El cine de Andy Warhol
"Blow Job" (1963)
"Sleep" (1963)
Filmando el estado de sueño de un hombre, la película tiene una duración de más de seis horas.
Beso (1963-1964)
Se trata de una serie de cortometrajes rodados desde agosto de 1963 hasta finales de 1964. Cada cortometraje presenta a actores besándose durante tres minutos. Es una subversión y una burla del Reglamento de la Oficina Hays, que prohíbe el contacto labial entre actores durante más de tres segundos. Al mismo tiempo, Andy Warhol produjo una serigrafía (El beso), también llamada "El beso", utilizando el beso de Sir Drácula con Mina Harker de la película de terror "Drácula" (1931).
Empire (1964)
Tiene una duración de ocho horas, utilizando una única lente fija para fotografiar los cambios en el Empire State Building de Nueva York desde el anochecer hasta la madrugada. cortar pieza por pieza.
Harlot (1965)
Era la primera vez que Andy Warhol utilizaba el sonido en una película, pero era muy crudo.
"My Hustler" (1965)
La película tiene una duración aproximada de 65 minutos y consta de dos partes. La trama de la película es bastante simple, como una historia sin historia. La primera parte se filmó en una cabaña de vacaciones frente al mar. El dueño de la cabaña, Ed, llevó a su guardaespaldas Collie y a su nuevo chico guapo Paul. playa de vacaciones. Paul estaba solo tomando el sol en la playa, Ed lo espiaba desde la terraza de la cabaña. Más tarde, la vecina de Ed, Genevieve, una joven adinerada y otro hombre gay de mediana edad, Joe, se unen a él, y los tres comienzan a discutir interminablemente sobre el cuerpo musculoso de Paul, cómo seducirlo e incluso acostarse con él. Al final de la primera parte, Genevieve intentó burlarse de Paul en la playa, aplicándole protector solar, y los dos fueron a jugar juntos al mar. Esta parte consta de tres planos largos de unos 16 minutos, 4 minutos y 12 minutos y medio respectivamente. La cámara se instaló entre la cabaña y la playa de modo que la lente pudiera moverse de un lado a otro entre las dos. Se completaron diferentes encuadres, como de cerca, de medio y de lejos, con lentes telescópicas. La segunda parte sólo tiene un plano largo fijo de unos 32 minutos, rodado en el baño del dormitorio de Ed, donde Joe le enseña a Paul cómo comportarse y cómo complacer a su jefe, eso es todo.
"My Little Pretty Face" es esencialmente un drama de diálogo. El diálogo charlatán gira en torno al sexo y la provocación, reflejando el vacío y el aburrimiento de la vida de la clase ociosa.
Ninguno de estos vídeos contiene banda sonora. El silencio, la duración excesivamente larga de la antinarrativa y la orientación maximalista hacen imposible su proyección en las salas de cine normales. Para Warhol, el cine era como una extensión de la creación gráfica, y el cine era otro soporte además del lienzo y el papel. Independientemente de la impresión en seda, la fotografía o el cine, son sólo una parte de la creación general de Warhol. Fotografiar sujetos de forma continua durante mucho tiempo desde una perspectiva fija es en realidad coherente con el concepto creativo de una serie de retratos de Marilyn Monroe. Posteriormente, Warhol extrajo las imágenes de "Blowjob", "Sleep", "The Kiss" y "Empire State Building" y las transformó en serigrafía, utilizando diferentes soportes para reciclar sus obras.
No fue hasta que se estableció la asociación con Chuck Wein y Paul Morrissey que Warhol trató el sonido con más cuidado. Después de mediados de la década de 1960, Chuck Wen y Morrissey gradualmente se volvieron más importantes en la "fábrica", especialmente Morrissey, cuyo interés por las películas de Hollywood condujo a la lógica de las películas de fábrica; Si "Blowjob", "Asleep", "Kiss" y "Empire State Building" son creaciones cinematográficas de un artista gráfico y plástico, Chuck Winnie Morrissey intervino en la creación de películas de fábrica como trabajadores cinematográficos.
A partir de entonces, aunque los temas de las películas de Warhol siguieron siendo vanguardistas, gradualmente fueron reduciendo la distancia entre ellos y el público, sin desafiar los límites de la resistencia del público. Incluso agregaron elementos narrativos a las películas y un toque de humor. los diálogos. Según el crítico de cine italiano Adriano Apra, fueron Chuck Wen y Morrissey quienes alejaron a Andy Warhol de su propia orientación experimental.
La mayoría de las películas de Warhol son películas en blanco y negro de 16 centímetros, y el grano de las imágenes es obvio cuando la cámara se mueve, como cuando hace una panorámica, es inevitable que se mueva inesperadamente y las lentes telescópicas a menudo aparecen. de enfoque. La velocidad de producción y el descuido técnico dieron a las películas de Warhol el aire de películas caseras y de aficionados. Esta textura rugosa realza el carácter del disco. De hecho, la cámara Auricon de 16 cm utilizada por Warhol era el modelo preferido por los periodistas de la época. Era ligera, podía grabar sonido simultáneamente y podía disparar durante mucho tiempo. Esta cámara Auricon fue comprada por Warhol durante el período de preparación de "Empire". En ese momento, estuvo interesado en la capacidad de la máquina para disparar durante mucho tiempo.
En las películas de Warhol de este período, como "Mi pequeña cara bonita", el carácter documental permite al público acercarse a los acontecimientos de la película, sumado al uso de lentes largos, a menudo de una sola toma. por escena), haciendo de cada toma un tiempo real sincronizado con la realidad. Tomemos como ejemplo la primera parte de "My Little Pretty Face". Cuando la cámara mira a Ed, Genevieve y Joe durante mucho tiempo, el público parece estar observando su conversación de cerca. Cuando de repente la cámara se vuelve hacia Paul. Ed y Joe en la playa. La conversación entre Genevieve y Joe continúa en forma de voz en off, y el público inmediatamente se convierte en un compañero y ellos miran furtivamente a Paul.
El discurso de la Sexta edición de los Premios del Cine Independiente de 1966 describió así sus películas:
“Andy Warhol devolvió el cine a sus orígenes, trayendo a la época de Lumière, actualizó y depuró el cine. En sus obras renunció a la extravagancia en forma y contenido, y su lente se centró en las imágenes más simples con la actitud más simple y la intuición del artista como única guía, registra la vida cotidiana de las personas y las cosas que ve a su alrededor con una actitud paranoica. A través de sus películas comienzan a surgir sentimientos extraños, el mundo cambia de tono, se vuelve intenso y hay tensión. El mundo que vemos es más claro que en el pasado, pero no está en un estado muy dramático. sirviendo a cualquier otro propósito es simplemente un primitivo simple y mínimo, como comer es comer y dormir es "Sleep..."
"The Chelsea Girls" (1966)
The. La película fue un éxito comercial y de crítica, proyectada en más de 100 salas de todo Estados Unidos, la película de Warhol saltó del underground al escenario por primera vez.
Dado que la mayoría de las escenas fueron filmadas en el Hotel Chelsea de Nueva York, el nombre original de "Chelsea Girls" era "Chelsea Hotel". La película consta de doce cortometrajes de 30 minutos. El contenido de los cortometrajes son sólo fragmentos de la vida cotidiana. A primera vista parece un documental, pero en realidad está improvisado por los actores basándose en los conceptos de Warhol.
La película utiliza una pantalla dividida, lo que significa que dos (o más) grupos de imágenes se yuxtaponen y se muestran simultáneamente. Por ejemplo, el primer y segundo cortometraje de "Chelsea Girls" se combinan en un solo grupo. el primer cortometraje se muestra a la derecha y el segundo a la izquierda. La película tiene una sola pista de audio, que se compone de diálogos de dos clips intercalados. Esta forma crea cambios químicos entre dos escenas de vida simples que se contrastan como espejos y, a veces, se fusionan en un todo inseparable. La forma de pantalla dividida era bastante vanguardista en ese momento.
El éxito de "Chelsea Girls" inspiró directa e indirectamente el uso de la pantalla dividida en otras películas estadounidenses, como The Boston Strangler (El estrangulador de Boston) de Richard Fleisher ( 1968), Blythe Blow Out (1981), dirigida por Brian De Palma, y Time Code (2000), dirigida por Mike Figgis.
En comparación con muchas de las películas de vanguardia de Warhol, "Chelsea Girls" es una obra muy meditativa a pesar de su forma deslumbrante. Warhol yuxtapuso seres tristes, alegres, indiferentes, llamativos y confusos para crear un retrato de la gente moderna. Newsweek en ese momento lo llamó la "Ilíada del underground".
"Yo, un hombre" (1967)
Esta es la primera exposición de Warhol al tema de la heterosexualidad. Consta de ocho cuentos, cada uno de los cuales Las estructuras de los cuentos. varían, pero en realidad son aventuras sexuales entre el mismo hombre (interpretado por Tom Baker) y ocho mujeres. Sin embargo, sus aventuras sexuales siempre se ven interferidas por asuntos externos o terminan en vano. Por ejemplo: en el primer cuento, Tom y la mujer interpretada por Cynthia May se conocieron por primera vez la noche anterior. Después de levantarse por la mañana, Tom le propuso matrimonio a Cynthia nuevamente y dijo repetidamente que sus padres entrarían repentinamente a la habitación. o la criada lo haría. Se negó con excusas como limpiar, pero los dos tuvieron que terminar el trabajo a toda prisa debajo de la cama. En el segundo cuento, Tom y una mujer interpretada por Stephanie Graves tuvieron una pelea apasionada en el último piso de un edificio. Cuando ella estaba vestida con harapos, ella le dijo que era una mantenida y que su departamento era donde ella y. ella vivía. Un nido de amor donde los amantes se encuentran dos veces por semana. En el tercer cuento, Tom e Ingrid Superstar estaban charlando en la mesa. Tom inicialmente se rió de la gordura de bebé de Ingrid y luego clamó al ver sus senos; Ingrid le mostró los senos a Tom, Tom intentó acariciarla. Para acostarse con Ingrid, Tom le mintió diciéndole que podía ser un psíquico. La hizo acostarse en la mesa y realizó un ritual espiritual. Como resultado, Ingrid habló de su novio arquitecto en un estado semihipnótico.
A primera vista, "Yo, un hombre" es una serie de comedias sexuales, que muestran a un hombre que siempre es incapaz de entrar, o tiene que sucumbir a situaciones absurdas para lograr sus objetivos. . objetivo. Andy Warhol originalmente quería a Jim Morrison, el cantante principal de The Doors, para el papel de Tom Baker, pero debido a las objeciones del agente de Morrison, se utilizó al amigo de Morrison, Tom Baker.
En "Yo, un hombre", Warhol utilizó la técnica Strobe Cut, lo que significa que la cámara debe apagarse y encenderse rápidamente durante el proceso de filmación para provocar una pausa en la imagen y el sonido, y La actuación del actor no se interrumpe. Esta técnica debe realizarse en una máquina que pueda recoger sonido al mismo tiempo. Entre encendido y apagado rápido, la máquina emitirá un breve pitido y la imagen quedará brevemente expuesta. Por lo tanto, en ciertos momentos críticos de "Yo, un hombre", el público solo ve los puntos clave rápidamente, seguidos de una serie de destellos y pitidos, como si la película hubiera sido cortada por la Oficina de Censura. Parece así, dejándose. el público se siente frustrado en vano.
Al igual que la visión coherente de Warhol sobre la creación, "Yo, un hombre" es una reproducción fragmentaria de una serie de escenas de la vida. La película no proporciona la causa y el efecto de los acontecimientos ni el trasfondo de los personajes. y la gente es simplemente un símbolo desarraigado y sin hogar. Detrás de estas interesantes escenas de la vida, podemos ver el vacío, la inutilidad y la impotencia de las personas que no pueden cambiar la situación actual.
Curiosamente, la séptima chica de la película es Valerie Solanas, quien disparó contra Warhol el 3 de junio de 1968. Como su personaje en Yo, un hombre, Solanas es feminista. Primero fue a la fábrica para buscar oportunidades de filmar un guión que había escrito. El guión, llamado Up Your Ass, era tan vanguardista y atrevido que incluso Andy Warhol, que siempre fue audaz, se sorprendió y pensó que Solanas era un agente encubierto enviado por la policía para inducirlo a cometer un crimen de inmoralidad. Al principio, Solanas pensó que Warhol adoptaría su guión, sin embargo, cuando el guión se perdió sin motivo en la fábrica, Warhol se convirtió en el objeto del enredo de Solanas, lo que también la inspiró a rodar Warhol en el futuro. Ella comenzó a pedirle dinero para pagar el alquiler en el Hotel Chelsea, por lo que Warhol le ofreció a Solanas 25 dólares para hacer un cameo en "Yo, un hombre".
Cuando se produjo el tiroteo de Solanas, Andy Warhol estaba ocupado editando la película "Lonesome Cowboys". Una bala le impactó en el pecho a quemarropa, casi mortalmente. El libro feminista "Manifiesto S.C.U.M (Sociedad para Cortar al Hombre)" publicado por Solanas después de su encarcelamiento la convirtió durante un tiempo en un símbolo del fundamentalismo feminista. La directora canadiense Mary Harron llevó una vez a la pantalla grande el incidente en el que Solanas disparó contra Warhol en 1996, titulado "Le disparé a Andy Warhol" (Le disparé a Andy Warhol).
"The Lonesome Cowboy" es una película en color de 109 minutos codirigida por Andy Warhol y el actor favorito de Paul Morrissey, Joe Dallessandro (Joe Dallesandro), y la superestrella de Factory, Viva. "Lonesome Cowboy" trata sobre un grupo de vaqueros homosexuales que viven en un pueblo remoto con una sola mujer. La película se rodó en Tucson, Arizona, junto a las localizaciones de algunos westerns protagonizados por John Wayne. "El vaquero solitario" es una de las películas más explosivas de Warhol. Atrajo la atención del FBI durante el rodaje. La escena de la película en la que Viva fue violada por un grupo fue aún más controvertida. En noviembre de 1968, "Lonesome Cowboy" ganó el primer premio en el Festival de Cine de San Francisco. Como bastión gay en la costa oeste de los Estados Unidos y ciudad abierta donde intelectuales y estudiantes están activos, el reconocimiento del Festival de Cine de San Francisco tiene un significado simbólico para el "Director Warhol".
"Blue Movie" (1968)
Es la última película dirigida por el propio Andy Warhol. Se trata de una pieza sonora en color de 133 minutos.
"Blue Movie" se llamó originalmente "Fuck" y se rodó en un apartamento de Greenwich Village, Nueva York, en octubre de 1968. Aunque los actores Viva y Louis Waldon tienen una relación sexual real en la película, pasan gran parte de la película hablando de la guerra de Vietnam, cocinando y duchándose. El color azul de "Blue Movie" se debe a que durante el rodaje se ignoró la luz del sol que penetraba en la habitación. Después del procesamiento, toda la película apareció azul. El título original era demasiado sensacionalista, por lo que Warhol simplemente lo llamó "Película azul" en un intento de evitar los ojos y oídos del FBI.
A juzgar por la atmósfera social de la época, "Blue Movie" era extremadamente provocativa en términos de narrativa y presentación sexual. Era consistente con la atmósfera de la era de la desintegración moral y la liberación sexual y, por lo tanto, de Después. Debido a las repetidas interferencias de los fiscales, la película fue retirada del New Andy Warhol Garrick Theatre, de una sola sala. Después de que la película fuera retirada, Warhol volvió a publicar "Blue Film" en forma de libro, conservando íntegramente las fotografías y los diálogos de la película.
El propio Warhol dijo una vez: "Siempre quise hacer una película exclusivamente sobre las relaciones sexuales, sin nada más. Así como "Comer" es solo comer, "Dormir" es solo dormir. Lo mismo. Así que en octubre En 1968 hice una película sobre Viva y Louis Wadden teniendo sexo y la llamé "Fuck". Como dijo Warhol, algunos de los conceptos creativos de "Blue Movie" son de hecho los mismos. Hay ecos de sus primeras películas, como por ejemplo. la presentación del estado de las relaciones sexuales y temas periféricos como la guerra de Vietnam son sólo el marco de la película. Aparte de la liberación sexual y personal, las películas de Warhol rara vez se refieren o critican directamente la política y la sociedad de la época. Entre las películas del mismo período, el nihilismo y la paranoia sexual de "Blue Film" tienen un grado considerable de superposición con "El último tango en París" de Bertolucci de 1972, excepto que una es tranquila y la otra sentimental, y la sobria "El último tango". en París" "La película azul" anunciaba en 1970 la llegada de una nueva era y de una nueva moral, mientras que la sentimental "El último tango en París" era como una elegía que presagiaba de antemano el fin de esta era.
Andy Warhol dijo una vez durante su vida que en una era de rápidos cambios en las tendencias, las personas y las cosas que son populares en ese momento solo son famosas durante quince minutos como máximo, y la vida útil de las tendencias no es tan larga como la de los pañales o condones desechables. ! Sin embargo, la visión artística poco convencional de Warhol sigue influyendo en la orientación artística y cultural "post-post-post-post-moderna", aunque una vez dijo modestamente: "No creo que mi arte tenga ningún valor duradero". El valor del arte es diferente. El precio del arte a menudo supera el precio de las casas de subastas. El valor real reside en su capacidad para estimular y generar más vida artística.
Muchos críticos de cine piensan que Andy Warhol no puede ser considerado un director en el verdadero sentido, y lo que dicen es cierto, porque muchas de las películas de Andy básicamente no necesitan la acción de "dirigir", su cámara. simplemente apunta a un objeto, como una persona dormida, por ejemplo el Empire State Building, y luego deja que su cámara funcione durante horas y horas. Sin embargo, sus conceptos de fotografía y dirección estaban muy adelantados a su tiempo, e incluso al nuestro. Llevó el recurso cinematográfico -el primer plano- al extremo y lo transformó en tramas y acontecimientos, restaurando así la función original de la cámara. El espectáculo momentáneo que creó en el "Empire State Building" ha sido citado continuamente por futuros cineastas, por lo que a menudo podemos disfrutar en la pantalla de la iluminación repentina de muchos edificios como el Arco de Triunfo, Times Square y el puente Golden Gate.