¿Cómo se desarrolló el arte en Italia durante el Alto Renacimiento (primera mitad del siglo XVI)?

Este período se refiere principalmente a finales del siglo XV hasta mediados del siglo XVI, que fue el apogeo del Renacimiento italiano. A partir de mediados del siglo XV, Florencia comenzó a perder su condición de centro económico, político y cultural de Italia, y fue reemplazada por Roma, otra ciudad importante y capital cristiana gobernada por el Papa. Para restablecer el dominio de Roma en el mundo cristiano, el Papa gastó mucho dinero para reconstruir Roma y atrajo a un gran número de artistas y pensadores para trabajar en Roma en el arte, se formó la Escuela Romana de Pintura centrada en Roma. .

Leonardo da Vinci (1452-1519) es uno de los representantes más destacados de todo el Renacimiento. Su genio no se limita al arte, sino que también se refleja en las matemáticas, la ingeniería mecánica, la medicina y la geología. en otros aspectos. Nació en un pequeño pueblo llamado Vinci cerca de Florencia. Fue a Florencia en sus primeros años y estudió en el taller de Verrocchio. Leonardo da Vinci no sólo aprendió aquí las habilidades de pintura y escultura, sino que también se interesó por la investigación científica. Sus primeras obras incluyen "El Bautismo de Cristo", en la que colaboró ​​con su maestro, y "La Anunciación", que completó por sí mismo. En 1482, Leonardo da Vinci llegó a Milán para servir al Gran Duque de Milán. Aquí no sólo completó algunas obras de arte importantes, sino que también hizo contribuciones destacadas a la arquitectura, proyectos de conservación de agua, tecnología militar y fabricación de maquinaria. Entre las obras importantes de su estancia en Milán se encuentran "La Virgen de las Rocas" (1483-1493) y la obra inmortal "La Última Cena" para el refectorio del Convento de Santa María. En el cuadro "La Virgen de las Rocas", Leonardo da Vinci utilizó una estructura geométrica clara para organizar los personajes, es decir, los personajes están enmarcados en un triángulo isósceles, y el vértice de este triángulo es la cabeza de María. por la composición en forma de pirámide que era popular en ese momento. Al mismo tiempo, usó ángeles y bebés para agregar peso a la esquina inferior derecha y usó la fuente de luz en la parte superior izquierda para equilibrar toda la imagen. Este método para lograr el equilibrio en dinámicas complejas fue ampliamente utilizado por artistas posteriores. Además, la suave luz debida a las rocas de las montañas superpuestas no sólo profundiza la forma de la forma, sino que también le da a toda la imagen un halo poético único. La Última Cena ocupa toda la pared de la sala del refectorio del monasterio y Leonardo da Vinci eligió un momento clave para representarla. Con Jesús como centro, hay dos grupos de figuras a la izquierda y a la derecha, y los personajes de todos se expresan vívidamente en sus acciones y gestos. Jesús está en el centro, lo que permite que cada personaje sea completamente expresivo sin que la imagen sea abarrotada ni distraída. En este cuadro, Leonardo da Vinci expresó su visión de la vida a través del dramático contraste entre Jesús, que simboliza la verdad, y Judas, que simboliza el mal. Leonardo da Vinci regresó a Florencia en 1503 y durante este período completó la obra maestra "Mona Lisa" (1503-1506). El significado de este retrato es expresar los sentimientos de las personas sobre sí mismas a través de la imagen de una mujer ciudadana común y corriente. cosas hermosas. En 1506, Leonardo da Vinci regresó nuevamente a Milán. En los años siguientes pintó también "Leda", "Santa Anna" y otras obras. En 1516, Leonardo da Vinci llegó a Francia como pintor de la corte debido a problemas internos y finalmente murió en Francia. Leonardo da Vinci es un gran pintor realista. Su práctica artística y su teoría del arte son el patrimonio más preciado de la historia de la cultura humana.

Como escultor y pintor, Miguel Ángel Buonaroti (1475-1564) tomó un camino diferente al de Leonardo. No estaba tan lleno de espíritu científico y filosófico como Leonardo. En lugar de pensar, vertió su pasión trágica en. sus obras de arte.

Miguel Ángel entró en los famosos "Jardines de los Medici" cuando era niño, recibió allí formación artística y estuvo expuesto a una gran cantidad de tesoros artísticos antiguos allí reunidos. En sus primeras obras hay un temperamento extraordinario. De 1501 a 1504, Miguel Ángel creó la famosa estatua del "David" para su ciudad natal de Florencia. Mostró al David antes de lograr logros, un joven lleno de ira y poder. Este poder es también el gran potencial de las personas libres que anhelan los humanistas.

Precisamente por esto esta pieza se convirtió en un símbolo de los héroes del Renacimiento. Entre 1508 y 1512, Miguel Ángel recibió el encargo del Papa Juno II de crear el cuadro del techo "Génesis" de la Capilla Sixtina, que mostraba su originalidad en la pintura. En las pinturas del techo también expresó el poder humano a través de temas divinos. En "Génesis", Miguel Ángel expresó la adquisición de la vida humana como el contacto de dos manos fuertes: en "Comer la fruta prohibida", también enfatizó las emociones independientes e independientes de los personajes, haciendo que la expresión de Eva esté llena de desafíos; Está lleno de drama y detrás de una serie de tramas trágicas individuales se esconde la confianza humana. Tras la muerte de Juno II, el nuevo Papa León X encargó a Miguel Ángel que diseñara la tumba de Juno II. Este proyecto tardó más de diez años. El desastre de la patria, el dolor de la nación y las contradicciones ideológicas y emocionales personales del artista han dejado una profunda huella en las obras, entre las cuales "Moisés" es la más impactante. Esta imagen, como David, es una figura heroica en la mente del artista que salva a la nación y escapa del sufrimiento. La alta concentración de voluntad del personaje no sólo se refleja en la mirada intimidante, sino también en la extrema exageración del físico grueso de Moisés, la tensión de los músculos e incluso los pliegues completamente arrugados de su ropa. Si "David" encarna una especie de fe, entonces "Moisés" encarna la majestad del ser humano. En la estatua que diseñó posteriormente para la Capilla de los Medici, el dolor interior y las vacilaciones del artista quedaron profundamente revelados a través de un grupo de imágenes como "Mañana", "Anochecer", "Día" y "Noche". El retablo "El Juicio Final" es una obra importante de los últimos años de Miguel Ángel. Le llevó seis años, entre 1534 y 1541, pintarlo en la Capilla Sixtina. Esta magnífica obra es el resumen de la vida de Miguel Ángel y un juez de la historia contemporánea. El procesamiento y la concepción de la composición mural son consistentes. La composición no resalta un orden y una estructura claros, sino que enfatiza una disposición natural. El éxito y la grandeza de este trabajo es que se genera una imagen colectiva unificada de las personas a partir de la relación mutua entre las personas, y el uso inteligente del color le da al mural una tensión dramática. La tragedia en el arte de Miguel Ángel aparece en forma de grandeza, y los héroes que creó son a la vez símbolos de ideales y reflejos de la realidad. Fue en su arte donde los ideales humanistas del Renacimiento se expresaron plena y claramente, porque Miguel Ángel, intencionalmente o no, reveló el núcleo del pensamiento humanista, es decir, la iniciativa humana y el papel activo, así como la capacidad humana de lograr grandes logros. , el arte de Miguel Ángel casi se ha convertido en una cima insuperable en la historia del arte occidental.

Rafael Sanzio (1483-1520) nació en Umbría. Estudió en el taller del pintor Perugino en sus inicios y demostró que sus pinturas están siempre llenas de colores claros y suaves. Su ritmo tranquilo y elegante se benefició de su educación temprana.

En 1508, Rafael llegó a Roma por invitación de su amigo el escultor y arquitecto Bramante, y muchas de sus famosas obras posteriores se completaron aquí. Los tres murales que pintó para el Palacio del Vaticano, "Escuela de Atenas", "Monte Parnaso" y "Debate sobre las Sagradas Escrituras", muestran la búsqueda de la verdad y la felicidad por parte de un humanista. Pero en general, "La Escuela de Atenas" es la mejor de estas tres obras, y también es la obra más brillante de Rafael. Organizó la reunión de pensadores y científicos antiguos en una sala con arcos, con dos columnas a ambos lados. Apolo y Atenea. En el centro del cuadro están Platón y Aristóteles, uno apuntando al cielo y el otro al suelo. Sus gestos representan sus respectivas doctrinas. A su alrededor hay eruditos y científicos con diversas posturas, quienes también utilizan posturas específicas para expresar sus respectivas identidades y doctrinas. Por tanto, las figuras de "La Escuela de Atenas" tienen una tendencia monumental más fuerte que las otras dos pinturas. Ya sea en términos de contenido o forma, esta obra marca la victoria final del pensamiento humanista en el arte del Renacimiento, y también marca la estrecha conexión entre el pensamiento humanista y la cultura griega y romana antigua. Es evidente que Rafael había empezado a disfrutar de los frutos del pensamiento renacentista. Estas obras también establecieron la reputación de Rafael en Roma.

Rafael es un maestro en la representación de imágenes femeninas. Antes de llegar a Roma, las Madonnas que pintó eran imágenes de hermosas mujeres civiles que reflejaban las nobles cualidades del amor, la bondad y la gentileza, despertando el anhelo de vida de la gente. Después de llegar a Roma, las imágenes de la Virgen de Rafael todavía eran seculares, pero con un estilo un poco aristocrático. La más famosa es la "Madonna Sixtina". Este retrato es una hermosa oda que combina la dignidad de la Virgen con la secularidad del amor. fusionado en uno. La diferencia entre Rafael y Leonardo da Vinci y Miguel Ángel es que él encarnó el ideal del humanismo con un lenguaje pictórico hermoso y poético. Su incansable búsqueda de la belleza tuvo un gran impacto en las generaciones posteriores. El estilo de belleza establecido se convirtió en uno de los estándares de. clasicismo académico posterior.