Información completa sobre el estilo barroco
"Barroco" es un término de estilo que se refiere al principal estilo artístico popular en Europa desde principios del siglo XVII hasta la primera mitad del siglo XVIII. La palabra proviene del portugués barroco, que significa perla irregular. Los escritores humanistas del Renacimiento utilizaron el término para criticar obras de arte que no fueron producidas según las normas clásicas. Aunque el estilo barroco heredó la tradición de reproducción ilusionista establecida durante el Renacimiento, abandonó el estilo clásico simple, armonioso y estable y persiguió un ámbito artístico complejo, exagerado, magnífico, majestuoso y dinámico. El mayor representante del estilo barroco en pintura es el pintor flamenco Rubens, y el principal representante en arquitectura y escultura es el italiano Bernini. Introducción básica Nombre chino: estilo barroco Nombre extranjero: barroco Alias: estilo barroco Época popular: siglos XVII y XVIII Ubicación popular: Europa occidental Origen: Italia Significado: refleja las contradicciones sociales de la era autocrática Introducción, introducción detallada, música, pintura, Rubens , Velázquez, Introducción El estilo barroco es un fenómeno nuevo surgido en el siglo XVII. La palabra barroco proviene de la palabra italiana baroo, que significa extraño y artificial; también existe la teoría de que la palabra proviene del portugués o español, que significa perlas de forma irregular; En el siglo XVIII, algunos teóricos clasicistas utilizaron el término para burlarse del arte con un estilo idiosincrásico. El arte barroco tiene las siguientes características: ya sea arquitectura, escultura o pintura, enfatiza una sensación de movimiento, espacio, lujo, pasión e incluso misterio. La arquitectura barroca es una categoría de arte que muestra mejor las características del estilo artístico barroco. El movimiento es la vida del arte barroco. El estilo barroco en la literatura es principalmente exagerado, colorido, elegante y lleno de fanatismo religioso. Las emociones humanas son exageradas y la forma es caótica y rota. Las esculturas de Bernini Los inicios del arte barroco se centraron primero en Roma, Italia, y luego se extendieron a España, Alemania, Australia, Francia y Reino Unido. Aunque el arte barroco se originó en Italia, la popularidad del estilo barroco comenzó en Amberes, Flandes, en 1620. Durante el período de Luis XIV en Francia, los muebles barrocos fueron los más famosos, saltando a la posición de liderazgo en los países europeos y convirtiéndose en un ejemplo clásico del estilo barroco. Otros muebles, como el estilo jacobino británico, el estilo William y Mary y los primeros muebles de estilo colonial americano, también son más influyentes. Los patrones de tallado comunes en el estilo barroco incluyen conchas de perlas irregulares, sirenas, medias sirenas, dioses del mar, caballitos de mar, guirnaldas, pergaminos, etc./En Francia, los muebles de mesa de estilo barroco a menudo utilizan estatuas humanas para decorar las patas de apoyo. o decoración de soporte horizontal debajo del tablero. Además de las tallas exquisitas, también es popular la decoración de la superficie de los muebles barrocos, que incluye chapa de oro, pintura pintada en oro y decoración de parquet de madera fina. El barroco se refiere a un estilo artístico. Desde el siglo XVIII, los historiadores del arte y los arqueólogos han prestado especial atención al estudio del estilo. El llamado "estilo" significa que una obra se compone según una combinación específica. Tiene su propia armonía interna, pero obviamente es diferente de otros estilos, por lo que puede dejar una profunda impresión en las personas. La formación del estilo es, por supuesto, una manifestación de la madurez de una determinada época y del desarrollo artístico del autor. El barroco como estilo siempre ha sido un tema controvertido entre los historiadores del arte. El significado original de la palabra "barroco" contiene el significado de irregularidad, distorsión y rareza. Probablemente fue un título dado por los clasicistas en el siglo XVIII al arte de sus predecesores con el que no estaban de acuerdo. En términos de época, el "barroco" fue popular desde el siglo XVII hasta principios del siglo XVIII. Por lo tanto, algunas personas incluyen el arte de todos los países del siglo XVII, como Italia, España, Flandes, Países Bajos, Francia, etc., dentro del ámbito del "Barroco". Introducción detallada El término "barroco" era originalmente una descripción despectiva de un estilo que se originó en Italia y luego se hizo popular en el siglo XVII. La palabra barroco proviene del portugués barraco, que significa perlas deformes.
En historia del arte, se convirtió en un término reconocido con connotaciones críticas debido al historiador suizo del siglo XIX Burckhard (Nota: Burckhard, 1818-1897, un historiador suizo dedicado al estudio de la historia cultural y del arte. Enfatizando el importante papel del estudio de la cultura y el arte en la comprensión de la historia humana, su obra principal es "La cultura italiana en el Renacimiento") lo utilizó oficialmente en su obra. La pintura de estilo barroco es un estilo entre el manierismo y el rococó. Originariamente surgió de la necesidad de transformar la Iglesia Católica Romana. Las críticas protestantes al cristianismo se centraron en los rituales y doctrinas religiosas, y estaban particularmente descontentos con la venta de indulgencias por parte de la iglesia y la política corrupta de la Santa Sede. En términos de doctrina, la iglesia insiste en la prerrogativa de interpretar la Biblia. En comparación con el énfasis del Renacimiento en el humanismo, las nuevas ideas estaban más directamente dirigidas a los valores espirituales, que eran más importantes que los derechos de las personas mismas. Para reestructurar el orden y la vida espiritual, las medidas de reforma se originaron en el Concilio de Trento (Nota: Concilio de Trento, el XIX Concilio Ecuménico de la Iglesia Católica celebrado en la ciudad italiana de Trento de 1545 a 1563 para competir con el protestantismo. Reunión) . En este concilio, la iglesia estableció reglas para el uso de artistas y sus patrocinadores; las obras de arte de la iglesia debían expresar verdades bíblicas; entre otras regulaciones, los tratamientos artísticos de la desnudez debían seguir estrictamente la etiqueta designada. Después de un período de conformidad, surgió un nuevo estado de ánimo religioso, caracterizado por la emotividad y el entusiasmo. Estilísticamente, se caracteriza por un énfasis en los efectos dramáticos, fuertes contrastes entre luz y oscuridad, movimiento y el uso de poderosas líneas diagonales y curvas. En la primera mitad del siglo XVII Italia era el líder indiscutible en el arte. El movimiento barroco se originó en Roma y estuvo bajo la protección de las principales figuras de la iglesia, especialmente en el período de 1623 a 1644, como figura dominante: Ur. Se hizo popular por el gusto de Urbano VIII (1568-1644), y todavía fue favorecido durante el reinado de Inocencio X (1574-1655) de 1644 a 1655. Aunque el barroco se originó en Roma, no olvide que Italia era un país compuesto por ciudades-estado independientes en ese momento. Los gobiernos secular y eclesiástico estaban en conflicto y divididos, por lo que los estilos de cada región cambiaron mucho. Por ejemplo, el sur de Italia está fuertemente influenciado por España y tiene una decoración muy complicada, lo que contrasta claramente con el barroco del norte de Italia. A pesar de la depresión económica de Italia y la invasión extranjera, todavía había mucha actividad de construcción. Hay amplia evidencia de que había una pobreza generalizada en las ciudades centrales, pero al mismo tiempo muchas familias eran muy ricas. De hecho, en el siglo XVII se agregaron muchas nuevas familias ricas. Las familias con estrechas relaciones con el Papa eran extremadamente ricas. Poseían grandes mansiones y villas, y las familias dedicadas al comercio y la banca eran aún más prósperas. Estas familias ricas de clase alta estaban orgullosas de que sus palacios fueran construidos como iglesias y competían entre sí por la riqueza. La construcción de villas de campo, como palacios urbanos, requirió los servicios de muchos artistas. En términos de decoración de interiores, estos artistas a menudo desempeñaban un papel mucho más importante que los diseñadores de interiores nacionales y, a menudo, eran expertos en arquitectura, escultura y pintura. Entre los diversos componentes estructurales del interior, el barroco abogaba por el equilibrio y la unidad. Para lograr la armonía en todo el edificio, se utilizó más de una forma de arte, con bastantes artistas involucrados. De esta manera, la arquitectura, la escultura y la pintura no sólo enfatizan sus propias cualidades únicas, sino que se mezclan entre sí. Por ejemplo, la arquitectura adopta las características que se integran más fácilmente con la escultura, o la arquitectura y la escultura adoptan las cosas más singulares de la pintura. . Entre estos muchos artistas, el más destacado es Rubens, Gianlorenzo Bernini (1598-1680). La iglesia que diseñó expresa plenamente el estilo barroco. En la decoración interior combinó todo el edificio. La escultura y la pintura se combinan de manera armoniosa. manera equilibrada. Su arte se caracteriza por el uso de fuertes contrastes entre la luz y la oscuridad, lleno de movimiento dramático, gran escala y materiales lujosos.
Pero existen diferencias entre las obras arquitectónicas seculares y eclesiásticas, pero el estilo básico es el mismo. Francesco Borromini (1599-1667) fue otro gran arquitecto barroco. La iglesia de San Carlos que diseñó rompió con la tradición e introdujo algunos cambios en la arquitectura europea en el siglo XVII. En la parte superior de esta iglesia, las tres dimensiones de la cúpula ovalada están cubiertas con patrones en forma de cruz, hexagonales y rombos. La forma de la cúpula ya no es plana ni abovedada sino porque los paneles decorativos cóncavos de la cúpula miran hacia el. Los tragaluces se reducen gradualmente de tamaño, creando un efecto dinámico e ilusionista. Música Generalmente se considera que el período barroco de la música abarca aproximadamente entre 1600 y 1750, es decir, comenzando en Monteverde y terminando con Bach y Handel. En 1750, la muerte del maestro del contrapunto Johann Sebastian Bach marcó el fin de la música contrapuntística en su apogeo, y también marcó el fin de la era barroca. La razón por la que este período se llama Barroco es porque las técnicas y métodos de expresión musical en este período básicamente tienen cierto grado de similitud, por lo que usar este término para marcarlo no tiene un significado especial. La palabra barroco proviene del francés y su origen es el portugués barroco, que significa perla que no tiene forma redonda. Fue utilizado por primera vez por los críticos del último período del Barroco al comentar sobre la música de este período, y generalmente tenía un significado despectivo, refiriéndose a música cruda, extraña y exagerada. Los músicos del período clásico posterior al Barroco tendieron a simplificar y estandarizar el lenguaje musical. En su opinión, la música barroca era demasiado exagerada y no lo suficientemente estandarizada. Obras maestras de la música barroca Por ello, el término barroco es utilizado por la crítica para referirse a las obras artísticas y musicales del siglo XVII y principios del XVIII. Con el paso del tiempo, la música de este período puede verse desde una perspectiva histórica más profunda y detallada. El barroco ya no tiene la connotación de ser tosco y tosco, pero en comparación con las obras musicales anteriores y posteriores al Barroco, sí lo tiene. Tienen cierta exageración y algunas características menos regulares. El arte del Renacimiento se trata de claridad, unidad y coordinación. Pero a finales del siglo XVI, el elemento emocional en el arte aumentaba día a día, y las formas claras, claras y perfectas eran superadas por la necesidad de expresar emociones. Se puede ver en las bellas artes en las dramáticas pinturas de colores intensos de Caravaggio (1573-1610). En música, ya se han visto pistas en los madrigales de Marenzio, Gesualdo y las antiguas canciones de Daulunde, y la siguiente generación se ha desarrollado aún más. Para crear estos poderosos efectos, hubo que desarrollar un nuevo estilo musical. En general, la suave música polifónica del Renacimiento ya no se adapta a las características que exige la nueva era. La creación más importante del período barroco fue el concepto de "contraste". La música renacentista tiene una progresión suave, con las distintas voces (normalmente cuatro o cinco voces) entrelazadas y sincronizadas. Después de 1600, esta textura se utilizó cada vez menos y sólo se puede ver en la música de la iglesia. Esto se debe a que la música de la iglesia está sujeta a la tradición y la liturgia fija y, por lo tanto, es la más conservadora. El "contraste" se puede expresar en varios aspectos: tono alto o bajo; velocidad rápida o lenta (contraste entre pasajes rápidos y lentos o contraste entre partes rápidas y lentas, diferentes timbres (canto) y interpretación completa; (coro), etc. Todos ellos existen dentro de la estructura musical del período barroco y cada uno tiene su lugar. Muchos músicos del período barroco utilizaron la forma de concierto o policoncierto (la palabra en sí misma significa un elemento de contraste claro), cuya característica básica es la transformación de la textura, a veces con una voz (solo) o varias voces. A veces, se forman conjuntos de grupos más grandes. usado.
Pintura Rubens (1577-1640) fue un gran pintor flamenco y el primer pintor barroco en Europa. Sus pinturas tienen el magnífico estilo del arte barroco. Las creaciones de Rubens celebran la vida con una expresión poética de la vida, ante todo, del ser humano como la creación más perfecta del universo. La mayoría de los retratos que pintó en la década de 1920 eran retratos de aristócratas con trajes y apariencias muy lujosas, y solo había unos pocos retratos relativamente simples con ropa informal. Los retratos que pintó son fascinantes no sólo por sus perfectas habilidades pictóricas, sino también porque mostró personajes realistas en los retratos con pulsos latiendo con entusiasmo, ojos llenos de vitalidad y piel elástica. En la década de 1930, los últimos diez años de su vida, Rubens se aficionó especialmente a pintar retratos, paisajes y cuadros mitológicos. Estas obras, casi todas pintadas por sus propias manos, son más sencillas e íntimas que sus obras anteriores. Estas obras cautivan por sus técnicas de pintura libres y extremadamente precisas, así como por su contagioso atractivo lleno de entusiasmo interior. Tales como: lt; lt; Bendición y Paz; Velázquez (1599-1660) fue un pintor español y maestro de la pintura realista. La época en la que vivió fue la época del surgimiento del humanismo burgués, cuando la literatura y el arte nacionales florecieron enormemente. También fue educado en el humanismo. Conocido por sus retratos, viajó dos veces a Italia para inspeccionar y estudiar cuidadosamente las obras de los pintores venecianos. No tenía un fuerte sentido de creencia religiosa y no recurrió a la imaginación. Sólo pintó lo que podía ver y sólo pintó imágenes reales y creíbles en el lienzo. Por lo tanto, las pinturas religiosas que pintó a menudo no tuvieron éxito. Sin embargo, debido a sus pensamientos humanistas y sus magníficas habilidades de pintura realista, su arte puede alcanzar las alturas. realismo. En este siglo, debido al auge del humanismo, las personas se liberaron de las cadenas de la religión y recibieron más atención, por lo que el retrato se hizo popular. Pero la mayoría de los retratos iniciales estaban disfrazados, con fondos ficticios, los personajes eran rígidos e incluso los objetos que tenían en las manos tenían una fórmula. Debido a su talento artístico superior y sus habilidades realistas, los retratos que pintó son muy vívidos y llenos de carácter. Tales como: lt;lt;Papa Inocencio Xgt;gt; y lt;lt;Princesa Margaritagt;gt;. Sin embargo, no se olvidó de esas personas pobres y desafortunadas. Pintó algunos cuadros para mostrar a un desafortunado amable y respetuoso que no pudo evitar sentirse enojado por el pecaminoso sistema feudal, que mostraba claramente el amor y el odio del artista. Se puede decir que ha abierto un campo estético único en la historia del arte. Tales como: lt;lt;dwarf Sebastiangt;gt; y lt;lt;stitch womangt;gt;etc.