Presenta los tres movimientos cinematográficos del mundo.
El primer movimiento cinematográfico: el movimiento cinematográfico de vanguardia europeo (1917--1928)
1. El primer impresionismo francés (1917---1928) Una vanguardia<. /p>
Figura central: Louis De Luc creó "El espectáculo español" y "El vagabundo" 1922 publicó "Fotogénico"
Figura representativa: "El programa español" de Dulac 1919 "El. Tiny Madame de Bude" 1923
Marcel Lepierre "El Dorado" 1921 Abel Gance "La Rueda" 1923 Jean Epstein " "Corazón Leal" 1923
Principales aportaciones:
1. Explorar temas para ampliar la expresión de la narrativa psicológica en las películas y elegir temas adecuados para describir las actividades psicológicas de los personajes.
2. Buscar la correspondencia entre los objetos naturales y la psicología y el espíritu de los personajes, y crear una impresión en el artista basándose en los hechos objetivos de los rápidos cambios en la escena natural.
3. Establecer nuevas técnicas de fotografía para adaptarse a la expresión visual psicológica y espiritual de los personajes.
4. Enfatizar la importancia de la expresión del ritmo visual y la edición del ritmo, el ritmo interno y externo.
2. Varios géneros de tendencias surrealistas:
Experimentos estéticos cinematográficos puros:
1. Género cubismo francés: Fernand Lecher "La danza de la máquina" enfatiza la combinación de formas gráficas y edición rítmica
2. Género abstraccionismo: "5 minutos de cine puro" de Henry Himmet
El dadaísmo es irracional Experimento cinematográfico:
Man Rey Su primera obra "Back to Reason" y "Intermission" de René Clair están llenas de fantasía y dadaísmo absurdo, que es una propuesta artística a la vez homóloga y antirracional. Pierde su realidad y se vuelve surrealista.
La realidad absoluta de las películas surrealistas:
La búsqueda de una estética surrealista por parte del dadaísmo condujo en última instancia a la creación de películas surrealistas. Es el destino final de muchas vanguardias
"La concha y el monje" de Sherman Dulac 1927 "Collar de perlas" de Lewis Buñuel 1929 "Un perro andaluz" La obra representativa del surrealismo El hombre .La "Estrella del cielo" de Rey Mar" 1929
3. Expresionismo alemán: 1919---1924 Influenciado por el vanguardismo
El expresionismo fue influenciado por el postimpresionismo. Obras representativas del "Doctor Caligari" de Robert .Vine tiene un estilo de estilo expresionista, el escenario y el ambiente del fondo son consistentes, el modelado de personajes es consistente con el escenario, la luz y la sombra, y el estilo visual son características expresionistas
"Nosferradu the Vampire" "Three Lives" y "Colen the Clay Man"
Tendencia al realismo:
Drama de interior: Carl Mayu, el guionista de "The Lowest Man" y el guionista de "Dr. Caligari" 1
El uso de la ambientación, la temática y el entorno cambian, pero el destino sigue siendo despiadado, utilizando el realismo en lugar del expresionismo
Cine callejero: una actitud creativa realista utilizando el sentido del paisaje El interés está en el entorno social más que el estado psicológico.
4. La escuela del montaje de la antigua Unión Soviética: Paralela al socialismo y la clase comunista, sociedad y economía
Afectadas por el futurismo y el constructivismo.
1. La operación Pudovkin del “Estudio Experimental” de Kulishov. Tres primeros planos inexpresivos de Mozyu Hind
2 de "Movie Eye School" de Vertov realizaron documentales y contrastaron guiones, actores y estudios. Pero utilizar velocidades de movimiento cambiantes y ángulos fotográficos extraños para observar la vida y hacer registros selectivos tiene una actitud poco realista. La yuxtaposición y coordinación del montaje.
3. “Extraña escuela para actores” de Kozintsev y Tara Uberg
4 Teoría y creación de Eisenstein: “El acorazado Potemkin” 1925 Escaleras de Odessa
Montaje de vodevil posterior. creó el montaje racional (exageró el papel del montaje, pero fue negado) y estableció la teoría del montaje
5. La narrativa del montaje de Pudovkin: "Madre", "Los últimos días de San Petersburgo", "Descendientes de Genghis Khan".
Enfatiza la creación de guiones; enfatiza el papel básico de los actores (diferencie de los "modelos cinematográficos" de Kuleshov y los "actores tipo" de Eisenstein). El montaje es la base de la creación de arte cinematográfico y crea montaje asociativo. >
Pudovkin destacó la importancia de la combinación de planos y el detalle, mientras que Eisenstein destacó el conflicto del montaje >
5. La "Escuela del ojo cinematográfico" de Vertov partió de. la naturaleza de grabación de fotografías de la vida real, fotografías espontáneas y fotografías instantáneas. Posteriormente, fue influenciado por el movimiento francés New Wave. Su influencia crea un estilo que combina documentales y largometrajes alemanes. La "Sinfonía de Berlín" de 1927 del pintor abstracto Walter Rutmann fue influenciada por Vertov 3. A finales de la década de 1920, la vanguardia francesa casi se convirtió en un grupo documental con "El único tiempo" de Alberto en 1929, "El fenómeno de Niza" de Jean Vigo. "Pulpo", "Medusa" y "Escarabajo de agua" de Jean Benlevy combinaron animales en el agua fotografiados con figuras geométricas, como las pinturas de Kandinsky y Picasso
4 de Uris Evans
5. "Lo que el viento se llevó" de John Grierson de Inglaterra. "Al barco pesquero"
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7. Puesta en escena alemana, fotografía francesa y montaje de la Unión Soviética, rodaje del final de la película muda de la película francesa "La Pasión de Juana de Arco"
Obra representativa del segundo movimiento de vanguardia, el movimiento del Neorrealismo italiano después de la Segunda Guerra Mundial.
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Rosellini: La relación entre neorrealismo y guerra "La ciudad indefensa de Roma"" Guerrillas" "Año Cero alemán" "Europa 51" "Viva Italia"
Visconti: Obtuvo el título de padre del neorrealismo con "La caída". "Las olas" combina realismo y esteticismo, pero más tarde " Los Sufrimientos” y “Muerte en Venecia” persiguieron completamente el esteticismo.
De Sica: Las obras más representativas del neorrealismo son “Los ladrones de bicicletas” y “Los niños nos miran” y “El lustrabotas” , que son colaboraciones con Zivattini (destacado dramaturgo). El estilo libre de utilizar actores informales
De Sandys: "Rome Eleven" lleva el neorrealismo a otra cima, utilizando un estudio y mezclando actores formales con actores informales. "Roma indefensa" de Rossellini es en parte lo mismo.
Las características estéticas del neorrealismo: 1. Documentación 2. Filmación en vivo 3. Uso de lentes largos 4. Uso de actores no profesionales 5. Forma estructural (búsqueda de estructuras simples y planas) 6. Lugar El uso del dialecto
La herencia del neorrealismo: rompiendo con el realismo
Fellini: La búsqueda del romanticismo en “El Camino”, “Las noches de Cabiria” y “Ocho y medio” Trabajo personalizado. Salto espacial del clip.
Antonioni: Desdibuja la realidad y enfatiza la percepción subjetiva del protagonista. "Aventura", "Magnificación" y "Desierto Rojo" tienen colores irreales y surrealistas. Los colores naturales cambian con la psicología.
El tercer movimiento cinematográfico: la "Nueva Ola" francesa y la "Ribera Izquierda" en los años 1950 y 1960
Nueva Ola---Película de autor
1958 Nacimiento , "Naughty Guys" de Truffaut, "Beautiful Serge" de Chabrol
1959, el año feliz, "Travesura" de Truffaut, 1960, el auge y 1961, el declive. Además de "Such a Life" de Godard
"New Wave", Bazin es elogiado como el padre espiritual.
1. Las películas son la línea asintótica de la realidad. 2. La teoría de la puesta en escena.
Características creativas:
Es similar al neorrealismo italiano, pero la nueva ola tiene un fuerte color personal, mientras que el neorrealismo tiene un aspecto social significativo.
Tema: película apolítica; negación de conceptos morales tradicionales
Método fotográfico: centrándose en la fotografía de la película, centrándose en la frescura de la imagen, rechazando imágenes funcionalistas o académicas.
Sonido: muchos sonidos naturales, realismo
Edición: duración, ritmo. Edición rápida, conexión entre tomas. Salto del tiempo. El uso de lentes largos aumenta la sensación de realismo.
Desde la Nueva Ola, los planos generales de Truffaut y Chabloch, y los cortes de salto y montaje rápido de Godard.
Actuación: Actores no profesionales, actores desconocidos.
En definitiva, no le importa la gramática cinematográfica tradicional.
Orilla izquierda ---- Película del escritor
Obras representativas:
Alain Resnais, "Hiroshima Mon Amour" y "El año pasado en Marienbad" 1961 Henri Galbi , "La larga separación" 1961
Alain Robbe-Grillet, "Especial Express Across Europe", Marguerite Durr, "Music", 1966 "Yellow Sun", 1970
Centrarse en el interior descripción. Fueron innovadores en literatura y teatro.
Afectado por:
1. Aceptó la influencia de la psicología sexual y la teoría del subconsciente de Freud, y expresó la realidad de las personas.
2. Aceptó la influencia del "existencialismo" de Sartre y expresó la relación entre las personas, las personas y la sociedad, y entre las personas.
3. La influencia del "realismo" de Bergson enfatiza la entrada de sentimientos irracionales en las profundidades de la conciencia y la percepción de la sociedad.
4. Influenciado por Brecht, expresa la realidad de forma tortuosa para comunicar sus fantasías internas.
Características principales:
Tema: Favorecer el recuerdo, el olvido y el recuerdo, intentando poner en pantalla los procesos espirituales de las personas; describiendo la responsabilidad y la culpa de las personas, la memoria Siempre relacionada con hechos históricos. En "Hiroshima Mon Amour".
Director: Del realismo documental al realismo espiritual puro.
Edición: la revolución estética más importante. El setenta por ciento del efecto de "El año pasado en Marienbad" proviene del montaje. Primero, cancelar los métodos intermitentes de las películas tradicionales, como disolver dentro y fuera, cancelar tomas de transición, usar cortes de salto para comprimir artificialmente el tiempo y el espacio, y segundo, invertir la posición de la lente; tercero, usar las lentes en paralelo; , sin continuidad. Incluso opuesto; cuarto, edición en bucle, repetición consciente.
Sonido: Los directores de Left Bank son más sofisticados que los directores de New Wave, por lo que consideran más detalles sobre la música y el sonido.
Performance: Actuar como actor de teatro, ampliando conscientemente la distancia entre las personas y utilizando un efecto de distanciamiento.
Fotografía: No existe un estilo unificado, pero no se utiliza el estilo de hombros de Godard. Preste atención a la composición y la iluminación de la imagen. En particular, la lente push de Resnate es única.
La diferencia entre los dos:
1. En términos de ingredientes: la mayoría de los productores de la nueva ola eran comentaristas de la "Revista Cinema" de Bazin y entraron a la industria cinematográfica por su cuenta. Los banqueros de izquierda son los literatos del grupo de escritores de izquierda. Entonces el cultivo es mayor que el de la Nueva Ola.
2. Perspectiva temporal: La Nueva Ola comenzó a finales de los años 1950. La Escuela de la Margen Izquierda fue anterior a sus directores, con Resnais comenzando en 1948.
3. En cuanto a la edad: Los jóvenes de la nueva ola, mientras que los banqueros de izquierda son de mediana edad, por lo que su experiencia y experiencia son superiores a los anteriores.
4. La nueva ola tiene fuertes Las películas del autor utilizan principalmente la primera persona, mientras que las películas del escritor utilizan principalmente la segunda, tercera persona o incluso la persona confusa. Además, tiene un fuerte presupuesto literario, dramático y artístico que supera con creces el de la Nueva Ola.
5. Lugar de rodaje: El primero no refleja una historia significativa, por lo que se realiza principalmente en París, mientras que el segundo se rueda en todo el mundo.
6. Búsqueda estética: la nueva ola se acerca a la vida y profundiza en la realidad, mientras que la Escuela de la Margen Izquierda se interesa por las actividades espirituales, los pensamientos y los corazones de las personas.
7. Ciclo de producción: The New Wave filma de manera descuidada y semi-improvisada, por lo que el ciclo es corto, mientras que Left Bank School utiliza un enfoque cuidadoso y deliberado, por lo que el ciclo es más largo.
8. La película pasa la inspección: la primera es simple en contenido y no involucra política, por lo que generalmente pasa sin problemas (a excepción de "El pequeño soldado" de Godard)
Pero la película Este último tiene un trasfondo más complicado, por lo que se mete en problemas.
La Margen Izquierda adoptó una postura clara para intervenir directamente en la vida, poner el status quo social desnudo en la pantalla y desencadenar las emociones y elecciones de la audiencia. Por lo tanto, la Margen Izquierda fue la vanguardia del. Décadas de 1950 y 1960.
4. El realismo poético francés en los años 30
El pionero del realismo poético francés: principios de los años 30
Rene Clair: (Soñador) Audio Los primeros días de cine: "Bajo los tejados de París" 1930 "Millones de francos" 1932 "14 de julio" 1933 Cuadrilogía. "Freedom Is Us" es la mejor obra de este período. El estilo de comedia influyó en la escena de la cinta transportadora en "Modern Times" de Chaplin.
Jean Vigo: (Hermoso) "Operación Cero" 1932 "Barcaza Atalante" 1934
El desarrollo del realismo poético: pico 1934---1939 Realismo negro, exponiendo la oscuridad de la sociedad
Jacques Federer: Un actor interpreta dos papeles en "The Big Gambling". "Apartamentos Mimosa" 1935 "Valor y Carnaval" 1936
Sillian Deweyville: "David Gold" 1930 "Grupo Colonial Español" 1935 "Juntos" 1936
Marcel Carnet: (Pesimista)" Jenny", "Fog Pier", "Hotel Nord", "Sunrise", "The Night Visitor", "Children of Heaven"
Jean. Renoir: (Maestro del Realismo) "Aborto", "Perra" ", "Budou Rescatado del Agua" y "Tony" escribieron junto con Eisenstein y utilizaron lentes de profundidad de campo. El comienzo del cine independiente.
"El Gran Desengaño" obra pacifista. Se resta importancia a la trama y la obra tiende a quedar grabada, formando un estilo de realismo. Procesamiento de sonido: 1. Uso mixto de cuatro idiomas; 2. El lenguaje y el diálogo en la película indican simultáneamente las identidades de diferentes personas. 3. El procesamiento de la música domina la motivación de la película.
"Reglas del Juego" El valor de la muerte. Fotografía móvil y tomas de enfoque profundo.
El último período del realismo poético después de 1939
Jean Grimillon: "Por un centavo por amor", "El vals real", "El extraño señor Wilde" y "La barcaza" "El cielo te pertenece"
Jacques Beguerre: "Las manos rojas de Gubi", "Anton et Antonette", "El casco de oro", "Alibaba y los cuarenta ladrones"
Aportaciones del realismo poético:
1. Actualizar el concepto de realidad. El aspecto más peculiar y distintivo.
2. El uso y establecimiento de lentes de profundidad de campo. Su práctica ha confirmado la teoría de Bazin de la "puesta en escena". El uso de lentes de profundidad de campo tiene una gran influencia. sobre el desarrollo de la "ontología cinematográfica".
3. Dar rienda suelta al poder de la literatura en el cine.
Malentendido:
1. Ignorar el carácter audiovisual del arte cinematográfico.
2. El impacto de los grupos artísticos en los individuos.