¿Qué es el "Período Barroco" y cuáles son algunos de los artistas más destacados durante este período?
1. Estilo barroco
Generalmente se considera que el período de la música barroca va aproximadamente desde 1600 hasta 1750, es decir, comenzando en Monteverde y terminando con Bach y Handel. En 1750, la muerte del maestro del contrapunto Johann Sebastian Bach marcó el fin de la música contrapuntística en su apogeo, y también marcó el fin de la era barroca. La razón por la que este período se llama Barroco es porque las técnicas y métodos de expresión musical en este período básicamente tienen cierto grado de similitud, por lo que usar este término para marcarlo no tiene un significado especial. La palabra barroco proviene del francés y su origen es el portugués barroco, que significa perla que no tiene forma redonda. Fue utilizado por primera vez por los críticos del último período del Barroco al comentar sobre la música de este período, y generalmente tenía un significado despectivo, refiriéndose a música cruda, extraña y exagerada. Los músicos del período clásico posterior al Barroco tendieron a simplificar y estandarizar el lenguaje musical. En su opinión, la música barroca era demasiado exagerada y no lo suficientemente estandarizada. Por ello, el término barroco es utilizado por la crítica para referirse a las obras artísticas y musicales del siglo XVII y principios del XVIII.
Ahora, con el paso del tiempo, podemos mirar la música de este período desde una perspectiva histórica más profunda y detallada. El barroco ya no tiene la connotación de ser tosco y tosco, sino comparado con. la música antes y después del Barroco Como obra musical sí que tiene características exageradas y un tanto irregulares. El arte del Renacimiento se trata de claridad, unidad y coordinación. Pero a finales del siglo XVI, el elemento emocional en el arte aumentaba día a día, y las formas claras, claras y perfectas eran superadas por la necesidad de expresar emociones. Se puede ver en las bellas artes en las dramáticas pinturas de colores intensos de Caravaggio (1573-1610). En términos de música, ya hemos visto las pistas de los madrigales de Marenzio y Gesualdo y las antiguas canciones de Daolunde, y su próxima generación se ha desarrollado aún más. Para crear estos poderosos efectos, hubo que desarrollar un nuevo estilo musical. En general, la suave música polifónica del Renacimiento ya no se adapta a las características que exige la nueva era.
La creación más importante del periodo barroco es el concepto de "contraste". La música renacentista tiene una progresión suave, con las distintas voces (normalmente cuatro o cinco voces) entrelazadas y sincronizadas. Después de 1600, esta textura se utilizó cada vez menos y sólo se puede ver en la música religiosa. Esto se debe a que la música religiosa está sujeta a la tradición y a una liturgia fija y, por tanto, es la más conservadora. El "contraste" se puede expresar en varios aspectos: tono alto o bajo; velocidad rápida o lenta (contraste entre pasajes rápidos y lentos o contraste entre partes rápidas y lentas, diferentes timbres (canto) y interpretación completa; (coro), etc. Todos ellos existen dentro de la estructura musical del período barroco y cada uno tiene su lugar. Muchos músicos del período barroco utilizaron la forma de concierto o policoncierto (la palabra misma significa un elemento de contraste claro), cuya característica básica es la transformación de la textura, a veces con una voz (solo) o varias voces. A veces, se forman conjuntos de grupos más grandes. usado. El contraste más obvio y fuerte es un nuevo género que surgió en ese momento llamado "monodia", que es una especie de canción solista, más o menos con una parte vocal suave en la parte superior, acompañada por un acompañamiento de laúd o clavicémbalo, el acompañamiento es más lento. , el representante (y en cierta medida el creador) de este género es el compositor y cantante Caccini (ca. 1545-1618). En el cancionero de la obra histórica "Le nuove musiche", la melodía vocal sigue el significado de. la letra y cambia mucho en términos de ritmo y textura, puede variar desde muy simple hasta muy decorativo y es casi constante. Las partes de acompañamiento del tono alterado forman un contraste. Caccini fue miembro de la Sociedad Camerata de Florencia (un grupo compuesto por músicos, poetas y nobles). En las décadas de 1670 y 1680 entró en contacto con la idea de expresar emociones en la música griega antigua. , el grupo siguió este concepto adoptando la forma de una "canción monofónica".
Es casi innecesario considerar la palabra "acompañamiento" mencionada anteriormente en la música del Renacimiento. Como concepto, pertenece al período barroco y significa que el estatus de las partes del instrumento es diferente.
De hecho, la característica más importante de la música barroca es su acompañamiento, el continuo. El intérprete de continuo toca la parte del bajo en el clavecín o el órgano (o laúd o guitarra), con números que indican los acordes de relleno que debe tocar. El bajo continuo suele ser tocado por dos personas, una tocando la parte del bajo utilizando un instrumento de sonido extendido, como un violonchelo (o viola o fagot), y la otra tocando los acordes de relleno. Este tipo de textura usando continuo es: una parte melódica de una voz humana o un instrumento en la parte superior, un instrumento bajo en la parte inferior y una armonía en el medio. Este es un estilo típico de la música barroca. La parte anterior también suele escribirse a dos voces, a veces escrita para dos cantantes, a veces para dos violines (llamada sonata en trío en esta época). Esta estructura también es típica de la música barroca, especialmente del continuo. Es indispensable e ilustra lo importante que es. El concepto de armonía producido por el bajo es propio de la música barroca y es central en ella. La aparición de este concepto no es repentina. En el siglo XVI, la parte de bajo ya se distinguía de las otras líneas de parte superior en la música polifónica, pero no fue hasta el período barroco que este estilo se determinó claramente. Junto con los cambios anteriores, y relacionado con ellos, estuvo el abandono de la polifonía (más precisamente, la polifonía se convirtió en un método anticuado utilizado casi exclusivamente en una determinada categoría de música en la iglesia).
Prestar atención a la armonía conducirá inevitablemente a la aparición de varios puntos finales de la progresión armónica en una pieza musical. Estos puntos finales se denominan terminaciones o convergencias y se forman debido a una serie de progresiones armónicas. un cierto estándar. Relacionada con esto está la progresión del ritmo en la música vocal, si la melodía quiere expresar la emoción de la letra, debe seguir (o incluso exagerar) el ritmo natural del lenguaje en la música instrumental (incluida alguna música vocal, especialmente); canciones de coro), se utilizan ritmos de baile. Debido a que el bajo utiliza el ritmo de la música de baile, acelera el desarrollo del sentimiento tonal y la tendencia a progresar hacia un tono específico. Al mismo tiempo, la aparición de nuevos tipos de instrumentos musicales aceleró este proceso, el más importante de los cuales fue la familia del violín. En aquella época, el sonido de la viola era adecuado para la claridad de la música polifónica pero carecía del sentido dinámico del ritmo, mientras que el arco limpio y brillante del violín y su capacidad para tocar música técnica brillante eran adecuados para tocar música con ritmos de baile. , en comparación con las canciones monofónicas. Más capacidad para utilizar habilidades.
La alternancia de estilo vocal y estilo instrumental es una técnica típica del Barroco. La alternancia de dos estilos diferentes en la música barroca tiene como objetivo la novedad y el efecto. Las formas musicales importantes del Barroco temprano fueron las canciones monofónicas (en comparación con la música polifónica del período anterior) y las óperas y oratorios relacionados con el cuerpo, que enfatizaban la estrecha combinación de voz y música. En las óperas también había escenas. efecto. El contrapunto no se utiliza en la música de una sola melodía y su forma se desarrolla a partir de la combinación de melodía y bajo, como la forma de canción segmentada, la estructura de la canción Hui y variaciones en la parte de bajo recurrente. También ha habido desarrollos correspondientes en instrumentos musicales, como instrumentos adecuados para tocar combinaciones de bajo continuo y violines que han reemplazado a la familia del violín. La familia de instrumentos del violín es más flexible y puede tocar un rango vocal más alto.
2. La música en los países europeos durante el período Barroco
Durante el período Barroco, el arte musical se desarrolló con una rapidez sin precedentes. Y contribuyó al surgimiento del arte rococó posterior. La música de este período es más representativa de Alemania, Italia, Francia y otros países.
1. La música alemana en la época barroca
La música alemana en la época barroca estuvo representada por Schütz, Bach y Handel. Si comparamos la música polifónica desde la Edad Media con una pirámide, su música es como la cima de una torre, porque no sólo absorbieron la nueva música italiana del Renacimiento, sino que también abrieron un nuevo camino. Cuando Heinrich Schutz (1585-1672) tenía 24 años, fue a Italia para estudiar con Giovanni Gabrieli (1557-1612), un gran maestro de la escuela de música veneciana.
Después de regresar a China, publicó su primera ópera alemana "Daphne" y posteriormente compuso muchas Pasiones. Schütz estuvo exactamente a cien años de Bach y Handel, y su estilo tuvo una importante influencia en la creación de estos dos maestros de la música barroca. Las obras musicales de Handel y Bach irradian brillantez en la historia de la música, tanto en términos de síntesis de la música tradicional como en términos de seguimiento de nuevas tendencias de pensamiento. Las obras de Handel son principalmente ópera y oratorio, y sus obras instrumentales también contienen fuertes elementos vocales, que obviamente están influenciados por Italia. La música de Bach contiene fuertes elementos instrumentales en sus obras vocales, que es un ejemplo clásico de la música clásica. La era socialista sentó una base sólida.
2. La música italiana en la época barroca
La ópera, gran forma de arte, nació en Italia, la "cuna de la música", la antigua civilización europea. En aquella época había en Florencia muchos grandes artistas y un grupo de nobles muy interesados en el arte griego antiguo. Estos nobles estaban decididos a darle nueva vida al teatro griego, por lo que comenzaron a componer música para historias griegas antiguas, y el coro se vistió para cantar la historia completa. Este fue el prototipo de la ópera. Posteriormente, los papeles de la historia fueron interpretados por cantantes; entre actuaciones corales, los cantantes masculinos y femeninos interpretaron solos. Cuando las palabras del personaje son suaves, las líneas se procesan en mitad cantadas y mitad habladas. Este tipo de canto es muy parecido a un himno y se llama recitativo, mientras que las emociones fuertes se expresan mediante una melodía real, que se llama aria. Posteriormente, se utilizaron arias específicamente para lucir la hermosa voz de la cantante. En aquella época, ya fuera que una ópera se representara en Italia, Inglaterra o Alemania, las arias siempre se cantaban en italiano y la parte recitativa se cantaba en la lengua nativa. En la música barroca italiana, las cuerdas son comparables a las primeras óperas. Las antiguas oberturas y conciertos de ópera de aquella época estaban dominados por las cuerdas. Italia durante este período fue rica en violinistas, como Giuseppe Torelli (1650-1708), Arcagello Corelli (1653-1713), T. Antonio Vitali (1665-1735), Vivaldi Antonio Vivaldi (1675-1743), Giuseppe Tartini (1692). -1770), etc., todos precedieron a Bach. Estos músicos no sólo son violinistas famosos, sino también compositores de música para violín. Entre la gente de Cremona, en los Alpes del norte de Italia, hay un sinfín de fabricantes de violines, como Amati, Guarneri y Stradivari. Sus violines cuidadosamente elaborados todavía están activos en el escenario, mostrando su infinito encanto artístico. La obertura de una ópera debe dividirse en tres partes: un comienzo rápido, una parte media lenta y un final rápido. Esta forma se convirtió más tarde en la forma básica de los conciertos y sinfonías. Los instrumentos de cuerda como el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo siguen siendo instrumentos indispensables en las orquestas y también son extremadamente importantes en la música de cámara y en los instrumentos solistas. Se puede observar que la influencia de la música italiana en la época barroca fue extremadamente profunda.
3. La música francesa en la época barroca
En París, Francia en aquella época, la ópera y la música de fortepiano eran extremadamente populares en las residencias de príncipes y nobles. La ópera francesa durante este período creció independientemente de la tradición de la ópera italiana y se acercó a la forma de danza dramática. En la época barroca, el compositor de ópera más representativo de Francia fue Jean Baptiste Lully (1632-1687). Sus óperas eran concisas, claras, hermosas en melodías y, al mismo tiempo, muy bailables, sus contenidos eran picantes y penetrantes. Al mismo tiempo que la ópera, la música para clavicordio se hizo popular. El clavecín suele estar decorado con adornos que representan la cultura barroca. Éste y el clavecín son los predecesores del piano moderno. Los maestros del fortepiano de esa época incluyeron a Francois Couperin (1668-1733) y J.P.Jean Philippe Rameau (1683-1764). Compusieron muchas suites para fortepiano, muchas de las cuales todavía circulan ampliamente en la actualidad.
"Introducción a la armonía" (escrito por Rameau) publicado en 1722 es el trabajo teórico más antiguo sobre la armonía en la historia de la música.