Rasgos importantes del lenguaje cinematográfico de "Ciudadano Kane"
Hollywood en la década de 1940 había alcanzado una etapa crítica de desarrollo. En ese momento, la aparición de las películas sonoras había transcurrido más de diez años y la gente se había vuelto competente en el uso de técnicas de sonido. Como especialidad de Hollywood, las películas de género han alcanzado su apogeo, las películas occidentales, las comedias, las películas de gánsteres, etc., se han vuelto perfectas y perfectas. La estructura estilizada de la trama, escenas siempre espléndidas y lujosas, con una hermosa súper estrella femenina compitiendo contra la otra, constituye el patrón básico de las películas de Hollywood. Sin embargo, este tipo de producción de calidad uniforme también demostró que Hollywood en ese momento había comenzado a volverse complaciente.
André Bazin escribió en su libro "Reseñas sobre Orson Welles":
Si no fueron pocas las obras deslumbrantes (o al menos aparecieron (una obra muy novedosa y única), una vez de nuevo inspirando inspiración, técnicas innovadoras y prácticas conmovedoras que se habían estilizado... Se puede decir que (las películas de Hollywood) han cumplido todas las condiciones históricas para un declive, y desde entonces se han vuelto solitarias y en decadencia.
En el apogeo de Hollywood, fue Orson Welles, un joven director de Hollywood, quien se atrevió a abrir un nuevo camino bajo el estricto gobierno de este gigante y realizó una importante contribución a la estética cinematográfica.
Descripción general: Orson Welles es un director talentoso lleno de innovación artística y es famoso por "Ciudadano Kane". "Ciudadano Kane" hizo que la película rompiera con los grilletes de la estructura tradicional por primera vez y creó un precedente para las películas modernas. Sin embargo, fue al mismo tiempo el comienzo y el final de la carrera cinematográfica de Welles. Este genio artístico, lleno de ideas imaginativas y siempre por delante del público, luchó con la contradicción entre arte y negocios casi toda su vida. No pudo ser aceptado en Hollywood y viajó durante muchos años por Europa. Debido a la falta de fondos, sus películas a menudo se rodaban en duras condiciones y con paradas ocasionales. Rodó unas 14 películas a lo largo de su vida, probablemente la cifra más baja entre los directores occidentales famosos. Hasta su muerte en octubre de 1985, nunca pudo superar su debut. A pesar de esto, Bazin comentó, "Orson Welles aún debería ocupar una posición destacada en la frente de cualquier arco triunfal que rinda homenaje a los héroes de la historia del cine". carrera (1915-1939)
1. Niño prodigio
Como muchos otros genios, el extraordinario talento de Orson Welles comenzó en su infancia.
(1) Amplia gama de intereses: visión amplia, rompiendo con la tradición
Orson Welles nació en 1915 en una familia adinerada en Wisconsin. Su padre era un fabricante de automóviles. Wells, cuya madre era una bella pianista, es conocido como un "niño prodigio" desde que era un niño: sabe leer a los dos años, toca bien el violín a los siete y puede recitar las obras de Shakespeare con fluidez y habilidad. a los diez años dominó habilidades artísticas como la magia, el piano, la pintura y la actuación. Sus diversos intereses tuvieron un gran impacto en su creación cinematográfica posterior, desde guiones hasta imágenes y técnicas de cámara, siempre fue capaz de planificar expresiones que eran diferentes de las técnicas tradicionales anteriores, permitiendo al público ver que era más creativo que los directores tradicionales. Amplio ángulo de visión.
(2) Viajar por el mundo integrando diversas culturas
Cuando Wells tenía 6 años, sus padres se divorciaron y se mudó a Chicago con su madre. En 1924, su madre murió. . Más tarde, el padre de Wells se volvió alcohólico y lo llevó por todo el mundo, incluido Shanghai, China. Sus viajes le permitieron conocer culturas de todo el mundo, que se reflejaron en sus obras teatrales y cinematográficas posteriores.
2. Primero mostró su talento en el teatro y la radio.
Después de viajar por Europa, Welles regresó a los Estados Unidos y pronto irrumpió en Broadway y se hizo famoso rápidamente.
En 1934, Welles se involucró en radionovelas.
Ese mismo año, Welles y su esposa filmaron un cortometraje de 8 minutos "El corazón del tiempo". Fue la primera esposa de Welles quien interpretó a la anciana en la película. Como primera imagen tomada por Welles, el valor histórico de esta película es mucho mayor que el valor de la película en sí. El surrealismo y el expresionismo involucrados en la película continuarán a lo largo de toda la carrera cinematográfica de Welles.
En el verano de 1937, Welles, de 22 años, fundó su propia Compañía de Teatro Mercury.
Aquí tienes un enlace. "Me and Orson Welles" dirigida por Richard Linklater en 2008 muestra los primeros años de Orson Welles a través de los ojos de un espectador de una carrera dramática. La historia de la Mercury Orchestra ensayando su primera obra "Julio César" cuando se formó por primera vez. Aunque es una adaptación de una novela, todavía podemos ver el talento artístico, la búsqueda y la ambición de Orson Welles, e incluso su famoso carácter egocéntrico y voluntarioso.
En 1938, Wilson se hizo famoso de la noche a la mañana con el espectáculo de su Mercury Theatre Company "La invasión marciana de la Tierra". A las 8 p.m. del día de Halloween de 1938, Wells fingió ser un sobreviviente de un desastre e imitó el tono de un informe en vivo para la audiencia, diciéndoles que los marcianos estaban invadiendo la Tierra y masacrando a los humanos. Esta destacada broma hizo famoso a Wells. Hasta que los japoneses atacaron Pearl Harbor unos años más tarde, cuando el locutor anunció la noticia con voz temblorosa, mucha gente pensó que se trataba de los seguidores de Wells nuevamente.
2. Periodo de Hollywood (1939-1948)
(1) El nacimiento de la leyenda (1939-1941)
El radioteatro “La invasión marciana de la Tierra" fue la más poderosa. Ernst abrió las puertas de Hollywood. RKO le concedió un contrato extremadamente generoso, que incluía incluso los derechos finales de edición de la película. En la era de los grandes estudios de Hollywood, ¡muy pocos directores podían tener este poder!
Antes de recibir la invitación para entrar en Hollywood, Welles sólo había dirigido dos cortometrajes de menos de 50 minutos en total. Welles planeó adaptar la novela de Joseph Conrad "El corazón de las tinieblas" como punto de partida, pero RKO lo rechazó debido al elevado presupuesto. Durante el verano de 1939 a 1940, viendo un gran número de películas, Welles compensó la falta de lenguaje cinematográfico mediante el autoestudio. Su primera película, "Ciudadano Kane", fue un éxito de taquilla, sin la torpeza de un novato. Fue llamada "la mejor película de todos los tiempos" y se convirtió en un hito en la historia del cine estadounidense y mundial. "Citizen Kane" ocupa un lugar destacado en las selecciones y clasificaciones de películas de todo el mundo. El estilo y los métodos creativos de la película son obviamente diferentes o opuestos a las películas de Hollywood. Los historiadores del cine llaman a Welles "un extraño en Hollywood".
Se puede decir que "The Great Ambersons" (The Great Ambersons) es una continuación y ascenso de "Citizen Kane" en cierto sentido. Ambas películas tienen una cierta influencia en los Estados Unidos. Una poderosa crítica a la sociedad, pero también contiene un carácter autobiográfico oculto. Wells los utiliza para conmemorar el pasado y añorar su infancia.
Bazin los llamó "grandes dípticos" y creía que "Wilson habría ocupado un lugar en la historia del cine incluso si solo hubiera dirigido Ciudadano Kane y Los Amberson".
(2) El genio costoso de 1941-1944
Wells alcanzó la cima de su vida a la edad de 25 años, pero para ello le costó toda una vida.
Ciudadano Kane" se estrenó oficialmente en mayo de 1941, pero el rendimiento en taquilla fue extremadamente pobre. La película provocó que RKO sufriera una pérdida récord de 150.000 dólares. El público no pudo aceptar esta extraña película que excedía su apreciación artística. En la ceremonia de los Premios de la Academia de ese año, aunque "Ciudadano Kane" recibió nueve nominaciones, Welles fue abucheado cada vez que se mencionaba su nombre. El interés y la esperanza de Hollywood en el "prodigio" de Welles murieron con las graves pérdidas económicas del "Ciudadano Kane".
Debido a la mala respuesta del público durante la proyección de prueba, RKO aprovechó el viaje de Welles al extranjero para cortar 1/3 de "The Ambersons", dejando sólo 88 minutos, y añadió una trama completamente falsa. Final feliz. Los negativos cortados fueron posteriormente destruidos y las intenciones creativas originales de Welles sólo pueden conocerse a través de la hoja de trabajo de edición. La destrucción de la segunda obra maestra de Orson Welles por parte de los jefes de los estudios de Hollywood se ha convertido en una de las tragedias más famosas de la historia del arte moderno.
El conflicto entre Welles y Hollywood se fue profundizando poco a poco.
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, Welles dirigió "The Stranger", un oscuro thriller sobre la caza de los criminales de guerra nazis.
En 1947, Welles filmó "La dama de Shanghai" para Columbia.
Bajo una serie de golpes, Welles filmó una tras otra dos adaptaciones de Shakespeare.
"Macbeth", terminada en tres semanas, recibió una respuesta mediocre. En 1949, Welles se vio obligado a abandonar Hollywood e ir a Europa a hacer películas.
3. Período europeo (1948-1956)
En 1947, un frustrado Wells abandonó Estados Unidos. En la superficie se decía que quería libertad, pero según se cuenta más adelante. Hay evidencia indudable de que después de años de clamor desde el campo de Hearst, el FBI creyó que era comunista y lanzó una investigación sobre él. Esta puede ser su razón principal para abandonar Estados Unidos. Estados.
Durante este período, la carrera cinematográfica de Welles entró en una nueva etapa, es decir, para no verse restringido por los grandes estudios, continuó aceptando películas de otros directores y ganando salarios para apoyar su carrera. tu propia película. Durante los siguientes treinta años, todavía no pude escapar de esta situación.
"El tercer hombre" "El tercer hombre" (1949) dirigida por Carol Reed fue calificada en primer lugar por el British Film Institute como una de las 100 mejores películas de la historia del cine británico. Welles no apareció mucho en la película, pero fue extremadamente deslumbrante, especialmente las inolvidables líneas sobre los Borgia y el reloj de cuco que él mismo escribió.
4. Regreso a Hollywood (1956-1959)
En 1956, Welles regresó a Hollywood y condujo algunos programas de radio y televisión. Esta vez permaneció en Estados Unidos durante tres años. Durante los tres años que Welles regresó a Estados Unidos, su obra más importante fue "La última dama". Una vez más mostró su incomparable creatividad y talento en esta película. El plano de tres minutos al principio se llama el "baile en el aire" de la cámara y se ha convertido en un clásico de la historia del cine. Welles también utilizó un método de narración muy "vanguardista" para películas comerciales en la película. Saltó de un lado a otro entre varias escenas que sucedieron al mismo tiempo. Toda la historia se presentó de una manera muy fragmentada, con una amplitud exagerada. La composición de lentes angulares, una gran cantidad de escenas nocturnas reales, expresiones sonoras sin precedentes y una subversión audaz de los tipos de personajes estaban completamente más allá de la imaginación de la gente en ese momento. Sin embargo, la compañía aprovechó la ausencia de Welles y comenzó a tomar el asunto en sus propias manos y contrató al nuevo director Harry Keller para volver a filmar algunos primeros planos y escenas explicativas. Bajo el control exclusivo del estudio, se cortó otra "Beautiful Lady" irreconocible.
5. Carrera tardía (1959-1970)
En el último período de su carrera cinematográfica, el éxito de Welles siempre fue fugaz y pasó la mayor parte de su tiempo trabajando en diversos campos. Tanto en las películas buenas como en las malas, actúan sin cesar como papeles secundarios, papeles secundarios y narradores. (Imagen de anuncio de licor)
En sus últimos años, aparte de aparecer en programas de televisión, Welles no pudo recaudar fondos suficientes para empezar a filmar la gran cantidad de guiones que había escrito. Además, da conferencias en varias escuelas de cine de Los Ángeles. El 10 de octubre de 1985, Wells murió de un infarto.
Ciudadano Kane:
1. Introducción
"Ciudadano Kane", también conocida como "The Grand National", es una película biográfica que también fue la A famosa obra maestra escrita, dirigida e interpretada por el maestro de cine Orson Welles, de 25 años. El protagonista Kane de la película reflexiona deliberadamente sobre el magnate de la prensa estadounidense Hearst. De hecho, los personajes de la película son una mezcla de varios tipos, inspirados en varios magnates estadounidenses famosos. Y Hirst es en realidad el más preparado para salir del armario.
Resumen de la trama:
Después de que el magnate de los periódicos estadounidense Kane (Orson Welles) muriera dejando sus "últimas palabras" de "capullos de rosa" en Sauna Manor, se desarrolla una serie de Un joven reportero fue Encargado por un periódico para investigar el significado de estas palabras. Al consultar recuerdos relevantes, aprendimos sobre las experiencias de juventud de Kane y la difícil experiencia de vida de su madre. De boca del presidente del periódico Bernstein, conocimos la fortuna de Kane y cómo creó la opinión pública para involucrar a los Estados Unidos en la guerra de 1897; el antiguo amigo de Kane, Leland, habló de su relación con Emily, la sobrina del matrimonio del presidente estadounidense; su encuentro con su segunda esposa, la cantante Susan, y su fracaso en la campaña presidencial. Susan introdujo los cambios en su vida y la de Kane, desde amantes hasta una vida casada en el club nocturno; con el apoyo de Kane, quería hacerse famosa en la industria de la música, pero después del fracaso, vivió recluida con Kane en Xanadu Manor, que parece un país de hadas. Sólo cuando al final se quemaron los viejos muebles de Kane descubrió que "Rosebud" resultó ser las palabras grabadas en el trineo que había apreciado cuando era niño.
De hecho, la forma en que la película cuenta la historia es mucho más valiosa que la historia que cuenta.
La película consta de seis flashbacks con lógica interna. Estos flashbacks no son componentes de un rompecabezas, sino una cebolla pelada desde fuera hacia dentro. La película sitúa por primera vez la cámara al nivel de la naturaleza humana y lleva a cabo un debate en profundidad sobre la naturaleza humana. Esta película puede verse como una alegoría del ideal estadounidense de lucha personal.
2. Técnica narrativa
Al buscar el significado de "capullo de rosa", la película explora el viaje mental de Kane y la exitosa experiencia estadounidense que representa. La estructura de la película no solo es no lineal (es decir, no es sencilla), sino que cada flashback se superpone. Por ejemplo, Li Lunde habló sobre el debut de Susan desde su perspectiva, y Susan luego lo mencionó desde otra perspectiva. .
La técnica del flashback no se ha desarrollado mucho desde "Ciudadano Kane", y esta técnica no fue pionera en 1941. Pero antes de esta película, esta técnica rara vez se utilizaba, e incluso cuando se utilizaba, a menudo no iba acompañada de factores cronológicos. Aunque Welles no fue el inventor del "flashback", introdujo esta técnica en el lenguaje cinematográfico moderno.
La impresión final que Kane dejó en el público se formó combinando los recuerdos y narraciones de varias personas. Entre ellos, lo más complicado es que las narrativas dadas por cada persona son contradictorias, y todas miran diferentes aspectos de Kane desde diferentes etapas. Y todo el mundo piensa que lo que cuenta es correcto y cierto. Esto es similar al estilo narrativo de "Rashomon". Pero la diferencia es que "Ciudadano Kane" no es una discusión sobre la "teoría de la relatividad" de la moralidad, sino que utiliza las principales experiencias de vida de una persona en su vida como diferentes pistas narrativas para revelar el desarrollo del carácter, el destino y el proceso de cambio de Kane. En la superficie, la película busca la respuesta a "Rosebud", pero en un nivel más profundo, muestra la imagen de la misión de Kane.
Acerca de Rosebud: primero, comprendamos los dos conjuntos de antecedentes
1) Oxen Wells una vez tomó una pequeña herencia dejada por su padre y se fue solo a Irlanda, decidido a convertirse en un pintor errante. En Irlanda conoció a una mujer y discutieron sobre nombrar a su futuro hijo "Rosebud", pero la relación terminó rápidamente sin ningún problema.
2) "Rosebud" se utiliza para referirse al trineo del pequeño Kane en la película. En realidad, es el apodo del prototipo de la película, Hearst, para una de las partes más privadas de su amante Marion Davis. un fuerte movimiento de Hearst. Después de que terminó todo el incidente, Welles afirmó que no se arrepentía de cómo había manejado toda la película, excepto de una, y esa fue "Rosebud", porque eso fue lo que realmente lastimó a Davis. De hecho, Davis era una persona muy inteligente y talentosa, y una de las figuras más simpáticas de la industria cinematográfica. Definitivamente no era el fenómeno sugar daddy que prevalecía en la industria del entretenimiento en ese momento. No se parece mucho a Susan Alexander en Ciudadano Kane, excepto que le gusta beber y jugar rompecabezas.
De hecho, la posible pista de la película se puede entender de esta manera: dejar la vida inocente y hermosa demasiado pronto convierte a Kane en una manzana madura. Extraña aquellos días de juventud desenfrenada, pero el pasado ya no se puede reproducir. Una vez que ingresa al mundo adulto, debe comprometerse y perder su inocencia. Como siempre se arrepiente, utiliza su incomprensible carácter de villano para imponerse a todo lo que puede controlar.
3. Tipo
Ciudadano Kane, filmada en 1941, es una película experimental importante en la historia del cine estadounidense. Es conocida como un "monumento al cine moderno" y fue casi. Todas las clasificaciones de películas están llenas de gloria y se la considera una campeona bien merecida y el clásico número uno entre las "Diez mejores películas en la historia del cine".
La diferencia más importante entre ésta y las películas de Hollywood de los años 1930 y 1940 es que no pertenece a ningún modelo de género. Aunque la película tiene las características de muchos géneros como películas de detectives, documentales, biopics, noticieros, musicales, etc., no pertenece a ningún género en particular y no existe un patrón a seguir frente a ella.
Al comienzo de la película, aparecen la mansión y la puerta de Kane, así como las palabras "No Entry", junto con la música grandiosa y aterradora, parece llevar al público a una película de suspenso o detective. película y cuando llega Las siguientes escenas presentan al personaje de Kane como un documental de noticias; cuando los reporteros hablan de "Rosebud" y Thompson comienza a investigar la vida de Kane, es como entrar en una película biográfica cuando Susan canta en esas tomas de montaje de la; ópera, el público parecía ver las técnicas de interpretación de los musicales.
De esto se puede ver que no podemos utilizar el género clásico de Hollywood para enmarcar esta película. Utiliza elementos de muchas películas de género de Hollywood, desdibujando completamente el modelo de Hollywood en términos de género. Pero la película resuena con la historia y muestra un cierto sentimiento de los años treinta. La película contiene representaciones realistas del documental y metáforas abstractas del expresionismo.
4. La expresión del estilo de la película
1. Fotografía de gran profundidad de campo
La profundidad de campo se refiere a la imagen a lo largo de la línea delante del Lente de cámara u otro generador de imágenes que puede obtener una imagen clara. El rango de distancias a objetos medidos a lo largo del eje de una cámara de profundidad de campo. Una vez completado el enfoque, se puede formar una imagen clara en el rango anterior y posterior al enfoque. Este rango de distancia antes y después se denomina profundidad de campo.
La profundidad de campo de la lente no solo afecta las diversas estructuras del lenguaje cinematográfico, sino que también afecta la relación ideológica entre el público y la imagen, lo que realza la tensión del espacio de la imagen. La fotografía con gran profundidad de campo implica el uso de lentes gran angular, que a menudo exageran la distancia entre los personajes, lo cual es una analogía simbólica apropiada para una película que expresa una historia de separación, alienación y soledad. Al mismo tiempo, debido a que la lente gran angular hace que cada nivel de la imagen desde el punto más cercano al más lejano, el enfoque sea claro y las cosas circundantes no se vean borrosas al resaltar una determinada imagen, por lo tanto, cuando todos los caracteres son iguales. Claro, la calidez y la ambigüedad son aún más graves.
Ejemplo: El clásico plano de profundidad de campo, es decir, la escena donde los niños están jugando en la nieve y la madre está hablando de algo de la casa. 0:19:07~0:21:07
Referencia: A. Las lentes de profundidad de campo hacen que la relación del público con la imagen sea más cercana que su relación con la realidad, y la estructura visual es más auténtica. / B. La realización de tomas de profundidad de campo y el procesamiento de múltiples informaciones en la imagen requieren que el público piense más activamente e incluso participe en la programación de la escena. (Anima al público a tomar la iniciativa de extraer información de una toma.) / C. El concepto de tomas de profundidad de campo afecta la concepción de la película, abandonando el factor formal del montaje para dividir el espacio, y el conflicto ocurre dentro. un tiro.
Entre ellos: la cámara mantiene una distancia personal con Thatcher y la señora Kane, una distancia social con el viejo Kane y una distancia pública con el joven Kane. En esta imagen también podemos ver que la composición de "Citizen Kane" es compleja y significativa. El padre de Kane protestó débilmente e impotente. El viejo Kane y el joven Charles formaron un grupo en la esquina superior izquierda de la imagen. Thatcher y la más severa señora Kane controlaron la esquina inferior derecha de la imagen. El contrato separó a Charles de sus padres. para siempre. Irónicamente, el punto de partida de la señora Kane es el amor y el sacrificio, para poder darle la mejor educación y protegerlo de los abusos de su malhumorado padre.
2. Plano hacia arriba
En esta película, el uso del plano hacia arriba muestra la apariencia del techo en la imagen, lo que supone un cambio en la forma espacial.
A. Cambió el modelo anterior donde la habitación no mostraba el techo cuando se filmaban escenas interiores en un estudio. Este cambio de forma se reflejó por primera vez en el concepto de realidad espacial. / B. La apariencia del techo realza el sentido de estilo en la composición de la película, especialmente las luces de neón de la calle proyectadas en el techo. Los cambios de luces y sombras en la imagen no solo enriquecen el espacio de modelado dentro de la imagen, sino que también lo hacen. También ampliar el espacio ambiental fuera de la imagen. / C. El diseño del techo realza la representación de personajes.
La película utiliza un ángulo de visión muy bajo y un gran plano hacia arriba para formar la llamada "imagen alta". En forma dialéctica, crea la imagen de Kane, un gigante fracasado. "El uso constante de tiros hacia arriba por parte del ciudadano Kane hace que... rápidamente nos volvamos menos conscientes de su técnica, aunque todavía nos dejamos llevar por el puro virtuosismo de su técnica. Así que es posible que su enfoque se base en una intención estética clara: impone a la gente una cierta fantasía dramática. Esta fantasía se puede llamar la fantasía del infierno, porque su mirada hacia arriba parece venir del subsuelo, y el techo lo cubre todo. La gente no puede escapar de los confines del decorado, que expresa plenamente el final inevitable. . El deseo de poder de Kane nos abruma, y el deseo de poder en sí es abrumado por el set. A través de la cámara, podemos experimentar el poder de Kane por un lado y por el otro también era consciente de su derrota. >
3. El uso de la luz
En "Citizen Kane", el uso de la luz es similar al método de iluminación brillante habitual en las películas de Hollywood. También hay una diferencia muy fuerte. El papel de la retroiluminación de sombras en el cine.
R. El uso de la luz no es para mostrar el brillo de la estrella, sino para resaltar la realidad del entorno espacial donde se ubican los personajes.
B. Participa en el desarrollo narrativo de la película, especialmente en la escena que muestra a Kane escribiendo su "Declaración de Principios" en la portada, que Kane completó casi en penumbra. Un "manifiesto" luego traicionado por a él. 0:37:43~0:39:31
C. La luz también sirve como una manifestación de la psicología y el destino del personaje, y su uso en Kane y Susan es muy destacado.
La iluminación en esta película adopta un enfoque de alto perfil durante la adolescencia de Kane y cuando era un joven periodista. A medida que crecía y se volvía más mordaz, las luces se atenuaban y el contraste crecía. El castillo Xanadu, parecido a un palacio, de Kane siempre se encuentra en la oscuridad, con sólo unos pocos rayos de luz que penetran la opresiva oscuridad. También se utiliza una iluminación intensa en tomas más cercanas para crear un efecto simbólico. Una iluminación de alto contraste golpea el rostro de Kane, en alusión a sus dos personalidades, recta y depravada.
4. Fotografía en movimiento
El movimiento de la cámara en la película siempre sigue a Kane como una persona, desplegando así la narrativa de manera más efectiva y revelando a los personajes y su destino.
A. El movimiento de la cámara desde el principio hasta el final de la película.
La cámara inicial avanza y salta a la valla de hierro de Xanadu Manor con una enorme marca "K" 0:00:50~0:1:45
Fin de; los créditos La cámara retrocede de nuevo, salta de la valla de hierro y se detiene frente al cartel de "No entrar". 01:56:56~01:57:25
El uso de la fotografía móvil aquí proporciona una explicación muy clara y visual de la narrativa completa de la película en términos de estructura visual.
B. Cuando la cámara siguió a Kane a la residencia de Susan por primera vez, cuando Kane entró en la habitación con Susan, cerró la puerta de la cámara que lo había estado siguiendo. Afuera, Susan abrió la puerta. , y la cámara volvió a moverse lentamente, como un voyeur curioso que entra en la habitación de Susan. Al mismo tiempo, también hace que el espectador se sienta como una cámara, profundizando en el desarrollo de la narrativa.
En la primera actuación de C. Susan, la cámara siguió subiendo y el sonido también cambió en consecuencia. Finalmente, la cámara vio a dos trabajadores haciendo caras extrañas. Esta representación visual resalta la apreciación del talento vocal de Susan. 1:16:50~1:17:45
5. Programación de escenas
Como Welles proviene del mundo del escenario, es un experto en programar acciones de forma dinámica. Para el arte de la puesta en escena, los planos generales son un medio más eficaz y dramático, por lo que hay relativamente pocos primeros planos en sus películas. La mayoría de las imágenes son compactas y de forma cerrada. La mayoría de ellos todavía están compuestos según la profundidad, con información importante en primer plano, medio y fondo. El rango de contacto entre los personajes es una coreografía similar a la de un ballet, lo que sugiere una relación en la que cambian de puntos de vista.
5. Reparto y equipo
Fotógrafo - Gregg Toland
Gregg Toland (1904-1948), En los últimos 20 años de realización cinematográfica, *** ha produjo 42 películas y ganó el Oscar a la mejor fotografía por "Cumbres borrascosas". Consideraba que Citizen Kane era el pináculo de su carrera.
Editor - Robert Wise
Sus magníficas habilidades de edición lo convirtieron más tarde en un famoso director de Hollywood, con obras representativas que incluyen "El sonido de la música".
Poema de banda sonora - Bernard Herrmann
"Citizen Kane" es la primera banda sonora cinematográfica de Herrmann. Los dos trabajaron en estrecha colaboración, con Welles editando para que coincidiera con la música, en lugar de editar con música al estilo de Hollywood. Más tarde, Hermann creó muchas obras maestras para Welles y Hitchcock, entre ellas "Vértigo", "Psicosis", etc.
Maquillador - Maurice Seiderman
Welles interpreta la vida de Kane, que abarca 50 años. Afortunadamente, gracias a las hábiles manos del maquillador Seidman, Welles pudo desempeñar con éxito este papel. Las tres fotografías son de un joven de 25 años, otro de 45 y otro de 75 años. Los síntomas aumentaron gradualmente y las bolsas debajo de los ojos se hicieron cada vez más evidentes.
Seidman inventó una prenda de plástico sintético que haría que Wells se pareciera más al cuerpo hinchado del anciano.
Los actores, la mayoría de ellos son actores de cine no profesionales de la "Mercury Theatre Company" original de CBS.
Trabajan juntos a la perfección y el efecto general es perfecto. Sus actuaciones son maduras y no tienen apariencia de principiante. Aunque la mayoría de ellas son nuevas en la pantalla, parecen muy naturales, sinceras y creíbles.
6. Temática:
Debido a la estructura y el estilo, la temática de la película se ha vuelto rica y compleja. La película no sólo realiza una crítica social profunda y seria, sino que también tiene un humor e ingenio surrealistas. El título original de Citizen Kane es The Americans. Las contradicciones de la película hacen eco de las contradicciones de la sociedad estadounidense en su conjunto. Al igual que el país, el protagonista de la película mantiene un suspenso a la deriva y alucinante. Aunque el personaje Kane es un hombre con una riqueza mítica, le falta una cosa: el amor. Por tanto, también se puede decir que “Citizen Kane” trata sobre el conflicto entre lo material y lo espiritual. En el mundo onírico de las películas estadounidenses, a menudo se requiere tanto el éxito material como el éxito romántico. Sin embargo, en Ciudadano Kane, los dos son mutuamente excluyentes. La película muestra que cuando una persona se dedica a los objetos, él mismo se convierte en una especie de objeto. Este es un tema muy conmovedor, el resultado de no saber cuánto vale realmente algo. Antes de que Kane muera físicamente, en realidad está muerto. Las películas estadounidenses de la década de 1940 se volvieron gradualmente más oscuras en temas e imágenes, y fueron en parte influenciadas por "Ciudadano Kane".
Esta pura "poesía del cine" se sitúa entre el final de la gran tradición del cine de antes de la guerra y el comienzo del cine de las décadas de 1940 y 1950. Es un relato muy condensado de la vida, de la naturaleza humana. y la sociedad Las películas con una comprensión profunda y una experiencia racional del mundo psicológico abandonaron los principios estéticos cinematográficos predominantes en ese momento y cambiaron el modelo tradicional de filmación de Hollywood en el pasado. Algunos aspectos del mismo fueron incluso imitados por las generaciones posteriores. de las inundaciones. La expresión artística de poder, valentía, robustez, impacto, entretenimiento y experiencia personal alcanzó el pináculo de esa época.
Genio o idiosincrasia:
François Truffaut escribió en el prefacio del libro "Una reseña de Orson Welles": "Es como "El nacimiento de una nación" de Griffith, "El nacimiento de una nación" de Strauchen Foolish Wife" y los tres cortos de Chaplin cambiaron y promovieron el desarrollo del cine mudo. A partir de 1940, todo en la película tuvo todo el material creativo procedente de "Citizen Kane" y "Rules of the Game" de Jean Renoir.
Las obras de Wells tienen un carácter autobiográfico oculto, buscando el yo como base de la creación artística. El tema es el núcleo. (Nostalgia infantil en "Ciudadano Kane")
Los personajes principales de las historias familiares que Welles narraba siempre estaban emocionalmente traumatizados. Antes de él, los trastornos emocionales de la adolescencia casi nunca habían sido explorados en las películas de Hollywood. La historia que presenta está en desacuerdo con el tradicional final feliz de Hollywood.
Bazin describió a Welles como "un hombre del Renacimiento en la América del siglo XX" que pasó su vida persiguiendo "el Santo Grial de los artistas, pero su práctica artística no logró generar ingresos significativos para Hollywood". entre arte y comercio - Welles y los estudios de Hollywood)