Películas de Picasso

Nombre completo: Pablo Diego José Francisco de Paul Jean Nipomucino Santísima Trinidad Luis Picasso.

Pablo Diego José Santiago Francisco de Paula Juan Nepomucheno Crispin Crispignano Los Remi Dios Cipriano da Santisima

Nacimiento y muerte: 25 de octubre de 1881 – 8 de abril de 1973.

Descripción: Pintor, dramaturgo y poeta

Lugar de nacimiento: España

Pintor y escultor español. Miembro del *** Partido de la Producción francés. Es el fundador del arte moderno (arte abstracto) y el principal representante de la pintura modernista occidental. Es español y ha tenido un talento artístico extraordinario desde pequeño. Mi padre es profesor de arte. Recibió una estricta formación en pintura en la Academia de Bellas Artes y tiene sólidas habilidades como modelo.

[Editar este párrafo] Acontecimientos de la vida

¿Pablo? Pablo Picasso (1881 ~ 1973) nació en Málaga, España. Es el artista más creativo e influyente del Occidente contemporáneo. Él y sus pinturas ocupan una posición inmortal en la historia del arte mundial.

Infancia de 1881 a 1900

1881-10 Picasso nació en Málaga, sur de España;

En 1889, completó su primer óleo "El Matador". ";

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Expuso por primera vez en 1894;

Ingresó en la Escuela de Arte de la Lonja de Barcelona en 1895;

Ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid en 1897. Su óleo "Ciencia y Caridad" recibió una mención de honor en la Exposición Nacional de Arte de Madrid y posteriormente una medalla de oro en Málaga.

1900-1903 Ciclo Azul

1902 completa el "Autorretrato Azul";

En 1903, completa su vida con un azul fuerte El tono expresa el sufrimiento de la pobreza, la vejez y la soledad; la vida de Picasso

1904-1906 Rose Period (Período Rosa)

Los "barcos de lavandería" que comenzaron a instalarse en París en 1904 comenzaron en el Período Rosa. Conocieron a Fernand Olivier y vivieron juntos;

En 1905, escribió "Boy with a Pipe", que fue comprado por la filántropa Sra. John Hay Whitney por 30.000 dólares. Comprado con una enorme cantidad de dinero. Niño sosteniendo una pipa

En 1906, conoció al maestro fauvista Matisse y pintó un retrato del escritor y coleccionista estadounidense Chang Chu Stein. El "Retrato de Stein" fue el trampolín de Picasso desde el "Período Rosa" hasta el "Cubismo".

Período del Cubismo 1907-1916

En 1907, conoce a Braque y comienza a crear el estilo cubista, creando "Les Demoiselles d'Avignon";

1909 Analítica Comienza el cubismo; creación de "La cabeza de Fernando";

1912 Pega papel adhesivo sobre la pintura para desarrollar aún más el cubismo;

1917—1924 Período clásico

En 1917 en Italia conocí a la bailarina Olga Kokova y creé "Retrato de Olga";

En 1918 me casé con Olga y realicé una exposición conjunta con Matisse.

1920, versión coral pintada a mano; de "Tricorn Hat"; 1922 creó "Dos mujeres corriendo en la playa"

Periodo del surrealismo 1925-1932

En 1927, conocí a Marie-Thérèse Varchi, que sólo tenía 17 años; años y se convirtió en modelo de Picasso. y dio a luz a una hija Maggie;

En 1929 creó esculturas y estructuras de alambre con el escultor Gong Salles. Produjo una ofensiva serie de pinturas con cabezas femeninas como tema para mostrar la crisis del matrimonio y comprender a Dalí;

Período de metamorfosis 1932-1945

En 1932, creó "Mujer en el Sillón Rojo";

1933 Creó un grabado del estudio de un escultor.

【1】En 1934 creó obras con la temática taurina;

En 1936 estalló la Guerra Civil Española. Conoce a Dora.

Maar, y creó el retrato de Dora Maar;

Guernica fue fundada en 1937;

En 1942, creó el grabado "La historia de la naturaleza"

En 1943, conocí a François Giraud, de 22 años;

En 1944, se unió al * * Partido de la Producción francés;

En 1945, comenzó a probar el grabado en piedra;

Período Pastoral 1946-1973

En 1947 nació su hijo Claude. Hizo cerámica en el taller del alfarero Hamil, y en 1948 * * *, produjo 2.000 piezas de arte alfarero.

En 1948 produjo "La Paloma de la Paz" y "Veinte Góngora" para el Mundo; Cartel "Poesía" de la Conferencia de Paz;

Creó la serie Carmen en 1949;

Recibió la Medalla Lenin de la Paz en 1950;

En 1953, me conocí en el Taller de Cerámica Madura Jacqueline Locke;

En 1954, comienza a componer la serie de variaciones sobre "Las mujeres argelinas" de Delacroix;

En 1956, la película "El misterioso Picasso" y Clouzot* * * *Publicado;

En 1957, se celebró la exposición del 75 aniversario de Picasso en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y creó el grabado "Serie taurina".

En 1958 Picasso crea el mural "La caída de Ícaro" para la sede de la UNESCO en París;

En 1959 crea una serie de variaciones imitando "El almuerzo sobre la hierba" de Manet;

1961 Se casa con Jacqueline Locke, de 35 años, y celebra el 80 cumpleaños de Picasso;

Pintor y modelo en 1963;

1966 En 2006, el Grand Palais y el Petit Palais de París acogió importantes exposiciones retrospectivas de Picasso. La serie Arenas movedizas;

En 1968 crea las series de grabados "Celestino" y "El hombre ridículo".

En 1970 dona cerca de 2.000 obras tempranas conservadas en España; Museo Picasso de Barcelona;

En 1971, el Museo Nacional de Arte Moderno de París celebró una exposición retrospectiva con motivo del 90 aniversario del nacimiento de Picasso.

1973, 92 años, murió el 8 de abril cerca de James City, Kansas. El 10 de abril fue enterrado en el jardín de la Villa Fuwennaju.

Picasso fue un pintor prolífico. Según las estadísticas, sus obras suman cerca de 37.000 piezas, entre ellas 1.885 óleos, 7.089 bocetos, 20.000 grabados y 61 litografías.

La vida de Picasso fue brillante. Fue el primer pintor que vivió para ver su obra en el Louvre. En una encuesta realizada por un periódico francés en febrero de 1999, fue elegido entre los diez pintores más grandes del siglo XX con un alto 40% de los votos. Respecto a sus obras, Picasso dijo: "Cada pintura mía contiene mi sangre. Este es el significado de mi pintura". Entre las 10 pinturas con los precios de subasta más altos del mundo, las obras de Picasso representan 4 de ellas.

Las pinturas y estilos de Picasso cambiaron varias veces a lo largo de su vida. Quizás debido a su sensibilidad y precocidad ante la impermanencia del mundo y su familia pobre, las primeras obras de Picasso estaban llenas de melancolía precoz, y sus primeras pinturas se aproximaban a temas expresionistas. Mientras estaba en la escuela, Picasso estudió técnicas académicas y temas tradicionales, y creó obras que representan temas religiosos, como la Primera Comunión. Los colores pastel de Degas y los temas de clase alta perseguidos por Lautrec también fueron temas de los primeros estudios de Picasso. En cuadros como "El molino de Garrett" y "Mujer bebiendo ajenjo", siempre vemos el fantasma flotante de luz y sonido operado por Lautrec, que tiene una vaga tristeza. Cuando Picasso tenía catorce años, se mudó a Barcelona con sus padres y conoció nuevas ideas y arte local. Sin embargo, justo cuando estaba a punto de intentarlo, se encontró con el fracaso de la guerra colonial española en ese momento. Los dramáticos cambios políticos provocaron escenas trágicas para la gente, y Barcelona, ​​como ciudad importante, fue la más afectada. Quizás fue este estímulo dual de excitación y desesperación lo que dio a Picasso el poder melancólico del Período Azul en su subconsciente.

Picasso, que se mudó a París, era empobrecido y vivía en una extraña y ruinosa residencia llamada "El Barco de la Lavandería", que era un lugar de reunión para los artistas ambulantes de la época. También fue en esta época cuando Olive, que era joven, entró en la vida de Picasso en un día lluvioso.

Como resultado, el alimento y la dulzura del amor suavizaron su corazón obstinado y deprimido, y el doloroso color azul de sus cuadros comenzó a provocar emociones trepidantes. Quemando cuidadosa y lentamente viejas penas, todo el estilo ahora amplifica la ternura de la felicidad y la alegría de la intimidad emocional.

En las obras de la época rosa roja, aunque las expresiones de los personajes siguen siendo indiferentes, se ha notado la belleza armoniosa y el sutil cuidado humanista. Aparte de la riqueza del color, el conjunto ha sido retirado del abismo sin esperanza del anterior período azul. Abandonad los símbolos tristes y sin vida de la pobreza y la enfermedad y sustitúyelos por interés, preocupación y confianza en la vida. Debajo de la camisa de la mujer, una imponente camisa de tul perfila suavemente el cuerpo de Dong emergiendo de la oscuridad, extendiéndose con firmeza, revelando la arrogancia y confianza de la joven. Hay una belleza delicada y tenue que fluye como un fantasma. La atmósfera general se transmite de una manera suave y meticulosa, haciendo que el cuerpo misterioso se compadezca de la belleza morbosa en la niebla. La razón principal para la formación del arte del collage es el afán de Picasso por romper las limitaciones del espacio, que es producto de una golpe divino. De hecho, el collage no fue iniciado por Picasso, sino que existía en la artesanía popular en el siglo XIX, pero fue Picasso quien lo trajo a escena y lo separó del estatus de artesanía. La primera obra de collage, "Naturaleza muerta sobre una silla de ratán y una guitarra", de 1913, es la mejor interpretación del cubismo mediante collage.

Las pinturas posteriores se centraron en el arte primitivo y simplificaron la imagen. De 1915 a 1920, el estilo pictórico viró hacia el realismo. La década de 1930 se inclinaba claramente hacia el surrealismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, Picasso pintó el óleo "Guernica" para protestar contra el bombardeo indiscriminado de los fascistas alemanes e italianos a la ciudad de Guernica, en el norte de España. Esta pintura es la pintura abstracta más famosa de Picasso que combina cubismo, realismo y surrealismo. Sus violentas deformaciones, pinceladas distorsionadas y exageradas, acumulación geométrica de bloques de color y formas abstractas expresan dolor, sufrimiento y animalidad, expresando las complejas emociones de Picasso. En su último período, creó una gran cantidad de esculturas, grabados y cerámica, y también logró logros sobresalientes. Picasso desarrolló actividades artísticas desde finales del siglo XIX hasta la década de 1970. Picasso fue el pintor modernista más influyente de todo el siglo XX. Las obras de Picasso tienen una gran influencia en las escuelas de arte occidentales modernas.

Picasso fue un hombre que persiguió técnicas artísticas en constante cambio. Las técnicas artísticas del impresionismo, el postimpresionismo y "La Bestia" fueron absorbidas por él y reelegidas como su propio estilo. Su talento radica en su capacidad para mantener su personalidad áspera y fuerte en diversas variaciones de estilo, y para lograr unidad interior y armonía en el uso de diversas técnicas. Ha alcanzado su apogeo y sus obras, ya sean cerámicas, grabados o esculturas, parecen un juego de niños. Nunca hubo un maestro específico ni un niño específico en su vida, pero ningún pintor activo en el siglo XX pudo evitar por completo el camino abierto por Picasso.

En 1973 falleció pacíficamente, viviendo como deseaba, a la edad de 93 años.

Las muchachas de Aviñón

Esta pintura al óleo increíblemente grande no sólo marca un importante punto de inflexión en la historia artística personal de Picasso, sino también un avance revolucionario en la historia del arte occidental moderno, desencadenando La Nacimiento del movimiento cubismo. "Les Demoiselles d'Avignon" fue creado en 1906 y terminado en 1907, con muchas revisiones durante el período. En este cuadro, cinco mujeres desnudas y un grupo de naturalezas muertas forman una composición formal. El título de la pintura fue añadido por el amigo de Picasso, Andrew Selman. Se dice que al propio Picasso no le gustó. Pero en fin, este es sólo el nombre de la obra. En el arte moderno, los títulos son cada vez menos relevantes para las obras, y los pintores a menudo no utilizan conscientemente títulos para explicar el contenido de sus obras. Lo mismo ocurre ciertamente con Las señoritas de Aviñón de Picasso. La pintura fue concebida originalmente como una alegoría de las enfermedades de transmisión sexual y se tituló "Las recompensas del pecado", lo que se desprende del boceto inicial en el boceto hay una figura que sostiene un esqueleto en la mano, lo cual es evocador; Me viene a la mente una vieja máxima moral española: "Todo es vanidad". Sin embargo, durante la creación formal del cuadro, estas anécdotas o detalles implícitos fueron eliminados por el artista. Su impacto final no proviene de ninguna descripción literaria, sino del poder conmovedor de su lenguaje pictórico.

Este cuadro es la primera obra cubista. Las imágenes de las tres mujeres desnudas del lado izquierdo de la imagen son obviamente rígidas deformaciones del cuerpo humano clásico; los rostros y posturas ásperos y anormales de las dos mujeres desnudas del lado derecho están llenos de las características salvajes del arte primitivo.

Los pintores fauvistas descubrieron el encanto primitivo de la escultura africana y oceánica y se lo presentaron a Picasso. Sin embargo, fue Picasso, no los pintores fauvistas, quien destruyó la estética clásica con el arte primitivo. En esta pintura no sólo se niegan las proporciones, sino también la integridad orgánica y la continuidad del cuerpo humano. Por tanto, la pintura es (como dijo un crítico) "como un cristal roto". Aquí Picasso destruyó muchas cosas, pero ¿qué ganó en el proceso de destrucción? A medida que nos recuperamos del impacto de ver la pintura por primera vez, comenzamos a ver que la destrucción es bastante ordenada: todo, tanto la imagen como el fondo, está dividido en bloques geométricos angulares. Notamos que las piezas no eran planas, tenían una sensación de tridimensionalidad porque estaban sombreadas. No siempre estamos seguros de si son cóncavos o convexos; algunos parecen bloques sólidos, mientras que otros parecen fragmentos de un cuerpo transparente. Estos bloques inusuales dan a la imagen cierta integridad y continuidad.

En esta pintura podemos ver un nuevo método para expresar el espacio tridimensional en un plano bidimensional. Este método se utilizó por primera vez en las pinturas de Cézanne. Vemos que las caras de las dos imágenes en el centro de la imagen están de frente, pero sus narices están dibujadas de perfil; las cabezas están en el lado izquierdo de la imagen, pero los ojos están de frente. Vídeos desde diferentes ángulos se combinan en la misma imagen. Este lenguaje llamado "video sincronizado" se usa más obviamente en la figura agachada en el lado derecho del cuadro. Debido a la descomposición y empalme, esta imagen de tres cuartos de la espalda está separada del eje central de la columna. Sus piernas y brazos están alargados, lo que sugiere una extensión hacia las profundidades; su cabeza está volteada para mirar al espectador. Picasso parece haber dibujado un círculo de 180 grados alrededor de la imagen antes de componer imágenes desde varios ángulos en esta imagen. Este método de pintura rompe por completo las restricciones de 500 años impuestas a los pintores en cuanto a la perspectiva desde el Renacimiento italiano.

Picasso intentó mantener el cuadro plano. Aunque muchos de los bloques de la pintura son cóncavos y convexos, no son profundamente cóncavos ni muy convexos. El espacio que se muestra en la pantalla es tan poco profundo que la pintura parece una imagen en relieve. El pintor eliminó deliberadamente la distancia entre las figuras y el fondo, intentando que todas las partes del cuadro aparecieran en la misma superficie. Si prestamos un poco de atención a la mancha azul del fondo a la derecha, podemos detectar la originalidad del artista. El azul suele tener visualmente un efecto de retroceso. Para contrarrestar este efecto, Picasso enmarcó estos bloques azules con bordes blancos deslumbrantes, para que parecieran muy prominentes.

De hecho, Les Demoiselles d'Avignon es una estructura de pintura independiente a la que no le importa el mundo exterior. Se preocupa por el mundo formado por sus propias formas y colores. Nació de la inmortal obra de Cézanne que representa a una chica bañándose. Forma una estructura puramente pictórica en un orden diferente al orden natural.

El disfrute de Cassler

Retrato de Cassler, Picasso, 1910, óleo sobre lienzo, 100 × 61,5 cm, Chicago, Art Center of Chicago.

Las pinturas de Picasso del período del "cubismo analítico" de 1909-1911 demuestran aún más el abandono de la representación objetiva. Durante este período, las imágenes de sus obras, ya sean naturalezas muertas, paisajes o figuras, estaban completamente descompuestas, dejando al espectador con poca comprensión de ellas. Aunque cada cuadro tiene un título, es difícil encontrar objetos relacionados con el título. Esas formas y fondos descompuestos se mezclan entre sí de modo que toda la pintura está cubierta por bloques de diferentes formas entrelazados con una variedad de líneas verticales, oblicuas y horizontales. En esta compleja estructura de red, la imagen aparece lentamente, pero puede disolverse instantáneamente en bloques complejos. Aquí se minimiza el papel del color. Parece no haber nada más que negros, blancos, grises y marrones monótonos en la pintura. De hecho, lo que el pintor quiere expresar es sólo la estructura compuesta de líneas, formas y formas, y la tensión que emana de esta estructura.

Este retrato de Casler demuestra claramente cómo Picasso aplicó este lenguaje analítico de la pintura cubista a la creación de figuras específicas. Lo desconcertante es que en esta representación extremadamente abstracta que rompe la imagen y abandona el color, Picasso nunca abandona la referencia al modelo. Para pintar este cuadro, le pidió a su viejo amigo el Sr. Kessler que se sentara pacientemente frente a él veinte veces. Se esforzó por descomponer cuidadosamente las formas, logrando así una composición que parece estar compuesta de capas superpuestas de bloques de color transparentes. Los únicos colores del cuadro son el azul, el ocre y el violeta grisáceo. El color aquí juega sólo un papel menor. Aunque el contorno de la figura del Sr. Canwell todavía puede verse vagamente en el entrelazado de líneas y bloques, es difícil juzgar su parecido con la persona real.

Roland Penrose, el experto en Picasso más famoso, comentó después de leer el cuadro: "Cada vez que se divide un rostro, hay un plano que se separa de las partes adyacentes, que se mueve constantemente hacia atrás y crea constantemente una sensación inmediata, que recuerda De las capas de ondas en el agua, el ojo se mueve entre estas ondas y se pueden captar algunas señales aquí y allá, como una nariz, dos ojos, un cabello limpio, una pulsera y un par de manos cruzadas, sin embargo, como. el ojo se mueve de un punto a otro, continúa sintiendo el placer de nadar en superficies que convencen por su apariencia similar... ver una imagen así crea imaginación, aunque la imagen es ambigua, parece real y hace suya; propias interpretaciones con alegría, impulsadas por la vida simétrica y armoniosa de esta nueva realidad."

Botella, Vidrio y Violín

1890-1892, óleo, 45×57 cm, coleccionado en el Museo de Orsay, París.

A partir de 1912, Picasso se dedicó a sus experimentos pictóricos de estilo "Cubismo sintético". Empezó a hacer collages. Esta obra, titulada Botella, vaso y violín, demuestra claramente este nuevo estilo.

En este cuadro podemos distinguir varias figuras basadas en objetos cotidianos: una botella, un vaso y un violín. Todos ellos están representados por recortes de periódicos. Aquí, el foco de atención del pintor sigue siendo en realidad la cuestión de la forma básica.

Sin embargo, este tema ahora se trata con una actitud completamente nueva. En el análisis cubista, la imagen se reduce a sus elementos básicos, es decir, se descompone en muchos pedazos pequeños. Picasso utilizó estos bloques de construcción como elementos para formar un nuevo orden de objetos y espacios en sus pinturas. Al yuxtaponer y conectar estos bloques con trazos cortos y gruesos, logró una estructura pictórica clara que reflejaba un procedimiento pictórico riguroso y racional. Ahora, en la obra del cubismo sintético, simplemente siguió el procedimiento opuesto. Ya no toma objetos reales como punto de partida y los descompone en elementos básicos. En cambio, toma elementos básicos como punto de partida y transforma formas y bloques básicos en gráficos de objetos objetivos. Es decir, antes de mostrar botellas, copas y violines, ha organizado y dispuesto una estructura pictórica abstracta. Al abandonar la pintura y la pincelada, alcanzó incluso una verdad más objetiva. Utiliza periódicos, papel tapiz, papel de grano de madera y otros materiales similares para hacer collages de bloques de diferentes formas. Por un lado, estos bloques muestran el mundo exterior al cuadro y, por otro, su combinación orgánica muestra la unidad e independencia del mundo propio del cuadro. No es de extrañar que su marchante de arte y amigo Kahn Weiler dijera de él: "Incluso sin saber jugar con el pincel, todavía puede crear obras excelentes. En este collage, un periódico a la izquierda representa una botella, papel impreso con vetas de madera". representa un violín. Unas cuantas líneas fuertes dibujadas con carboncillo permiten esta transformación, y esos materiales de collage no relacionados se convierten en un todo orgánico.

Se puede decir que este lenguaje artístico del collage es el principal símbolo de la pintura cubista. Picasso dijo una vez: "Incluso desde un punto de vista estético, uno puede preferir el cubismo. Pero el papel maché es el verdadero núcleo de nuestro descubrimiento, Picasso es obviamente mejor que otros pintores cubistas (Braque y Grace"). ) son más audaces e imaginativos. Otros pintores deberían plantearse la cuestión de si es coherente con la lógica realista a la hora de disponer los diferentes papeles. Siempre limitaron su papel con imitación de madera a objetos que representaran madera (como mesas y guitarras). Picasso se liberó por completo de esta limitación. En sus pinturas, se puede utilizar un papel pintado estampado para representar una mesa, o se puede cortar y pegar un periódico en un violín. Picasso una vez explicó sus puntos de vista sobre el collage en una conversación con François Giraud:

“El propósito del uso de papel maché es indicar que se pueden introducir diferentes sustancias en la composición y en la pantalla convertirse en una realidad comparable a naturaleza Intentamos alejarnos de la perspectiva y encontrar el espíritu del trompe l'oeil. Nunca los utilizamos para representar una botella, un piano o un rostro. Utilizar el material literalmente pero fuera de su contexto habitual crea un conflicto con el original. imagen visual y su nueva definición final, y hace pensar en los beneficios de los objetos de periódico y botella de desplazarse y entrar en un mundo extraño, un mundo fuera de lugar.

Sólo queremos que la gente piense en esta extrañeza porque nos damos cuenta de que vivimos solos en un mundo muy inquietante. "("Picasso en la pluma del amante" traducido por François Giraud y otros, Tianjin People's Publishing House, 1988, p. 60).

Guernica.

Ge Guernica, obra de Picasso, 1937, óleo sobre lienzo, 305,5 × 782,3 cm, recogido por el Museo del Prado

El óleo "Guernica" es un cuadro creado por Picasso en los años 30 con gran influencia y una obra maestra de importancia histórica. La pintura fue encargada por el gobierno español para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937. La pintura muestra las atrocidades cometidas por la Luftwaffe durante el bombardeo de la ciudad española de Guernica en 1937. Un artista con un fuerte sentido de la justicia, Picasso. mostró una gran indignación ante esta barbarie. Le llevó sólo unas pocas semanas completar esta obra maestra de condena y protesta contra las atrocidades fascistas.

Picasso estaba interesado en la innovación artística de vanguardia, pero no abandonó la idea. expresión de la realidad. Dijo: "No soy surrealista y nunca me he divorciado de la realidad. Siempre me quedo en la realidad real de la situación. "Ésta también puede ser una razón importante por la que eligió pintar Guernica. Sin embargo, la expresión de la realidad en sus pinturas es completamente diferente del realismo tradicional. El rico simbolismo de sus pinturas es difícil de encontrar en las obras realistas ordinarias. El propio Picasso explicó la El significado simbólico de esta pintura es que el toro simboliza la violencia, el caballo herido simboliza el sufrimiento de España y las luces brillantes simbolizan la luz y la esperanza. Por supuesto, en esta pintura también se representan muchas escenas realistas. En la pintura, una mujer sostiene a un bebé muerto y llora hacia el cielo. Debajo de ella hay un soldado tirado en el suelo con flores en las manos y flechas rotas en los brazos. Un hombre aterrorizado levantó las manos en el aire y gritó al cielo. No muy lejos de él, la mujer que estaba inclinada y huyendo estaba muy asustada y sus patas traseras parecían estar en medio de un terrible bombardeo aéreo. Un retrato real de la víctima. Muchas de las imágenes del cuadro reflejan la absorción por parte del pintor de elementos pictóricos tradicionales. La imagen de la madre sosteniendo al niño muerto parece provenir de la tradición de la Piedad. La forma recuerda a la Estatua de la Virgen. Libertad La imagen de las manos gritando en el aire es similar a la pose de muerte del patriota en la pintura de Goya; la imagen del soldado tirado en el suelo con los brazos extendidos parece ser similar a algunas pinturas de guerra del Renacimiento italiano temprano. En la pintura está relacionado por el matrimonio. Se puede ver que Picasso no solo es un innovador audaz con un espíritu rebelde, sino también un artista que respeta la tradición y domina la tradición.

A primera vista, esto. La pintura que aparece en la imagen es muy desordenada en su organización y composición, e incluso podríamos considerarla un poco desordenada, lo que parece coherente con el ambiente caótico en el que se encontraban los vecinos dispersos y asustados durante el bombardeo. Al observar de cerca la pintura, encontramos que en esta larga escena la disposición de todas las formas e imágenes en el espacio ha sido cuidadosamente concebida y deliberada, y hay un estricto orden unificado. Aunque muchas imágenes son dinámicas, sus formas de tejido revelan claramente algunas. significado clásico. En el centro de la pantalla, diferentes imágenes brillantes se superponen para formar un triángulo isósceles; el eje central del triángulo divide toda la franja de la pantalla en dos cuadrados. Se puede decir que esta composición llamada piramidal es consistente. con la imagen de Leonardo da Vinci ("La Última Cena") tiene algunas características similares. Además, todo el cuadro se puede dividir en cuatro partes de izquierda a derecha: en la primera parte destaca la imagen del toro; la segunda parte enfatiza la herida y la lucha. La deslumbrante luz eléctrica sobre el caballo parece un ojo asustado y solitario; en el tercer párrafo, la más llamativa es la "Estatua de la Libertad" que sostiene una lámpara y asoma la cabeza; En el cuadro, llama inmediatamente la atención la imagen de un hombre asustado extendiendo los brazos hacia el cielo. Su gesto desesperado es inolvidable. Con esta composición cuidadosamente organizada, Picasso muestra una escena unificada, ordenada, dinámica y excitante. Las imágenes no solo representan detalles ricos y variados, sino que también resaltan y enfatizan puntos clave, mostrando profundas habilidades artísticas.

Aquí, Picasso todavía utiliza el lenguaje artístico del clip art. Sin embargo, el efecto visual del cortar y pegar en la pintura no se logra con medios reales de cortar y pegar, sino dibujando a mano.

La imagen de "cortar y pegar" de una obra superpuesta a otra se limita al negro, el blanco y el gris, acentuando efectivamente la tensión y el horror de la pintura.