¿Qué es un preludio del período barroco?
Música del Período Barroco
Resumen:
Época: Alrededor de 1600 a 1750, también llamado período del bajo continuo.
Dividido en tres etapas: el período inicial 1600-1640 es el período formativo del estilo barroco
El período medio 1640-1690 es el período de finalización del estilo barroco
El período tardío 1690-1750 Fue el período de apogeo y perfección del estilo de Barrow
Antecedentes: (Razón de su surgimiento)
La importante fuerza impulsora de este estilo fue la Corriente humanista del pensamiento en el siglo XVI.
El desarrollo de la ciencia y la cultura, especialmente el progreso de la ciencia experimental.
La religión todavía florecía, y las luchas tanto protestantes como católicas utilizaron el nuevo estilo a su favor.
Contenido específico:
Las principales características de la música barroca
***Seis puntos
1. Dos Convenciones de Composición
Monteverdi propuso la idea de “dos convenciones”. Es decir, el "estilo antiguo" es la primera norma y su propio método nuevo es la segunda norma. Esta idea tiene sus raíces en Platón, que enfatiza que la música debe estar al servicio de la letra.
2. Bajo continuo
Es una textura tónica armónica diferente a la textura polifónica del Renacimiento.
Origen: La parte de "bajo de órgano" utilizada en la música de órgano de la iglesia a finales del siglo XVI.
Realización: al menos dos instrumentos 1. El instrumento básico que toca los acordes 2; El instrumento bajo que toca la parte del bajo.
El primero en proponer el término continuo fue Viadana
Significado: El uso del continuo a lo largo del periodo barroco se ha convertido en uno de los aspectos más importantes de la música barroca.
3． Teoría de la Emoción
4. Armonía tonal y contrapunto
El sistema de armonía tonal de tonalidades mayores y menores maduró durante el período Barroco.
La primera obra musical con un lenguaje tonal y armónico plenamente maduro fue creada por el compositor italiano Corelli.
La primera explicación teórica de este sistema de armonía fue el compositor francés Rameau, quien escribió "Armonía" publicada en París en 1722.
5． Ritmo y Notación
En la historia de la música, los cambios de ritmo suelen provocar cambios en la notación.
Los estilos típicos del Barroco generalmente se dividen en dos categorías: uno es muy regular; el otro es muy libre.
Las líneas de compás aparecieron en el período barroco y se utilizaron sistemáticamente en ritmos regulares.
Se hizo costumbre entre los compositores marcar el inicio de sus obras con una clave.
6. Música vocal e instrumental
La música instrumental y la música vocal se desarrollaron paralelamente durante el periodo Barroco.
Música vocal: aparición de un nuevo estilo de canciones monofónicas, nacimiento de la ópera, el oratorio y la cantata.
Música instrumental: El género de la música puramente instrumental ha experimentado grandes avances.
Fabricación de instrumentos musicales: se formó la familia del violín; en el período posterior aparecieron los originales instrumentos de viento;
El nacimiento de la ópera y su desarrollo inicial.
Época: Apareció en Florencia, Italia alrededor del año 1600.
Definición: La ópera es un drama expresado a través de la música. Es una forma de arte integral que integra arte, música, literatura, teatro, danza y otras artes relacionadas.
La producción de la primera ópera está directamente relacionada con la actividad "Camera Tower" en Florencia.
Formación: En la antigua Grecia, hubo tragedias relacionadas con la música; en la Edad Media, los dramas rituales eran una especie de drama cantado, durante el Renacimiento se desarrollaron más plenamente los dramas con música y aparecieron los dramas pastorales; Ópera; a finales del siglo XV, aparecieron interludios en algunas cortes italianas (todos los interludios eran musicales, compuestos en su mayoría por melodías decorativas y acompañamientos armónicos simples).
La fuente más directa de la ópera son las actividades de entretenimiento de la corte en el norte de Italia a finales del siglo XVI y los interludios producidos en dichas actividades.
Primera ópera: "Daphni" es un drama pastoral escrito por Linuccini. Corsi compuso la música para ella. Perry pasó tres años completándola y la puso en escena en 1598.
Euridice es la primera ópera cuya música se conserva íntegramente. Fue compuesta por Perry y Caccini y el libreto de Linuccini.
Cavalieri fue también uno de los primeros compositores de ópera.
En las primeras óperas, algunos papeles importantes solían ser interpretados por castrati. Esta práctica continuó hasta la época de Mozart, Gluck y Meyerbeer.
El uso de castrati en los coros no fue prohibido oficialmente por el Papa hasta principios del siglo XX.
Monteverdi y "Orfeo"
Claudio Monteverdi fue un gran compositor del primer Barroco. Sus creaciones comenzaron en el Renacimiento. Un puente importante hacia el Barroco tardío.
En 1601 estableció su reputación y fue ascendido a director musical en la corte de Gonzala.
En febrero de 1607 se representó en Mantua su primera ópera "Orfeo".
Las obras existentes incluyen: tres óperas, un ballet, doce volúmenes de madrigales y cinco obras de música religiosa.
Su última ópera fue "Poppa's Epilogue"
En los últimos cinco actos de "Orfeo", el recitativo puro ocupa una proporción menor, en cambio, hace un uso extensivo de canciones pastorales. canciones monofónicas, cánticos y diversas formas musicales instrumentales. Refleja claramente la profunda visión de Monteverdi de la naturaleza humana y su capacidad para retratar personajes a través de la música.
Aunque esta no es la ópera más antigua, es la que tiene mayor logro artístico entre las primeras óperas.
Ópera en Roma, Venecia y Nápoles
Roma
Antecedentes: La ópera se desarrolló en Roma principalmente gracias al interés y el patrocinio de eclesiásticos ricos
Compositor y obras: Aghazali "Emilio"
Randy "Orfeo muere" "San Alessio"
Rossi "Palacio Mágico"
"Drama del Alma" de Cavalieri y Cuerpo"
Venecia
En 1637, Venecia estableció el primer teatro de ópera público: el Teatro San Casciano.
Compositor y obra: "Andrómeda" de Mannelli
La mayoría de las 33 óperas de Cavalli se representaron en Venecia
"Callisto", "Chiasson", etc.
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La "manzana de oro" de Chesti
Nápoles
A finales del siglo XVII, la creación y representación de ópera en Nápoles Las actividades prosperaron día a día y alcanzaron un pico sin precedentes , formando la forma estándar de la ópera italiana en el siglo XVIII.
Forma estándar:
Dos formas diferentes de recitativo: 1 recitativo de canto seco, utilizado para diálogos o monólogos más largos, y solo continuo para partes solistas. Acompañamiento
2 Un recitativo con acompañamiento, utilizado en escenas tensas emotivas y dramáticas, donde el solo es acompañado por una orquesta.
El aria de regreso se ha desarrollado mucho.
Scarlatti
Autor de 115 óperas y numerosos oratorios, cantatas.
Obras representativas incluyen "Griselda"]
Características: Hay pocos temas mitológicos en sus óperas. Le gustan los temas históricos con tramas rigurosas, la mayoría de los protagonistas experimentan el amor. suele tener un final feliz; suele recurrir al canto recitativo seco para abordar aquellas escenas narrativas con más diálogo.
Orquesta de Scarlatti: cuerdas, continuo, oboes y fagotes, ocasionalmente trompetas o trompas.
Primeras óperas en Francia, Inglaterra y Alemania
Francia
Antecedentes: existe una fuerte tradición dramática con destacados dramaturgos Corneille, Racine, Mory Lament
tiene una larga tradición de ballet; influenciada por la ópera italiana.
Compositores y obras: El principal representante de la ópera francesa temprana es Lully, que cuenta con 13 óperas (tragedias líricas), entre ellas "Armid" y "Alzest". La obertura se llama obertura francesa (tiene dos). partes: 1 es Adagio, estilo de tema principal; 2 es Allegro, estilo de fuga)
En 1669, se estableció en París la primera ópera pública de Francia.
Reino Unido
La ópera británica está influenciada tanto por Francia como por Italia.
El asedio de Rodas está generalmente considerada como la primera ópera inglesa.
Los que se han conservado íntegramente hasta el día de hoy incluyen "Venus and Adonis" de John Blow y "Dido and Ini" de Henry Purcell (es el mayor compositor del período barroco británico). Hogar, este es su única ópera real, la trama está basada en la tragedia de Dido, reina de Cartago)
Alemania
Heinrich Schütz es un importante autor de música religiosa alemana.
En 1678, se construyó una ópera pública en Hamburgo, al norte de Alemania.
Compositor y obras: El compositor de ópera más importante de Hamburgo es Kaiser De 1696 a 1734 escribió 75 óperas y las representó en Hamburgo.
Otros incluyen Mateson, Telemann, Handel, etc.
Otros géneros vocales a gran escala
Oratorio
El oratorio es un La grande -Género vocal de escala similar a la ópera;
Se originó a partir del canto de Lauda en las congregaciones de la iglesia durante las ceremonias y se produjo casi al mismo tiempo que la ópera.
La mayoría de los oratorios tienen contenido religioso. y en Actuaciones en iglesias o salas de conciertos;
Tiene una historia narrada, más énfasis en el coro, y sin movimientos escénicos ni vestuario.
Además del coro, también utiliza un; variedad de técnicas utilizadas en la ópera Aria, recitativo y recitativo
El compositor de oratorios más importante es Carisimi.
Cantatas
Las cantatas se pueden utilizar tanto en géneros religiosos como seculares, y están disponibles tanto en tamaños pequeños como grandes.
Roma fue el principal centro de la creación temprana de cantatas. Dos compositores prolíficos son Rossi y Marazzoli
Asia Scarlatti es la compositora de cantatas más importante y prolífica (alrededor de 600)
La cantata religiosa alcanzó un apogeo perfecto en la creación de Bach.
Música de la Pasión
Un género antiguo que utiliza la música para expresar la historia de la Pasión de Jesús en los Evangelios de la Biblia
En 1650 apareció un oratorio. en Alemania Un nuevo tipo de música de Pasión.
Concierto estilo música religiosa
Es una obra que combina música vocal y música instrumental
Importante compositor
Schütz "Saul. Por qué ¿Me persigues?" "Oratorio de Navidad" y "Salmos davídicos" (su primera obra religiosa)
El desarrollo de la música instrumental
Nace la fuga Música, sonatas y conciertos
Escuela de Bolonia
Antecedentes: La vida musical pública de Bolonia se centra en muchas iglesias locales.
La Iglesia de San Petronio es la más importante;
Aquí comenzó la famosa Escuela de Música de Bolonia.
La sonata generalmente se refiere a la música instrumental durante el período barroco, y la cantata generalmente se refiere a la música vocal.
Hacia 1600, las sonatas se dividían en dos categorías: sonatas de iglesia y sonatas de cámara.
Características de las sonatas del siglo XVII: 1. La mayoría de ellas fueron compuestas para dos instrumentos agudos y bajo continuo
2 Una sonata única se hizo popular gradualmente a partir de 1700
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3 Sonatas solistas y sonatas para orquesta sin acompañamiento
Compositores y obras: Cazzatti, Vitali y Corelli
Corelli es un barroco El violinista más influyente de la Durante este período, compuso casi exclusivamente para instrumentos de arco, la mayoría de los cuales eran sonatas en trío populares en ese momento.
"Sonata en trío en fa menor"
Música de teclado de varios países
La música de teclado del periodo barroco incluía órgano y clavicordio
Alemania
Órgano
El lugar más desarrollado para la música y la fabricación de órgano en el siglo XVII fue Alemania. La mayoría de los compositores de órgano famosos se concentraron en las regiones luteranas del centro y del norte de Alemania.
Géneros: Hay tres: tocata, fuga y obras basadas en himnos.
Hay cuatro tipos de música basada en himnos: canción de fuga de himno, Preludio del Himno;
Variaciones al Himno; Fantasía al Himno.
A principios del siglo XVII, el holandés Svelinck y el alemán Scheidt fueron importantes compositores de órgano.
El organista alemán más destacado de finales del siglo XVII fue Buxtehude.
Fortepiano
Incluye clavicordio y clavecín.
Género: Toccata; Preludio; Variaciones; Sonata; cuerpo y variaciones y la suite.
Suite: Sonatas de cámara de Italia, incluidas Allamande;
Compositor: Froberg publicó tres volúmenes de suites para fortepiano. Contribuyó al establecimiento de la forma estándar de las suites barrocas.
Italia y Francia
En la primera mitad del siglo XVII, el compositor para teclados más importante de Italia fue Frescobaldi. Su colección de obras más importante es "Las Flores de la Música"
La figura representativa de la música para teclado francesa es François Couperin, cuyas obras representativas incluyen cuatro volúmenes de suites para clavicordio y dos obras teóricas "Reglas de acompañamiento" "Las Art of Harpsichord Performance"
Conciertos
Hay dos categorías principales de conciertos instrumentales barrocos: Concerto Grosso (la forma más antigua de concierto instrumental) y Concierto solista
Alrededor de 1682, Corelli completó su primer concierto grosso en Roma.
El concierto solista es la forma más profundamente influyente.
Antonio Vivaldi fortaleció, perfeccionó y amplió el estilo del concierto barroco.
Varios maestros del Barroco tardío
Jean-Philippe Rameau
Fue el compositor, teórico y teclista francés más importante del siglo XVIII.
Obras principales: 4 volúmenes de solos de clavecín; 1 volumen de música de cámara; unas 30 obras escénicas
Características: Sus óperas heredaron la tradición de Lully en muchas cosas, realzando el efecto dramático, utilizando acompañamiento de big band y un recitativo más melódico, y el coro y las entretenidas escenas de canto y baile en cada acto son más grandes
Su obra teórica más importante es 1722 Su teoría de la armonía funcional no solo resumió la práctica de composición en ese tiempo, pero también tuvo un impacto en la teoría de la armonía en los dos siglos siguientes.
Domenico Scarlatti
Las obras representativas incluyen: 555 sonatas para teclado, todas las cuales son movimientos individuales. Cada una es similar a un estudio, que requiere que el intérprete resuelva ciertos problemas. Aplicación de técnicas e interpretación musical. , utilizado principalmente para reproducir la forma de dos partes.
Georg Friedrich Handel
Nació el 23 de febrero de 1685 en Halle, Alemania
Dedicó la mayor parte de su vida a componer óperas, unas 40 obras, el primer oratorio cantado en inglés
Su estilo de escritura es básicamente italiano
Obras representativas: “Water Music” y “Messiah” (basadas en “La Biblia”” y los salmos del Libro de Oración Anglicano , está dividido en tres partes, que describen el nacimiento, la crucifixión y la resurrección de Jesús respectivamente)
Johann Sebastian Bach
Nacido en una famosa familia de músicos del centro de Alemania
En 1708, se desempeñó como organista en la corte de Weimar y compuso obras para órgano, entre ellas "18 Preludios de himnos".
De 1718 a 1723, fue director de orquesta del príncipe Leopoldo de Cotten, componiendo principalmente música instrumental profana. Hay "Clave bien temperado" Volumen 1, "Sonata para violín sin acompañamiento", "Concierto de Brandeburgo", etc.
En mayo de 1723 se trasladó a Leipzig y se desempeñó como director musical de la Escuela Thomas y director musical de la ciudad de Leipzig. En ese momento, planeó escribir cinco conjuntos de cantatas para el año eclesiástico y finalmente completó dos conjuntos. Existen más de doscientas cantatas de Bach. También creó dos Pasiones: "La Pasión de Cristo". Estas obras trascienden las limitaciones de los rituales religiosos, son muy dramáticas y encarnan el profundo espíritu humanitario de las obras de Bach.
Obras importantes: "El clave bien temperado" es una obra muy importante en su creación musical instrumental, con 24 preludios y 48 fugas cada uno. Muestra a la gente que al utilizar los doce temperamentos iguales, uno puede modular libremente en cualquier tono.
En 1721, recopiló sus mejores seis conciertos y se los dedicó al Margrave Christian Ludwig de Brandeburgo, que son los famosos "Seis Conciertos de Brandeburgo". Demostró su habilidad para escribir conciertos grosso. Este trabajo es de gran escala y utiliza una combinación diversa de instrumentos solistas.
En 1733, creó la "Misa en si menor". Sus últimas obras representativas incluyen "Variaciones Goldberg", "Devoción musical" y "El arte de la fuga" (comenzó a crearla a mediados). -década de 1940, que supone una importante contribución al desarrollo del periodo barroco). Resumen final de la fuga que alcanza su apogeo)
Características de la música de Bach: 1. Las obras absorben ampliamente diversos estilos y formas musicales. populares en los países europeos a principios del siglo XVIII, y desarrollarlos a nuevas alturas
2 Los dos factores opuestos de la armonía y la polifonía han logrado un equilibrio perfecto en la obra:
3 Hay temas muy concisos y personales, así como una rica imaginación y una fuerte expresión, así como habilidades musicales extremadamente perfectas
Explicación y contenido auditivo de este capítulo:
Explicación de términos :
El estilo moderno (estilo decorativo) se refiere al uso de disonancias no preparadas o soluciones informales en una obra
Continuo: Hay una parte de bajo independiente que continúa a lo largo de la obra; uno más recargado y armonioso encima de los agudos decorativos.
Canciones mono: Término general para canciones solistas seculares con acompañamiento continuo que aparecieron en Italia en la primera mitad del siglo XVII.
Estilo recitativo: estilo musical casi verbal
Interludio: fábula, mito o drama pastoril intercalado con comedia, aparecido en la corte italiana del siglo XV.
Obertura Italiana: Considerada la antecesora de la sinfonía, consta de tres partes diferenciadas, rápida-lenta-rápida, con un Adagio contrastado en el medio, y el Allegro final en tres tiempos, con una jigue. ritmo de estilo.
Fuga: Género polifónico que utiliza estrictamente técnicas de imitación canónicas.
Estilo roto: una textura arpegiada rítmicamente delicada.
Concierto: Solista y coro, dos orquestas separadas y diferentes instrumentos conectados entre sí para cantar y tocar juntos. Introducción al significado de la palabra "Barroco" en la historia de la música.
La palabra portuguesa barroco originalmente significaba perlas no redondas y de forma irregular, y ahora se refiere al lujoso estilo arquitectónico de la Europa del siglo XVII y principios del VIII. Este término fue utilizado por los músicos para describir en general el estilo musical del mismo período (ver más abajo).
2. ¿Cuáles son las características de la melodía de la música en el período barroco?
Las frases varían en duración y la respiración es más larga, ya sea música vocal o música instrumental, la melodía es hermosa y compleja sin precedentes, con bastantes sonidos decorativos y patrones de sonido progresivos. Al igual que las melodías del Renacimiento, la progresión de la melodía suele tener un carácter figurativo y simbólico. Lo que llama la atención es la clara naturaleza armónica de la melodía.
3． ¿Cuál era el ritmo de la música durante el período barroco?
Se divide principalmente en dos tipos: ritmo libre y ritmo claro y regular. El primero se utiliza para recitativos, toccatas, preludios, etc., y el segundo para arias, fugas, danzas, etc., y permanecerá durante todo el movimiento. Estos dos ritmos se utilizan a menudo juntos, como el recitativo y el aria, el preludio (o tocata) y la fuga.
4. ¿Qué modo se utiliza en la música barroca?
El sistema de tonalidades mayores y menores ha sustituido al "modo eclesiástico" del pasado.
5． ¿Cuál es la armonía de la música barroca?
Se ha formado un completo sistema de armonía funcional de tonalidades mayores y menores centrado en dominante, subordinada y subordinada, utilizando disonancias para la conversión tonal y haciendo que la armonía sea dinámica y emocional.
La invención de los doce temperamentos iguales en el siglo XVII está íntimamente relacionada con el pleno desarrollo del sistema armonioso.
6． ¿Qué es un bajo completo (también llamado bajo figurado o bajo continuo)?
Técnicas de composición propias del periodo Barroco. Escriba una nota clara en la parte de bajo de la partitura de un instrumento de teclado (generalmente un clavicordio) y márquela con un número que indique la armonía encima (por ejemplo, el número 6 significa que la nota debe tener su sexta y tercera nota). encima de él). El intérprete toca el bajo y la armonía de acuerdo con esta indicación, y el intérprete elige la disposición y la textura de las notas del acorde.
7． ¿Cuál es la textura de la música barroca?
La textura polifónica juega un papel dominante y su tecnología de escritura ha alcanzado un pico sin precedentes. Se diferencia de la polifonía renacentista en que es un contrapunto basado en la armonía funcional. Al mismo tiempo, también hay muchas obras que utilizan la textura del tono principal.
8． ¿Cuál fue la forma musical del período barroco?
Las estructuras de múltiples movimientos que contrastan entre sí en ritmo, velocidad y estilo, como suites, variaciones, conciertos, cantatas, oratorios, etc., se utilizan comúnmente en preludios, fugas, recitativos y La relación. entre arias. La estructura interna de la pieza polifónica es un continuo escrito de manera imitativa (no segmentada), pero se aprecian elementos claros de presentación, desarrollo y representación. También hay estructuras segmentadas, variaciones, pasacalles y formas de carbón que son variaciones de la melodía fija del bajo. [Reunión en Canadá: Maple Forum rolia.net/forum]
9. ¿Cuáles fueron los principales géneros musicales del período barroco?
Música vocal: Misa, motetes, himnos, óperas, oratorios, cantatas, Pasiones y diversas piezas solistas y corales. Música instrumental: Toccata, preludio, fantasía, fuga, variación, suite, sonata (principalmente sonata solista y sonata trío), concierto (concierto orquestal, concierto grosso, concierto solista).
10. ¿Cuál era el estado de ánimo de la música en el período barroco?
Mantener un estado de ánimo básico dentro de un movimiento, y sólo formar contraste entre movimientos. >
11. ¿Cuál fue la intensidad de la música en el período barroco?
En lugar de buscar cambios sutiles en crescendo y decrescendo, se adoptó una "intensidad escalonada" más clara.
Sección 1. El nacimiento de la ópera y sus inicios
1. ¿Cuándo y dónde nació la ópera? ¿Cómo nació?
Nació en Florencia, Italia, a finales del siglo XVI y principios del XVII. Nació sobre la base de una extensa investigación sobre las tragedias griegas antiguas realizada por Badi, Vincenzo Galilei, miembros de la Camerata (que significa club o camarilla) en la corte de Badi y el erudito florentino May of.
2. ¿Qué formas musicales son las antecesoras de la ópera?
La combinación de música y teatro se remonta a la antigüedad, incluyendo la tragedia griega antigua, el drama ritual medieval, el drama de misterio religioso, el drama de milagros, las suites pastorales renacentistas, el drama pastoral, los interludios y otras formas.
3. Introducción al teatro intermedio y pastoril.
Un interludio es una obra musical corta que se realiza entre dos actos de una obra. Las obras pastorales son obras de teatro con música sobre temas legendarios o rurales.
4. ¿Cuál fue la primera ópera de la historia? ¿Quién lo creó? ¿Dónde se basa la historia?
＜r o l i a. n e t ＞
"Daphne", escrita por Rinuccini y compuesta por Perry en 1597, está basada en la mitología griega. Pero la puntuación se ha perdido.
5. ¿Cuál es la primera ópera que se conserva? ¿Quién lo creó? ¿Dónde se basa la historia?
En 1600, "Euridice" fue escrita por Nuccini y compuesta por Pelli y Caccini. Basado en la mitología griega.
6. ¿Cuál era la forma musical en las primeras óperas?
La parte vocal es principalmente un recitativo cercano a la recitación, acompañado de un pequeño número de instrumentos musicales, y adopta el bajo continuo. La forma musical es relativamente simple.
7. Introducción a los conceptos de escritura de ópera de Monteverdi y la forma de ópera temprana que estableció.
Principalmente para potenciar la musicalidad y la expresión emocional. El método específico consiste en alargar la línea melódica del recitativo para hacerlo cantable y alternarla con canciones cortas, dúos y repeticiones pastorales para formar un contraste. Usó acompañamiento orquestal a mayor escala y creó un fuerte efecto dramático mediante el uso de trémolo, pizzicato y armonías disonantes de instrumentos de cuerda. Añade pasajes instrumentales a la ópera, como la "Toccata" al principio (más tarde la obertura), la música de baile en el medio, etc. En su creación se formó el modelo básico de la ópera.
8. Enumera dos obras maestras de Monteverdi.
"Orfeo" (o traducido como "Orfeo"), "Arianna".
9. Después de Monteverdi, ¿quién fue la figura representativa de la ópera veneciana del siglo XVII (la escuela veneciana en el ámbito de la ópera)?
Los alumnos de Monteverdi, Cavalli (1602-1676) y Cesti (1623-1669).
10. ¿Quién es el principal representante de la ópera (escuela napolitana o escuela napolitana) en Nápoles (Nápoles), Italia en el siglo XVIII? ¿Cuáles son las características de sus creaciones?
Alessandro Scarlatti (1660-1725). Dio gran importancia al papel lírico de la música en las óperas, enfatizó el poder expresivo de las arias y creó la estructura formal ABA, que se llama "aria de retorno" o "aria de reaparición" (aria da capo). Su orquesta era más completa y también creó la obertura de ópera "rápido-lento-rápido" (llamada "sinfonía" en ese momento).
11. ¿Cuáles son las características de la ópera napolitana?
Céntrese en la belleza de la voz del solista y el efecto externo de la música, y busque la estilización del lenguaje y la forma musicales. La textura musical es relativamente simple, principalmente melodía solista y acompañamiento armónico simple. La desventaja es la falta de autenticidad y de intensidad dramática. Esta tendencia provocó el declive de la ópera en el siglo XVIII.
12. Introduce el recitativo y el aria.
El recitativo se utiliza para el diálogo de los personajes y el desarrollo de la trama en la ópera (u oratorio). Su melodía es cercana a la recitación, y el aria se llama Expresa. las emociones de los personajes y muestra habilidades para el canto. La música es hermosa y hermosa, y el rango vocal es amplio.
13. ¿Qué son los recitativos vernáculos (también traducidos como recitativos claros, recitativos secos, recitativo secco, recitativo seco) y recitativos de acompañamiento (recitativo obbligato, accompagnato)? p>
El primero es un recitativo acompañado únicamente de un clavicémbalo y un bajo, y se utiliza principalmente para diálogos largos y monólogos. Este último utiliza acompañamiento de banda y se utiliza en escenas dramáticas tensas. Debido a que tiene las características de un aria hasta cierto punto, también se le llama aria (arioso o recitativo arioso).
14. ¿Qué es "Da Capo Aria"?
El aria de tres secciones de ABA se puede reproducir con algunas habilidades deslumbrantes y gratuitas según las preferencias del cantante.
15． A. ¿Qué es la obertura de ópera italiana establecida por Scarlatti?
(Ver pregunta 10 de este apartado)
16. ¿Cómo surgió la ópera francesa?
Tras ser introducida desde Italia en el siglo XVII, adoptó inmediatamente características francesas: énfasis en el recitativo, que resaltaba el ritmo y ritmo únicos del francés añadiendo una gran cantidad de escenas de danza a las óperas; la decoración es extremadamente hermosa y muestra la grandeza de la vida imperial; la obertura de la ópera adopta la disposición de tempo opuesta a la de Italia: lento-rápido-lento.
17. ¿Qué compositor estableció la forma de la ópera francesa?
Lully (1632-1687) era originaria de Italia. (Consulte la pregunta 15 anterior para conocer el estilo de ópera)
18. Una introducción a la contribución histórica del compositor francés Rameau.
Escribió un gran número de óperas y obras para clavicordio, pero lo más importante es que publicó "Teoría básica de la armonía" en 1722, que sentó las bases de la teoría de la armonía moderna.
19． ¿Quién es la figura representativa de la creación de ópera británica? Por favor nombre una obra representativa.
Purcell (1659-1695), cuya obra representativa es "Didon and Ini".
20． Una introducción al "singspiel" alemán (singspiel).
Es una ópera de comedia popular alemana con diálogos, y la música tiene características nacionales distintivas. Tuvo una importante influencia en el desarrollo de la ópera alemana.
21. Introducción al Oratorio, Pasión y Cantata.
Oratorio: Letras sobre temas religiosos o épicos se musicalizan. Las formas musicales incluyen música solista, a dúo, coral y orquestal, y se interpretan en iglesias o salas de conciertos. A diferencia de una ópera, un oratorio no tiene dispositivos escénicos complejos ni representaciones de acción dramática.
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Pasión: La forma musical es la misma que el oratorio, y el tema se centra en la historia de la Pasión (crucifixión) de Cristo Jesús. .
Cantata: También traducida como cantata, es un género con música solista, a dúo, coral y orquestal, con contenido tanto religioso como profano. Al igual que el oratorio, no hay recurso escénico ni acción dramática.