¿Qué cualidades debe poseer un actor?

1. Formación básica

1. Mandarín

El método de expresión del teatro se basa principalmente en las acciones y el lenguaje de los intérpretes para transmitir el contenido. Por lo tanto, como actor de teatro, es fundamental poder hablar mandarín relativamente estándar.

La principal diferencia entre el buen y el mal mandarín radica en la exactitud o imprecisión de algunas pronunciaciones.

/1/ Intenta superar la pronunciación no estándar en los dialectos. Por ejemplo, "n" y "l" en el dialecto de Hunan suelen usarse indistintamente.

/2/Presta atención a la diferencia de pronunciación de palabras con formas similares. 3. Sonidos claros de la superficie de la lengua y sonidos de la lengua elevada.

2. Estrés y pausas

La actuación de un buen actor de teatro no suele consistir sólo en movimientos elegantes y expresiones realistas, sino también en expresar las líneas a través de una voz suave. Esto le da al público una sensación de belleza auditiva. Para ello, además de practicar bien el mandarín, también debes prestar atención al estrés, las pausas y la velocidad al hablar.

/1/Acento, el acento es el sonido que se pronuncia para enfatizar o resaltar palabras y frases individuales. En las representaciones dramáticas, el estrés se divide principalmente en cinco tipos: estrés de preguntas y respuestas, estrés paralelo, estrés afirmativo, estrés exagerado y tono de voz. (Cada método debe encontrarse antes del ensayo para facilitar la interpretación).

En la parte acentuada de la expresión del diálogo, el método principal es utilizar énfasis en el volumen, aumentar el volumen, alargar las sílabas, palabra para palabra y ligereza Hay 6 formas de leer e imitar sonidos.

El uso competente requiere una dura práctica diaria.

/2/ Pausar el diálogo de los personajes no siempre es sencillo. Nuestra audiencia requiere que el diálogo sea animado e interesante, con pausas ordenadas y altibajos. Esto requiere que los actores dramáticos presten más atención a las pausas en el diálogo. Hora de trabajar.

¿Cómo concertar pausas en el diálogo?

(1) Proporcionar puntuación y consejos de ensayo en el guión.

(2) Es necesario considerar la personalidad personal.

Las pausas se pueden dividir en cinco tipos: pausas paralelas, pausas responsivas, pausas psicológicas, pausas fisiológicas y pausas lógicas. (Esta parte del contenido debe combinarse con el guión específico para analizar el ensayo.)

3. Entonación

Para que los actores expresen las emociones de los personajes, deben hacerlo. Captar bien la entonación a la hora de dar forma a la imagen del personaje.

La entonación incluye varios cambios en el sonido, y sus cambios están determinados por el tono, la velocidad y la velocidad del sonido. Fuerza y ​​debilidad se refiere al volumen, que depende de la fuerza de los músculos y del flujo de aire durante la pronunciación. La "voz fuerte" y la "pequeña voz" de las que solemos hablar se refieren a fortaleza y debilidad.

Nota: Un tono alto no necesariamente significa un volumen fuerte; un tono bajo no necesariamente significa un volumen débil. Por ejemplo, cuando estás en clase y le susurras algo emocionado a alguien, tu tono es alto pero tu voz débil.

¿Cómo captar la entonación?

/1/Una frase sencilla, partiendo de la gramática, claramente a quién va dirigida, cuál es la relación entre las dos partes que hablan y por qué se dice así, como por ejemplo "¿Cómo estás bien?" ¡o malo!" Si es entre amantes Los susurros eran completamente diferentes a los que había entre dos enemigos. (Practica y experimenta repetidamente)

/2/

① Cuando estás emocionado, la frecuencia del habla aumenta, la fuerza se fortalece y la velocidad se acelera, formando un alto, entonación fuerte y rápida. Por ejemplo, Don Quijote acababa de ser nombrado caballero. Cuando estaba orgulloso, escuchó un llanto en el bosque, por lo que dijo: "Gracias a Dios por tus cuidados, tendré la oportunidad de cumplir con mi deber y realizar mi ambición. Un hombre o la mujer está en problemas y grita: "¡Necesito rescatarte!"

② Cuando está triste o doloroso, la frecuencia del audio disminuye, la velocidad disminuye y la intensidad se debilita, formando un tono bajo y lento. . Por ejemplo, en "Tormenta", Lu Shiping convence a su hija Sifeng. "Niño tonto, no lo entiendes. No puedes decirle a tu madre lo dura que ha sido durante tantos años. Cuando tu madre era joven, nadie vino a recordárselo. Pobre madre, si comete un error en cada paso. del camino, ella cometerá errores en cada paso del camino."

③ El estado de ánimo de reverencia formará una entonación alta, rápida y débil. Por ejemplo, en "Romeo y Julieta", Romeo elogia a Julieta: "¡Mira! Se sujeta la cara con sus manos delicadas, ¡qué gesto tan bonito! ¡Oh, ojalá fuera el guante de esa mano, para poder besarla!". ¡fragancia en su cara!"

Las líneas son textos relativamente complejos y la gramática de cada oración debe basarse en los sentimientos y pensamientos de los personajes. Cuando recibes un guión, primero debes analizar los rasgos de carácter de las personas en la obra y sus sentimientos, pensamientos y actitudes cuando dicen cada frase. Usa audazmente tu imaginación para mostrar las escenas de la vida de los personajes con tu propio cerebro y corazón.

4. Timbre

Los actores tienen que interpretar personajes de diferentes edades y experiencias. Para crear un personaje perfecto, deben aprender el timbre.

El tono es la característica de la voz. Cada uno tiene un timbre único debido a las diferentes condiciones fisiológicas del aparato de pronunciación. "Oír su voz es como ver su persona" se refiere al timbre.

Una maquillaje de voz

La maquillaje de voz comienza cambiando la fuente del sonido (cuerdas vocales), y el "tono de canto" se puede ajustar para lograr el propósito.

"Maquillaje de Voz" para diferentes edades.

/1/La niña canta a través de la boca y la cavidad de la cabeza, y el sonido debe ser brillante y nítido.

/2/Los jóvenes presentan principalmente zumbidos en la cabeza y la cavidad bucal, con voz brillante, ritmo rápido y habla elocuente.

/3/Las personas de mediana edad tienen principalmente zumbidos en el pecho y la cavidad bucal, sus voces son tranquilas y su ritmo y velocidad del habla parecen maduros y estables.

/4/Personas mayores

① Personas mayores con dientes: al pronunciar, la parte tensa de los músculos de la lengua debe estar ligeramente hacia atrás, la superficie de la lengua debe estar ligeramente hacia abajo y la Los músculos orales deben estar relajados de forma natural. Basado principalmente en el área de la voz media, se puede agregar la cavidad faríngea y el área del pecho para hacer que el sonido sea rico, vigoroso o ligeramente arenoso.

②Viejo desdentado. Extienda conscientemente el rango de movimiento de la lengua ligeramente fuera de los dientes, haciendo que la lengua parezca plana, ancha y paralizada. Al mismo tiempo, el mentón retrocede ligeramente. El espacio en la boca se reduce naturalmente y los labios y las mejillas colapsan, creando un estado de "boca plana".

Modificación de la voz B

Cuando se utiliza el lenguaje para comunicar pensamientos y expresiones, el color de la voz de las personas cambia de manera extremadamente rica. Puede ser una sonrisa breve y gentil o un ligero temblor. sonidos nasales para decir una palabra clave en una oración.

2. Habilidades actorales del actor

1. Experiencia

Para que un actor interprete bien un papel, la cuestión más importante es la experiencia y el desempeño. Además de las habilidades lingüísticas requeridas para las carreras, cómo experimentar el papel y expresarlo son dos temas necesarios en el teatro universitario.

La diferencia entre actores profesionales y actores aficionados no es tan obvia. Aún así, personas con cierta formación pueden alcanzar un determinado nivel profesional.

La actuación y la experiencia de los actores en muchos dramas son siempre un problema. Algunas personas son muy expresivas, pero si lo sientes con atención, sabrás cuánto hay en su corazón y cuánto está estrechamente relacionado con este personaje. La costumbre de la mayoría de los actores, incluidos muchos muy buenos actores, es usar el cerebro para controlar el lenguaje y el cuerpo. Entrar en la obra consiste en comunicarse con los demás y experimentar el corazón del personaje. Prestar atención no es comprender, es muy difícil. . Es difícil y agotador.

Experiencia es realmente una palabra muy misteriosa. ¿Cómo puede una persona experimentar los sentimientos de los demás, incluso los sentimientos de una persona ficticia?

Uno es la experiencia, las alegrías y las tristezas personales. Sólo una persona puede tener una verdadera experiencia de sus propias emociones, ira, tristeza y alegría. Sólo con esta experiencia puede volverse natural en el escenario y vivir en el escenario.

Uno es la observación, observar las emociones de otras personas. Relacionado con esto está la imaginación, imaginar las emociones de otras personas e imaginar las reacciones de otras personas en determinadas situaciones.

Una buena experiencia como actor tiene más que ver con el proceso de comprender al personaje y darle forma. Luego, viertes tus propias emociones en el personaje. Por lo tanto, cuando actúas por primera vez, crees que lo hizo de manera brillante, pero te llevará cierta cantidad de tiempo y dificultad volcar tus emociones en el papel más adelante.

Otra forma de actuar es que entra lentamente en el personaje a través de su propio cuerpo. Se deja convertir en el personaje y hace que el personaje forme parte de su cuerpo. Este tipo de actor tarda relativamente en calentarse y. Al principio parece estar muy lejos del personaje, o parece que no es lo suficientemente expresivo, pero al final, una vez que entras en escena, es una actuación natural.

Ambos métodos tienen sus pros y sus contras. En lo que respecta a la experiencia, debe haber dos métodos de actuación, pero el primero se basa principalmente en la observación y el segundo se basa principalmente en la experiencia;

2. La expresividad de las líneas de voz

Las líneas de voz son la encarnación del encanto del lenguaje dramático y requieren sólidas habilidades básicas. Para el teatro experimental popular, no necesariamente defiendo una formación estricta en habilidades básicas. Sin embargo, todavía se requiere la formación necesaria en voz y líneas.

Además de los consejos sobre pronunciación y entonación mencionados antes, necesito explicarlos con más detalle aquí:

/1/Habla en voz alta. La voz es demasiado suave, y mucho menos expresiva, y ni siquiera puedes oírla.

Esto se debe principalmente a que no puedes perder la cara en el escenario, por lo que recurres a la terapia conductista. El sonido se amplifica continuamente y luego los ejercicios se realizan gradualmente en diferentes lugares.

/2/Habla con claridad. No tienen por qué ser cuentas grandes y pequeñas cayendo sobre la placa de jade, al menos deja que otros escuchen claramente lo que estás diciendo. Estos dos puntos son requisitos muy básicos.

/3/De frases sueltas a personajes. Esto está relacionado con la pronunciación y la entonación. La imagen de un personaje no es un concepto. Está compuesto por cada palabra y cada frase. En primer lugar, debes ser bueno expresando oraciones individuales. Aquí podrás hacer ejercicios como decir te quiero cien veces. (Cien veces es demasiado, al menos diez veces). En diferentes situaciones, puedes hablar con diferentes tonos, pronunciaciones y entonaciones. Los clásicos incluyen palabras como oh, ah.

/4/ Lectura de frases y ritmo. ¿Dónde está el énfasis, dónde está la pausa? Donde hay prisa, hay palabra.

3. Llegar al corazón del personaje

Ver realmente, escuchar realmente y pensar realmente es llegar al corazón del personaje. Reacciona con tus propias reacciones y habla con tu corazón.

Una persona puede reaccionar con la reacción del personaje, porque el personaje no puede ser tocado en absoluto, y solo puede reaccionar con su propia reacción. Al actuar, hay dos tú, uno vive y el otro actúa, y el tú que actúa controlas tu comportamiento. Reaccionar con tu propia reacción es utilizar la primera para reaccionar apropiadamente con tu oponente y el artista del escenario. En segundo lugar, solo quiero decirte que cuando llores, no llores fuerte, de lo contrario la actuación no será efectiva si estás a punto de terminar el espectáculo, no lo olvides.

Si realmente miras, escuchas y piensas, debes poner tu primer yo en el escenario de verdad, en lugar de actuar. Cuando otros hablan, reaccionas, cuando otros se mueven, reaccionas. En diferentes escenas, miras a diferentes personas con diferentes ojos. Esto es realmente mirar, escuchar y pensar.

Habla en el idioma de tu corazón. Muchos directores piden a los actores que escriban biografías de los personajes. Esta es una manera de entender a los personajes. Si puedes dejar que el primero en aparecer en el escenario, entonces puedas realmente mirar, escuchar y pensar, pero ese eres tú. personaje. Si quieres llegar al corazón del personaje, entonces tienes que pararte en el escenario con el corazón del personaje.

Es difícil entender a una persona, y es aún más difícil entenderse a uno mismo. Es aún más difícil estar en el escenario con el corazón del personaje. Los personajes tienen sus propios amores y odios, su propia visión de la vida y sus propios valores. ¿Cómo entendemos a un personaje?

Afortunadamente, un personaje no es una vida, sino un papel, y un guión. Lo que vemos es la punta de un iceberg, afortunadamente podemos situar esta punta sobre diferentes icebergs.

Cuando los actores crean personajes, en primer lugar, necesitan su propia vida; en segundo lugar, necesitan su propia espiritualidad y capacidad de empatía, o imaginación; en tercer lugar, necesitan comunicarse con el director para ampliar continuamente el papel de; el personaje. Antecedentes para garantizar que los personajes que imaginas estén dentro del marco del director.