Introducción al Teatro y la Danza Piano

La palabra italiana para sonido no significa lo mismo que la palabra para cantar. Una sonata es una pieza musical escrita específicamente para un determinado instrumento. Además de las sonatas para piano, la mayoría de las sonatas tienen acompañamiento de piano, pero también hay sonatas en trío (en realidad cuatro personas, pero sin incluir al acompañante) compuestas para tres instrumentos en el período barroco. Rondo: El rondó es una forma rítmica ligera del período clásico. Los párrafos principales se alternarán con otros párrafos. Rondo aparece a menudo en el último movimiento de un concierto o sonata, y también aparece en forma de música independiente.

Concierto: Concierto

ocupa un lugar considerable en las obras de música clásica. Normalmente, en la segunda parte de un concierto orquestal general, este solo lo interpretan uno o varios intérpretes, acompañados por la orquesta. Como se mencionó anteriormente, como solista, desempeña un papel importante en una pieza musical, lo que demuestra el valor de la pieza. A partir de finales del siglo XVII, la forma de tocar cambió a una forma de tocar principalmente con un pequeño número de instrumentos de cuerda (llamado concierto, soli), acompañado de las actuaciones de otros miembros de la orquesta, lo cual fue aceptado por todos. Por lo general, el tamaño de la orquesta y los instrumentos principales cambian con la música y no existen ciertas restricciones.

Obertura (obertura)

Actualmente existen dos tipos: el primero es el preludio de una ópera, oratorio o ballet; el segundo es el preludio de un concierto orquestal.

Pero ahora no existe una distinción detallada. A veces la obertura que se escucha en las representaciones de ópera no tiene nada que ver con su contenido. Esto es común en la dinastía Song occidental.

En los siglos XVII y XVIII, las oberturas se dividían en tres movimientos: la obertura francesa tenía tres movimientos (lento-rápido-lento), y la obertura italiana tenía tres movimientos (rápido-lento-rápido).

Pero a finales del siglo XVIII, el escritor alemán Gluck (1714 ~ 1787) creía que el papel de la obertura era introducir al público en la trama. Esta opinión fue apoyada por contemporáneos como Mozart y Haydn. , y Beethoven el compositor lo aprobó y todavía se utiliza hoy.

Serenata

Un género musical es una canción que se utiliza para expresar amor a un ser querido. La literatura caballeresca se originó en Europa en la Edad Media y se extendió por España, Italia y otros países europeos. Al principio, un joven tocaba la ventana de su amante por la noche y derramaba su amor. La melodía es hermosa, eufemística y prolongada, y suele ir acompañada de guitarra o mandolina. Con el desarrollo de los tiempos, su forma también se ha desarrollado. Las serenatas compuestas por Schubert y Tosini publicadas en "Música famosa en casa y en el extranjero" tienen una amplia circulación en todo el mundo.

Fantasia

Música instrumental de forma libre que da sensación de improvisación o fantasía libre.

Scherzo

Scherzo es una música de tres tiempos o música acústica con ritmo fuerte, velocidad rápida, ligera y vivaz.

Prólogo

Melodía corta y de estructura libre. A menudo se coloca como prefacio antes de una pieza musical o suite con una estructura estricta.

Fuga

Un tipo de música polifónica. La fuga se basa en la parodia y evolucionó a partir del ciego en los clásicos vocales y la música instrumental de los siglos XVI al XVII.

La fuga se divide en dos partes principales: ①Presentación. Se refiere a su vez al enunciado inicial del tema en cada voz. Al principio, el tema proviene de una determinada voz sola en el tono tónico, y luego la segunda voz imita el tema en el tono subordinado, que se llama respuesta, y la melodía en la que la voz del tema original continúa apareciendo en oposición. a la respuesta se le llama respuesta. Si la respuesta imita estrictamente al sujeto, se llama respuesta pura; si forma una imitación defensiva del sujeto, se llama respuesta defensiva. Las dualidades que permanecen sin cambios cuando reaparecen en una fuga se denominan dualidades fijas. Cambiar frecuentemente la melodía o responder preguntas según el tema se llama interrogatorio libre. El número de entradas temáticas en la parte presentada es igual al número de partes de fuga. ② Departamento de Desarrollo. Dependiendo del diseño general de la fuga, esta parte puede ser la última parte o puede dividirse en una parte intermedia y una parte de recapitulación. Por tanto, existen dos tipos de fuga: de dos etapas y de tres etapas. El tema de la parte de desarrollo entra con relativa libertad, el número de entradas también es irregular y los cambios tonales son más frecuentes y complejos. Además, dependiendo de la cantidad de temas utilizados en la música, existen diversas formas como fuga simple, fuga doble, fuga triple, etc.

Suite

Pieza para orquesta o piano compuesta por varias secciones breves. Entre ellas, cada canción es relativamente independiente. Hay suites clásicas y modernas. Las suites antiguas también se denominan "suites de baile"; las suites modernas también se denominan suites de trama.

Variación:

La pieza escrita en “Variaciones” se llama “Tema y Variaciones”, la cual consta de un tema más párrafos propios y varios párrafos repetidos en base a este tema.

团

Esta era originalmente una ceremonia católica. Debido a su importante posición en la vida religiosa y su vasta estructura y 1.500 años de historia, la música de masas es posiblemente la forma más importante de música religiosa en Europa.

Para distinguirla de la ceremonia religiosa, llamamos a su parte musical "Misa". Las masas se dividen en "masas ordinarias" y "masas especiales". El público suele referirse a lo primero. Existe una relación fija de coincidencia entre palabras y canciones entre el público en general. * * * Dividido en 1. Sutra de la compasión, 2. Sutra de la gloria, 3. Credo, 4. Tres en Sutra y 5. Libro del cordero.

Los cinco párrafos se intercalan con recitaciones del clero, "Misas especiales" y ceremonias religiosas de contenido variado. Las misas también se dividen en diferentes tipos: si en la ceremonia participan muchos clérigos, las cinco piezas musicales de la misa ordinaria están escritas completa y exquisitamente, lo que se denomina "gran misa" o "misa solemne". si no hay ceremonias religiosas como la recitación, entonces conocida como "misa de concierto", la "Misa en si menor" de Bach y la "Missa Solemnis" de Beethoven son ejemplos de misas de concierto.

Réquiem

También conocido como música conmemorativa y misa conmemorativa. Como su nombre indica, podemos saber que es una variación de la Misa y se utiliza para ocasiones de duelo. El réquiem que escuchamos hoy es generalmente una suite coral acompañada por una orquesta. Desde esta perspectiva, su forma es algo similar a la de un oratorio. Los réquiems tradicionales tienen temas religiosos y las letras están en latín. Por lo tanto, el "Réquiem" escrito por Brahms alrededor de 1860 con letras en alemán se considera una obra pionera, y esta obra también se llama "Réquiem alemán". A los compositores modernos también les gusta utilizar este género para expresar un duelo solemne. Por supuesto, el latín ya no se habla y rara vez tiene connotaciones religiosas.

Poesía sinfónica:

Liszt (1811-1886) fue un famoso compositor y pianista húngaro del siglo XIX. La contribución más destacada de su vida fue la creación de un nuevo género musical: la "poesía sinfónica". La poesía sinfónica es un tipo de "título musical" del siglo XIX que condensa los cuatro movimientos de una sinfonía en una forma más libre de música sinfónica de un solo movimiento. Los poemas sinfónicos generalmente toman como temas obras literarias, enfatizando la conexión intrínseca entre la concepción artística literaria y el desarrollo musical, enfocándose en la configuración de imágenes musicales y la expresión emocional de la música. Como una especie de "título musical", la poesía sinfónica heredó los títulos y las tradiciones dramáticas de la "Obertura" de Beethoven y la "Obertura de Ópera" de Weber y se convirtió en una de las principales formas musicales sinfónicas del siglo XIX. En 1854, cuando se representó su "Tasso" en Weimar, Alemania, Liszt utilizó por primera vez el nombre de "poema sinfónico". Creía que a través de este género el compositor podía "reproducir en ellos sus impresiones y experiencias espirituales para comunicarse con ellos". El surgimiento de la "poesía sinfónica" está estrechamente relacionado con el desarrollo de la literatura y el arte románticos en el siglo XIX. Como tendencia de la sinfonía dramática, la poesía sinfónica refleja la tendencia de diferentes tipos de formas literarias y artísticas a "acercarse entre sí" en el siglo XIX. La "poesía sinfónica" es el resultado de la comunicación de la música por parte del compositor con la literatura, la poesía, el arte e incluso la filosofía. La "poesía sinfónica" es la forma de arte por la que Liszt luchó durante toda su vida. Liszt escribió 13 poemas sinfónicos. Entre ellos, el poema sinfónico más famoso es "Preludio". Este poema sinfónico, también conocido como "El Preludio de la Vida", es un clásico del tesoro de la música sinfónica del siglo XIX.

Ópera

La ópera es un arte escénico diversificado con un gran encanto escénico: no solo presenta la belleza de la música, sino que también integra literatura, teatro e incluso escenografía y tendencias de moda, etc. . Lo que se presenta en el escenario de la ópera es en realidad un microcosmos de nuestra vida cotidiana. El escenario de la ópera refleja nuestras vidas, y en la trama de la ópera puedes descubrir que tu personalidad superficial se convierte en un personaje de la obra y está verdaderamente representada en el escenario.

Las tramas de la mayoría de las óperas no están separadas del amor y el odio entre hombres y mujeres, ni de la conciencia nacional y la mitología religiosa. Pueden utilizarse como temas de fondo de las óperas. A través de la combinación de música y drama, tus pensamientos serán llevados a una situación que abarca el tiempo y el espacio. Una vez que aceptes la ópera, descubrirás que es el disfrute más emocional (auditivo y visual) entre todas las formas musicales, ¡lo que te hará enamorarte de la ópera sin saberlo y sin poder liberarte!

Oratorio

Una larga partitura de letras religiosas (que incluyen drama, narrativa, oración, etc.). )

Oratorio

Proviene de la palabra italiana "sing", que significa cantar música. Compuesto por arias, recitados, dúos y coros, es una actuación para vocalistas, coros e instrumentistas, basada en un relato poético. Los primeros oratorios utilizaban principalmente canciones de amor con acompañamiento de bajo digital o solista. Los compositores italianos Rossi y Giacomo fueron los pioneros del oratorio. Oratorio se refiere a una obra coral religiosa o secular de finales del siglo XVIII, pero no necesariamente incluye canto solista, acompañado por una orquesta, y su contenido suele ser lírico, similar a un pequeño oratorio.

Art Song

A finales de 2018 y principios de 2009, es un nombre colectivo para canciones líricas que son populares en Europa. Sus características son que las letras utilizan principalmente líneas famosas, centrándose en expresar el mundo interior de las personas, con una fuerte melodía expresiva, métodos de expresión y técnicas de composición complejos, y el acompañamiento juega un papel importante.

Los musicales nacieron en Europa y Estados Unidos a principios de este siglo. Integra las características de varias categorías artísticas y combina estrechamente el encanto especial de la música, la danza y el teatro para dar forma a personajes y expresar emociones. presentando así una historia completa. La música tiene su origen en la auténtica música de jazz afroamericana y el baile combina el jazz y el claqué. Desde 65438 hasta 0927, el escenario acuático de Ron Cohen marcó el comienzo de la era de los musicales, y el episodio "Old Man's River" se convirtió en un nombre familiar en ese momento y se extendió por todo el mundo. Desde entonces, los musicales han seguido prosperando rápidamente con el desarrollo económico de varios países con su encanto único, hasta el día de hoy.

Musical

Los musicales actuales contienen principalmente tres elementos:

1. Dar rienda suelta a la interpretación integral del canto, la danza y el Tao.

2. Producir escenografías lujosas y magníficas a gran escala.

3. Nivel artístico moderno de entretenimiento e intercambio cultural.

Los musicales se pueden dividir en musicales, musicales de danza y musicales de ópera.

Un poco más~ ~

¿Qué es la música barroca?

La palabra barroco proviene del vocablo portugués Barroco, que originalmente hacía referencia a la peculiar forma de las perlas. Originalmente se utilizó para describir el estilo de las obras del escultor italiano Bernini. Posteriormente, generalmente se refería al estilo arquitectónico magnífico y brillante que prevaleció en Alemania y Austria entre los 17 y 18 años, integrando escultura y pintura. El término barroco se introdujo en la crítica musical en el siglo XVIII y se tomó prestado para describir el estilo de la cultura musical europea en comparación con este período, que contenía una connotación despectiva de decadencia y decadencia. Después del siglo XIX, los historiadores del arte lo reconocieron como una tendencia artística, generalmente refiriéndose a la música desarrollada por Bach y Handel entre 1600 y 1750, es decir, el período barroco en la historia de la música.

¿Qué es la música clásica?

El germen del clasicismo se produjo en Italia durante la época del Barroco. Posteriormente, con la aparición de Haydn, Mozart y Beethoven en Viena, se formó la música clásica. Por lo tanto, la "escuela clásica" en música en realidad se refiere a la "Escuela clásica vienesa". El arte clásico, que surgió por primera vez en el campo de la literatura y el arte, tiene como objetivo restaurar el arte clásico de Grecia y Roma, presta atención a la simetría y armonía formales y se centra principalmente en la búsqueda de la belleza objetiva.

La música romántica es la continuación y desarrollo de la música clásica. Es un estilo musical o época de la historia de la música europea. La música de estilo romántico se centra en la expresión de emociones y contenidos, rompiendo las diversas limitaciones formales del período de la música clásica.

Beethoven es el terminador de la música clásica y el precursor de la música romántica. La música romántica abandonó la unidad de la música clásica, enfatizó la diversidad, desarrolló el papel de la armonía, retrató las cualidades especiales de los personajes e hizo un mayor uso de los cambios de tono y los semitonos. Weber es el representante de la ópera romántica y Schubert es el representante de la música.

¿Qué es la música romántica?

La música romántica refleja la tendencia de influencia generalizada y diferenciación nacional. Berlioz apareció en Francia, Rossini apareció en Italia, Liszt apareció en Hungría y Chopin apareció en Polonia. La música romántica terminó con la era de Wagner y Brahms.

¿Qué es la música nacionalista?

La música nacionalista ocupa un lugar importante en la música romántica occidental del siglo XIX. El romanticismo se desarrolló entre mediados y finales del siglo XIX y su cultura ideológica ha penetrado en la mayor parte de Europa. Muchos compositores de países relativamente cerrados han heredado la cultura musical dominante madura de Alemania, Austria, etc., la combinaron creativamente con sus propios materiales musicales nacionales y realizaron creaciones sobresalientes e inmortales, mostrando la fuerte vitalidad del intercambio y la colisión musicales, convirtiéndose en un romántico. Una nueva fuerza importante para la continuación de la música socialista. Sin embargo, existen condiciones para dar origen a una música con características nacionales, que sea ampliamente aceptada por el mundo y se convierta en música madura con significado universal. Según Lang, "en el campo de la literatura y el arte sólo son valiosas las aportaciones cualitativas". Una música "nacional" "sólo tiene valor e importancia universal cuando aporta nuevos sonidos y colores al arte mundial que no sean sólo colores locales". El carácter, la emoción y el entorno de vida de una nación, "si se reflejan objetivamente, se reflejarán como un ejemplo típico de seres humanos universales; si se relacionan con la sociedad humana, pueden convertirse en arte universal cuando son la forma interna y el color de una nación". Las obras de arte son nacionales, pero su contenido es universal y se produce un proceso de integración al arte del mundo real. "Se puede ver que la madurez de la música nacional mundial requiere al menos dos condiciones: una cultura ontológica nacional madura y distintiva y un lenguaje emocional universal que pueda conectarse con el mundo.

¿Qué es la música impresionista?

Desde finales del siglo XIX hasta antes de la Primera Guerra Mundial, en la historia de la música, se la llamó "música moderna". Durante este período, varios géneros musicales representados por el Impresionismo experimentaron la transformación del Romanticismo tardío. La transición a la música moderna del siglo XX. 1. El Impresionismo en la Música La música impresionista se produjo a finales del siglo XIX y fue un género musical influenciado por la "literatura simbolista" y la "pintura impresionista". Estilo El color trascendental de la música es el comienzo del modernismo. Su forma musical, textura, técnicas de expresión, puntos de vista estéticos básicos, propósitos artísticos y efectos artísticos son todos muy diferentes de la creación de la música clásica. mientras que la música romántica se centra en la expresión de las emociones y el juego de la pasión, por el contrario, la música impresionista no representa directamente las escenas de la vida real a través de la música, sino que nos describe más esas escenas o impresiones, generando una atmósfera misteriosa y confusa. y tono En términos de forma musical, las formas cortas e irregulares se utilizan a menudo para reflejar mejor las características relativamente libres de la música impresionista. La música impresionista no prevaleció durante mucho tiempo y pronto fue reemplazada por una moderna más radical y diversa. música, pero la música impresionista fue una etapa muy importante en la historia del desarrollo de la música. Desde entonces, el arte musical ha comenzado a sufrir cambios fundamentales. Debido a esto, la música impresionista ha recibido gran atención. y más personas los músicos franceses Debussy y Ravel son reconocidos como maestros de la música impresionista. Además, el compositor francés Duca y el compositor italiano Repiki también son música impresionista 2. La música impresionista francesa, al igual que las obras de otros compositores franceses, es la música de Debussy. Música en lugar de música absoluta. A finales del siglo XIX apareció en Francia un grupo de pintores y poetas llamados "impresionistas" que perseguían una belleza onírica, por lo que el compositor Debussy intentó utilizar la música para lograr el efecto que conseguían los impresionistas. Con la pintura, Debussy fue un pionero en el uso de nuevas armonías y música en la música moderna. Construyó música extraña y sobrenatural, utilizando principalmente "escalas diatónicas" que no tienen ninguna relación de semitono y muchos "sobretonos" que no se pueden escuchar. En el aire, Debussy también utilizó diferentes combinaciones de varios instrumentos en la orquesta para producir efectos sonoros suaves y brillantes. Al principio, la gente encuentra su música inexplicable, pero una vez que se acostumbran, la encuentran muy interesante.

El compositor más importante que imitó a Debussy fue su compatriota Ravel, pero Ravel no hizo tanto uso de escalas diatónicas y acordes de sonidos extraños como Debussy. Su capacidad para extraer matices tímbricos de una orquesta no tiene rival. Por ejemplo, en "Bolero", el ritmo y la melodía se repiten una y otra vez, pero esta música de baile española se basa en el ingenioso uso de la dinámica por parte de Ravel (de ligero a fuerte o de fuerte a ligero) y la ingeniosa combinación de timbres. impredecible y lleno de diversión. 3. La influencia de la música impresionista La música impresionista es uno de los puentes entre la música romántica y la música moderna. Aunque este género musical se concentró principalmente en Francia a finales del siglo XIX y principios del XX, el estilo jugó un papel inconmensurable en el desarrollo de la música moderna. Posteriormente, varios géneros musicales del siglo XX, como el expresionismo, el sistema dodecafónico, la música secuencial, etc., fueron influenciados hasta cierto punto por la música impresionista.