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Películas experimentales
Las películas experimentales son películas no comerciales desarrolladas en los Estados Unidos desde la década de 1930. Este tipo de película es principalmente un cortometraje rodado con una película de cavidad de 1,6 mm, no tiene un argumento tradicional y su principal estilo de expresión es el surrealismo y la abstracción. Por su carácter artístico, fue una película pionera en la era del cine sonoro.
Desde la década de 1920 hasta mediados de la de 1940, el cine experimental estuvo en su infancia. Sólo quedan unos pocos cuadros, como los abstractos "HZ0" (1929) y "Principios mecánicos" (1930) del fotógrafo Relf Steiner, y "Nº 94L3" del eslavo Volka Pich... Un papel secundario silencioso en la gastronomía. y Muerte en el muelle
Después de la Segunda Guerra Mundial, hubo un nuevo desarrollo en las películas experimentales, aunque el centro todavía estaba en Estados Unidos. Esto se debió a: 1. La llegada de la alta calidad. y las cámaras de película sonora portátiles y de 16 mm de bajo costo proporcionaron las condiciones técnicas para las actividades de producción personal de aficionados 2. Algunos cineastas europeos de vanguardia, como Hans Rich, comenzaron a ejercer influencia en el mundo intelectual. películas de vanguardia, incluidas las películas de Jean Cocteau, se estrenaron en los Estados Unidos, despertando interés e interés en la promoción del Museo de Arte Moderno F de Nueva York 3. Mayer-Drian Experimental Filmmaking, Nuevos métodos de distribución y proyección resueltos; este problema
Desde mediados de los años 40 hasta finales de los 50, los principales representantes del cine experimental estadounidense fueron Meyer-Dillian, Kenneth Angel y Gerard Rigory-Kyle Poros, Curtis Harrington, Shirley Smith. Whitney Brothers y Frank Novofa. Estas personas pertenecen a dos alas del cine experimental: el surrealismo y la abstracción, "The Web of Today" (i9431, On Earth (1944), "Dance Ejercicios para la cámara de cine" (1945), "Fuegos artificiales". of Angry" (1945), "The Mind of Kyle Dulos". Smith se inspiró en Influenciados por Fischinger, los hermanos Whitney también hicieron varios experimentos con gráficos abstractos en su práctica de cinco películas de 1943 a 1945, cuando Stu Fasch estaba activo en San Francisco organizó una serie de proyecciones de "Arte en el cine" y produjo sus propias películas, como Sosari (1948), que intentaba fusionar poesía y cine de forma abstracta.
El nuevo americano. Las películas que aparecieron a mediados de la década de 1950 y las películas underground que aparecieron a finales de la década de 1950 fueron la continuación y el desarrollo del cine experimental estadounidense. Después de que el movimiento cinematográfico underground se extendió a Europa occidental a mediados de la década de 1960, la gente rara vez usaba el término "experimental". sombra" y la reemplazó. Es una "película underground".
Película surrealista
La película surrealista aplica el método de creación surrealista en la literatura al tipo de película. Hereda. Los principios de André Brayden, exponente de este concepto creativo, enfatizó la autenticidad del comportamiento irracional, el significado de los sueños, el poder emocional de las imágenes incongruentes y la búsqueda persistente del placer personal. La tendencia principal del cine de vanguardia se convirtió más tarde en un flanco importante. de las películas experimentales y underground estadounidenses En el campo de los largometrajes estrenados comercialmente, el surrealismo no constituía un género independiente y su influencia se limitaba a planos o pasajes individuales de la película. El surrealismo aplicado de las películas de Adu Chilot es una obra típica. de este tipo de investigación.
En la década de 1920, los cineastas franceses de vanguardia descubrieron que la naturaleza fotográfica y las técnicas de alineación del montaje del cine lo convertían en un gran ejemplo de este tipo de investigación en su expresión más ideal. . Esta visión ha sido popular entre los cineastas iconoclastas y se ha puesto en práctica.
En términos generales, "La concha y el monje" de Drucker es la primera película surrealista, pero más atención recibe "Un perro andaluz" y "La edad de oro" de Luis Buñuel. La primera es una serie de sueños de un vagabundo con trastornos mentales, mientras que la segunda es un análisis freudiano del deseo sexual y el amor. Los investigadores del cine occidental coinciden en que después de que Buñuel se dedicó al cine, la influencia del surrealismo todavía aparecía de vez en cuando en su obra. En el cine experimental y underground, los representantes de las tendencias surrealistas son Meyer-Dillian y Kenneth Angel en Estados Unidos.
En el campo de los largometrajes, los investigadores cinematográficos occidentales tienden a atribuir representaciones de psicología anormal, impulsos sexuales latentes y comportamiento irracional a expresiones del surrealismo en los largometrajes. Por eso, películas como las series de Hitchcock: "Edward" (1945), "Vértigo" de 1958, "North by Northwest" (1959), "Psycho" (1962) y "The Birds".
Películas de teatro de cámara y películas callejeras
Películas de Kammer spiel
Las películas de Kammer spiel que aparecieron en Alemania en la década de 1920 eran películas expresionistas. "Teatro de cámara" fue originalmente un término acuñado por el director de teatro alemán Max Chai Yuenhardt para referirse específicamente a pequeñas obras de teatro que se adhieren a la unidad de tiempo, lugar y acción. El guionista de cine austriaco Karl Meiyu aplicó este concepto al cine y creó el cine dramático de cámara. Meiyu escribió el guión de "Doctor Caligari" en 1919 y se convirtió en uno de los principales exponentes del cine expresionista. Pero un año después, Meiyu comenzó a romper con la línea expresionista y creó "The Back Staircase", dirigida por Paul Leni, que se convirtió en la primera "película dramática de cámara".
Esta película dramática de cámara abandona los temas de fantasmas y locos utilizados en las películas expresionistas y describe la vida cotidiana y los entornos de pequeños personajes sociales como trabajadores ferroviarios, dependientes de tiendas y criadas. Obedece a las tres leyes de la tragedia clásica, la escenografía es sencilla (principalmente interior), los personajes son pocos y generalmente anónimos, y la única característica es su ocupación. Se presta gran atención a la descripción psicológica de los personajes, y la cámara a menudo permanece en los gestos y expresiones faciales de los personajes durante mucho tiempo. Dado que la trama es simple y no cambia mucho en el tiempo y el espacio, por un lado, se requiere que las dotes de actuación de los actores sean serias y sencillas, evitando la exageración. Por otro lado, se utilizan lo menos posible los subtítulos. el contenido dramático se transmite a través de imágenes visibles. Sin embargo, debido a las limitaciones técnicas de las películas mudas, los personajes son demasiado simples, las tomas son demasiado engorrosas y repetitivas, e incluso el público no puede entender las motivaciones de comportamiento de los personajes.
Además de una serie de películas como "El ferrocarril" (1921), "Nochevieja" (1923) y "El peor hombre" (1924) creadas por Mei Yu, el representante Las obras de películas dramáticas de interior incluyen Longing de Paul Sinner. Este tipo de películas han desempeñado un papel importante a la hora de guiar a algunos directores de cine alemanes hacia el camino del realismo (ver "Cine de calle"). En el extranjero, su influencia se refleja principalmente en las formas cinematográficas de algunos directores de cine franceses representados por Marcel Canet.
St reet film company
St reet film (película callejera) es una película alemana con la calle como principal trasfondo de acción que apareció bajo la influencia del cine dramático de cámara. Siegfried Kracauer acuñó el término en De Rigali a Hitler. Las obras representativas incluyen "La calle" de Karl Gner (1923), "La calle sin alegría" de Piper (1925) y "La tragedia de la calle" de Bruno Rahn. (i927), etc. Estas películas mostraban la realidad social y reflejaban la vida cotidiana de las clases bajas en Alemania con un estilo directo, terrenal y objetivo, actuaciones sencillas y escenarios realistas. Este tipo de películas rompe con las locas fantasías del expresionismo, rompe el estrecho mundo del drama de cámara y encarna los esfuerzos del cine alemán hacia el realismo al final del cine mudo. Sin embargo, este esfuerzo fue inmediatamente abortado con el ascenso del poder nazi y el establecimiento del monopolio Ufa Film Company controlado por los nazis.
Escuela Cahiers du Cinéma
La Escuela Cahiers du Cinema también es conocida como Grupo Cahiers du Cinéma. Del 65438 al 0955, un grupo de jóvenes críticos de cine se reunió en torno a la redacción de Cahiers du Cinema, encabezados por André Bazin. Más tarde, pasaron de la crítica cinematográfica al rodaje de películas y se convirtieron en los principales directores de la película francesa "New Wave" c.
La revista "Cahiers du Cinema" se fundó en 1951. Sus redactores jefe son Ronald Duca y Jacques Danielle-Val Cloze. Entre ellos, el pensamiento estético de Bazin jugó un papel fundamental en la creación de la revista. . Desde el número 65438 hasta el número 0955, un grupo de jóvenes que estaban de acuerdo con las opiniones teóricas de Bazin comenzaron a utilizar los "Cahiers du Cinema" como posición teórica y a utilizar el método de la "teoría del autor" para establecer nuevos estándares de evaluación. Los personajes principales son Truffaut, Godard, Levitt, Chabrol, Dumas y Cheryl. A partir de 1958, Truffaut, Godard, Levitt y Chabrol rodaron sucesivamente sus primeras películas, que contribuyeron a la formación de la "Nueva Ola" del cine francés. Desde entonces, este grupo de personas se denominó "grupo Cahiers du Cinema". . Después del declive de la "Nueva Ola" en 1996, este grupo de personas comenzó a dividirse.
Truffaut y Chabrol se convirtieron en directores de cine comerciales populares, pero sus películas aún tenían un alto valor artístico. Levitt recurrió al cine experimental. El camino de Godard fue más complicado y variado. Antes de 1968, sus películas eran cada vez más modernistas y promovían la antimoralidad del pensamiento político existencial y anarquista, pero formalmente causó estragos en la gramática cinematográfica tradicional. A partir de 1968, de repente se volvió hacia la extrema izquierda y rodó una serie de cortometrajes con fuertes connotaciones políticas, oponiéndose al capitalismo y defendiendo la revolución violenta. En 1971 resultó herido en un accidente automovilístico y dejó de filmar. A finales de la década de 1970, comenzó de nuevo a filmar largometrajes y declaró que "ya no estaría involucrado en política".
El Grupo de la Margen Izquierda es un grupo de directores de cine que surgió en Francia a finales de la década de 1950. Debe su nombre a que todos sus miembros viven en la orilla izquierda del Sena en París. Se trata de Alain Resnais, Anise Huada, Chris Marche, Alain Robbe-Grillet, Marguerite Dura y Henri Korpi. Pero... en realidad, la "Ribera Izquierda" no formó una "escuela" o un "grupo". Son simplemente un grupo de artistas que tienen amistades de larga data, comparten intereses artísticos similares y, a menudo, se ayudan mutuamente en sus creaciones. Básicamente se pueden dividir en dos categorías: una son los directores que se dedican a la creación cinematográfica desde hace mucho tiempo, como Resnais, Varda y Korpi; la otra se dedica principalmente a la creación literaria, como Marche, Dura y Rob Greer. Porque todas sus famosas películas se estrenaron a finales de los años 50 y principios de los 60, como "Hiroshima Mon Amour" (1959) de Ai Jun y "The Long Farewell" (1961) de Korpi (ambas creadas por Doula), y "The Last Year" de Resnais. en Marienbad" (1966-66). Como resultado, sus obras a menudo se clasifican como películas de la "Nueva Ola".
De hecho, existen diferencias significativas entre las películas dirigidas por la Ribera Izquierda y las dirigidas por los Cahiers, a saber:
1 Sólo los directores de la "Ribera Izquierda". hacen películas específicamente para la película. Los guiones que escriben se convierten en películas, pero nunca adaptan obras literarias;
2. Siempre se centran en la descripción de las actividades internas de los personajes y adoptan una base documental. acercamiento al entorno externo;
3. Sus técnicas cinematográficas son muy meticulosas, y los detalles deben ser pulidos y pulidos, sin el estilo descuidado y semi-improvisado;
4. Las películas son más modernistas, especialmente las de Doula y Rob G. Lear porque son representativas de las novelas modernistas francesas.
Las películas de la "margen izquierda" se denominan en Francia "películas de escritores", es decir, películas realizadas por escritores literarios. Además de las películas antes mencionadas, sus obras representativas incluyen "Muriel" (1963) y "The War is Over" (1967) de Resnais, así como "Immortal Woman" (1967) de Rob Gerry.
La influencia de las películas de la "margen izquierda" es de gran alcance. Por ejemplo, "Adiós a Filipinas" de Yorke Rozier (1962) utiliza diálogos improvisados, videocámaras y micrófonos ocultos para mostrar las características del cinema vérité. Rampage (1959) de Truffaut también muestra claramente la influencia del cinéma vérité en su estilo de rodaje y contenido social altamente naturalistas. Gerard realizó intervenciones subjetivas en muchas de sus películas, e incluso adoptó directamente el método del film vérité.
El cine vérité es un género de creación cinematográfica caracterizado por la grabación directa desde finales de los años cincuenta. Incluyendo el movimiento francés Cinéma Vérité y el movimiento americano Direct Cinema. Entre los representantes se encuentran Jean Louhi, François Reichenbach y Maglio Lustuli de Francia, los hermanos David Messer y Albert Messer, y Richard Messer de Estados Unidos · Rico, Don Allen Penny Sher, etc.
Los defensores del cine real afirman que se inspiran principalmente en la teoría y la práctica del "ojo cinematográfico" del soviético Dziga Vertov. En la década de 1920, Vertov filmó una serie de noticieros compuestos de escenas de la vida, y luego editó estas escenas en largometrajes con cierta estructura. Llamó a este tipo de películas "cinema pravda", cuando la película real era en realidad una ajetreada traducción francesa de la palabra hambrienta. La diferencia artística entre las obras cinematográficas reales y "Cinema Pravda" es que los hechos expresados en las primeras son más completos y únicos, y por tanto tienen las características de los largometrajes.
Como método de producción, el cine real tiene las siguientes características:
1. Filmar directamente la vida real y rechazar la ficción.
2. Por adelantado, tampoco utilice actores profesionales;
Solo hay tres personas en el equipo de filmación, a saber, el director, el fotógrafo y el ingeniero de sonido, y el director edita la película él mismo.
En este género cinematográfico, la única diferencia entre el cinéma vérité francés y el cine directo estadounidense es el papel del director de cine: los franceses abogaban por que el director participara en el proceso de rodaje. Por ejemplo, cuando Loh estaba filmando Crónica de un verano (1961), para dejar al público la impresión de que el director era todo menos un espectador, insertó una serie de entrevistas y debates con los personajes de la película. Los estadounidenses, por el contrario, intentan evitar interferir en el curso de los acontecimientos y exigen a los directores que adopten una postura estrictamente objetiva para no destruir la tendencia natural del tema. Por ejemplo, cuando Leacock filmó David (1962), siguió únicamente la progresión natural de los acontecimientos de principio a fin y filmó a un joven drogadicto en un centro de rehabilitación sin interferencias.
El método de rodaje de películas reales requiere que el director descubra con precisión los acontecimientos y prediga su curso dramático, y requiere que el equipo de filmación sea rápido y decisivo. Este método inevitablemente limitará el tema de la película, por lo que hay muy pocas películas en el verdadero sentido. La mayor importancia de las películas de acción real como género es que proporciona un método de filmación que garantiza la máxima autenticidad para la creación de largometrajes en general, y su impacto es de gran alcance. Por ejemplo, "Goodbye, Filipinas" (1962) de Yorke Rozzi utiliza diálogos improvisados, videocámaras y micrófonos ocultos para mostrar las características del cinema vérité. Rampage (1959) de Truffaut demuestra la influencia del cinéma vérité con su estilo de rodaje y contenido social altamente naturalistas. Gerard realizó intervenciones subjetivas en muchas de sus películas, e incluso adoptó directamente el método del film vérité.
El crítico de cine francés Nino Frank acuñó una frase inspirada en el término novela negra en 1946. Se refiere principalmente a las películas producidas por Lucky Strike House en los años 1940 y principios de los 1950, que estaban ambientadas en las calles oscuras de la ciudad y reflejaban el mundo del crimen y la depravación. El cine negro no es un género cinematográfico independiente. Está entrelazado con muchos géneros cinematográficos tradicionales, como películas de gánsteres, westerns y comedias. Aunque su tema principal es el crimen, no todas las películas policiales pueden clasificarse como cine negro.
Tiene las siguientes características:
1. Hay muchas escenas en la oscuridad, ya sea en interiores o exteriores, siempre dando a las personas un futuro sombrío y aterrador. Por la sensación de crisis;
2. Adoptando el estilo de fotografía expresionista alemán, utilizando extrañas sombras profundas y tonos sombríos para crear la ilusión de un mundo de pesadilla. a menudo una personalidad dual, un personaje rebelde que está lleno de hostilidad, decepción y soledad hacia el mundo que lo rodea, y finalmente encuentra su destino en la muerte.
4. La narración personal como medio para describir la psicología. Por lo tanto, se puede decir que el cine negro es una combinación de temas violentos estadounidenses, el estilo de fotografía expresionista alemán y el existencialismo francés.
En la década de 1940, el cine negro entró en una época de prosperidad. A mediados de la década de 1950, cuando el público disminuyó y Hollywood recurrió a nuevos estilos, temas y técnicas, las películas negras desaparecieron gradualmente. Las obras representativas incluyen: "El halcón maltés" de John Huston (1941), "Asesinato en el tren" de Billy Wilder (1943), "Sleep" de Howard Hawks (1946), "Slut Complaint" de Day Garnett (6544). El extranjero (1946) y La mujer de Shanghai (1949) de Orson Welles, Laura (1944) de Otto Priminger, Ángeles caídos (1948) y Donde termina la acera".
Cine negro: sacando la oscuridad a la luz
El cine negro a veces se refiere a algunas de las películas francesas discretas y escapistas de la Segunda Guerra Mundial. Los creadores de estas películas no estaban dispuestos a cumplir con las exigencias políticas del gobierno de Vichy y evitaron deliberadamente el contacto con la vida real. Además, la generación de directores franceses de la posguerra tenía un gran interés en las películas negras de Lucky Strike. Por ejemplo, Jean-Belle Melville intentó restaurar la reputación artística del cine negro en los años 1960 y rodó una serie de películas con características básicas del cine negro, como "Pain" (1962), "Second Breath" (1966) y Samurai. (1966).
Free Cinema
Free Cinema es el nombre general de seis conjuntos de películas experimentales proyectadas por el British National Information Cinema de 1956 a 1959, y también está representado por esta serie de películas experimentales. El nombre de un movimiento cinematográfico. Desde 65438 hasta 0956, la Fundación Experimental del Instituto de Cine Británico y la American Ford Motor Company patrocinaron conjuntamente a un grupo de jóvenes interesados en "revivir el arte cinematográfico británico" para rodar una serie de cortometrajes, que se proyectaron en el Centro de Información Nacional Británico. Cine. Durante la proyección de la película, los jóvenes directores emitieron conjuntamente una serie de declaraciones en las que declaraban que su objetivo creativo era desafiar las ideas conservadoras de la sociedad y la industria cinematográfica. Enfatizan la responsabilidad social de los artistas y requieren atención a los temas de la vida diaria y la expresión personal en sus creaciones. Tenían un fuerte deseo de romper con las limitaciones comerciales del cine y ganar libertad creativa.
Las películas rodadas bajo el nombre de Free Cinema tienen como objetivo mostrar a personas reales, pero los creadores de estas películas no se atreven a utilizar la palabra documental para describir sus películas porque creen que debido al movimiento documental británico. Alguna vez se defendió el uso de documentales al servicio de los intereses de agencias gubernamentales o grupos sociales. La palabra documental tiene el significado de blanquear y embellecer la realidad. Lindsay Anderson, una defensora del movimiento, incluso afirmó que la tecnología de grabación obstaculizaría la creación de obras maestras cinematográficas. Aunque estos jóvenes directores eran hostiles a la industria cinematográfica, no se oponían a trabajar con cineastas profesionales. Directores de fotografía famosos como Walter LaSalle y John Fletcher han rodado películas para ellos. El Free Film Movement también estuvo estrechamente relacionado con la tendencia contra las ideas conservadoras que surgió en los círculos literarios y teatrales británicos en ese momento. Por ejemplo, el dramaturgo John Osborne, conocido por su anticonservadurismo, trabajó en estrecha colaboración con figuras clave del movimiento cinematográfico liberal en su realización cinematográfica.
El Movimiento de Cine Libre llegó a su fin en 1959. En marzo de ese año, Anderson, Carlo Reitz, Lazari y Fletcher emitieron conjuntamente una declaración declarando: "¡El cine libre está muerto, larga vida al cine libre!". La razón del rápido colapso del movimiento fue que era insostenible financieramente.
Durante los varios años de existencia del movimiento, se produjeron las siguientes películas que reflejaban sus ideas artísticas: Mommy Didn't Responded (1955) de Anderson, Every Day But Christmas (1957) y "We Are the Stray Boys" (1955)
Después del Free Film Movement, Anderson, Reitz y Richardson se unieron sucesivamente a organizaciones británicas de producción cinematográfica comercial y se convirtieron en famosos directores de largometrajes. Algunas de las películas que hicieron después del movimiento y a principios de los años 1960, como "An Angry Look Back" (1959), "A Taste of Honey" (1961) y "The Loneliness of the Distance Runner" (1962), de Richardson, así como "Saturday Night and Sunday Morning" de Reitz.
Cine underground:
El cine underground apareció en Estados Unidos a finales de los años 50. Fue un movimiento que proyectaba en secreto películas experimentales producidas por particulares. Pronto el término se utilizó para referirse a todas las películas experimentales de Estados Unidos y Europa occidental.
Desde finales de los años 50 hasta principios de los 60, el Departamento de Policía de la ciudad de Nueva York intervino repetidamente en un archivo cinematográfico dedicado a mostrar películas experimentales porque había cortometrajes que mostraban contenido obsceno y representaciones desenfrenadas de sexo, temas prohibidos como como la homosexualidad, el travestismo, los bailes eróticos y los estilos de vida decadentes. En una ocasión, el organizador de una proyección de este tipo fue arrestado. Joe Mekas, líder del New American Film Group, fue arrestado. Como resultado, la producción y proyección de este tipo de películas experimentales se volvió cada vez más clandestina, de ahí el nombre.
Los primeros representantes del movimiento cinematográfico underground incluyen a Jack Simmi (Burning Creatures, 1963, etc.) y Andy Warhol (Kiss, 1963, etc.). En sus películas, la desnudez, las descripciones sexuales y el nihilismo descarado. más convincente que la innovación de las habilidades de actuación. Como escribió Jonas Mekas en 1967: “¿Dónde estamos... en la clandestinidad?”, el artículo New American Cinema declaraba: “Nos decimos a nosotros mismos: no sabemos qué es la gente y no sabemos qué es el cine. Por tanto, deberíamos estar completamente abiertos. Nos moveremos en cualquier dirección... Somos el Señor de toda la creación. “Desde mediados de la década de 1960, cada vez más directores de cine experimentales con diferentes tendencias creativas se han unido a las filas del cine underground y han propuesto claramente hacer del cine un arte modernista.
Aunque estos cineastas individuales variaban en estilo y competían por la originalidad, compartían dos características: primero, invariablemente usaban películas de 18 mm. Símbolo de oposición al cine comercial, siguió favoreciendo la expresión sexual y promoviendo valores morales antitradicionales. Como señala el crítico de cine estadounidense Parker Taylor: "La historia del cine clandestino comienza con la conclusión de que una de las funciones más importantes de la cámara de cine (y esto no debe olvidarse) es penetrar esas áreas tabú que son tan difíciles para el fotógrafo". reproducción Demasiado privado, demasiado impactante, demasiado inmoral (History of Underground Film Criticism, Nueva York, 1969)
La calidad de Kang Kang? Se hicieron muchos cortometrajes, pero ninguno se proyectó públicamente, y todo lo que se vio fueron fragmentos de algunos de los largometrajes o cortos que fueron robados y lanzados después de la primera proyección, mientras Fury se entregaba a un mundo salvaje de sexo y misteriosas alucinaciones La inauguración de la Roundhouse, Scorpio Rising (1964). y The Underground Film Movement también contribuyeron al renacimiento del cine abstracto: Blatch creó una "película que rompe sueños". Este tipo de película utiliza la conexión de fragmentos de lentes e imágenes superpuestas de varias capas para formar una película puramente abstracta, como " Dog Star Man" (1959-1964); Emschweiler utiliza movimientos de danza para formar gráficos abstractos, como Totem (1962-1963); por otro lado, Robert Burrell continuó los experimentos de las películas de vanguardia en los años 1920, pintando cuadros abstractos. directamente en la película, como "Breath" (1963). En la década de 1960 surgieron dos nuevas "variantes" del cine abstracto, a saber, el "cine empalmado" y el "cine estructuralista". Empalmando imágenes cortadas de muchas otras películas, Bruce Conner y Robert Nelson fueron expertos en hacer este tipo de películas. Una película (1958) de Conner unió escenas emocionantes de muchas películas, y Una madre negra en Cuba. " (1964-1965) unió escenas violentas de películas de Lucky Strike e imágenes escandalosas de comerciales de televisión como una sátira de la película con fines de lucro, dirigida por Pat O'Neal y Scott Barrett. "Spliced film" reprocesa editado metraje frente a una impresora óptica o una grabadora de video magnética y cambia las imágenes y colores originales de acuerdo con las intenciones subjetivas del productor, como "Run" de Gunnier (1969-1970) y "Moon of '69" de Ba Wright (65438+).
La característica del "cine estructuralista" es revelar las propiedades físicas y los procesos químicos del cine al público, creando un nuevo concepto de tiempo y espacio. Creador y crítico de cine de la revista "Film Culture" Adams Sitney. cree que los pioneros del "cine estructuralista" son Blatch y Warhol, y el representante típico es Michael Snow Wave (1967) es una película de 45 minutos de duración que recorre infinitamente una habitación de aproximadamente 2,5 metros de largo, de Tony Conrad. The Movie (1966) y Film with Scratches, Punctures and Staines (1966) de George Randolph entran en esta categoría.
Desde mediados de la década de 1960, también han surgido movimientos cinematográficos clandestinos en los países de Europa occidental. , especialmente en Alemania Occidental, Italia, los Países Bajos y el Reino Unido. La principal tendencia del cine underground en Europa occidental fue hacer películas abstractas estructuralistas. Entre los principales representantes se encuentran los británicos Malcolm Le Gris y Peter Goldhaar, el alemán Werner Necks y el austriaco Peter Koppel.
Películas políticas, películas de combate y la tercera película
Primero, películas políticas
Películas políticas se refiere a:
1 .Películas que representar directamente eventos políticos reales contemporáneos, movimientos políticos y pensamientos políticos
2. Películas que representen directamente los pensamientos, acciones y destino de los trabajadores, estudiantes y otras personas involucradas en estos eventos políticos y movimientos políticos
p>3. Películas que reflejan los principales temas sociales y políticos contemporáneos. Su característica común es que prestan atención a cuestiones políticas, acontecimientos políticos, pensamientos y comportamientos políticos, y a la relación entre los individuos y estos acontecimientos, pensamientos y comportamientos. Desde finales de los años 1960 hasta mediados de los años 1970, las películas políticas se han convertido en una tendencia en la creación cinematográfica en los países occidentales.
El término cine político fue acuñado con la película "Z" de la directora de cine francesa Kirsty Costa-Gavras.
Desde entonces, un gran número de películas políticas se pueden dividir básicamente en cuatro categorías:
1. Películas de acción real que muestran personas reales o largometrajes basados en personas reales. Las obras representativas incluyen: "Z" (1969, una serie de películas filmadas por Gavras en Costa, Francia, que cuentan la historia del asesinato del diputado izquierdista griego Grigoris Ramsky por la junta militar) y "Confesión" (1970, sobre Checoslovaquia). historia del caso Slansky) y la película italiana "The Mattei Affair" (1970) que cuenta expresivamente la historia del asesinato del director general de Terry Statoil, Matthew Yee) la película estadounidense "The President's Team" de Alan Pakola 》（The Presidential Team ）
2. Largometraje de ficción. Las obras representativas incluyen la película italiana "Confesiones de un jefe de policía" de Damiano Damiani (1971), "La clase trabajadora va al cielo" de Elio Petri (1972), "" de Nani Roy (1972) y "El juicio" de Dino Ricci. La película francesa "Girls in China" de Godard (1967), la película estadounidense "Punishment Park" (1971) y "Billy Jack" de Frank (1971), etc.
3. Películas y comedias fantásticas. Las obras representativas incluyen la película estadounidense de William Clegg "Mr. Liberty" (1067), la película italiana "Fellini's Band Training" (1978), "The Closed Circle" de Gioriano Montaldo (1977) y "Road Blockade" de Ruigi Comancini.
4. Documentales informativos y otras películas. Se trata principalmente de documentales cortos producidos por el French Combat Film Group (ver "Combat Film") y algunos grupos de cine político estadounidenses.
A mediados de la década de 1970, las películas políticas tendieron a decaer.
La Unión Soviética también se refirió a películas políticas, pero sólo se refirieron a películas que "representaban la lucha de clases internacional".
En segundo lugar, las películas de combate
Las películas de combate se refieren a documentales no comerciales que aparecieron en Francia en la década de 1960 y reflejaban las opiniones políticas "izquierdistas" francesas. Nacido en 1968 después de la "Tormenta de Mayo" francesa (el movimiento de "rebelión" de los estudiantes universitarios de París). De 1968 a 1977, hubo en Francia más de 30 grupos que produjeron y distribuyeron películas de este tipo, de entre cuatro, cinco y decenas de tamaños, entre ellos "Spark Group", "Unique Group", "Diga-Vertov", "Group". , "Proletarian Film Group" y "Film Struggle Group" son los más poderosos. Filman en la naturaleza utilizando cámaras portátiles, películas de 16 o Super 8 mm, a menudo cortometrajes. Los temas principales son la lucha de los trabajadores, la lucha de los campesinos contra la explotación, el movimiento de liberación de las mujeres, el movimiento estudiantil, la difícil situación de los trabajadores extranjeros y las luchas antiimperialistas y anticoloniales de los pueblos de Asia, África y América Latina. . Estas películas a veces tienen historias y están representadas por trabajadores, agricultores, estudiantes, etc. Generalmente, los grupos de producción lanzaban sus propias películas, que se proyectaban principalmente en fábricas, zonas rurales o cineclubes escolares. Algunas fuentes de financiación de la producción dependen de partidos de izquierda, otras dependen de donaciones sociales.
Desde el principio, las películas de combate francesas no pudieron actuar al unísono debido al complejo trasfondo político y las diferentes opiniones políticas de los diferentes grupos. A finales de la década de 1970, la "izquierda" francesa estaba en un estado de decadencia debido a las divisiones internas cada vez más profundas y la confusión en el pensamiento político.
3. La tercera película
La tercera película también se llama "película de guerrilla". y películas dirigidas al colonialismo. Fue propuesto por primera vez a principios de la década de 1970 por los directores de cine cubanos Fernando Solanas y Octavio Getino. Exigieron que el cine sea utilizado como arma de combate junto con las luchas armadas contra el neocolonialismo y el imperialismo en Asia, África y América Latina. Solanas afirma que el objetivo de "La Tercera Película" es exponer la "Primera Película" ("el cine imperialista representado por Lucky Strike") y la "Segunda Película" ("que representa las imitaciones latinoamericanas de la naturaleza reaccionaria de Lucky Room"). películas, películas comerciales, películas nacionales").