¿Alguien puede decirme qué requiere la coreografía?

¿Cómo empezar a coreografiar?

1. Las emociones son la información de los movimientos: Lo primero que un coreógrafo debe averiguar es qué emociones y personalidad quiere expresar el personaje.

Los coreógrafos experimentados suelen seguir primero la estructura de la danza. Utilice pistas para diseñar el estado de ánimo continuo, la conciencia e incluso el subtexto del personaje, y siga este contexto para definir las acciones. Un director con una rica experiencia como actor se pone a sí mismo primero en el papel y hace que los personajes de la obra cobren vida en él. Sobre la base de una comprensión profunda del rol, identifiqué y refiné la imagen de danza necesaria para este momento, aquí y esta situación a partir de los materiales de danza de mi vida acumulados. Se trata de utilizar la experiencia de la emoción como fuerza impulsora de la acción.

2. Tipicidad de las acciones: Ésta es la clave del éxito. Los movimientos de baile típicos no son lo más completos posible, sino lo más individuales posible: uno debe tener un carácter destacado y dos deben tener emociones claras. Los humanos tenemos siete emociones: alegría, ira, tristeza, miedo, amor, maldad y deseo... A la hora de diseñar movimientos de baile, primero debemos dejar claro qué son las emociones. Pero la gente está dividida en hombres, mujeres, viejos y jóvenes, antiguos y modernos, esta nación y aquella nación. Expresan emociones diferentes, por lo que sus movimientos deben tener personalidades claras. Carácter incluye la personalidad del personaje y el comportamiento de su nación.

3. La "concepción artística" de la danza: Los movimientos de la danza no son "complejos" ni "simples", pero pueden resaltar la "concepción artística". La "concepción artística" de las obras de danza es la concepción artística que transforma el pensamiento temático en "concepción poética y artística". Es la unidad de "emoción" e "intención" con "paisaje" y "paisaje", y es el ideal. de los seres humanos. La "concepción artística" se refiere a la situación general. Los coreógrafos deben centrarse en la situación general, comenzar con cosas pequeñas (movimientos) y considerar los movimientos en torno a los movimientos.

4. Los movimientos temáticos del baile: 2 o más personas deben centrarse en varios puntos y primero diseñar movimientos básicos que se ajusten a la imagen de los personajes (o personificaciones) de la obra - también los hay personales. Movimientos temáticos, es decir, para dar forma a la danza de la obra. Los movimientos representativos de la imagen son comunes en las danzas folclóricas. Las danzas folclóricas de las distintas regiones varían mucho, pero siempre son inseparables de unos pocos movimientos más representativos. Se convierten en la base del "lenguaje de la danza" (combinaciones de movimientos) y de las acciones recurrentes en el trabajo de danza.

La combinación de acciones debe coreografiarse de manera vívida, suave y conmovedora. Cabe señalar:

A. Debe haber cambios contrastantes: los contrastes incluyen rápido y lento, fuerte y débil, extendido y corto, etc. en el tiempo (ritmo, hay grandes y pequeños en el espacio); forma), alto y bajo, cuadrado (líneas nítidas, angulares) y redondo (suave, redondeado), expansión (extensión) y contracción (contracción), movimiento y quietud, etc. Estos cambios contrastantes no deben ser arreglos formales, sino impulsos emocionales internos de los personajes. Como las emociones en la vida... los cambios en los movimientos de la danza también provienen de esto. Los movimientos contrastantes aumentan los altibajos de los cambios emocionales, haciendo que varias emociones parezcan más vívidas y prominentes en términos relativos, por lo que pueden hacer que el lenguaje de la danza sea más vívido.

B. Repetición y reproducción necesarias: La danza y la música son ambas artes temporales. Aunque la danza todavía sólo tiene la imagen del espacio, no puede permanecer allí estática para siempre como una "escultura" a la vista de todos. Para mantener la imagen de la danza y la "concepción artística" en el corazón del público, las técnicas de repetición y reproducción también son indispensables. Hay muchas maneras de hacerlo:

(1) El tema y la acción se ejecutan en todo momento.

(2) Las acciones temáticas aparecen en diferentes tramas, párrafos y ritmos.

(3) La combinación de baile principal (pasaje) aparece repetidamente.

(4) El principio y el final son la misma elaboración dancística o reaparición de la “concepción artística”.

(5) Acción "elemento" - detrás.

5. Composición: La composición es un factor importante en la coreografía. La composición incluye puesta en escena e imaginería. La composición está diseñada para seguir el comportamiento y el desarrollo emocional de los personajes en escena. No existe un "programa" fijo. La clave es hacer avanzar el escenario hacia el espacio y ámbito requerido por el trabajo a través de cambios en el patrón de formación.

En cuanto a la composición del escenario, los hábitos estéticos tradicionales de mi país son "equilibrados" y "proporcionales". "Equilibrio" es lo que se suele decir, "no seas parcial". Hay dos tipos de composiciones equilibradas, una es de equilibrio simétrico y la otra es de equilibrio asimétrico. "Bien proporcionado" significa que no debe haber callejones sin salida ni la sensación de que falta o sobra una sección en la composición.

A veces también se necesitan escenas desequilibradas, esto se debe a la necesidad de fuertes conflictos argumentales, lo que crea una atmósfera altamente aterradora.

Las diferentes composiciones dejarán diferentes impresiones en el público: los círculos hacen que la gente se sienta llena; los cuadrados parecen serios y limpios (pero rara vez se usan y los triángulos están en el medio, son más flexibles y fáciles de formar unidades pequeñas); con varias formas; los arcos tienen una sensación de profundidad; las columnas tienen una sensación de acercamiento y opresión; las filas horizontales son pacíficas; las filas diagonales son un futuro brillante.

En términos de programación de etapas: caminar en línea recta hace que la distancia parezca corta y la distancia es corta; caminar en una curva hace que la distancia parezca más larga y la distancia es larga en la figura "8; "hace que la distancia sea infinita, y puedes caminar desde la mañana hasta la noche; cruzar de izquierda a derecha, representa lo que sucede frente a ti; de atrás hacia adelante, puede crear la sensación de venir de lejos a cerca; la "V" personaje hacia adelante, hay una sensación de impacto y presión;

La expresión de "dragón moviendo la cola" con muchas personas La formación puede mostrar a la multitud moviéndose de lejos a cerca, de pequeñas a grandes, en varias filas rectas; de entrecruzamiento * puede agregar una cierta atmósfera que puede ser exagerada, ya sea tensa, ardiente o similar a la de un combate. Una formación que es densa y se extiende puede crear un impulso de ocupación del espacio, una gran contracción y una expansión pueden crear una poderosa; y una atmósfera imparable repentinamente hacia adelante, a veces detrás, a veces a la izquierda, a veces a la derecha. La programación continua da a las personas una sensación de turbulencia y cambios rápidos, y puede representar navegar en el viento y las olas, alucinaciones de altibajos del corazón, batallas feroces, etc. ...

Lo que hay que explicar es que la composición de la danza El diseño no se puede aislar, debe combinarse con la combinación de movimientos de la danza y también es inseparable del vestuario y utilería.

6. Seleccionar actores para ensayar la danza: Al seleccionar actores, debes considerar (1) si pueden asumir las habilidades y técnicas de danza necesarias para dar forma al papel. (2) Si coincide o se acerca a la identidad, personalidad y apariencia del personaje (3) Cumple con las características requeridas por el género del programa para los actores, tales como: si el actor es una comedia o una tragedia; p>

es del tipo lírico o de artes marciales, etc.

Después de identificar a los actores, el director debe analizar el tema, contenido, personajes, tramas, escenas (párrafos) y escenas de la obra a los actores, para que los actores tengan un concepto claro y completo de la obra. Después de analizar más a fondo el papel y aclarar las tareas del actor, se familiariza con la música de baile, luego enseña los movimientos uno por uno y ensaya sección por sección (acompañado de piano o instrumentos musicales sencillos) hasta completar toda la danza.

A. Ensayar: primero puedes ensayar (es decir, preparar el escenario) o probar algunos párrafos principales.

B. Dejar que el compositor entre a la sala de ensayo para ver el ensayo.

C. Cuando los actores entran en el papel durante el ensayo, sus experiencias y creaciones son muy valiosas. Es necesario inspirar y utilizar la sabiduría de los actores para recrear. Una vez que un actor tiene una nueva creación (incluidos movimientos, expresiones, etc.), debe reconocerla plenamente y modificar el diseño original de manera adecuada según la situación.

D. De acuerdo con las condiciones técnicas del actor, aprovechar las fortalezas y evitar las debilidades, y diseñar segmentos de danza en cualquier momento que puedan aprovechar al máximo las habilidades del actor.

7. Hele: ​​

8. Síntesis escénica: Poner en escena las obras de la sala de ensayo es la etapa de “síntesis”. Antes de la síntesis, el director debe presentar el contenido de la obra y presentar requisitos de diseño para todos los aspectos del trabajo escénico: escenografía, iluminación, vestuario, utilería, efectos de sonido, etc., y finalmente determinar el plan.

(1) El escenario de la danza debe describir la época de la obra y crear un ambiente específico. El escenario debe ser conciso y claro, y las escenas reales como los dramas generalmente no se usan o se usan con menos frecuencia.

(2) La iluminación del escenario debe mostrar el momento del baile, cambios de clima, augurios de buena y mala suerte, representación de los sentimientos internos de los personajes, etc.

(3) La ropa ayuda a expresar la identidad y los atributos nacionales del personaje, y el color de la ropa también puede resaltar la personalidad del personaje. Se requiere que sea ligero y en forma, hermoso y distintivo, exagerado pero no distorsionado.

La composición incluye: pasarela, exposición, ensayo de maquillaje y ensayo general.

A. Caminar en escena: Es un experimento que combina escenas, escenas y danza en el escenario. Deje que los actores se familiaricen con la superficie del escenario y la posición del escenario, y los arreglos de danza, formaciones y posiciones de las imágenes deben fijarse de principio a fin. Al mismo tiempo, comprueba si la composición de la escena y el baile están coordinados.

Las nueve áreas escénicas del plano escénico:

B. Iluminación: Es un experimento de diseño de iluminación y danza. La iluminación debe fijarse de acuerdo con la presentación del contenido de la danza y la programación de los actores.

C. Ensayo de maquillaje y ensayo general: Ambos son ensayos que pertenecen a la síntesis total (incluyendo banda, actores, maquetación, iluminación, vestuario, maquillaje, utilería, efectos de sonido, etc.).

Cuando el director está instruyendo el ensayo de maquillaje, puede detenerse en cualquier momento para coordinar la cooperación de todos los aspectos del escenario, segmento por segmento y escena por escena. Una vez completada la "síntesis", el ensayo debe realizarse en uno. Vaya, para verificar, encontrar problemas y luego hacer más ajustes. En este punto nació una obra de danza realizada en el escenario.