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"El borracho sonriente"
(1628--1630)
A Hals le gustaban los efectos animados, esforzándose por Muestra de forma natural las características de los personajes en movimiento y captura sus expresiones momentáneas. Para ello, utilizó la pincelada extremadamente audaz y desenfrenada de la época, es decir, las pinceladas que se colocaban rápida y poderosamente en la imagen para crear cada imagen realista. . "Gypsy Girl" (c. 1628) es un claro ejemplo de su método y estilo pictórico. A diferencia de los retratos solemnes que eran populares en el Renacimiento, eligió momentos expresivos de risa para representar, y sus pinceladas rápidas y esbozadas pintaron vívidamente la imagen de una mujer gitana con una personalidad alegre, alegre y juguetona. para escuchar su risa. Su estilo de pintura libre se puede comparar con el de los impresionistas de más de dos décadas después.
Los retratos de grupo fueron particularmente populares en los Países Bajos y Hals hizo una gran contribución al establecimiento de este estilo de retrato. La milicia es una fuerza armada en los Países Bajos. Los grupos de vigilantes de varias ciudades suelen pedir a los pintores que representen la imagen colectiva de sus miembros. Hals pintó tres retratos de grupo para la Milicia de Harlem, siendo "El banquete de la Milicia de San Jorge" (1616) el primero de ellos. En esta obra elogiosa, los personajes se combinan de manera más natural, informal pero solemne, reflejando su estilo colectivo. Hals utiliza negros profundos y blancos brillantes para aumentar la intensidad de la pintura, haciendo que la obra parezca bastante brillante.
2. Rembrandt
A diferencia de Hals, que se especializaba en retratos, y a diferencia de muchos pintores holandeses que se limitaban a un ámbito limitado, Rembrandt (Van Rijn) Rembrandt Harmense, 1609--69. ) ha realizado sorprendentes contribuciones en diversos géneros pictóricos. Desde el punto de vista de la amplitud y profundidad de su creación, es sin duda el mayor pintor holandés.
Rembrandt desarrolló su primera carrera artística en su ciudad natal, Leiden, a través de su maestro Lastman, conoció el arte italiano, y el método del claroscuro de Caravaggio le ayudó enormemente a encontrar su propio lenguaje estilístico.
“El regreso del hijo pródigo”
1669
“Jesús curando a los enfermos”
1648-1650
Siglo XVII En la década de 1930, después de mudarse a Amsterdam, la ciudad más importante de los Países Bajos, pintó un retrato de grupo "La lección de anatomía del profesor Dupu" (1632). En la pantalla, un grupo de personas escuchaba las conferencias del famoso anatomista cuyo verdadero nombre era Petersson. La luz brillante incidió sobre el rostro y las manos del profesor Dupu, así como sobre los rostros de cada personaje y el cadáver, y luego sobre ellos. Todo lo que era importante quedó sumido en la oscuridad. Esta técnica de expresión resalta efectivamente los personajes muy reales y vívidos. Tiene su origen en Caravaggio, pero es más natural y expresiva.
Esta pintura hizo famoso a Rembrandt de un solo golpe, y los pedidos llegaron uno tras otro. En 1634 se casó con una mujer rica llamada Saskia. Durante este período, Rembrandt disfrutó de la felicidad y el consuelo que puede obtener un pintor popular.
"La ronda de noche" (1642)
Diez años más tarde, Rembrandt, en constante exploración, creó otro retrato grupal, "La ronda de noche" (1642), que combinaba la riqueza dramática Se introducen elementos de la pintura histórica y se transforma audazmente la fórmula del retrato de grupo holandés. A diferencia de "El banquete de la milicia de San Jorge" y "La lección de anatomía del profesor Dupu" en las que se puede ver claramente el rostro de cada personaje, esta pintura no tiene ningún significado de "fotografía". Todos los personajes que aparecen en ella pertenecen a una actividad colectiva. y no están sujetos a efectos artísticos. El uso único de la luz que hace Rembrandt se utiliza más plenamente aquí, convirtiéndose en un medio poderoso para mejorar la atmósfera, crear espacio, enfatizar puntos clave, representar personajes y dar forma a formas.
Se dice que la novedad de este cuadro le trajo desgracias. Aunque no es exagerado, sí es cierto que Rembrandt pasó de moda después de este. A juzgar por sus logros creativos posteriores, parece confirmar un concepto popular en el antiguo país: poesía pobre y artesanía pobre. Liberado de las limitaciones del éxito, Rembrandt se volvió hacia su mundo interior y se centró en crear su propio mundo artístico.
En su soledad, Rembrandt creó una serie de conmovedores retratos utilizándose a sí mismo y a sus familiares y amigos como modelos. Rembrandt superó la atmósfera llamativa, a veces inevitable, de sus primeras obras, dejó de considerar los efectos externos y se centró en capturar el temperamento espiritual de sus personajes y explorar su belleza interior.
Es esta búsqueda de algo más profundo y eterno lo que da a los retratos de Rembrandt una vitalidad inmortal. Comparar los elegantes retratos de damas y damas de Sargent con su "Autorretrato" (ca. 1665) ayudará a la gente a apreciar esto aún más. Los grandes retratistas del siglo XVII tenían cada uno su propio estilo conmovedor, pero ninguno de ellos fue tan bueno como Rembrandt a la hora de mostrar el rico mundo interior de los personajes.
← “Autorretrato” (1660)
El énfasis en expresar el mundo interior del personaje también se puede observar en un gran número de pinturas religiosas de Rembrandt. Sabemos que en la mente de los protestantes, la Biblia es la verdadera fuente de espiritualidad. Como protestante, Rembrandt fue un pintor con profundos sentimientos religiosos. Había estudiado este libro sagrado en repetidas ocasiones. Su experiencia sincera y su mente benevolente lo hacen religioso. El mundo en sus obras parece particularmente simple, profundo y estimulante. Entre las numerosas pinturas religiosas de Italia no se encuentran obras como "Cristo en Emaús" (1648) y "El regreso del hijo pródigo" (hacia 1669).
El cuidado por la gente común reflejado en sus pinturas al óleo también se revela en la placa de cobre "Cristo curando a los enfermos" (hacia 1648-1650). Rembrandt fue otro maestro del grabado después de Durero, pero en comparación con Durero, sus grabados eran más simples y flexibles. Hasta cierto punto, se parecen a sus expresivos bocetos. Ambos son también partes sumamente valiosas de su legado artístico.
3. Pintores de género y Vermeer
En países como Italia, se puede decir que las pinturas de género son inexistentes, pero en los Países Bajos, las pinturas que representan escenas de la vida cotidiana son muy numerosas; A la gente le encanta y muchas ciudades tienen sus propios pintores de género. Entre ellos, los pintores de género de la ciudad de Delft tienen los logros más destacados. Aunque las pinturas de género reproducían diferentes escenas de la vida, su tema favorito era la tranquila vida familiar.
Pieter de Hooch o Hoogh (1629--1684) nació en Rotterdam, pero sus obras más famosas las creó en Delft. El cuadro "El patio" (1658) muestra con precisión y delicadeza la vida doméstica de las mujeres holandesas. En un rincón del ordenado patio, una madre baja las escaleras arrastrando a su hijo. Por el contrario, hay otra mujer parada en el pasillo, de espaldas al público. Esta luz y oscuridad, el movimiento y la quietud transmiten vívidamente la sensación del lugar. Los Países Bajos están obsesionados con el ideal de una vida tranquila y cómoda.
← "El armario" (1663)
Gerard Terborch (1617--81) también fue un experto en recrear la cómoda vida interior. Las mejores obras de Terbauch fueron pintadas principalmente después de su instalación en Deventer. Es particularmente bueno representando telas como la seda, expresando su brillo y textura especiales. Con una pincelada meticulosa, disfrutaba representando a mujeres con magníficas decoraciones agrícolas en el interior y a los hombres que las acompañaban, dejando un retrato paralelo de la vida de los holandeses ricos para las generaciones futuras.
Otros pintores de género, como Adrian Brouwer (1605/1606--1638) que trabajó en Amberes, Flandes, y Adrian van Ostade en Haarlem, 1610--1685), centraron su energía en representar la vida Imágenes de gente de clase baja que estaban llenas de alegría audaz y vulgar. Su camino creativo heredó la tradición establecida por Bruegel en el siglo XVI.
Jam Steen (1626--1679), compatriota de Rembrandt y discípulo de Ostad, fue un pintor con una creatividad extremadamente fuerte. Para llegar a fin de mes, dirigió un pequeño hotel, que le proporcionó ricos materiales creativos. Jan Steen era bueno en la narrativa, y esta característica se puede encontrar fácilmente en su gran número de pinturas que representan escenas folclóricas animadas y alegres.
Frente a las obras de estos "maestros menores" de los Países Bajos, aunque admiramos su talento y capacidad para reproducir vívidamente escenas de la vida y representar fielmente el mundo material, no podemos evitar sentir un sentimiento de arrepentimiento. : su entusiasmo Son superficiales y su mundo es mediocre. Cuando nos fijamos en las pinturas de género de Jan Velmeer (1632-1675) que representan la misma escena, nos damos cuenta claramente de que, para una obra de arte, el tema no es muy importante. La clave está en cómo expresarlo y qué. Se nota estilo y reino.
Vermeer vivió y trabajó en Delft. Entre los tres maestros de la pintura holandesa, sólo fue superado por Rembrandt. Sólo se han transmitido unas 40 obras de Vermeer, la mayoría de las cuales son pinturas finas.
Las escenas de la vida interior representadas por Vermeer son extremadamente simples. Una o dos figuras (a menudo mujeres jóvenes) permanecen tranquilas en un interior ordenado. La luz entra por las ventanas laterales, envolviendo a las figuras en un uniforme y. atmósfera difusa. En una atmósfera de aire transparente. La realidad ordinaria parece haber sido purificada y sublimada, y todo parece extraordinario. La composición estática, la forma simple, el espacio claro, los tonos hermosos y la luz uniforme forman un mundo armonioso y tranquilo, que exuda una sensación de trascendencia. arte griego antiguo.
"El estudio"
(alrededor de 1665--1670)
A diferencia de la mayoría de los pintores de género, Vermeer no se centró en representar tramas ni contar historias. atención a la forma y utilizarla para crear un ámbito poético. Su pincel parece tener un poder mágico. Una vez que se toca la pintura, ésta brilla con un brillo único y conmovedor, y la vida cotidiana se convierte en una maravillosa combinación de formas y colores. Al igual que Rembrandt, Vermeer también fue un maestro de la luz, pero no persiguió efectos dramáticos, sino que utilizó la luz para crear un mundo claramente estructurado y coherente. Tejió algunos colores brillantes y delicados en este mundo, añadiéndole así un poco de seducción. Obras como "La cocinera echando leche" (hacia 1663), "La mujer que pesa perlas" (hacia 1665), "La joven sosteniendo el cántaro" (hacia 1665) y "El estudio" (hacia 1665--1670) son todos Refleja las características de Vermeer.
Tanto Vermeer como Rembrandt no eran paisajistas especializados, pero ambos crearon maravillosas pinturas de paisajes. La "Vista de Delft" de Vermeer (c. 1660) nunca será inferior a las obras maestras de cualquier pintor paisajista holandés. En esta obra compuesta de líneas horizontales y verticales, transmitió una actitud pacífica. Descubra la tranquila belleza de esta ciudad holandesa.
4. Pintores paisajistas
Los holandeses, que lucharon por la libertad y la independencia, aman la tierra donde viven y les gustan las pinturas que representan el estilo de su patria. En esta situación surgieron un gran número de paisajistas y, gracias a sus esfuerzos, floreció la pintura de paisajes holandesa. Al igual que los pintores de otros géneros, cada uno de estos pintores tiene sus propias áreas de especialización y cada uno tiende a ceñirse a sus temas populares y explorarlos repetidamente dentro de este rango. Sabemos que los pintores franceses e italianos que se dedicaron a la pintura de paisajes ideales en el siglo XVII pintaban paisajes en el estudio de memoria o de bocetos. Aunque los paisajistas holandeses expresaron más fielmente la verdadera apariencia de la naturaleza, también se dedicaron a la creación en el estudio. Mucho tiempo después se enfrentaron realmente a la creación de bocetos de la vida real.
Jan van Goyen (1596--1656) fue un líder entre la primera generación de pintores de paisajes. Sabía expresar paisajes fluviales. Su obra maestra "Escena rural" (alrededor de 1645) reproduce fielmente el paisaje natural de los Países Bajos. El cielo ocupa la mayor parte de la imagen y el nivel de los ojos muy bajo acerca al público a la escena de la orilla del río. Este método de composición se ha convertido en una técnica común en las pinturas de paisajes holandesas.
Pieter Saenredam (1597--1665), de la misma generación que Goyen, fue un pintor muy especial. La mayoría de los pintores de paisajes representan paisajes naturales al aire libre y, cuando representan edificios, a menudo representan su apariencia. Sarnlidam es diferente. Le gusta expresar el interior de los edificios. Una mirada a sus obras, como la "Iglesia de San Bavón" (1660), de paredes blancas, tendrá una idea del espíritu protestante holandés que aboga por la simplicidad. En un entorno así, no se pueden producir las bellas artes de Italia. El talento de Sarnredam para reproducir el espacio arquitectónico se desarrolló plenamente en su serie de obras que representan interiores de iglesias.
Las figuras más representativas del apogeo de la pintura paisajística holandesa son Jacob van Ruisdael (1628/1629--1682) y su alumno Meyndert Hobbema (1638--1709).
Roisdael nació en Harlem y se trasladó a Ámsterdam en 1657, donde aceptó un grupo de discípulos, entre ellos Hobbema.
Los temas pintados por Ruisdael son relativamente diversos. En aquellas pinturas de paisajes que utilizan colores no muy ricos, transmite vívidamente las formas naturales, la luz y la atmósfera cambiantes, e integra sentimientos subjetivos en el paisaje objetivo. "Paisaje de Harlem" (alrededor de 1670) utiliza una composición abierta para mostrar el paisaje de los suburbios de la ciudad. Hay capas de nubes moviéndose en el cielo alto y distante, y la luz del sol se proyecta desde los huecos de las nubes, dando el paisaje. En el terreno hay un fuerte contraste. Toda la obra está llena de una sensación de dramatismo en su viveza.
← "El molino de viento de Wake" (1665)
Comparadas con las del famoso maestro, las pinturas de Hobbema parecen más pacíficas. Su obra maestra "Middlehanis Boulevard" (1689) tiene equilibrio y claridad clásicos. La composición expresa eficazmente el movimiento del espacio, brindando a las personas una experiencia inmersiva y convirtiéndose en un modelo para el uso de la perspectiva.
← "Middlehanis Boulevard" (1689)
5. Pintor de bodegones
Como tipo de pintura independiente, la pintura de bodegones no se desarrolló hasta el siglo XVII. siglo establecido y popular. Aunque la pintura de bodegones había aparecido ya en la antigua Roma, los pintores italianos del Renacimiento que heredaron la tradición clásica nunca la tomaron en serio. Bajo la influencia de esta actitud, muchos pintores del siglo XVII rara vez se dedicaban a la creación de naturalezas muertas, a excepción de los Países Bajos. Debido a que los holandeses, amantes de la vida familiar, se interesan por los objetos relacionados con esta, muchos pintores holandeses se han dedicado a la creación de naturalezas muertas, dando así a este género pictórico un lugar en la historia del arte.
Pieter Claesz (1597/1598--1661) y Willem Claesz Heda (1599--1680/1682) que trabajaron en Harlem fueron pintores famosos de objetos de mesa, las formas y texturas de las copas de vino y el metal. platos, cuchillos de mesa y alimentos diversos se expresan con fina pincelada. Los "Suministros de desayuno" del primero (1637) y la "Naturaleza muerta" del segundo (alrededor de 1648) pueden hacer que la gente vea sus características únicas.
Jan Davidsz de Heem (1606--1683/1684), un poco más joven que ellos, es también un famoso pintor de bodegones. En comparación con los dos pintores antes mencionados, representa una gama más amplia de temas y tiene una composición más relajada.
Willem Kaif (1619--1693), nacido en Rotterdam, es quizás la figura más destacada entre los pintores de bodegones holandeses. Se dedicó principalmente a actividades creativas en Amsterdam. Las obras de Kraft son famosas por su buen uso de la luz y el color, y en general son más generales y simples. Hasta cierto punto, parecen combinar algunas de las características de Rembrandt y Vermeer.
Por cierto, Rembrandt no fue un pintor de bodegones, pero su "Vaca desollada" (1655), con una pincelada vigorosa, es una obra maestra de la pintura de bodegones. La pasión dramática y el impulso monumental que desborda de ella. están fuera del alcance de los expertos en naturaleza muerta antes mencionados.