¿Qué significa montaje en las películas?

El francés (montagemontage [mCn5tB:V, 5mCntidV]n. montaje, la transliteración de una combinación de literatura, música o arte), fue originalmente un término arquitectónico, que significaba composición y montaje. Uno de los principales medios narrativos y medios de expresión de la creación cinematográfica. La película ordena y combina una serie de planos rodados en diferentes localizaciones, desde diferentes distancias y ángulos, y de diferentes maneras para narrar la trama y retratar a los personajes. Pero cuando se conectan diferentes grupos de lentes, a menudo tienen significados que cada lente no tiene cuando existe por sí sola. Por ejemplo, Chaplin combinó las tomas de los trabajadores entrando a la fábrica con las tomas de los rebaños de ovejas; Pudovkin combinó las tomas de los glaciares que se derriten en la primavera con las tomas de las manifestaciones de los trabajadores. El metraje original adquiere un nuevo significado. Eisenstein creía que cuando se conectan pares de lentes, el efecto "no es la suma de dos números, sino el producto de dos números". Con la función de montaje, las películas disfrutan de una gran libertad en el tiempo y el espacio, e incluso pueden constituir un tiempo y un espacio cinematográfico que no son consistentes con el tiempo y el espacio de la vida real. El montaje puede producir un tercer tipo de acción además de la acción del actor y la acción de la cámara, afectando así el ritmo de la película. Poco después de la aparición del cine, los directores estadounidenses, especialmente Griffith, se dieron cuenta del papel del montaje cinematográfico. Posteriormente, los directores soviéticos Kuleshov, Eisenstein y Pudovkin discutieron y resumieron sucesivamente las leyes y teorías del montaje. Sus obras relevantes tuvieron un profundo impacto en la creación cinematográfica. El montaje se refiere originalmente a la relación entre imágenes, tras la aparición del cine sonoro y del cine en color, a la relación entre imágenes y sonidos (voces, sonido, música), sonidos y sonidos, colores y colores, luces y sombras, luces y sombras. Hay un mundo más amplio para la aplicación. Hay muchos nombres para el montaje y hasta el momento no existe una clasificación y un estándar gramatical claros. Sin embargo, la industria cinematográfica generalmente tiende a dividirlo en tres categorías: narrativo, lírico y racional (incluidos los simbólicos, contrastantes y metafóricos). Después de la Segunda Guerra Mundial, el teórico del cine francés André Bazin (1918-1958) se opuso al papel del montaje, creyendo que éste imponía el punto de vista del director al público y limitaba la ambigüedad de la película. Abogó por el uso de la profundidad de campo. La cámara y la programación de la escena se filman continuamente en planos largos, pensando que esto puede mantener la integridad del espacio de la trama y el verdadero flujo del tiempo. Sin embargo, no se puede negar el papel del montaje. Los artistas cinematográficos siempre han utilizado tanto el montaje como los planos generales para crear películas. Algunas personas también creen que los planos largos en realidad utilizan movimientos de cámara y programación de actores para cambiar el alcance y el contenido de la toma, y ​​lo llaman "montaje interno".

En pocas palabras, el montaje consiste en rodar una película en muchos planos según el contenido que se expresará en la película y la secuencia psicológica de la audiencia, y luego conectarlos según el concepto original. En pocas palabras: el montaje es un medio de unir planos divididos. Se puede observar que el montaje es un medio de conectar los planos captados por la cámara según la lógica de la vida, el orden de los razonamientos, la perspectiva y tendencia del autor y sus principios estéticos. Primero fue la forma de utilizar la cámara y luego, por supuesto, la forma de utilizar las tijeras. El montaje cinematográfico se logra principalmente mediante la recreación de directores, fotógrafos y editores. El guionista de la película diseña un plano para películas futuras, el director de la película utiliza el montaje para recrearlo basándose en este plano y, finalmente, el fotógrafo utiliza el poder expresivo del modelado de la película para encarnarlo de forma concreta.

En la producción de una película, el director filma muchas tomas de acuerdo con el tema del guión o de la película, y luego organiza y edita estas diferentes tomas de manera orgánica y artística de acuerdo con el concepto creativo original. pueden producir coherencia, contraste, asociación, suspenso y otras conexiones, así como diferentes ritmos, formando así selectivamente una película que refleja una determinada vida social, pensamientos y sentimientos, y que es comprendida y amada por el público. Estos constituyen la forma y los medios. de composición se llaman montaje.

En resumen, se puede ver que el elemento básico de la película es la lente, y la principal forma y medio de conectar las lentes es el montaje, y se puede decir que el montaje es un método de expresión único. del arte cinematográfico. Dado que la unidad más pequeña de una película es el plano, ¿cuál es exactamente el elemento básico de la película: el plano? ¿Qué tiene que ver con el montaje? Sabemos que una lente es una pieza de película filmada desde diferentes ángulos, a diferentes distancias focales, en diferentes momentos y procesada de manera diferente.

De hecho, la técnica del montaje se ha utilizado desde el inicio del rodaje. En lo que respecta a la lente, disparar desde diferentes ángulos naturalmente tendrá diferentes efectos artísticos. Por ejemplo, toma frontal, Yangbai, toma cenital, toma lateral, luz de fondo, filtro, etc., los efectos son obviamente diferentes. Para objetivos tomados con la misma distancia focal, los efectos también son diferentes. Por ejemplo, plano general, panorama, plano medio, plano cercano, primer plano, primer plano extremo, etc. tienen diferentes efectos. Además, las lentes después de diferentes procesamientos también producirán diferentes efectos artísticos. Además, debido al uso de espacios, sangría, promoción y otras técnicas, también se logran diversos efectos artísticos específicos. Además, debido al diferente tiempo que se toma durante la toma, se producen lentes largos y lentes cortos, y la longitud de la lente también producirá efectos diferentes.

En la disposición, combinación y conexión entre planos se refleja más claramente la intención subjetiva del fotógrafo. Debido a que cada lente no existe de forma aislada, su forma debe estar relacionada con las lentes superior e inferior conectadas a ella, y diferentes relaciones producen diferentes efectos artísticos como continuidad, salto, fortalecimiento, debilitamiento, paralelismo y contraste. Por otro lado, la combinación de planos no sólo desempeña un papel al narrar vívidamente el contenido del plano, sino que también genera nuevos significados que los planos individuales tal vez no sean capaces de expresar. El primer intento de Griffith de utilizar el montaje como expresión en la historia del cine fue un experimento que combinaba una toma de un hombre en una isla desierta con un primer plano de su esposa esperando en casa. Después de eso, "el público se sintió "esperando" y ". dolor", y creó una imaginación nueva y especial. Por otro ejemplo, si un grupo de tomas cortas se organizan juntas y se conectan mediante un método de corte rápido, el efecto artístico será completamente diferente que si el mismo grupo de tomas se organizan juntas y se conectan mediante un método de "iluminación" o "difuminación". .

Para otro ejemplo, si los siguientes tres planos A, B y C están conectados en diferente orden, aparecerán diferentes contenidos y significados.

A. Una persona se ríe; B. Le apuntan con una pistola; C. La misma persona tiene una expresión de miedo en su rostro.

¿Qué impresión crean en el espectador estos tres primeros planos?

Si los conectas en el orden A-B-C, el público sentirá que la persona es un cobarde o un cobarde. Ahora bien, si las tomas permanecen sin cambios, solo necesitamos cambiar el orden de las tomas anteriores y sacaremos la conclusión opuesta.

C. Una persona tiene una expresión de miedo en su rostro, B. Le apuntan directamente con una pistola A. La misma persona se ríe.

Al conectarlos en el orden C-B-A, el rostro del hombre muestra una expresión de miedo porque hay una pistola apuntándole. Sin embargo, cuando pensó en ello, sintió que no era gran cosa, así que se rió, se rió frente a la muerte. Por lo tanto, da al público la impresión de un hombre valiente.

De esta manera, cambiar el orden de los planos de una escena, sin cambiar cada plano en sí, cambia por completo el significado de una escena, saca conclusiones diametralmente opuestas y recibe efectos completamente diferentes.

Esta disposición organizativa coherente es el uso del método de montaje único del arte cinematográfico, que es lo que llamamos la cuestión estructural de la película. De los ejemplos anteriores, podemos ver la importancia de esta disposición y estructura combinada. Es un medio importante para organizar materiales para expresar las ideas de la película. al mismo tiempo. Debido a la diferente disposición y combinación, se producen diferentes efectos artísticos como positivos y negativos, profundos y superficiales, fuertes y débiles.

El maestro de cine soviético Eisenstein creía que el plano A más el plano B no es una simple síntesis de los planos A y B, sino que se convertirá en el nuevo contenido y concepto del plano C. Señaló claramente: "La alineación de los dos planos del montaje no es la suma de dos números, sino más bien el producto de dos números; este hecho era correcto antes y todavía parece serlo hoy. La razón por la que es más como El producto de dos números y no la suma de dos números radica en el hecho de que el resultado de la disposición es siempre cualitativamente (o "dimensionalmente" si se prefiere usar términos matemáticos) diferente de los factores constituyentes individuales. Por ejemplo, la mujer es un cuadro, y la ropa de luto de la mujer también es un cuadro; ambos cuadros pueden expresarse en objetos reales y se obtienen mediante la yuxtaposición de estos dos cuadros. algo que se puede expresar en objetos reales, sino una nueva apariencia, un nuevo concepto y una nueva imagen.

”

Se puede ver que el uso de técnicas de montaje puede aportar un nuevo significado a la conexión de las tomas, lo que enriquece enormemente el poder expresivo del arte cinematográfico y, por lo tanto, realza el atractivo del arte cinematográfico. También podemos inspirarnos mucho en un fenómeno de la física: como todos sabemos, las dos sustancias, el carbono y el diamante, son iguales en cuanto a su composición molecular, pero una es sorprendentemente frágil y la otra extremadamente dura. ¿Por qué? Los resultados de las investigaciones científicas demuestran que esto se debe a diferentes disposiciones moleculares (estructuras de caracteres). Esto significa que el mismo material puede producir resultados completamente opuestos debido a diferentes disposiciones. Esto es realmente estimulante. > El teórico del cine húngaro Bela Balazs también señaló: “Una vez conectados los planos anteriores, los significados inusualmente ricos escondidos en cada plano se emiten como chispas eléctricas. "Se puede ver que este significado parecido a una "chispa eléctrica" ​​es el "potencial" de una sola lente que la gente no conoce. Debe "ensamblarse" antes de que la gente pueda tener una imaginación nueva y especial. De qué estamos hablando acerca de Cuando se habla de montaje, primero se refiere a la relación de conexión entre tomas, y también incluye la relación de combinación entre tiempo y espacio, sonido e imagen, imagen y color, así como el significado y efecto generado por estas relaciones de combinación, etc.

En resumen, "el montaje es el método de conexión de la película. Toda la película tiene una estructura, y cada capítulo, cada sección grande y cada sección pequeña también debe tener una estructura. En la película, esto La conexión es El método se llama montaje. De hecho, significa que las tomas se combinan en un segmento, los segmentos pequeños se combinan en un segmento grande y los segmentos grandes se organizan en una película. No hay ningún misterio ni truco en este proceso. razón y sensibilidad, se ajusta a la lógica de la vida y la visión, y parece "suave", "razonable", rítmico y cómodo. Al contrario, es un montaje pobre. "No existe tal explicación y elaboración del montaje de una manera tan simple y fácil de entender.

Los aspectos principales del montaje se pueden dividir en montaje expresivo y montaje narrativo, entre los que se encuentra el montaje psicológico. , montaje lírico, montaje paralelo, montaje cruzado, montaje repetido, etc.

El nacimiento y desarrollo del montaje

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Cuando la Lumière Sus hermanos fotografiaron a finales del siglo XIX. En las primeras películas de la historia, no necesitaba considerar la cuestión del montaje, porque siempre colocaba la cámara en una posición fija, es decir, a la distancia del panorama (o). la distancia entre la fila central del público y el escenario del teatro). Filmaron los movimientos de la gente de principio a fin, luego descubrieron que la película se podía cortar y pegar con productos químicos, por lo que algunas personas intentaron colocar la cámara. en diferentes posiciones y disparar desde diferentes distancias y ángulos. Descubrieron que se usaban diferentes conexiones para diferentes lentes. Este método puede producir efectos sorprendentemente diferentes. Este es el comienzo de la técnica de montaje y el comienzo de la película para deshacerse de los grilletes. En general, la creación del rodaje en plano dividido se atribuye a los Estados Unidos en la historia del cine. Edwin Bout creía que "El gran robo del tren" que proyectó en 1903 fue el comienzo. de "películas" en el sentido moderno, porque combinó diferentes fondos, incluido el andén, la sala del conductor, la sala de telégrafos, el vagón del tren y el valle. Lo que sucedió en las escenas interiores y exteriores están conectados para contar una historia. que incluye varias líneas de acción, sin embargo, es universalmente reconocido que Griffith dominó la habilidad de combinar diferentes planos, lo que finalmente hizo que la película se liberara del método del montaje. >

A partir de 1927, la película tuvo sonido, y en ese momento hubo un gran impacto en la creación y la teoría cinematográfica. Con el sonido, la imagen ya no es una interpretación puramente visual, y la película puede reflejar la vida de manera más realista. Algunas de las suposiciones que eran legales en el cine mudo, así como el método del autor de expresar directamente sus propias opiniones, ya no se aplican. Por eso, muchos artistas cinematográficos famosos, como Chaplin y René Clair, se mostraron escépticos. Durante un tiempo, su actitud hacia el cine sonoro, y el teórico Einham siempre negó el cine sonoro.

Por otro lado, algunas personas piensan que el montaje es un producto del cine mudo y no tiene cabida en el terreno del cine sonoro. Los hechos muestran que, aunque el sonido restringe el uso de ciertos métodos de montaje, las películas han pasado de ser un arte puramente visual al arte audiovisual, los personajes en la pantalla se convierten en imágenes completas visibles y audibles, lo que amplía enormemente el alcance del montaje.

El sonido se añade a la imagen. A partir de entonces, el montaje no es sólo la relación entre imágenes e imágenes, sino también la relación entre sonido y sonido, y sonido e imagen. El llamado sonido incluye la voz humana, el sonido natural y la música. La voz humana también incluye líneas, comentarios, monólogos internos y ruido de la multitud. Por lo tanto, la combinación de imágenes y sonidos implica varias combinaciones de imágenes y voces humanas, sonidos naturales y música, y la combinación de sonidos y sonidos implica las combinaciones de estos diversos sonidos. Debido a esta complejidad, la composición sonora y la composición sonora de las imágenes de las películas tienen posibilidades infinitamente ricas, abriendo un mundo nuevo e infinito para el arte audiovisual (ver sonido de películas). Las películas han evolucionado desde películas en blanco y negro hasta películas en color, y el color se ha convertido en uno de los medios de expresión en las películas, trayendo nuevos temas de montaje en color a las películas y enriqueciendo una vez más el mundo del montaje cinematográfico.

La función del montaje

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A través del montaje, la narrativa de la película gana una gran libertad en el uso del tiempo y el espacio. Una sola habilidad de disolverse dentro y fuera (o un salto directo) puede saltar de París a Nueva York en el espacio, o abarcar décadas en el tiempo. Además, a través de la yuxtaposición e intersección de movimientos en dos espacios diferentes, se puede crear un suspenso tenso o se puede expresar la relación entre personajes en dos lugares, como amantes que se extrañan en dos lugares. El montaje en diferentes momentos puede representar repetidamente la conexión entre las experiencias psicológicas pasadas del personaje y las actividades internas actuales. Esta libertad de transformación temporal y espacial permite que la película alcance, en gran medida, la facilidad con la que los novelistas expresan la vida. El uso del montaje permite a los artistas cinematográficos comprimir o ampliar en gran medida el tiempo real de la vida, creando el llamado "tiempo de película" sin dar a la gente la sensación de violar el tiempo real de la vida.

La capacidad del montaje para manipular el tiempo y el espacio permite al artista cinematográfico extraer lo que cree que puede ilustrar mejor la esencia de la vida, el personaje, la relación entre los personajes, e incluso la parte más importante basada en su análisis de la vida. Las partes que expresan los propios sentimientos del artista se combinan. Después de la descomposición y combinación, se conservan las partes más importantes e inspiradoras, y se abandona y elimina una gran cantidad de asuntos triviales irrelevantes. La narrativa más vívida, el atractivo más rico. Cuando Griffith mostró la angustia de su esposa en la sala del tribunal mientras observaba cómo condenaban a su marido inocente, se concentró únicamente en sus manos convulsionadas. En "El Destacamento Rojo de Mujeres", cuando Qionghua vio al propietario Nan Batian, ella violó la disciplina de reconocimiento y disparó. La escena que siguió fue cuando el capitán golpeó la mesa con el arma entregada de Qionghua, evitando la necesidad de informar al comandante de la compañía. pasar. La acción se interrumpe, pero la trama continúa y las relaciones entre los personajes se desarrollan. Esta descomposición y combinación le da a la película la capacidad de ser altamente concentrada y resumida, lo que permite que una película de menos de dos horas presente la vida de una persona e involucre décadas de cambios sociales como Ciudadano Kane.

El montaje también tiene dos funciones importantes que no se pueden negar. La primera es permitir que la película alterne libremente perspectivas narrativas, como desde la narrativa objetiva del autor hasta la expresión subjetiva del corazón del personaje, o ver un determinado estado de cosas a través de los ojos del personaje. Sin esta alternancia, la narrativa de la película sería monótona y torpe. El segundo es influir en la psicología de la audiencia a través del ritmo de los cambios de lente.

Las diversas funciones del montaje han convencido a varias generaciones de artistas y teóricos del cine de que "el montaje es la base del arte cinematográfico" y "sin montaje, no habría película". Forma especial de pensar—— Forma de pensar del montaje.

Las principales funciones del montaje son:

*A través del corte y agrupación de planos, escenas y párrafos, se seleccionan y descartan los materiales para dejar claro y priorizar el contenido escénico. Muy resumido y centrado.

* Guiar la atención de la audiencia y estimular la asociación de la audiencia. Aunque cada toma solo muestra un contenido determinado, combinar tomas en una secuencia determinada puede estandarizar y guiar las emociones y la psicología de la audiencia, e inspirarla a pensar.

*Crear un tiempo y espacio cinematográfico y televisivo único. Cada plano es un registro del tiempo y el espacio real. Después del montaje, el tiempo y el espacio se recrean para formar un tiempo y espacio cinematográfico y televisivo único.

Tipos de montaje

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En la práctica, se han resumido dos tipos de modos de montaje, que son el montaje narrativo y el montaje expresivo.

1. Montaje narrativo

El montaje narrativo consiste en conectar diferentes planos entre sí para narrar una trama y mostrar una serie de eventos de acuerdo con las reglas de desarrollo, las conexiones internas y la secuencia temporal de las cosas. Método de empalme. El montaje narrativo se puede dividir en varios tipos: narración secuencial, flashback, narración interludio, narración dividida, etc.

2. Montaje de expresión

El montaje de expresión también se llama "Montaje". Se basa en la conexión interna de las imágenes, a través de los cambios y el impacto entre imágenes e imágenes y. sonidos Crea conceptos y significados que no pueden ser producidos por una sola imagen, estimulando la asociación del público. El montaje expresivo se subdivide en tipos paralelos, intersectados, contrastantes, simbólicos y metafóricos.

En la actualidad, en la producción de cine y programas de televisión, existen muchos fenómenos que no prestan atención a las reglas del montaje. El fenómeno más común es el fenómeno de una toma hasta el final en la producción de animación. . Esto a menudo rompe el ritmo del espectáculo y aburre al público. Como forma de arte cinematográfico y televisivo y medio de expresión único, el montaje no sólo guía el procesamiento de vídeo y audio en el programa, sino que también juega un papel muy importante en la comprensión de la estructura general del programa.

Hasta el momento, no existe una visión unificada sobre cuántos tipos diferentes de montaje existen y cómo se debe clasificar el montaje.

La clasificación de Pudovkin es más específica. Cree que hay cinco tipos diferentes de montaje:

Uno es el montaje contrastante, como la conexión entre la quema de trigo y las imágenes de niños hambrientos durante la crisis capitalista.

El segundo es un montaje paralelo. Por ejemplo, en "Madre" de Pudovkin, el equipo de trabajadores que protestan crece gradualmente y el hielo del río Neva se derrite gradualmente.

El tercero es un montaje metafórico o simbólico, que hoy en día suele denominarse montaje "metafórico", como una gaviota volando que simboliza el anhelo de libertad.

El cuarto es la interseccionalidad o montaje de “desarrollo simultáneo de acciones”, como el rescate de último segundo en “Lai Marriage” mencionado anteriormente.

El quinto es un montaje de "tema recurrente", es decir, cosas que representan un determinado tema aparecen en pantalla una y otra vez en momentos críticos.

Eisenstein, Béla Balazs y Einham tienen diferentes métodos de clasificación para el montaje, con hasta 36 tipos. Algunas personas piensan que una clasificación demasiado engorrosa es inútil. Los medios artísticos cambian constantemente y es imposible resumirlos en unos pocos estándares gramaticales. Los artistas crearán nuevas técnicas en cualquier momento.

Es por esta razón que Martin finalmente clasificó el montaje en tres categorías: montaje narrativo, montaje pensante y montaje rítmico.

El teórico del cine francés contemporáneo Jean Mitry cree que el objetivo del montaje es sólo captar la atención del público y centrarla en las cosas que se representan, en primer lugar a través de la trama misma, a través de la trama. narrativa vívida para expresar el significado, seguida de lirismo, expresándolo vívidamente y transmitiéndolo apasionadamente. En resumen, también podríamos clasificar el montaje en tres categorías: narrativo, lírico y racional (simbólico, contrastante, metafórico), y no existe una brecha insuperable entre estas tres. A menudo, al narrar, también expresa sentimientos o transmite los pensamientos del autor.

Discusión sobre la teoría del montaje

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Ni Griffith ni sus sucesores en su país pensaron en resumir o explorar las leyes y teorías del montaje. Fueron el director soviético Kuleshov y sus alumnos Eisenstein y Pudovkin quienes exploraron seriamente por primera vez el misterio del montaje. Sus teorías, a su vez, influyeron en los teóricos y artistas cinematográficos de Europa y Estados Unidos.

Eisenstein tiene un dicho famoso sobre la teoría del montaje: "La alineación de dos planos de montaje no es la suma de dos números, sino el producto de dos números". palabras: "Una vez que los planos superior e inferior están conectados, los significados inusualmente ricos ocultos en cada plano se emiten como chispas". Por ejemplo, en "Country Female Teacher" antes mencionado, Varvara responde "para siempre" seguido de El plano de dos ramos de flores tiene un significado que no tiene cuando existe solo, expresando las emociones del autor y de los personajes de la obra.

Eisenstein aplicó la dialéctica a la teoría del montaje, enfatizando el conflicto entre planos opuestos. Para él, un plano no es "una cosa independiente". Sólo puede despertar sentimientos emocionales y comprensión del sujeto cuando interactúa con los planos opuestos.

Él cree que las tomas individuales son sólo "imágenes" y sólo cuando estas imágenes se combinan pueden formar una "imagen" significativa. Es este "poder del montaje" el que hace que la combinación de planos no sea una narrativa de construcción de ladrillos, sino una "narrativa altamente emocionante y emocional". Es el "poder del montaje" el que permite incluir las emociones y la razón del público. el proceso creativo, recorriendo el mismo camino creativo que recorrió el autor al crear las imágenes.

La parcialidad de Eisenstein es inseparable del temprano entusiasmo de la Unión Soviética por el montaje. Kuleshov cree que el material de una película es sólo una pieza de metraje filmado, y las actuaciones de los actores y la disposición de las escenas son sólo la preparación del material. Hizo un famoso experimento en el que tres clips diferentes fueron seguidos por un primer plano de un actor sin expresión alguna. El primero era un cuenco de sopa, el segundo era un ataúd con un cadáver femenino tirado sobre él y el tercero. uno era una mujer que sostenía un cuerpo de mujer. Juguetes para niñas. Se dice que el público pensó que el primer clip mostraba la expresión de primer plano de querer beber la sopa, el segundo mostraba una profunda tristeza y el tercero mostraba una sonrisa feliz. Esto es obviamente una exageración del papel del montaje y borra el papel del arte escénico. Incluso Pudovkin dijo en aquella época: "Un plano es sólo una palabra, un concepto de espacio, un objeto muerto. Sólo en combinación con otros objetos se le puede dar la vida de una película". Eisenstein incluso comparó el montaje con una película. jeroglífico, el montaje es como la palabra "perro" más la palabra "口" en el jeroglífico, que indica el ladrido de un perro.

Eisenstein propuso el llamado "montaje de vodevil" cuando se dedicaba a actividades teatrales. Después de su fracaso en el escenario, creía que el cine era el lugar para realizar el "montaje de vodevil". El llamado "montaje de vodevil" es el uso de planos, episodios o programas fuertes, aunque se salgan de la estructura argumental, para lograr el efecto de atrapar al público, para que acepte el punto de vista que el autor quiere inculcar. .

La visión de Pudovkin del montaje es más amplia. No se centra únicamente en el contraste y las funciones metafóricas del montaje, sino que lo trata como un medio tanto narrativo como de expresión. Al comienzo de su artículo "Sobre el montaje", afirmó: "Conectar las tomas separadas para que el público finalmente sienta que se trata de un movimiento completo, ininterrumpido y continuo es una técnica a la que estamos acostumbrados. Yu lo llama montaje. " Por supuesto, este tipo de trabajo no es una operación mecánica rígida, ni tampoco una disposición ciega y arbitraria. Para organizar las tomas en "un movimiento continuo e ininterrumpido", "debe haber un sentido evidente de conexión entre estos fragmentos". . Este tipo de conexión sólo puede ser externa, como cuando alguien dispara en el plano anterior y una persona recibe un disparo y cae en el siguiente, pero lo más importante es que es "una conexión interna profunda y llena de significado ideológico". Señaló además que en la conexión externa simple y la conexión interna profunda, existen innumerables formas intermedias. Pero, en resumen, "debe haber tal o cual conexión, hasta que haya un marcado contraste o contradicción". Por lo tanto, también definió el montaje: "En las obras de arte cinematográfico se utilizan diversas técnicas para mostrar y explicar de manera integral las conexiones entre diversos fenómenos de la vida real". También creía que el montaje depende del talento del director. "Este talento hace que el director sea bueno". a convertir las conexiones internas latentes entre los fenómenos de la vida en conexiones obvias y visibles que pueden sentirse directamente sin explicación". Por esta razón, Bela Balazs afirmó que el cine no es una simple representación, sino una creación real. Un excelente director no sólo muestra la imagen, sino que también la explica.

Principio de prohibición de montaje

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Propuesto por Bazin si el contenido principal de un evento requiere la existencia de dos o más elementos de acción al mismo tiempo. Al mismo tiempo, el montaje debe estar desactivado. De lo contrario, el montaje, lejos de ser la naturaleza del cine, es una negación del mismo.

Después de la Segunda Guerra Mundial, los artículos de crítica cinematográfica del crítico de cine francés Bazin tuvieron una gran influencia en todo el mundo. La base de su teoría se basa en la "naturaleza fotográfica de la película". Cree que todo arte se basa en la participación humana, pero la fotografía tiene el privilegio de no involucrar a las personas. La naturaleza del cine proviene de la naturaleza de la fotografía, y su atractivo artístico proviene de la misma fuente: la revelación de la realidad. Kracauer de Alemania también dijo que "el cine, por su naturaleza, es una extensión de la fotografía". Creían que la tarea del cine es registrar el mundo objetivo.

En segundo lugar, no podemos renunciar a la conveniencia del montaje a la hora de componer el espacio y el tiempo cinematográfico debido a nuestra preferencia por las tomas con profundidad de campo y el rodaje continuo, ni tampoco podemos renunciar a la función de resumen concentrado exclusiva del cine, y renunciar al montaje de imágenes y sonido del vasto mundo.

Deberíamos comprender completamente y prestar atención al papel de las lentes de profundidad de campo y el disparo continuo y, al mismo tiempo, también deberíamos ver sus limitaciones. Las lentes de profundidad de campo no pueden separarse del marco de la imagen, a diferencia de los ojos, que no están sujetos al marco y se ven interferidos por problemas de perspectiva. Los personajes están en diferentes niveles y las cosas cercanas y lejanas tienen diferentes escalas, por lo que se debe usar un espejo de escenario para coordinar. Por lo tanto, la "naturaleza fotográfica" aún necesita ser interferida por las personas. De hecho, los planos largos simplemente utilizan la programación de escena y cámara en lugar de una combinación de montaje para lograr el reemplazo del alcance y el contenido de la imagen. Por eso algunas personas llaman a esta técnica "montaje dentro de la lente" o "montaje en profundidad".

Además, el disparo continuo solo se puede utilizar para una escena, y es imposible utilizar el disparo continuo para todos los eventos en diferentes lugares y en diferentes momentos. En "La cuerda", Hitchcock intentó una vez rodar toda la película de una sola vez, eliminando por completo el montaje, pero el efecto no fue el ideal.

La realidad o la irrealidad no depende del método de montaje ni del método de disparo continuo. De hecho, el montaje puede utilizarse para encubrir cosas falsas, pero el montaje no tiene por qué crear necesariamente falsedad. Por el contrario, el disparo continuo de planos de profundidad de campo no garantiza un trabajo realista.

La principal razón por la que Bazin se opuso al montaje fue que creía que el director se convertía en un guía que dirigía al público, eliminando la ambigüedad de la película. Sin embargo, para la narrativa cinematográfica es necesario un montaje que se ajuste a las necesidades psicológicas del público y a los requisitos de transferencia de la mirada. La orientación del artista está permitida y requerida en el art. Como formas conceptuales, las obras literarias y artísticas son producto de la vida de las personas reflejadas en las mentes de los artistas. El realismo no es una reproducción fotográfica de la vida, sino un reflejo de la vida según la cosmovisión del artista. El uso del montaje por parte del director no tiene como objetivo añadir algo a la realidad, como le acusaba Bazin, sino revelar lo que originalmente existía en la realidad basándose en sus propios sentimientos. No existe un registro puramente objetivo. La "realidad" capturada por la cámara llamada de "ojo frío" todavía se elige inevitablemente en función del punto de vista del director.

La Escuela del Montaje apareció en la Unión Soviética a mediados de la década de 1920, representada por Eisenstein, Kuleshov y Pudovkin. Se esforzaron por explorar nuevos métodos de expresión cinematográfica para expresar el arte cinematográfico revolucionario y su. La exploración se centró principalmente en el experimento y la investigación del montaje, creó una teoría sistemática del montaje cinematográfico y aplicó la exploración teórica a la práctica artística, creando "El Acorazado Potemkin" y "Madre". "La Tierra" y otras obras clásicas del arte del montaje constituyen la famosa escuela. de montaje.