Solos de cuerda y conciertos de fama mundial

Diez solos de cuerda y conciertos famosos del mundo

En la vida diaria, siempre podemos escuchar música diferente en todas partes. La música se ha integrado en nuestras vidas. Hay mucha. música en Internet, pero ¿sabes cuáles son los solos de cuerda mundialmente famosos? A continuación se muestra una colección de solos de cuerda de fama mundial que he recopilado.

Las cuerdas que a menudo se mencionan hoy en día generalmente se refieren a los grupos de cuerdas (violín, viola, violonchelo, contrabajo) en las orquestas occidentales. Hay muchos instrumentos que se pueden tocar juntos. En la música de cuerda occidental, el más común es un cuarteto de cuerda (primer violín, segundo violín, viola, violonchelo), pero la forma no es fija. Hoy en día, hay un sinfín de innovaciones en forma de conjuntos de instrumentos de viento (flauta, clarinete, oboe, fagot) a los que a menudo se les añaden trompas para formar un quinteto.

Instrumentos de cuerda

Los instrumentos de cuerda se dividen en instrumentos de cuerda, instrumentos pulsados ​​e instrumentos de percusión.

Instrumentos de cuerda

Las cuerdas son frotadas por el arco para producir sonido, entre ellos el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo. Los instrumentos de cuerda en la música orquestal incluyen todos los instrumentos que utilizan un arco para frotar las cuerdas al tocar y producir sonido debido a la vibración. El tono de la nota se produce presionando las cuerdas del diapasón con los dedos de la mano izquierda. Para que suene bien y para que coincida con las diferentes interpretaciones de cada parte, se deben seleccionar diferentes maderas. La sección de cuerdas es la más grande entre las cuatro categorías principales de música orquestal y, a menudo, desempeña el papel más importante en la música cuando se interpreta.

Instrumentos de cuerda pulsada (instrumentos de cuerda clásicos)

Los instrumentos de cuerda de cuerda clásicos son un término general para una gran categoría de instrumentos de cuerda de cuerda estándar; son guitarra clásica, arpa, laúd Qin et al. Utilice las uñas o las uñas para tocar directamente las cuerdas y tocar sin utilizar complementos externos como arcos, púas, dedales y uñas de carey. Debido a los materiales y principios de pronunciación similares, el tono perfecto, puro y etéreo es la característica común más obvia de todos los clavecines clásicos.

El piano es un instrumento de percusión

El piano puede tocar música armoniosa y polifónica, y se utiliza como solista, conjunto y concierto. Es muy popular entre la gente, por eso lo es. conocido como el "Rey de los Instrumentos Musicales"". El piano tiene 88 teclas afinadas con temperamento igual estándar. Los pianos producen sonido golpeando las cuerdas con martillos envueltos en fieltro. Al tocar el piano, presione la tecla con el dedo y el otro extremo de la tecla levantará la parte correspondiente de la acción, haciendo que el martillo golpee las cuerdas y emita un sonido. Cuando se levanta el dedo, el tapón de sonido de la acción detiene el sonido. La poesía sinfónica también se llama "poesía tonal". Es un género orquestal dramático y lírico de un solo movimiento iniciado por Franz Liszt. Antes de la aparición de la poesía sinfónica al estilo de Liszt, los músicos solían escribir oberturas de concierto. En términos de concepción, la poesía sinfónica puede encarnar un pensamiento filosófico, una concepción poética artística o estar relacionada con un determinado tema literario. La poesía sinfónica se fundó a mediados del siglo XIX y su fundador fue Liszt, el "rey de los pianos" húngaro.

El nombre de poesía sinfónica fue acuñado por Franz Liszt. Creía que "los títulos pueden dar a la música instrumental varios colores sutiles de carácter, que son casi iguales que varios poemas diferentes. La forma expresa lo mismo". " ("Berlioz y su Sinfonía de Harold"), por lo que vinculó el título música sinfónica y poesía y la llamó poesía sinfónica.

Los trece poemas sinfónicos que escribió se basan en temas como la poesía, el teatro, la pintura y los acontecimientos históricos, y utilizan ampliamente la técnica de la deformación del tema para crear una imagen artística con un contenido de título específico. En pocas palabras, es una pieza orquestal que cambia según la historia. Dado que la poesía sinfónica nació en el período romántico (incluidas la escuela de música romántica y la escuela nacional de música), en la etapa temprana del desarrollo de la poesía sinfónica, las obras se basaban en la forma sonata (como "Mi Patria" de Smetana, "En Asia Central" de Borodin "En la pradera").

Pero con el fin de la era, el impresionismo y el expresionismo introdujeron la poesía sinfónica en el ámbito de la música atonal. Debussy valoró la armonía en sus bocetos sinfónicos y abandonó las limitaciones de las tradicionales tonalidades mayores y menores y la forma de sonata. Incluso arregló el poema sinfónico atonal de forma breve y concisa.

Expansión: Música clásica

El primer movimiento de algunos conciertos de la escuela de música clásica suele adoptar una doble parte de presentación, la orquesta toca primero la primera parte de presentación y luego el instrumento solista. se une a la interpretación, y luego el instrumento solista toca otra segunda presentación sin exactamente el mismo contenido. Además, se inserta una cadenza interpretada por un instrumento solista después del segundo acorde de inversión del acorde principal al final de la recapitulación del primer y tercer movimiento y antes del comienzo del final, y el vibrato de larga duración en el dominante. El acorde se utiliza para la transición a la música orquestal. El final del conjunto.

1. “Concierto para violín en mi menor “Primavera”” de Vivaldi

2. “Concierto de Brandeburgo n.° 3 en sol mayor” de Bach

3. "Concierto para piano en re mayor"

4. "Concierto para piano en la mayor" de Mozart

5. "Concierto para clarinete en la mayor" de Mozart

6. Chopin "Concierto para piano n.º 1 en mi menor"

7. Tchaikovsky "Concierto para piano n.º 1 en si bemol menor"

8. Rahma Ninov "Concierto para piano n.º 2 en Do menor"

9. Dvořák "Concierto para violonchelo en si menor"

10. Elgar "Concierto para violonchelo en mi menor"

p>

El El primer movimiento de algunos conciertos de las escuelas clásica y romántica a menudo adopta una doble exposición: primero, la orquesta toca la primera exposición, luego el instrumento solista se suma a la interpretación y luego el instrumento solista interpreta la parte principal. exactamente el mismo contenido. Además, se inserta una cadenza tocada por un instrumento solista después de la segunda inversión del acorde principal al final de las recapitulaciones del primer y tercer movimiento y antes del comienzo del final, y se utiliza un vibrato de larga duración en el acorde dominante. para hacer la transición al final del conjunto orquestal.

En las obras de los compositores de la escuela de música romántica y más tarde de las escuelas de música nacionales de varios países, los instrumentos solistas son más expresivos, con un canto conmovedor y habilidades técnicas difíciles, y toda la música a menudo tiene un sentido más fuerte de dinámica y sinfonía.

Los conciertos para piano de Chopin, los conciertos para violín de Mendelssohn, Brahms, Paganini y otros, así como los conciertos para violonchelo de Dvořák, los conciertos para piano de Grieg, los conciertos para piano y violín de Tchaikov Ski se han convertido en tesoros únicos en el tesoro cultural musical del mundo. .

Liszt concentró la concepción artística de las suites de múltiples movimientos y creó la forma de concierto de un solo movimiento. Sus dos conciertos para piano de un solo movimiento se han convertido en obras maestras universalmente aclamadas.

Después del siglo XX, por ejemplo, el concierto vocal de Griel en la Unión Soviética estaba compuesto por una combinación de voz humana y orquesta. Algunos conciertos del género musical modernista occidental son aún más "condensados" y "cortos". El concierto de Webern de la "Nueva Escuela Vienesa", escrito en forma de una secuencia atonal de doce notas, sigue estando entre los conciertos más populares del mundo en la actualidad. El estatus "superior" de las obras de género. ;