran escala, puede elegir escenas como colas para ir de compras, desfiles, etc. al fotografiar de noche, Puedes elegir caminos sinuosos. La trayectoria de las luces de la calle y de los coches, etc.

(7) Composición en forma de cruz

Una composición en forma de cruz es una intersección vertical de una línea vertical y una línea horizontal. Da a las personas una sensación de estabilidad, solemnidad y seriedad, expresa madurez y misterio, y es saludable y ascendente. Debido a que la cruz recuerda más a la cruz de la iglesia, a la cruz roja del departamento médico, etc., crea una sensación de misterio.

En una composición en forma de cruz, no es aconsejable hacer que las líneas horizontales y verticales tengan la misma longitud. Generalmente, es mejor hacer la línea vertical más larga y la línea horizontal más corta; las dos líneas no deben dividirse en partes iguales, especialmente la línea vertical. Generalmente, la mitad superior es más corta y la mitad inferior es mejor. Debido a que las dos líneas tienen la misma longitud y están igualmente divididas por la intersección, le da a la gente una sensación de simetría. La falta de omisión e impulso debilitará su poder expresivo.

Las escenas de composición en forma de cruz no siempre son una simple intersección de dos líneas horizontales y verticales, pero las escenas que son similares a una composición en forma de cruz pueden utilizar una composición en forma de cruz. Por ejemplo, en un retrato frontal, la cabeza y la parte superior del cuerpo se pueden ver como líneas verticales, y los hombros izquierdo y derecho como líneas horizontales, la altura y la estructura horizontal de un edificio, etc. También se puede decir que cualquier cosa que pueda formar visualmente una imagen en forma de cruz se puede utilizar en una composición en forma de cruz. 4. Apertura, obturador, enfoque, profundidad de campo

El control de la exposición depende principalmente del tamaño de la apertura y de la velocidad del obturador. Para aprender a disparar manualmente, debes aprender a coordinar los ajustes de apertura y obturador.

1. La relación entre exposición y apertura

La apertura es un agujero en la lente de la cámara que puede cambiar de tamaño. Controla la cantidad de luz que ingresa a la lente. Manteniendo constantes otros factores, cuanto más amplia sea la apertura, más luz entrará a través de la lente. Es como una ventana en una habitación: cuanto más se abre, más luz entra.

El valor de la apertura suele expresarse mediante el valor del f-stop. Cabe señalar que cuanto mayor es el valor del f-stop, menor es la apertura. Por ejemplo: la apertura de f16 es menor que la apertura de f8.

Cuando la velocidad de obturación permanece sin cambios, el tamaño de la apertura determina la claridad y oscuridad de la foto. Si la apertura es demasiado grande, la exposición quedará sobreexpuesta y la foto quedará completamente blanca. Si la apertura es demasiado pequeña, la exposición será insuficiente y la foto quedará completamente negra.

2. La relación entre exposición y obturador.

El obturador es una puerta que controla la entrada de luz. Manteniendo constantes otros factores, cuanto mayor sea la velocidad de obturación, menos luz entrará a través de la lente. viceversa. Equivale al tiempo que la ventana está abierta.

Tanto la apertura como el obturador pueden controlar la exposición. Su combinación es el factor principal en el control de la exposición y se afectan entre sí. Si cierras la apertura un nivel (por ejemplo, de f/4 a f/5,6) y duplicas la velocidad de obturación (por ejemplo, de 1/60 a 1/30), la exposición será la misma.

3. La importancia del enfoque

El enfoque se refiere al proceso de ajustar la distancia focal de la lente para que la imagen sea más clara después de apuntar la lente al sujeto. Sólo cuando el enfoque es correcto la imagen puede ser clara; de lo contrario, la imagen aparecerá borrosa.

4. La relación entre profundidad de campo, apertura, distancia y distancia focal

La "escena" de profundidad de campo se refiere a la escena que queremos fotografiar, y "profundidad" se refiere al rango de profundidad de claridad. Cuando la lente enfoca el objetivo de disparo, esto corresponde a una imagen clara en el sensor CCD. El paisaje dentro de un cierto rango delante y detrás también se puede grabar con mayor claridad, y este rango es la profundidad de campo.

Cuanto mayor sea la profundidad de campo, mayor será la gama clara de escenas profundas. Cuanto menor sea la profundidad de campo, menor será el rango claro de escenas profundas.

Los tres factores principales que afectan la profundidad de campo son:

(1) Apertura: cuando la distancia focal y la distancia de la lente permanecen sin cambios, cuanto menor es la apertura, mayor la profundidad de campo y viceversa.

(2) Distancia: cuando la distancia focal y la apertura de la lente permanecen sin cambios, cuanto más cerca del objetivo de disparo, menor será la profundidad de campo, y cuanto más lejos del objetivo de disparo, mayor será la profundidad de campo.

(3) Distancia focal: Cuando la distancia y la apertura permanecen sin cambios, cuanto más corta sea la distancia focal del objetivo, mayor será la profundidad de campo. Es decir, una lente de distancia focal corta tiene una profundidad de campo grande y una lente de distancia focal larga tiene una profundidad de campo pequeña. ;