Un resumen desde el período musical de la antigua Grecia y Roma hasta el período de Beethoven

La historia de la música occidental se puede dividir a grandes rasgos en siete períodos: música en los antiguos períodos griego y romano, música en el período medieval, música en el Renacimiento, música en el período Barroco, música en el clasicismo. época y romanticismo, música de época, música del siglo XX.

1. Música griega y romana antigua

En cuanto a la situación específica de la música de la antigua Grecia y la antigua Roma, debido a que quedan muy pocos materiales de partituras, tenemos poca comprensión. de la música de este período poco se sabe sobre la música. El origen de la música en la antigua Grecia está relacionado con el culto a dioses y con mitos y leyendas. La palabra "Música" proviene de "musa". En la mitología griega antigua, Musa es la diosa encargada del arte. Los famosos dioses Apolo, Atenea, Dioniso, etc. son todos dioses del arte. Cuenta la leyenda que la música fue creada por ellos. La música griega antigua se utilizó ampliamente en actividades religiosas y jugó un papel importante. Los instrumentos musicales de la antigua Grecia incluyen principalmente la lira y los aulos. Se dice que fueron inventados y poseídos por diferentes dioses y, por lo tanto, a menudo se asocian con la adoración de diferentes dioses. La lira es un instrumento de cuerda, utilizado principalmente para acompañamiento solista, interpretación épica y canto, y a menudo se asocia con la adoración de Apolo. Es el instrumento principal en la ceremonia de adoración a Apolo. La Afrodita es un instrumento de viento que se utiliza a menudo en los rituales que adoran a Dioniso, el dios del vino. En los conceptos culturales occidentales modernos, la lira y la música que adoran a Apolo y Avros y la música que adora a Dioniso se han convertido en símbolos de dos categorías principales de música con personalidades opuestas. El primero es un estilo apolíneo tranquilo y sobrio, mientras que el segundo es un estilo dionisíaco indulgente y romántico.

La música griega antigua tiene una rica herencia en teoría musical, que tuvo una importante influencia en el desarrollo posterior de la música occidental. Pitágoras (alrededor del 550 a. C.) relacionó la armonía de los intervalos musicales y el ritmo con la armonía y el orden del universo y las estrellas. Creía que la base de la armonía del universo es la proporción perfecta de los números. de los cuerpos celestes en el universo Por lo tanto, la música puede explicar mejor los fenómenos del universo, incorporando así la música a su teoría de los números abstractos como fuente de todas las cosas. Otros dos filósofos, Platón y Aristóteles, son famosos por discutir el papel social y moral de la música. En la antigua Grecia han aparecido un sistema de modos musicales muy completo y un conjunto de términos musicales. Pero la música es principalmente una melodía monofónica, sin armonía ni polifonía. La música a menudo se combina con poesía, danza y teatro, y el canto a veces va acompañado de instrumentos musicales. No queda ningún sonido musical real en la antigua Grecia. Sólo podemos conocer la situación musical en esa época a través de algunos registros escritos, algunas inscripciones en lápidas y algunos fragmentos de obras musicales.

Aún no quedan muchos discos del período romano antiguo, y la mayor parte de su cultura musical proviene del período griego antiguo. Una característica importante de la música en el período romano antiguo fue el desarrollo práctico y ceremonial de la música. La música militar era muy popular; Estas son las diferencias entre la música romana antigua y la griega antigua, pero la música del período romano antiguo ya no se puede comparar con la de la antigua Grecia en términos de salud espiritual. La música en este momento perdió la nobleza y la inocencia de la antigua griega. período y se convirtió en una especie de salud espiritual puro. En cuanto a instrumentos musicales, destacan varios instrumentos de metal, como la tuba con boca de campana recta y el cornu en forma de G.

2. Música Medieval

Aproximadamente desde el siglo V d.C. hasta el siglo XIV, fue el período medieval más largo en la historia de la música occidental. La música de la Edad Media era principalmente música religiosa cristiana y la música folclórica secular no se tomaba en serio. El poder de la iglesia es mayor que el del estado y otros grupos sociales, y todas las ideologías sociales, incluidas las diversas artes y filosofía, deben servir a la iglesia. Durante este período, los himnos y los himnos cantados en los servicios religiosos se difundieron ampliamente. Entre ellos, el canto gregoriano tiene una importancia extremadamente importante en la historia de la música occidental. La música eclesiástica medieval giró básicamente en torno a la modificación y expansión del canto gregoriano. El Salmo Gregoriano lleva el nombre del famoso Papa Gregorio I y, finalmente, se convirtió en la norma unificada y la máxima autoridad para la liturgia de los salmos católicos romanos. Esta es una canción monofónica cantada en latín durante los rituales de la iglesia. Es solemne, templada, de estilo simple y excluye en gran medida los deseos mundanos. Posteriormente, se fueron añadiendo gradualmente otras partes sobre esta base para formar la música polifónica. Se puede decir que el canto gregoriano es la base de la música polifónica. Una contribución importante de la iglesia a la música fue la notación.

Los neumes, que se originaron en el siglo VIII, son símbolos simples escritos sobre la letra, que pueden indicar cambios ascendentes o descendentes en el tono del idioma. Sin embargo, no tienen una posición de tono y solo pueden indicar el esquema melódico familiar del cantante. No puedes hablarle a la gente sobre música desconocida. En el siglo XI, el monje italiano Guido (alrededor de 997-1050) resumió la notación de cuatro líneas basándose en el trabajo de sus predecesores e hizo una contribución significativa a la formación de la notación de cinco líneas. Además de la principal música cristiana en la Edad Media, también la música profana se desarrolló de forma natural dentro de un cierto rango. Se trata principalmente de canciones monofónicas, cantadas principalmente en dialectos de varios grupos étnicos europeos. Muchos artistas populares pobres con un estatus social extremadamente bajo están muy descontentos con las restricciones que la música religiosa impone al arte musical y utilizan diversos métodos para difundir ampliamente la música secular entre la gente. Durante las Cruzadas que duraron doscientos años a partir del siglo XI, surgió la clase de los caballeros y la cultura de los caballeros, y se produjo la poesía y la música de los trovadores. Los principales componentes de los trovadores fueron los nobles de la corte y la clase de los caballeros, y. La música se basó principalmente en temas amorosos y en un estilo principalmente pastoral. La música instrumental en la Edad Media se desarrolló principalmente como música secular, y la voz humana se utilizó principalmente en la música de adoración de la iglesia. La música instrumental en la música secular se utiliza principalmente para acompañamiento de canto y baile. La mayor parte es improvisación y no se han transmitido partituras. En el siglo XIV, el "arte nuevo" apareció en Francia y se extendió rápidamente por toda Europa. El concepto de "Art Nouveau" proviene de un artículo del obispo, poeta y músico francés Philippe Vitry. El concepto pronto se volvió ampliamente utilizado, lo que indica el surgimiento de una nueva corriente musical diferente del antiguo "paleoarte" del siglo XIII. La característica principal del "Nuevo Arte" es la secularización sin precedentes de la creación musical. Los compositores combinan la polifonía religiosa con el vocabulario musical secular para explorar nuevas posibilidades en la creación de formas musicales. Utilizando un método de notación con duraciones de notas más pequeñas, la notación rítmica es sistemática. El representante más importante del Art Nouveau es Guillaume de Machaut (1300-1377), y la figura representativa en Italia es Francesco Landini (1325-1397).

El período de la "Edad Media" en la historia de la civilización occidental alguna vez fue considerado como una época de ignorancia y oscuridad, pero hoy en día a menudo tendemos a juzgar este período de la historia con una actitud más objetiva. Desde una perspectiva musical, aunque la influencia de la iglesia en la música tiene su lado negativo, también tiene un lado positivo. El énfasis de la iglesia en la música, sus esfuerzos por unificar la música ceremonial y su gran inversión de mano de obra y recursos materiales en el desarrollo de la música promovieron el desarrollo de la música europea en la Edad Media y permitieron que los materiales musicales se conservaran relativamente intactos. La aparición de la polifonía y el órgano de tubos sentó una base sólida para el posterior desarrollo de la música profesional.

3. Música del Renacimiento

La palabra Renacimiento es francesa y su significado original es “renacimiento”. Este período en la historia occidental duró aproximadamente desde 1300 hasta 1650. El término refleja el escepticismo de los pensadores medievales y su admiración por la cultura antigua, quienes estaban interesados ​​en revivir el patrimonio cultural de las antiguas Grecia y Roma. Pero este tipo de renacimiento no consiste simplemente en reproducirlo tal como es, sino en construir una nueva cultura y una nueva tradición reviviendo la esencia de los tiempos antiguos, y sus logros pronto sobrepasaron el alcance de la influencia de las antiguas Grecia y Roma. En este movimiento, el "humanismo" fue su tendencia ideológica más influyente y el núcleo de este cambio. Los humanistas abogan por poner a las personas en primer lugar, las alientan a expresar su humanidad, romper con los grilletes de la divinidad y enfatizar que las personas son los amos de la sociedad y no los dioses. Celebran el amor humano por la vida y la sabiduría humana, y creen que el poder humano puede superarlo todo.

En la historia de la música occidental, el Renacimiento generalmente se refiere al período comprendido entre aproximadamente 1430 y aproximadamente 1600. Los cambios en el campo de la música siguieron a los campos de la literatura, la pintura y otros campos. La gente cree plenamente que las necesidades estéticas de sus oídos son razonables y requieren música para que su audición sea cómoda y satisfactoria, negando el concepto teológico medieval de que la música refleja "la armonía de los cuerpos celestes". La música de este período era principalmente polifonía vocal, y el canto de varias voces sin acompañamiento era el estilo musical principal en este período. Los músicos reflejan las ideas de las antiguas obras de teoría musical en sus propias creaciones, se centran en integrar más estrechamente la música y la literatura, utilizan los tonos de la música para imitar el ritmo de la poesía e integran ambas para explorar técnicas de expresión y patrones de las emociones humanas.

Por un lado, la música del Renacimiento tiene una clara tendencia secular, por otro lado, todavía mantiene una estrecha conexión con la religión.

1. La Escuela Holandesa de Música. La Escuela Holandesa se refiere a un grupo de músicos de los Países Bajos de los siglos XV y XVI, generalmente del norte de Europa como el norte de Francia, Bélgica y Países Bajos. Hubo tres generaciones de músicos en la Escuela de Música de los Países Bajos. La primera generación de la Escuela de Música de los Países Bajos también se llamó Escuela de Música de Borgoña. Estuvo activa principalmente a principios del Renacimiento, desde principios hasta mediados del siglo XV. El representante fue Di Guillaume Dufay (1400-1474), Gilles Binchois (1400-1460), etc. La segunda generación de la escuela de música holandesa, también conocida como escuela de música flamenca, estuvo activa durante el apogeo del Renacimiento, desde finales del siglo XV hasta mediados del siglo XVI, con representantes como Johannes Ockeghem (1410-1497). ). La tercera generación de la escuela de música holandesa está representada por Josquin des Pres (1440-1521). Creó una gran cantidad de misas, música profana y motetes. Sus obras están bien estructuradas, manejan los materiales musicales con delicadeza y prestan atención a la armonía. melodía y armonía presta atención a la combinación orgánica de música y letra. Entre los compositores importantes posteriores a él se encuentran Nicolas Gombert (alrededor de 1495-1560), Adrian Willaert (alrededor de 1490-1562), etc. La música de la Escuela Holandesa tiene un cierto carácter internacional y una profunda influencia.

2. La música profana en el siglo XVI. En el siglo XVI aparecieron algunas nuevas tendencias en la música de Europa occidental. En varios países han surgido varios estilos musicales nacionales, que son principalmente géneros vocales, entre los que se incluyen principalmente el madrigal italiano, la chanson francesa, el lied alemán, las canciones pastorales y romances españoles, las canciones pastorales británicas y las canciones para laúd, etc. Las tendencias musicales nacionales de estos países rompieron el dominio a largo plazo del lenguaje musical paneuropeo y gradualmente enriquecieron el lenguaje musical europeo. Los madrigales italianos del siglo XVI eran canciones polifónicas compuestas con poesía de alto nivel como letra. Las letras eran a menudo ricas y delicadas, muy literarias y tenían un sabor aristocrático. Los compositores representativos incluyen a Costanzo Festa (1490-1545), Cipriano de Rore (1515-1565), Luca Marenzio (1553-1599), Claudio Monteverdi (1567-1643), etc. El campeón francés es un campeón que se formó en el siglo XVI. Sus letras y música son todas de un estilo típico francés. Los principales compositores representativos son Claudin de Sermisy (alrededor de 1490-1562) y Clement Jannequin (alrededor de 1485-1558). El lieder alemán es una canción polifónica cantada por cantantes artesanos durante el Renacimiento, con un estilo nacional distintivo.

3. La música de la reforma religiosa correspondió al desarrollo de la música secular. La reforma religiosa del siglo XVI también trajo cambios profundos a la música religiosa. El líder de esta reforma religiosa fue el profesor de teología alemán Martín Lutero. El protestantismo que dirigió negó la autoridad absoluta del catolicismo tradicional, enfatizó y afirmó las propias capacidades de las personas y creía que todos tienen derecho a leer e interpretar la Biblia según sus propias ideas. comprensión. ". Lutero estaba convencido de que la música tenía una influencia educativa y moral. Consideró la reforma de la música como una parte importante de la reforma religiosa y exigió a los creyentes que participaran en ciertas actividades musicales durante los servicios de adoración, esforzándose por hacer que la música ritual fuera más fácil de entender para los alemanes. gente. Lutero fundó los "Salmos" para la iglesia protestante que dirigía, y esta música se llamó "Salmo protestante". Se canta principalmente en alemán. Inicialmente, adopta principalmente la forma de canciones monofónicas y segmentadas. Si se trata de música polifónica, también resalta la parte melódica principal, lo que facilita el canto para todos. En respuesta a la Reforma Protestante, tuvo lugar un movimiento de reforma dentro de la Iglesia Católica, conocido como Contrarreforma. En términos de música, "Reflejo de la Reforma" requiere que la música religiosa excluya todos los factores seculares impuros, y las letras polifónicas deben expresar con precisión y claridad las letras y las emociones religiosas.

Las obras religiosas del compositor Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594) tienen un estilo fresco y suave, voces equilibradas y letras claras. Utilizan principalmente el sistema de tonos naturales. Se consideran la expresión más importante de la Contrarreforma. espíritu en el campo de la música Un ideal representativo y una encarnación perfecta, también representa el mayor logro de la música polifónica en el siglo XVI. Su contemporáneo Orlando de Lassus (1532-1594) también fue un compositor importante, y su estilo contrastaba marcadamente con el de Palestrina. Sus creaciones son relativamente libres y su música es más secular. La canción "Echo" es una obra clásica que se ha transmitido hasta el día de hoy. La música veneciana se desarrolló significativamente en el siglo XVI. El centro de la cultura musical fue la Basílica de San Marcos, que gradualmente formó el estilo único de la escuela de música veneciana. Entre los compositores importantes se encuentran: Villarte, Zalino, el tío y el sobrino de Gabrieli, etc. Crearon la mejor música para órgano de Italia y también hicieron importantes contribuciones al desarrollo de los madrigales italianos. La Escuela de Música de Venecia utilizó el coro en clave principal como estilo principal, representando la nueva tendencia de desarrollo musical, y tuvo una amplia gama de influencia a finales de los siglos XVI y XVII. Durante el Renacimiento, la música instrumental se fue deshaciendo gradualmente de su dependencia del arte vocal y emprendió el camino del desarrollo independiente. Sin embargo, la mayor parte de la música instrumental de esta época adoptó la forma de adaptación de la música vocal, como la música instrumental conzone, la música imitativa, etc. Además, la música de baile, los preludios, las fantasías y las toccatas son música improvisada, pero aún no se han desarrollado mucho. La música instrumental en un sentido verdaderamente independiente apareció en el último período, el barroco. La industria de fabricación de instrumentos musicales también aceleró su desarrollo durante el Renacimiento. Instrumentos como la viola, la corneta, la trompeta, el trombón, el órgano y el laúd estuvieron aún más activos en el escenario musical. musical. La actuación añadió un brillo deslumbrante. El uso de la tecnología de impresión durante este período jugó un papel importante en la creación y difusión de la música.

4. Música del Período Barroco

El período Barroco suele referirse a los 150 años comprendidos entre 1600 y 1750. La palabra "barroco" proviene del portugués y su significado original es perlas de forma irregular. Originalmente era un término utilizado en los campos de la arquitectura y las bellas artes, y luego se fue utilizando gradualmente en los campos del arte y la música. El estilo barroco ha sido históricamente criticado por ser "demasiado exagerado y poco normativo". Inicialmente tuvo una connotación específica y despectiva, refiriéndose a cierta música extraña y novedosa, y luego se utilizó para referirse a un período único en la historia de la música. La música del período barroco es un tipo de música majestuosa y enérgica que enfatiza la expresión emocional y el contraste dramático, y presta gran atención a los detalles decorativos. La música del Barroco fue muy diversa, y los fenómenos musicales más importantes fueron el nacimiento de la ópera y la verdadera independencia de la música instrumental.

1. El nacimiento de la ópera

La ópera es un tipo de drama expresado en música. Su predecesor se remonta a las tragedias de la época griega antigua, las obras rituales medievales y. juegos de misterio espera. Las óperas madrigales y las óperas pastorales durante el Renacimiento son fuentes importantes de ópera. La primera ópera se llamó "Daphni". El libreto fue escrito por el poeta Linuccini basado en el mito de Apolo luchando contra una serpiente gigante, y la música fue compuesta por el músico Perry. Su nacimiento está directamente relacionado con la sociedad musical "Camerata" de Florencia, de la que eran miembros tanto Linuccini como Perry. Los artistas de la sociedad admiran la cultura griega antigua e intentan crear una nueva forma musical que imite la música griega antigua. Creen que la música griega antigua es un tipo de música que simplemente imita el tono o el ritmo del lenguaje. La melodía es el vehículo para expresar el contenido de la poesía. Por lo tanto, defienden el principio de. creando con una sola melodía y acompañamiento instrumental. Esta teoría impulsó el nacimiento del nuevo género de ópera. La primera ópera, Daphne, está actualmente perdida. La primera ópera que se conserva con música completa se llama "Euridice", que fue representada por primera vez en 1600 por Pelli y Linuccini por segunda vez. Monteverdi fue el mayor compositor del Barroco temprano y una figura representativa de la ópera veneciana. Sus obras de ópera incluyen "Orfeo", "Arianna", "El regreso de Ulises", etc. Persigue la expresión clara y precisa de letras y emociones en las letras de sus óperas. Utiliza una gran cantidad de canciones líricas, dúos y danzas. Además, también utilizó un "estilo emocionante" en su creación para expresar el mundo espiritual de los personajes de la obra. Después de la muerte de Monteverdi, sus alumnos Cavalli y Chisti se convirtieron en importantes compositores de ópera en Venecia.

Representantes de la ópera romana son "El drama del alma y el cuerpo" de Cavalielli y "San Alancio" de Randy. El famoso compositor de ópera napolitana es Ascardi, cuyas obras representativas incluyen "Griselda" y otras. Durante este período también alcanzaron cierto desarrollo las óperas francesas, británicas y alemanas.

Además de la ópera, los géneros musicales vocales a gran escala producidos durante el período barroco incluyen oratorios, cantata, música de la Pasión, etc.

2. El desarrollo de la música instrumental

La música instrumental en el período barroco alcanzó una nueva posición destacada, formando una situación tripartita de música vocal, música instrumental y ópera en este período. Por primera vez, la música instrumental y la música vocal están en pie de igualdad. En aquella época, la industria de fabricación de instrumentos musicales estaba muy desarrollada y aparecieron diversos instrumentos sofisticados, como el clavecín, el órgano, la familia del violín, el oboe, el fagot, la flauta, la trompeta, la trompa, el trombón, los timbales, etc. Además, también han ido apareciendo uno tras otro diversos géneros musicales instrumentales, como sonatas, suites, conciertos, etc.

En lugares como Bolonia, Italia, la creación e interpretación de música instrumental es muy próspera, y entre los instrumentistas y compositores destacados se encuentran Vitali y Corelli. Los instrumentos de teclado durante el período barroco incluían el órgano y el fortepiano. La industria de fabricación de órganos estaba particularmente desarrollada en Alemania, y la música para órgano también estaba más desarrollada en Alemania. Hay tres géneros principales de música para órgano: la toccata (un género relativamente libre y cercano a la improvisación, con altos requisitos técnicos); la fuga (un género polifónico que utiliza estrictamente técnicas de imitación canónicas); Hay dos tipos de clavecines: clavecines pulsados ​​y clavicémbalos. Los géneros más importantes de clavecines incluyen temas, variaciones y suites. La suite se compone de cuatro danzas estilizadas como núcleo, a saber: Allamande, Coulante, Sarabande y Kig. El género musical instrumental más importante del período barroco fue el concierto, que tenía dos categorías principales, una era el concierto grosso y la otra el concierto solista. Vivaldi es el compositor que hizo la contribución más importante al desarrollo del concierto barroco. Su obra representativa es el concierto para violín "Las cuatro estaciones".

Una de las características más importantes del período Barroco es el uso extensivo del "continuo", que es una textura de armonía de tono principal que se diferencia de la textura polifónica del Renacimiento, que se compone básicamente de melodía. Compuesto con acompañamiento armónico. Hay una parte de bajo independiente que continúa a lo largo de la obra, y encima hay una hermosa y decorativa parte alta. La parte media no está escrita y es improvisada por el intérprete. Durante el período barroco, se establecieron gradualmente los sistemas mayor y menor y la música funcional; también se mejoró continuamente la teoría de la "teoría de las emociones", creyendo que el objetivo principal de la música es despertar las emociones de las personas; Usan un tipo de música para expresar las emociones de las letras, como las notas altas que representan la luz, las notas bajas que representan la oscuridad, etc. Esta emoción a menudo no es la del compositor, sino una emoción básica tipificada de una persona, racionalizada e incoherente. . El período del Barroco tardío produjo algunos de los más grandes compositores de la historia de la música occidental, como Bach (Johann Sebastian Bach, 1685-1750), Handel (George Frideric Handel, 1685-1759), etc.

5. La música en la Edad Clásica

El período "Clasicismo" (Classicism Ages) se refiere a la música desde aproximadamente 1750 hasta la muerte de Beethoven en 1827. La llamada "clásica" originalmente se refiere a la "antigüedad clásica" de la antigua Grecia y Roma. Posteriormente, la gente intentó restaurar y aprender de la esencia cultural de esa época. Esto ya se hizo durante el Renacimiento, así como durante el Barroco temprano, pero no fue hasta mediados del siglo XVIII cuando realmente comenzó el redescubrimiento del "clasicismo". El período del clasicismo fue una etapa en el desarrollo de la historia de la música occidental que alcanzó su apogeo. Este período comprende dos etapas: período Preclásico (Preclásico); período Clásico Vienés (Clásico Vienés); Hay tres fenómenos musicales principales en el período preclásico: el surgimiento y prosperidad de la ópera cómica; la reforma de la ópera italiana por parte de Gluck; y la madurez y desarrollo de diversas formas de música instrumental (sonatas, sinfonías, conciertos y conjuntos). El período clásico vienés es el apogeo de la música clásica y se refiere al estilo musical formado en los campos de la música instrumental y vocal desde finales del siglo XVIII hasta principios del XIX, representado por las creaciones maduras de Haydn, Mozart y Beethoven.

Europa en el siglo XVIII experimentó una amplia revolución ideológica antes de la Revolución Francesa: la Ilustración apareció como un movimiento cultural contra la teocracia de la iglesia y la autocracia feudal. Sin embargo, su influencia va mucho más allá. campo cultural e involucra la economía, la política, el derecho, la filosofía, la ciencia e incluso los sistemas sociales y las costumbres sociales. Los pensadores de la Ilustración se opusieron a la religión tradicional y defendieron el deísmo; se opusieron a la metafísica y defendieron la ciencia y el conocimiento del sentido común; se opusieron a la autoridad y los privilegios autocráticos, y defendieron los lemas de libertad, igualdad y educación universal. Los llamados de la burguesía y el pueblo a cambiar el status quo intensificaron la contradicción entre las fuerzas feudales y la burguesía, y finalmente estalló la revolución burguesa en Francia en 1789. En Alemania, bajo la influencia de la Ilustración, surgió el "movimiento de turbulencia" democrático y antifeudal. El período del clasicismo fue una era de popularización del conocimiento. La filosofía, la ciencia, la literatura y el arte comenzaron a dirigirse a la burguesía y al público emergentes. Los músicos también salieron por las puertas de palacios e iglesias y se dirigieron al público en general. 1. El desarrollo de la ópera cómica y la reforma de la ópera de Gluck En la primera mitad del siglo XVIII apareció en Italia la ópera cómica (Opera Buffa) con ciudadanos corrientes como protagonistas y mostrando escenas de la vida cotidiana. Esto fue bajo la influencia de la Ilustración. tendencia y en contraste con la ópera italiana es una nueva forma de ópera que es artificial y persigue la naturaleza. La doncella como Madame, creada por el italiano G.B. Pergolesi (1710-1736), se considera la primera ópera cómica italiana. Después de su puesta en escena y su éxito, el nuevo género se desarrolló rápidamente. Posteriormente aparecieron excelentes obras de ópera cómica como "La hija mansa" de N. Piccinni (1728-1800) y "El matrimonio secreto" de D. Cimarosa (1749-1801).

En 1752, una compañía de ópera italiana trajo "La doncella como Madame" a París para una representación, lo que provocó una "controversia de la ópera cómica" en el círculo cultural francés. Algunos pensadores de la Ilustración, como Rousseau, elogiaron con entusiasmo este popular género de ópera. Rousseau también sintetizó la ópera cómica italiana y el drama tradicional del mercado francés para crear la ópera cómica "El adivino del pueblo", lo que demuestra que este nuevo estilo de ópera se puede componer en idioma francés. estilo de música. La controversia terminó con la popularidad de la ópera cómica. Bajo la influencia de las óperas cómicas de otros países, Alemania produjo una especie de "drama cantado" con características nacionales. Entre sus obras más representativas se encuentran "El barbero" de Hiller y "El minero" de Umlauf. El desarrollo de la ópera alemana tuvo una gran influencia en las creaciones operísticas de Haydn, Mozart, Beethoven y otros. Debido a que la ópera italiana del siglo XVIII se centró demasiado en el bel canto y el virtuosismo ignorando las tendencias dramáticas, era incompatible con el principio "natural" defendido por la Ilustración. Algunos artistas consideraron reformar la ópera. Uno de estos compositores consumados fue Gluck. Los ideales de reforma de Gluck eran: buscar la simplicidad y la autenticidad en el arte, y eliminar la decoración y el virtuosismo redundantes; integrar estrechamente la música con la poesía para mejorar la expresión emocional de la música y hacer que el público conozca de antemano la naturaleza de la trama; la obertura. Sus óperas "Orfeo y Euridice", "Iphigeny in Olid", "Iphigene in Taurid", etc. son manifestaciones exitosas de sus reformas, y sus puntos de vista estéticos de la ópera inspiraron el pensamiento y la exploración de muchos compositores de ópera famosos de generaciones posteriores.

2. Sonatas, Conciertos y Sinfonías El período Clásico fue una época de prosperidad para la música instrumental. Sonata también se desarrolló y maduró durante este período. Durante el período clásico, la gente había abandonado el complicado estilo de música polifónica y abogaba por una música de clave principal clara, una sintaxis de la melodía musical y una estructura de párrafos claras y simétricas reemplazaron el método de la melodía decorativa de los motivos y variaciones de la música barroca. Entre las formas estructurales de la música clásica, la forma sonata con pensamiento dialéctico abstracto se ha convertido en una forma musical que los compositores exploran incansablemente. La sonata y la forma sonata son dos conceptos diferentes. El primero es un género musical que consta de diferente número de movimientos y el segundo es la forma estructural adoptada por un género. Domenico Scarlatti (1685-1757) hizo la contribución inicial a la formación del género sonata en su exploración de nuevos estilos. El segundo hijo de Bach, Carl Philipp Emannel Bach (1714-1714) 1788), hizo que la forma sonata madurara gradualmente y creó muchas obras excelentes. .

Entre los conciertos de la época clásica, el "concierto solista" fue el más desarrollado, en el que un instrumento solista desempeña el papel principal y la orquesta compite con él. Antes o al mismo tiempo que aparecieron los conciertos de Mozart, ya hubo varios compositores que desempeñaron el papel de pioneros en este campo. El concierto para piano compuesto por el hijo menor de Bach, J.C. Bach (Johann Christian Bach, 1735-1782), causó sensación y su creación tuvo una gran influencia en Mozart.

El desarrollo de la sinfonía fue otro acontecimiento importante durante este período. A principios del siglo XVIII, las oberturas de ópera italiana (Sinfonia) se separaron gradualmente de las óperas y se convirtieron en un género orquestal independiente que se interpretaba en conciertos. La Escuela de Música de Mannheim hizo una importante contribución a este respecto. La Escuela de Mannheim, bajo la dirección de Johann Stamitz (1717-1757), añadió un minueto como tercer movimiento basado en la estructura rápido-lento-rápido de la obertura de la ópera, convirtiéndola en una obra de cuatro movimientos. También introdujeron temas líricos, elegantes o humorísticos después del tema dinámico del movimiento Allegro de la sinfonía para formar un contraste en el temperamento y el estilo musical, e hicieron un uso extensivo de la dinámica del sonido en crescendo y decrescendo, lo que resultó en ricos cambios en intensidad y expresión. que es único Un avance importante en el estilo musical. Además, la Escuela de Viena y la Escuela de Berlín también hicieron importantes contribuciones al desarrollo de la sinfonía. En el verdadero sentido, la sinfonía fue creada por Haydn y alcanzó su apogeo gracias a las creaciones de genios como Mozart y Beethoven. 3. Características de la música clásica

La música clásica tiene un sistema lógico riguroso, que se refleja en el modelo de "desarrollo del tema". La forma sonata es un ejemplo clásico.

Las técnicas de expresión y el contenido de la música se han ampliado mucho en comparación con el período barroco. La música de tono principal dominada por una sola melodía ha ido ganando terreno gradualmente y la música polifónica ha perdido su antigua gloria. La música de la época clásica es generalmente más objetiva, sutil, contenida y mesurada. La música clásica persigue el ideal de la música pura y utiliza el lenguaje de la música misma para mostrar el mundo espiritual de las personas. Haydn, Mozart y Beethoven son tres gigantes musicales conocidos como la famosa "Escuela Clásica de Viena". Sostienen el cielo de la música clásica.

6. La música en el Periodo Romántico

El Periodo Romántico se refiere a la historia de la música occidental durante más de cien años (1790-1910) antes y después del siglo XIX, es decir. Es decir, el romanticismo fue la tendencia dominante, un período que dominó y guió a la mayoría de los compositores. El término "romanticismo" se refería originalmente a las historias escritas en romance, y luego específicamente a las novelas o cuentos de caballeros, y posteriormente incluyó también las novelas románticas, etc. Europa en el siglo XIX fue una era llena de cambios dramáticos. Durante este período, el capitalismo se desarrolló enormemente. El progreso científico, la revolución industrial, la transformación económica y las ideas políticas surgieron uno tras otro. La vida de las personas experimentó cambios sin precedentes. En el campo de la ideología surgió un sistema filosófico idealista, que perseguía los ideales políticos de los "derechos humanos naturales", la libre competencia, la paz y la independencia nacional, en el campo de la literatura y el arte, la gente comenzó a mostrar su oposición al clasicismo en la obediencia a la razón; y leyes. Moderar el espíritu y enfatizar el genio, la inspiración y la libre expresión de la creatividad y las emociones humanas.

La historia general de la música divide el Romanticismo en el período temprano (años 10-20 del siglo XVIII): Weber y Schubert; el apogeo (años 30-40): Berlioz, Mendelssohn, Schumann, Chopin; (décadas de 1840 a 1980): Liszt, Wagner, Brahms; período tardío (década de 1890 a principios del siglo XX): Bruckner, Mahler, Richard Strauss. También se intercalan pistas de óperas francesas e italianas, así como de escuelas de música nacionales europeas paralelas o independientes.

1. Características de la música romántica:

(1) Integralidad en la creación musical. En la búsqueda de la libre expresión de las emociones y la expansión de la imaginación, los compositores románticos enfatizaron que la música debía combinarse con otras artes distintas a la música, como la poesía, el teatro y la pintura, y abogaron por un arte integral que incluso relacionara la música con la religión. y filosofía. La Novena Sinfonía de Beethoven, que introdujo el coro vocal, a menudo se considera el comienzo de la música romántica.

(2) La música del título es popular.

(3) La creación musical expresa individualidad y expresa emociones. Debido a la búsqueda de la libertad emocional, existe una contradicción entre contenido y forma en la música.

Aunque la forma artística y las técnicas de expresión se heredan de la escuela de música clásica, el contenido es muy diferente y se utilizan mucho técnicas exageradas. Al enfatizar la expresión de sentimientos subjetivos personales, los compositores se esfuerzan por descubrirse a sí mismos y, a menudo, se integran con las obras.

(4) Respetar la naturaleza. Rodeadas de civilización industrial y alejadas de la naturaleza, la gente ha desarrollado una psicología de anhelo por la naturaleza y el mundo misterioso. El siglo XIX fue la era de la pintura de paisajes en la historia del arte, y los músicos utilizaron la naturaleza no sólo como tema, sino también como fuente de fuerza e inspiración. Además, la naturaleza es tranquila y libre de contradicciones, lo que la convierte en un refugio ideal para el compositor.