¿Una película "de una sola toma hasta el final" realmente no requiere posedición?
Para ser claro desde el principio, "una toma hasta el final" generalmente se refiere al hecho de que casi no hay necesidad de editar. Rompe por completo las reglas del montaje. No hay cambio ni avance. y tomas inversas. Una toma registra completamente todo el evento desde el principio hasta el final. Tenga en cuenta que simplemente "parece" sin posedición. De hecho, muchas de las películas llamadas "de una sola toma hasta el final" son una combinación de planos generales y montaje. Sin embargo, suelen utilizar varias técnicas de posproducción para hacer que los puntos de edición sean menos visibles, creando un efecto de visualización perfecto. En pocas palabras, un verdadero "un plano hasta el final" = toda la película es un único plano largo sin posedición; un pseudo "un plano hasta el final" = múltiples planos largos + posedición/efectos especiales.
En la historia del cine, el pináculo del "one shot" es "Empire State Building", filmada por el artista pop estadounidense Andy Warhol. En 1964, apuntó su cámara al Empire State Building durante 485 minutos sin cambiar la posición de la cámara ni la escena. Si no se consideraron las limitaciones técnicas como la duración de la película en ese momento, esta película logró la trinidad de "toma única + posición fija de la cámara + escena fija", expresando un pensamiento de vanguardia que subvirtió la tradición al deconstruir el arte del montaje.
? El primer largometraje que muestra la conciencia de "un disparo hasta el final" es sin duda "The Rope", filmado por el pilluelo de cine Hitchcock en 1948. Limitado también por la duración de la película (un rollo de negativo de 35 mm en aquella época sólo podía grabar unos 10 minutos), el deseo de rodar una película con un único objetivo largo no se podía realizar en aquel momento. "The Rope" no es un "one shot to the final" en el verdadero sentido, sino que se compone de más de una docena de planos largos que fueron editados y ensamblados en posproducción. Al filmar, una vez que se agote el rollo de película anterior, detenga la cámara, enfoque la lente en la espalda de un actor (o en el sofá, o en un rincón) y luego reemplácela con un nuevo rollo de película. Esto hace que la historia del asesinato adaptada de hechos reales sea fluida y coherente, y el maestro del suspenso atrapa a la audiencia en la emocionante tendencia de la trama.
El director de fotografía de "Birdman" es Emmanuel Lubezki, ganador del Oscar a la Mejor Fotografía ("Gravity", "Birdman" y "The Revenant" también está compuesto por "Looking to the End"). una gran cantidad de planos generales, editados y empalmados con efectos especiales. El plano real más largo de la película tiene solo más de 7 minutos. La dificultad de realizar tomas largas está estrechamente relacionada con la flexibilidad de la cámara. Cuando Hitchcock filmó "Rope" fue en los primeros días del cine en color. La cámara era muy grande. Para adaptarse al movimiento de la cámara, los accesorios fuera de la cámara se movían constantemente. Durante el último medio siglo, las cámaras se han vuelto cada vez más flexibles y su rango de movimiento y trayectoria se han vuelto más cómodos. En "Birdman" se utilizaron dos cámaras Alai: una es Alexa M operada por Lubezki, equipada con un sensor de imagen 4:3 y una sensibilidad de 1250 ASA. Esta cámara compacta se utiliza principalmente para disparar con la cámara en mano. acción entre los actores; el otro era una Alexa XT utilizada por el operador de Steadicam para tomas más objetivas y distantes. ?
Para presentar el aspecto perfecto de "una toma hasta el final", "Birdman" puso mucho esfuerzo en la postproducción. Cómo coser una lente larga en un "one-shot" es el principal problema al que se enfrenta la posproducción. Technicolor, la empresa encargada de unir las tomas, primero unió mejor el "único plano largo continuo" que ya era muy similar en la etapa de edición, y luego lo creó de acuerdo con las necesidades del DI (intermedio digital, una parte importante de la producción cinematográfica). ). "Puntos de corte DI", y estos "puntos de corte DI" también se cosen entre sí. Además de la costura, el ritmo de una película de comedia también es la clave del éxito de la película. Un gran problema con "un disparo hasta el final" es que fácilmente hace que el ritmo se arrastre. En esta película, cuando una escena no es lo suficientemente atractiva, o el ritmo se desvía del diseño, el editor ajusta el ritmo de la película acelerando y desacelerando la cámara.
Además, en la última escenario, la imagen en el espejo del camerino debe cambiarse. El personal fue "excavado" uno por uno. La más representativa fue la escena color lirio de Naomi Watts y Andrea Riseborough consolándose entre bastidores en el teatro. quedaron expuestos en el espejo. La artista de efectos visuales Ivy Agregan dijo en una entrevista: “Hay que sacar el pentagrama y luego usar fotogrametría para volver a colocar los elementos. Esto requiere muchos bocetos dinámicos y la carga de trabajo es muy pesada.
"Se puede ver que el" one shot to the final "que vemos fluir sin problemas es en realidad un" éxito de taquilla de efectos especiales "complicado y sofisticado". La exploración activa de los modos de disparo y el lenguaje cinematográfico requiere el apoyo de una industria cinematográfica sólida. /p>