Cómo escribir una novela
2. Lea más, familiarícese más con la vida y mejore su capacidad para pensar en imágenes.
3. Elegir el material es elegir el núcleo de la historia (tema eterno): la vida, la muerte, el amor, la verdad, la bondad y la belleza.
En primer lugar, la selección de materiales debe ser típica y significativa.
La segunda es que los lugares y las personas están relativamente concentrados para evitar que la línea del frente se alargue demasiado.
En tercer lugar, es confrontacional, es decir, hay conflictos.
En cuarto lugar, lo mejor es tener un buen final o temática.
En quinto lugar, superar la inercia y aprovechar el momento.
4. La estructura debe ser razonable, es decir, la historia tiene un contexto claro, relaciones complejas entre los personajes, clímax de la trama y temas profundos. Su regla es: construir una historia, plantear contradicciones, resolver las contradicciones, volver a plantear las contradicciones, hasta el final. Es decir, tres minutos es el punto caliente (el punto de la trama que atrae la atención de la audiencia), cinco minutos es el contraste (incidente de emergencia), diez minutos es el clímax (gran conflicto) y tres minutos es la explosión (el incidente más impactante). punto de explosión de todo el drama, "único"). "Fascinante, llevando las emociones del público al extremo, pero aún dejando más que desear).
El guión es una historia sencilla sobre dos o tres personajes, con giros y vueltas, agudas contradicciones y temas profundos.
Por lo general, es mejor establecer tres líneas argumentales y entrelazarlas para formar el marco general de la historia. Luego, según la personalidad del personaje, se construye su línea de acción (destino).
5. Sin contradicción, no habría drama. Bueno para plantear conflictos y luego resolverlos. Por tanto, ser bueno creando contradicciones y conflictos es utilizar la lanza del niño como escudo para el ataque. Cuando se resuelve un conflicto, surge uno nuevo.
Al plantear contradicciones, debemos prestar atención a la racionalidad, y al resolver contradicciones, debemos prestar atención a la inevitabilidad.
6. Para crear personajes y mostrar las diferencias en sus personalidades, primero debes elegir emergencias y expresar sus personalidades a través de diferentes reacciones. Para escribir bien sobre una persona, hay que captar su naturaleza multifacética y profundizar más, es decir, escribir sus debilidades o defectos para captar los rasgos de su carácter. Al repetir tus palabras y acciones al extremo muchas veces (más de tres veces), puedes tener un fuerte impacto en la audiencia y dejar una profunda impresión, haciendo así distintiva la personalidad del personaje.
7. Las películas son historias contadas a través de imágenes, y el lenguaje de las películas son los planos. Nunca dejes que un personaje diga algo que pueda explicarse claramente mediante una imagen. Cuanto menos diálogo haya en la película, más fuerte será la imagen y mayor el impacto visual. Recuerda: cada frase escrita en el guión debe ser leída y escuchada. El lenguaje de la película no es estático, sino dinámico, es decir, los personajes de la imagen deben moverse lo más posible para evitar que resulten aburridos y monótonos.
8. Acerca de los puntos calientes. Los puntos calientes son los puntos de la trama y el foco de atención de la audiencia. En un guión, un punto caliente puede ser una frase, un suspenso o un detalle. Es un punto de inflexión en la trama, que puede desencadenar nuevas tramas y promover el desarrollo de la trama. Que un guión sea atractivo o no depende de la configuración de los puntos calientes. Los puntos calientes provienen del trasfondo de la historia del guión, que debe ser razonable e inteligente y no puede surgir de la nada. En términos generales, se necesitan unos veinte puntos de acceso para ver el programa completo.
9. Sobre la comparación. El contraste es inesperado, el inconfundible pueblo sin carreteras. El público se niega a ser mediocre y debe ser bueno creando constantemente contrastes para que la historia sea confusa, altibajos, giros y suspiros. El contraste se puede dividir en contraste grande y contraste pequeño. El gran contraste es la inversión de los acontecimientos, lo que provoca un punto de inflexión en la trama. El pequeño contraste es el contraste de la personalidad del personaje, que se suma al personaje. El contraste es el gran punto caliente y el punto caliente es el pequeño contraste. Ambos son contradictorios con las personas o las cosas. El uso del contraste debe ser tanto inesperado como razonable. Utilice el contraste para comparar personajes, que pueden ser pequeños objetos y detalles, o entornos o accesorios (la externalización del contraste psicológico).
10. Sobre el clímax. Se genera el clímax, la trama se lleva al extremo y las emociones internas de los personajes explotan. El clímax de 10 minutos es el segundo clímax, que es la fuerza impulsora y hace que la gente espere con ansias la resolución de la contradicción; la explosión de los tres dramas principales es el clímax principal y el resultado impresionante. Todos los puntos calientes, contrastes y subclímax sirven al clímax principal, allanando el camino paso a paso y finalmente alcanzando la explosión de emociones o eventos, impactando fuertemente los corazones de la audiencia. Independientemente de los acontecimientos y personajes, el clímax es el punto explosivo final (explosión total).
Para que un clímax sea conmovedor, el guionista debe decir la verdad y la historia debe ser auténtica y creíble.
Puntos clave de la creación del guión
1. Nuevo modo dramático:
Buscar un nuevo modo argumental a partir de la crisis de las relaciones interpersonales y de la crisis del personaje. alma, es decir, escribir una historia en la que cualquier individuo diferente puede eventualmente romper barreras y formar una relación íntima.
Para ello hay que buscar los huecos entre los personajes, de modo que al principio tengan conflictos, y luego los conflictos se vayan aliviando poco a poco, y finalmente evolucionen hacia el cariño familiar, el amor o la amistad. . Su trama es en realidad la historia del cambio gradual de la relación entre los dos personajes.
El método específico es: estas dos personas que no tienen nada que ver entre sí se encuentran por casualidad. Debido a sus diferencias, su relación a menudo comienza con disgusto mutuo o incluso oposición, y luego utiliza algunos detalles interesantes de la vida. para resolver gradualmente las diferencias entre ellos. La brecha entre ellos finalmente sublima la relación en una conmovedora intimidad o amor.
En segundo lugar, el conflicto del drama
Los principios estructurales del tradicional "derecho de conflicto";
1. Todo el drama debe girar en torno a una trama que recorre el conflicto.
2. La estructura se divide en tres partes: inicio, desarrollo y final. El "principio" se utiliza para establecer el conflicto, que permite a las partes en conflicto intercambiar disparos por primera vez. El "medio" se utiliza para desencadenar el conflicto, lo que permite a las partes en conflicto tener múltiples rondas de competencia, y cada una de ellas; de estas competiciones se volverán más intensas hasta el clímax. El clímax será la batalla final de toda la obra para determinar quién gana y quién pierde. El párrafo "Final" se utiliza para explicar a la audiencia el final del conflicto, es decir, cuál es el destino final de los personajes, ya sea que estén vivos o muertos.
3. El requisito básico es que el conflicto comience temprano y vaya directamente al tema; el desarrollo del conflicto debe ser inesperado; el clímax del conflicto debe ser completo y fascinante; poner fin al conflicto en lugar de continuarlo interminablemente.
4. Cada conflicto es un párrafo de la trama (llamado "una escena" en el guión de la película), y cada párrafo tiene su propia apertura, conexión, giro y final.
El principio general del drama es: utilizar el conflicto para condensar el espacio de las cosas y hacer que las cosas cambien dramáticamente en el tiempo.
"Ley de la Armonía" moderna: con el impacto de la economía de mercado de China en las relaciones interpersonales, los intercambios emocionales de las personas en la vida real se están volviendo cada vez más complejos y sutiles. Para representar verdaderamente la realidad de las relaciones cada vez más complejas de las personas en la vida, debemos encontrar formas más creativas de lidiar con las emociones.
Por lo tanto, debemos partir del estado real de la comunicación interpersonal en la vida, basado en la tradición de la prosa, y tratar de simplificar el contenido en conflictos-conflictos limitados, para mostrar verdadera y naturalmente los extremadamente aspectos profundos de la vida. La riqueza y el significado de lo sucedido.
En tercer lugar, el diálogo entre personajes
En los dramas televisivos, debido a limitaciones en la visión y los fondos de producción, es imposible buscar "espectáculos" visuales como las películas. El método de rodaje de centrarse en planos cercanos determina las características de las series de televisión que se basan en el diálogo para promover la trama y dar forma a los personajes. Por lo tanto, la cantidad de caracteres en el guión excederá en su mayoría la cantidad de palabras que describen escenas o acciones y expresiones. ¡Si uno no puede escribir diálogos, ni siquiera puede ser dramaturgo! Especialmente en las populares series de televisión de hoy en día, las habilidades de escritura de diálogos son más destacadas e importantes.
El diálogo entre personajes debe ser verdadero y natural, coherente con las identidades y personalidades de los personajes. Un diálogo falso significa decir algo profundo sin importar la edad, ocupación o personalidad del personaje. Son elocuentes y pueden incluso improvisar aforismos.
Cuarto, el tipo de personas:
En una película comercial, simplemente no podemos hacerlo y no hay necesidad de perseguir la complejidad de los personajes. Lo que tiene que hacer el guionista es contar una escena emocionante, una historia que deje a la gente sin aliento. Los personajes de la obra se pueden dividir en tres tipos: el primero son personajes conceptuales, el segundo son personajes mecanografiados, que pueden resumirse en algunas características destacadas o un grupo de características estrechamente relacionadas, y el tercero son personajes redondos (personajes personalizados). Lo que es más destacado en la tradición narrativa china es la descripción de los tipos de personajes. Los hábitos estéticos del pueblo chino también están bastante fijados en los tipos de carácter. Razones para la existencia de personajes mecanografiados: ① Los rasgos de personalidad de los personajes son limitados y distintos, lo que los hace fáciles de entender y captar para el público. (2) Estos personajes son fáciles de crear y de escribir.
3. La farsa y el melodrama se centran en el dramatismo de la trama. Incluso si dicho guión carece de personalización de los personajes, el público nunca se cansará de ver la misma historia. Los personajes de todas las series de televisión populares siguen el camino de personajes estereotipados. Si un guionista de cine y televisión no sabe escribir personajes, será difícil satisfacer el apetito del público y escribir obras que le gusten. Por tanto, aprender a escribir caracteres mecanografiados debería ser una habilidad básica para los guionistas de cine y televisión.
Después de todo, en los dramas de cine y televisión, el tiempo narrativo es limitado. En dos horas o menos, no puedes completar todos los personajes del programa. Al mismo tiempo, es completamente innecesario. Porque no tener prioridad en este momento significa asumir el papel principal. No se puede tratar a los personajes secundarios como personas sin personalidad y el público no lo aceptará. La mejor manera de hacerlo es tomar un rasgo de carácter destacado de estos personajes secundarios y exagerarlo.
La mayor característica del arte chino es la exageración, que se refleja en la creación de personajes. Este método de exageración se puede resumir en fortalecer una determinada característica del personaje. Este método puede lograr una buena teatralidad y ser fácilmente aceptado por un público más común. Escribir los personajes de la obra significa seleccionar una o dos características de los confusos y multicomponentes componentes integrales de la personalidad real en la vida y exagerarlas. El primer paso es decidir elegir personajes con características desconocidas, en lugar de caras viejas que están cansadas de verlas. Un personaje típico debe ser un verdadero modelo, con universalidad en la vida social y personalidad distintiva. Esta es una creación única, resultado de una profunda comprensión de la vida.
5. Formas de comprensión:
El arte es un medio simbólico para presentar las emociones humanas, reconocerlas y verlas, y transformarlas en formas visibles o audibles que permitan a los humanos expresarse y expresarse. comunicar su vida interior. El placer estético proviene de la objetivación del poder esencial humano. En un guión cinematográfico, la trama dramática es la materialización y portadora de las emociones del autor. ¡La emoción es el alma de la trama! La expresión emocional del autor de la película no la realizan los actores. Es decir, los personajes de la película son sólo uno de los portadores y el principal factor de transmisión emocional. La descripción y manifestación de las emociones de los personajes de la obra se ha convertido en la clave para una exitosa transmisión emocional entre el autor de la película y el público. Un guión es un guión porque crea una respuesta emocional en la audiencia. Esta reacción se debe a los sentimientos de los personajes de la obra o a los sentimientos del autor por los personajes de la obra.
En la película, la expresión emocional entre personajes está restringida por tres factores: 1 y la personalidad. 2. Relaciones entre personas. 3. Circunstancias especificadas. Cualquier error que viole estos tres factores creará primero un sentimiento incómodo en la intuición del público, lo que resultará en una pérdida de confianza en las emociones de los personajes. En la vida real, siempre hay un proceso en el que las personas intentan reprimir sus emociones. Es muy conmovedor cuando las emociones se reprimen pero son difíciles de reprimir y expresar. Por el contrario, si una pasión se libera fácilmente y sin freno, también es barata o infantil. Porque sólo las emociones de los niños se escriben fácilmente en sus caras. Lo que realmente sorprende a la gente no es el llanto cuando el dolor alcanza o supera su punto máximo, sino la expresión emocional antes de alcanzar el punto máximo. Si las emociones alcanzan su punto máximo, estarán al límite de sus fuerzas y ya no serán más fuertes de lo que son ahora. En Xiao Yu, el llanto es un principio universal de expresión emocional.
En términos de la estructura de transmisión de emociones, el lenguaje del cine está más cerca del lenguaje de la música que del lenguaje de las palabras. Porque estas dos artes también utilizan el ritmo como arma para expresar y transmitir emociones. Esta película trata principalmente de ritmo, respira pasajes. El ritmo es la esencia y la vida del lenguaje cinematográfico. Los personajes son sólo una parte de los medios para transmitir emociones. ¿Cuáles son los factores que determinan el ritmo en el arte cinematográfico? Desde el interior de la imagen, hay luces y sombras, composición, color, movimiento de objetos, movimientos de actores, música con fuente de sonido, ruido, diálogo, posición del plano, escena, movimiento de la cámara, etc.; montaje, diversos métodos de edición (corte, aparición y desaparición gradual, superposición, dibujo, etc.), música de acompañamiento, contrapunto de sonido e imagen, narración, etc. Es decir, en el arte cinematográfico, todos los elementos audiovisuales son ante todo factores rítmicos. Son como notas musicales que construyen la melodía de la emoción y la trama bajo la pluma del dramaturgo. En este momento, la trama es la forma externa de la emoción y la emoción es la vida interior de la trama. En definitiva, un dramaturgo es como un compositor de una sinfonía.
Se le asignó la tarea no sólo de componer una melodía que contara una historia, sino también de organizar todos los elementos de la película en una partitura musical que coincidiera con el ritmo emocional de cada uno. La responsabilidad del dramaturgo no es sólo contar bien una historia, sino también contarla en un tono rítmico y melodioso. El dramaturgo debe encontrar una manera de "irradiar" sus sentimientos internos fuera del cuerpo y "irradiarlos al entorno que lo rodea".
En definitiva, el arte cinematográfico es una forma que tiene el dramaturgo de comunicarse con el público, y los personajes de la obra son uno de los portadores de emociones. La responsabilidad del guionista no es sólo transmitir emociones a través de los personajes, sino también formar el ritmo emocional a través de los elementos audiovisuales de la imagen y utilizar personajes para completar la tarea de transmitir emociones.
Diez tabúes en el diálogo
Primero, demasiado sencillo
Algunos diálogos están simplemente escritos, son sencillos y vergonzosos. También suena como un invento.
Por ejemplo:
Jenny entró en la habitación y Carlos le sonrió.
Carlos: Jennifer, encantado de conocerte. Te quiero muchísimo. Te he estado esperando durante mucho tiempo.
Este tipo de conversación es realmente incómoda y no tiene nada de elegante ni refinado. Podría ser más eficaz si lo reprime durante demasiado tiempo y de repente se queda sin palabras. O tal vez él la agarró primero, no dijo nada y lo dijo después.
Carlos: ¿Sabes qué? No puedo controlarme cuando te veo.
Entonces los dos se abrazaron.
Por supuesto, las acciones hablan más que las palabras. Pero si el diálogo añade un fuerte complemento a las acciones de los personajes, esa es realmente la guinda del pastel. Jennifer sabe lo que quiere decir y el público también. La subestimación, las respuestas inesperadas y la expresión del mundo interior y subconsciente del personaje también pueden crear esta elegante belleza.
En segundo lugar, está demasiado dispersa
Esta conversación parece tropezar: cada persona dice una oración, cada oración una o dos oraciones, y así sucesivamente, alargándose. Mirando el guión completo, parece más una obra de teatro con un estilo único que una auténtica obra cinematográfica. El siguiente ejemplo es un ejemplo típico de estar demasiado fragmentado.
Drew: Tengo hambre.
Kate: Yo también.
Drew: Salgamos a comer.
Drew: ¿Qué tal si vamos a la tienda de delicatessen?
Kate: Está bien.
La solución a este problema es proporcionar una motivación genuina y creíble para la conversación. Los personajes necesitan motivación e intención para vincularse con sus patrones establecidos de pensamiento y comportamiento cuando hablan. Por ejemplo, en un episodio anterior, mientras revisaba el contenido del refrigerador, Drew dijo:
Oye, no hay nada aquí. ¿Salir a comer?
Kate: Bueno, me muero de hambre.
Drew: ¿A qué sabe la tienda de delicatessen?
Kate: La sopa de pollo que hay allí está deliciosa.
Luego salieron corriendo por la puerta.
En definitiva, el diálogo es la base para construir un sentido de la realidad en cada momento. Debería resaltar las acciones y reacciones más efectivas del personaje.
En tercer lugar, es demasiado repetitivo.
Si una persona se repite de muchas maneras, la conversación se vuelve demasiado repetitiva. La información redundante y las palabras repetidas pronunciadas por los personajes son como palabras de mal gusto.
Cuarto, es demasiado larga
Una conversación larga puede parecer un discurso largo o una defensa académica. Esto no sólo hace que las acciones de los personajes se estanquen, sino que a menudo parece detallado y didáctico. Echemos un vistazo a la siguiente conversación:
Cinco, demasiado similares
A veces las palabras de todos suenan igual. Sus diálogos son similares entre sí. Si esto continúa, la personalidad del personaje se perderá. Por ejemplo, en la siguiente conversación, ¿puedes distinguir entre los dos interlocutores?
Ben: Oye, ¿apostaste en las carreras de caballos?
6. Demasiado simple
Esta conversación suena como si hubiera salido de un libro de historia, poesía, periódico o libro de gramática, pero no suena como si hubiera salido de una boca humana. . Al leer el diálogo, deberías poder sentir la mentalidad y las acciones de los personajes. Si la escritura es demasiado insulsa y pedante, improvisa las acciones de los personajes para que se puedan apreciar emociones más espontáneas. Por ejemplo, cuando estás trabajando solo en tu escritorio, puedes imaginar a un personaje en diferentes conflictos. Después, te sorprenderá lo bien que entiendes al personaje.
7. Demasiado sermoneador
Este problema está relacionado con "demasiado directo", "demasiado largo", "demasiado largo" y "demasiado rígido". Las personas siempre parecen serias y lógicas. Ya no se le puede llamar persona tridimensional y ha degenerado completamente en portavoz de la ideología del guionista. El siguiente pasaje puede parecer demasiado sermoneador:
Mike: ¿Sabes lo que sucede cuando un criminal se escapa? O permanecen tras las rejas o representan una amenaza para todos los rincones de la sociedad. Mientras tengamos legisladores y leyes más fuertes, esto no sucederá.
Una persona debe ser recta y rigurosa, y no hace falta ser tan elocuente. Si Mike gruñe, absolutamente:
Mike: ¡Tengo que encerrar a este bastardo!
El verdadero contenido del diálogo está estrechamente relacionado con el desarrollo de la trama y debe ser coherente con las motivaciones y comportamientos de los personajes a lo largo de la historia.
8. Demasiado introspectivo
Este problema suele centrarse en que alguien habla solo. Por ejemplo, lo siguiente no es raro:
Michelle: (Para sí misma) Oh, ahora desearía poder estar con él.
Muchos guionistas deben estar temblando: ¿una persona siempre tiene que hablar consigo misma? Aparentemente no es común. Incluso si esto sucede, las palabras pronunciadas pueden no ser oraciones completas y lógicas. En este momento, la lógica y la emoción están reñidas. Todavía existe una cierta distancia entre los monólogos shakesperianos habituales en los dramas y las expresiones en obras cinematográficas y televisivas.
Parecería más razonable y creíble si los personajes actuaran más cuando estuvieran solos. Quizás Michelle podría echar un vistazo a la foto, luego cerrar los ojos e intentar calmarse. Como dice el refrán, las acciones hablan más que las palabras.
9. Demasiada falta de coherencia
Esto significa que las palabras y los hechos de una persona son equilibrados y dicen algo que no está acorde con su carácter. En algunos casos es porque la historia carece de transiciones adecuadas. En el siguiente ejemplo, el diálogo y las actitudes de los personajes cambian muy rápidamente.
Sección 3: Hay una diferencia entre el drama y la vida. Captar las diferencias es como "hacer una bola de nieve".
El drama se basa en la vida, pero después de todo, hay una diferencia entre el drama y la vida. Dominar la diferencia es la habilidad principal del dramaturgo.
El drama a veces está "por encima" de la vida y a veces "por debajo" de la vida. Cuando el drama es superior a la vida y cuando el drama es inferior a la vida, podemos comprender plenamente la dificultad de "escribir".
En general, la escritura dramática se limita estrictamente a unas pocas escenas, tiempo concentrado, personajes reales y lenguaje literario. En ese momento, la forma de drama era "elevada" en la vida y era difícil de crear.
Por el contrario, si no hay restricciones estrictas en la escritura dramática, pero cuantas más escenas, mejor, el tiempo (tiempo del drama) puede verse interrumpido, pueden pasar muchos años entre medio y los personajes tienden a Para ser exagerado, mecanografiado o funcional, el lenguaje es discreto o puede explicar la trama, entonces la forma del drama en este momento es lo suficientemente "baja" como para ser realista, y no es difícil de crear. -Estilo de escritura dramática llamado "bola de nieve".
Parte 4: El proceso de redacción de un guión
El proceso de redacción de un guión incluye dibujar materiales, hacer un esquema, ajustar el esquema y completar las descripciones (o etapas) de personajes, diálogos, escenas y acciones ilustran uno por uno). La dificultad está en elegir los temas subyacentes y la mejor forma de presentación (hay muchos estilos diferentes en un mismo medio, sin mencionar que el espectáculo puede presentarse en diferentes soportes). Afortunadamente, ambos aspectos pueden enriquecerse mediante esfuerzos adquiridos. Para lograrlo, leer más, mirar más, pensar más en el por qué y tomar notas con frecuencia son las formas más efectivas.
Anexo: ¿Qué habilidades se necesitan para convertirse en dramaturgo?
El primer elemento: la capacidad de "pensar desde la perspectiva de otra persona".
Escuché antes que algunas personas fueron a trabajar como pasantes para escribir sobre la profesión de un Operador especial y experimente el estado de ánimo y la experiencia de esta industria. Si esta medida es absolutamente necesaria parece ser una cuestión de opinión.
Una de las mayores armas mágicas de un dramaturgo es la capacidad de “empatizar”. "Empatía" permite a los creadores describir con precisión la atmósfera situacional adecuada y los sentimientos de los personajes sin tener que experimentar personalmente las mismas situaciones y experiencias de la historia.
De manera similar, cuando se enfrentan al informe o autoinforme de una persona, algunas personas pueden comprender profundamente los sentimientos de la persona involucrada, algunas rechazan subjetivamente la experiencia dolorosa y otras no tienen ningún sentimiento.
Normalmente, el dramaturgo es el que siente con más fuerza y, al mismo tiempo, tiene una gran ambición de contar la historia a su manera.
El segundo ítem: Capacidad concreta e imaginación
La tarea del dramaturgo es ser capaz de convertir una historia simple en un personaje específico en un momento, lugar y procesos específicos. En otras palabras, un dramaturgo debe ser más sensible y observador que el ciudadano medio respecto de las condiciones de vida que lo rodean y del estado emocional de sus personajes.
Normalmente, el tono narrativo de la historia es mayoritariamente sencillo, ya sea en primera o en tercera persona. Pero en la mayoría de los estilos dramáticos, los personajes de la obra siempre hablan en primera persona (algunos estilos de lenguaje dramático tradicionales utilizan el tono narrativo en tercera persona). El dramaturgo debe poder simular más o menos la psicología, la personalidad y el estado emocional de cada personaje de la obra, y "hablar como un ser humano", es decir, "hablar por las personas de la obra".
Proyecto 3: Fuertes habilidades organizativas
La escritura dramática implica el elemento de "actuación" o "presentación", que consiste en encontrar soluciones sobre cómo "representar" la historia en frente a la audiencia.
Un dramaturgo no sólo debe estar familiarizado con las características de los diversos medios y estilos dramáticos, sino también encontrar la forma más adecuada de "representar" la historia frente al público. Al mismo tiempo, incluso cuando hago la tarea en privado con un bolígrafo en la mano, puedo "mover" sistemáticamente lo que sucede en el "teatro" o la "cámara" de mi mente al papel manuscrito o a la pantalla de la computadora.
Al elegir una forma de "actuación" adecuada, podemos utilizar la "distancia entre el drama y el público" deseada como punto de partida para pensar, sin importar qué estilo o medio teatral se utilice, los personajes, maquillaje y vestuario Varios factores como el diseño, el lenguaje, la escenografía, la iluminación, los efectos de sonido, la posición de los personajes y la disposición de la pantalla deben coordinarse entre sí para crear el "estilo de actuación" general deseado y una atmósfera única. Si bien estos factores son relevantes para el tratamiento posterior por parte de otros artistas, el "modelo" inicial de una solución esquemática propuesta por un dramaturgo calificado que sirva como base para la discusión no debe entrar en conflicto entre sí ni ensamblarse de manera vaga.
Por lo general, cuando un dramaturgo escribe un guión, primero determina los factores ambientales y formales, como los medios o la ubicación de la escena, luego decide la situación de la historia al comienzo de cada obra y luego deja que aparezcan los personajes correctos. el momento adecuado (a veces acompañado de efectos de sonido y cambios de iluminación). Como un director de sinfonía, maneja ajustes fríos y calientes del ritmo y la atmósfera, lo cual es uno de los mayores placeres del trabajo de un dramaturgo. Esto significa que los dramaturgos necesitan un fuerte sentido de organización e intuición.
Tres tabúes en la escritura de guiones
Escribe un guión y conviértelo en una novela.
Escribir guiones y escribir novelas son dos cosas completamente diferentes. Tienes que saber que el propósito de escribir un guión es usar palabras para expresar una serie de imágenes, por lo que quieres que las personas que lean el guión piensen inmediatamente en una imagen cuando vean las palabras, llevándolos al mundo de la animación. Las novelas son diferentes. Además de escribir imágenes, también incluye frases líricas, técnicas retóricas y descripciones del mundo interior de los personajes. Estos no deberían estar en el guión. Para dar un ejemplo simple, hay esta frase en la novela:
"Hoy, los estudiantes estaban esperando nerviosamente los resultados. Después de que Xiao Ming dejó a sus padres, fue a la escuela para recibir la notificación de la puntuación. El maestro envió la transcripción, Xiao Ming pensó para sí mismo que sería malo si reprobaba esta vez.
Le preocupaba no saber cómo enfrentar a su familia si reprobaba el examen... "
Imagina cómo sería si fallaras. Al escribir la frase anterior en tu guión, les estás mostrando a los actores cómo expresarla a través del movimiento.
Si quieres utilizar un guión para expresar el mismo significado, solo puedes escribir así:
En el aula, los estudiantes están sentados en sus asientos, con expresiones nerviosas en sus caras, mirando a la estación afuera. La maestra tenía una pila de boletas de calificaciones en la mano. Miró al primero y gritó: "¡Chen Daxiong!" Daxiong salió inmediatamente a buscar la transcripción. Xiao Ming estaba en un rincón del salón de clases, frotándose las manos constantemente. Miró fuera del aula y la escena volvió gradualmente a la escena de la mañana. Temprano en la mañana, los padres de Xiao Ming estaban sentados en el pasillo. Xiao Ming se puso su uniforme escolar y se preparó para salir. Miró a su padre y luego a su madre. Al ver sus caras serias, no supo qué decir. El padre de Xiao Ming dijo: "¿Pasará?" Xiao Ming dijo: "Sí... sí.
"
"¡Llama a Xiao Ming! "La fuerte voz del maestro hizo que Xiao Ming volviera a la realidad desde su memoria. El maestro miró a Xiao Ming con la boleta de calificaciones en la mano. Xiao Ming se quedó por un tiempo y luego rápidamente salió a buscar...
Usa palabras para explicar la trama.
No puede haber demasiado diálogo en el guión (a menos que lo requiera la trama), de lo contrario toda la historia se volverá incoherente y carecerá de acción, y la audiencia. Parecerá que simplemente están escuchando el guión, lo cual es muy aburrido. Debes saber que lo que estás escrito ahora es un lenguaje cinematográfico, no un lenguaje literario. Solo es adecuado para mirar, no un buen guión. Por tanto, cuantos menos diálogos haya en un excelente guión de película, más fuerte será la imagen y mayor será el impacto.
Para poner un ejemplo sencillo, si llamas a una persona, es mejor no impedirle sentarse. sigue junto al teléfono y simplemente habla si la trama lo requiere, déjalo ponerse de pie o dar algunos pasos con su teléfono móvil para evitar esto. La imagen es aburrida y monótona. en la historia.
Muchas personas escriben demasiados detalles en el guión. Hay muchos personajes en los detalles, intercalados con muchas escenas, lo que hace que la historia cambie y es posible que el público no necesariamente entienda. y saber lo que el autor quiere expresar. Imagínese si hay más de una docena de personajes importantes en una película al mismo tiempo y hay muchas historias entre los personajes. Puede pedirle al público que comprenda cada personaje en poco tiempo. Lo recuerdo todo muy claramente.