Técnicas de edición de cine y televisión
El montaje cinematográfico no sólo es una tarea imprescindible en el proceso de producción cinematográfica, sino también la última recreación en el proceso de creación artística cinematográfica. A continuación se presentan técnicas prácticas para la edición de cine y televisión, ¡bienvenido a leer! Técnicas prácticas para la edición de cine y televisión
Habilidades esenciales para los editores de imágenes
1. materiales limitados
2. La capacidad de editar materiales y encontrar los cortes que los conectan con la siguiente escena.
3. La capacidad de usar imágenes y elegir música, así como crear; melodía y fuerza argumental.
4 El montador también necesita dar a la película, que se compone de imágenes fijas continuas, una sensación de movimiento e inyectar vida a la imagen.
5 El editor encontrará naturalmente la mejor expresión entre las muchas tomas y descubrirá qué punto es el punto de corte. Esta es la melodía de la edición. Al mismo tiempo, la imagen completa de la obra se irá revelando poco a poco en numerosos materiales fotográficos. A través de los materiales se puede ver cómo debe ser la obra.
Cómo encontrar puntos de corte
¿Dónde debemos cortar y conectar? Encontrar el punto de corte es sin duda una de las tareas importantes del editor, pero aquí hay que señalar algo: este es el vértice de la imagen.
El llamado ápice de la imagen se refiere al punto de inflexión del movimiento y la expresión en la imagen, como cuando los brazos del personaje están completamente extendidos, cuando termina la bajada de la cabeza después de asentir a modo de saludo. , cuando la pelota sube y está a punto de caer, cuando se retira la sonrisa, etc.
La imagen es una continuación de una serie de imágenes fijas. Debido a que la película anterior formará una imagen residual en el ojo humano, las imágenes de la película parecen dinámicas.
Por lo tanto, cuanto más intenso sea el movimiento, el corte en la parte superior de la imagen o justo antes de que comience la acción producirá un fuerte efecto de imagen residual en la película posterior, dejando una profunda impresión en el público.
Puntos de corte que producen sensación de melodía.
Tomemos la acción de girar un libro como ejemplo para ver cómo encontrar puntos de corte.
Si comienzas a filmar desde un estado en el que la acción está completamente detenida, filma fielmente la acción de girar el libro desde el principio hasta el final, para que el público pueda saber de un vistazo que es la acción. de darle vuelta al libro.
Sin embargo, la belleza de la imagen no puede reflejarse simplemente permitiendo que la gente la entienda. Un sentido de melodía y comodidad también son indispensables. Entonces, ¿qué se debe hacer exactamente?
Seleccionamos el punto de corte inicial cuando ha comenzado la acción de voltear el libro. Si la acción de girar un libro se divide en 1 a 24 escenas, entonces los primeros 3 a 4 segmentos se cortarán como punto de corte inicial.
Este cambio no tiene ningún impacto en la comprensión de la acción de pasar el libro. Por el contrario, también puede expresar la melodía y la comodidad del movimiento. Este método de edición también se puede aplicar a otras imágenes.
No existe sólo una forma correcta de editar una película.
Una cosa que espero que no malinterpretes es que el punto de corte no es único.
Cuando la página del libro se gira hacia la mitad, se puede utilizar como punto de corte, y cuando la acción de girar el libro está a punto de finalizar, también se puede utilizar como punto de corte.
Según diferentes obras y diferentes imágenes antes y después, el punto de corte puede cambiar. No existe una única forma correcta de editar.
Por supuesto, la edición también tiene sus formas y convenciones fijas, que se pueden decir que son las reglas de la edición. Es importante comprender estas reglas, pero debido a que la edición en sí es un trabajo creativo, a veces romperás las reglas y probarás algo nuevo.
El propósito de la edición
Liberarse de las limitaciones físicas y controlar libremente el tiempo y el espacio
·En fotografía y producción, a veces es necesario dividir tomas y combinarlos después Construir una trama
·Omitir el paso real del tiempo en la historia
·Omitir el movimiento del espacio en la historia
Combinar la intención de la actuación para formar una trama y determinar la obra La apariencia final
·Conecta las tomas intencionadamente para aclarar y enfatizar el contenido que quieres expresar
·Haz la secuencia y estructura de la tomas más rigurosas y resaltan los elementos de la trama
Reglas fijas en la edición de acciones
Método de edición cuando el objeto fotografiado está en movimiento
La conexión de acción se refiere a la edición de el movimiento del objeto que se está fotografiando.
En el pasado, el rodaje de una acción a menudo tenía que interrumpirse debido al cambio de película. Sin embargo, la misma acción conectada con diferentes lentes se ve sorprendentemente fluida e impresionante. Se dice que este es el origen de este método de edición.
Las acciones están conectadas en 7:3
Primero, echemos un vistazo a los fundamentos básicos de la edición de acciones, la "conexión de acciones".
"Conexión de acción" se refiere a un método de edición que utiliza dos imágenes para conectar una acción.
En teoría, la diferencia entre estos dos conjuntos de imágenes está únicamente en el tamaño de las imágenes. Describen la misma acción en el mismo momento, por lo que la edición se puede iniciar desde cualquier punto.
Sin embargo, en este momento, habrá movimientos incoherentes o repetitivos. La imagen final editada carecía de ritmo.
El método general de edición de vídeo consiste en conectar acciones según una proporción de 7:3 o 3:7 para lograr una acción fluida. De esta manera, no sólo los movimientos hacia adelante y hacia atrás parecen coherentes, sino que también surge una sensación de ritmo y viveza.
Por supuesto, conectar según la proporción de 7:3 no es la verdad absoluta. Dependiendo del material y de los puntos de corte, el ojo humano a veces produce la ilusión de repetición y salto.
Por lo tanto, al recortar o superponer deliberadamente ciertas tomas, la acción parece más natural y fluida. Intente cambiar el punto de corte en diferentes imágenes para ver el efecto.
Conecta dos acciones en una
Conecta múltiples acciones de diferentes objetos fotografiados en una, lo que comúnmente se conoce como "clip de acción única".
El ejemplo que se utiliza a continuación es: el lanzador y el primera base que fueron golpeados por un jonrón miraron hacia la pelota. Los dos jugadores completaron la acción de "mirar hacia atrás" al mismo tiempo.
Si quieres aprovechar al máximo el material de lanzamiento, debes utilizar esta conexión: haz un jonrón->el lanzador se da vuelta->el base se da vuelta->la pelota vuela muy lejos.
Sin embargo, con este método de conexión, los movimientos de retroceso de los dos jugadores se repiten, lo que dará al público una impresión aburrida.
Un clip de acción única integrará estos dos movimientos de giro en uno, eliminando la diferencia de tiempo mediante la edición.
Específicamente, la primera mitad del movimiento de giro del lanzador se corta y se conecta a la segunda mitad del movimiento de giro del primera base. Esto puede mejorar la sensación de velocidad y hacer que la imagen sea coherente. Conexión de puntos clave de acción
Dos cámaras capturaron dos imágenes de diferentes tamaños en la misma posición y ángulo. Si se trata de una posición y un ángulo diferentes, esta regla también se puede utilizar para solucionarlo.
Por supuesto, si el metraje no se rueda al mismo tiempo, siempre que se cambie el ángulo y se utilice como punto de corte el vértice de una determinada acción (una acción característica), hay muchas formas de conectarlos. Por ejemplo, primero capture el momento antes de que se suelte la pelota, luego capture la acción de la mano que se retrae hacia abajo después de soltar la pelota y luego conéctelos.
Al editar con la acción como centro, debes prestar atención a varios aspectos. Los siguientes son los puntos clave.
① Utiliza la toma que parece más larga como toma principal. ② Considere la parte superior, inferior, izquierda y derecha de la pantalla para evitar afectar la continuidad de la acción. ③Cambiar significativamente la aplicación y la posición de la cámara cambiará el impulso de la imagen. ④La conexión según el tiempo real parecerá más retrasada, por lo que es necesario comprimir la parte omitida de la acción de transición. Especialmente en escenas con acción intensa, conviene acortar la duración del plano.
⑤ En teoría, el material filmado simultáneamente se puede editar en cualquier punto, pero al elegir diferentes puntos de corte y repetir u omitir algunas tomas, la acción será más fluida. ⑥Cuando utilices diferentes pantallas para conectar la misma acción, intenta conectar en el vértice de la acción.
La superposición intencionada de acciones para enfatizar
La repetición intencionada para enfatizar una acción se denomina acción doble o acción triple.
En la imagen de muestra, el plano del brazo del lanzador levantado hasta el punto más alto se utiliza como punto de corte, conectando el plano de acción desde delante y detrás, y finalmente conectando la vista lateral completa del mano retrayéndose hacia abajo después de soltar la lente esférica.
De esta manera, la acción puede no ser tan fluida para el público, pero la acción de "disparar" se repite tres veces (triple acción), lo cual es muy impresionante.
Las acciones dobles sólo son efectivas cuando de forma consciente se quiere resaltar una determinada acción, y deben ser lo más breves posibles para evitar que sean largas.
Las escenas de acción intensa pueden omitir la parte media.
Uno de los propósitos de la edición es omitir tiempo y espacio.
Si editas de acuerdo con el paso real del tiempo y el movimiento del espacio, ninguna cantidad de tiempo será suficiente para expresarlo, y el público lo encontrará largo y aburrido.
En este momento, un método más eficaz es extraer algunos planos intermedios de la misma acción, para luego conectarlos y combinarlos.
Este método también se denomina técnica de eliminación media.
Su función es reducir mucho el tiempo y aumentar la velocidad de la película, haciendo que el público no se canse nunca de ella.
Al utilizar esta técnica, debes elegir qué disparos eliminar. Ésta es la dificultad.
Lo más importante es no cortar el vértice de la acción (acción característica). Los brazos se levantan al punto más alto, los brazos se bajan al punto más bajo, la cara es la más enojada, la cara es la sonrisa más brillante, etc. Si se quitan estas tomas superiores, es imposible entender en qué dirección está se desarrollará la acción.
La edición con salto desarrolló esta técnica. Se trata de una especie de técnica de corte por el medio creada por Godard, que salta entre imágenes como la aguja de un tocadiscos.
Jump Editing se atreve a romper los tabúes del montaje tradicional, permitiendo crear escenas impresionantes.
A la hora de eliminar el plano medio de la acción para omitir tiempo y resaltar la sensación de velocidad, hay que prestar atención a lo que se debe omitir en otros planos, el estado inicial y cuando la posición del brazo alcanza su punto máximo. más alto al lanzar, el brazo caído, estos tres tiros por sí solos pueden expresar la acción de lanzamiento al mínimo.
Conectar imágenes FRAME IN y FRAME OUT
El objeto que se está fotografiando está en el marco de disparo, que se llama FRAMEIN.
Por el contrario, si el objeto fotografiado sale del campo de tiro, se denomina FRAME OUT.
Personas que caminan o corren, animales, coches, tranvías, todos estos objetos en movimiento se pueden editar.
Consideremos cómo conectar las imágenes ENTRADA y SALIDA del mismo sujeto en diferentes fondos.
En la escena en la que la bicicleta pasa frente a la cámara, se rodaron dos conjuntos del mismo tamaño en diferentes ubicaciones.
Por supuesto, podemos conectarlos en el orden desde la bicicleta que entra al escenario vacío (solo está el fondo en la toma, no se fotografian objetos) hasta la bicicleta que sale de la toma.
Este método de conexión no tiene nada de malo, pero el espacio parece demasiado vacío y los movimientos no son lo suficientemente fluidos.
Un método de conexión de acción excelente y rítmico es conectar los planos del conjunto de planos anterior cuando el sujeto está a punto de abandonar el campo de tiro, y luego conectar los planos del último conjunto de planos donde el objeto Acaba de entrar al campo de tiro.
El punto clave es utilizar una imagen en la que la mitad del sujeto esté dentro de la lente y la otra mitad fuera de la lente. De esta manera la acción de conexión se verá más fluida.
Si el ángulo del objeto que se está fotografiando en los dos conjuntos de tomas es diferente, agregar una toma de escenario vacía entre ENTRADA DE ENCUADRO y SALIDA DE ENCUADRO hará que el frente y el reverso de la imagen sean más coherentes.
Utiliza una lente oscura o el mismo punto para conectar los movimientos de los diferentes objetos que se están fotografiando.
¿Cómo conectar los movimientos de los diferentes objetos que se están fotografiando?
El ejemplo es la conexión entre el personaje que corre y el automóvil que corre a toda velocidad. Primero, deje que el personaje que corre se acerque más y más hasta que llene toda la pantalla, volviéndola negra, y luego coloque lentes posteriores. Aunque la velocidad de carrera de los personajes es diferente de la velocidad del automóvil, la pantalla negra (o la toma con muy poca iluminación) entre el ida y vuelta reproduce con éxito el movimiento suave.
Reglas fijas en la edición de diálogos.
Métodos para editar líneas de caracteres. Aquí el diálogo se refiere a líneas.
La edición de diálogos se refiere a la edición de las líneas de los personajes.
Se vincula con la edición de acciones como el método de edición más representativo y es un factor indispensable para mostrar la trama.
La edición de diálogos, que parece simple, en realidad consiste en algunas reglas fijas que se utilizan para expresar efectos especiales.
Las líneas están conectadas en una proporción de 1:3.
Entre líneas, excepto SE y BGM, el resto es silencioso.
Para la edición de imágenes, lo importante es cómo crear ese estado de silencio y utilizarlo para expresar el ritmo de la película.
El ejemplo es una escena de dos personas conversando en el coche. La clave para editar es cuánto espacio debe haber entre las conversaciones de dos personas. Cada toma de diálogo se filma con la cámara reemplazando a otro personaje, por lo que las dos personas no están teniendo una conversación real (=intervalo). Al editar, es importante crear espacios naturales entre las conversaciones. En general, será más coherente si los intervalos entre diálogos están conectados en una proporción de 1:3.
Si el espacio que queda después de las líneas en el primer plano es de 1 largo, entonces debe haber un espacio de 3 largos antes de que comience el diálogo en los planos siguientes.
Mueve las líneas hacia arriba y hacia abajo para aumentar el efecto dramático
Mueve el diálogo hacia arriba y hacia abajo, es decir, inserta la parte de la línea en la toma anterior (mover hacia arriba) o arrástrala en el siguiente tiro (movimiento hacia abajo) adentro.
Su función es resaltar los cambios en las expresiones y movimientos de los personajes provocados por el contenido del diálogo.
Por ejemplo: Alguien detuvo al Sr. A. El Sr. B lo saluda y le dice "Hola, Sr. A", mueve esta parte hacia arriba y luego inserta las líneas del Sr. A que se han movido hacia arriba en la toma del Sr. B, "¿No es este el Sr. B?". .
De esta forma, toda la escena parecerá más fluida y coherente.
Por ejemplo: mueva la palabra clave "Tengo a alguien que me gusta" en la toma anterior hacia abajo para resaltar el cambio en la expresión del actor bajo la influencia de esta oración. Ésta es la intención de esta técnica.
Por ejemplo: para resaltar los cambios en la expresión de la heroína antes y después de que el héroe la invite a dar un paseo, las líneas del héroe se mueven hacia arriba y aparecen junto con la foto de la cara de la heroína. Si las líneas no se movieran hacia arriba y hubiera un plano silencioso del rostro de la heroína en el encuadre, la película parecería muy larga y no tendría sentido del ritmo.
No es la longitud de las líneas lo que determina el corte de las tomas, pero es crucial realizar cortes intencionados teniendo en cuenta la trama.
Utiliza montaje incrustado para expresar el estado de ánimo.
Para hacer que la escena anterior sea más dramática, puedes utilizar el método de insertar otras tomas entre líneas. Por ejemplo, está bien mostrar algunas tomas de seguimiento. A mitad de las líneas de la heroína en la toma frontal, se inserta una toma del rostro del héroe. Esto no solo muestra el intenso cambio en la expresión del héroe después de escuchar la respuesta de su novia, sino que también enfatiza el estado de ánimo tranquilo y feliz anterior.
Métodos de edición de diálogos y sin acción, transiciones de escenas y creación de puntos de conexión
Los principiantes pueden utilizar el método tradicional O.L para hacer transiciones suaves de tomas
O.L(OVER La fotografía LAP Overlap, al igual que los fundidos de aparición y desaparición, es un efecto de transición muy común.
Representa el paso del tiempo y el movimiento del espacio, pudiendo utilizarse también para expresar estado de ánimo.
Los métodos de transición similares incluyen el método de limpieza, el método de dispersión, etc.
¡Usa máscaras para conectar diferentes escenas! Cambio de ventana
El cambio de ventana se refiere al método de edición de transición a tomas posteriores bloqueando el encuadre con el objeto cuando hay una obstrucción frente al sujeto que se está fotografiando.
Las coberturas se pueden dividir a grandes rasgos en dos tipos: coberturas inamovibles (paredes u otros objetos de gran tamaño) y coberturas de objetos móviles como los peatones.
Ambos se pueden conectar directamente, pero usar un escudo para conectar parece más natural.
Utilice imágenes borrosas para conectar diferentes escenas.
Reunir y no reunir se refiere a sintetizar gradualmente imágenes borrosas en imágenes claras, o convertir gradualmente imágenes claras en imágenes borrosas.
Al ser una imagen muy abstracta, resulta muy natural utilizarla para conectar dos tomas diferentes.
Pero una cosa a tener en cuenta es que si no hay diferencia de color e imagen entre la imagen anterior y la posterior, el resultado final se verá muy disonante.
Por ejemplo, desde una rosa roja hasta la luz de señalización de un coche de policía, o desde el rostro de una persona al rostro de otra, etc., la imagen borrosa debe estar conectada a una escena concreta, en el escenario o en rodaje. Los objetos sólo se pueden utilizar cuando son absolutamente idénticos en color y forma.
Utiliza el efecto de desenfoque causado por el movimiento para conectar la lente.
El disparo en movimiento rápido consiste en disparar moviendo la cámara hacia la izquierda y hacia la derecha (o hacia arriba y hacia abajo) a una velocidad extremadamente rápida.
Al utilizar este método, aparecerá un efecto de desenfoque, conectando diferentes lentes.
Esta técnica da la impresión de centrarse en el movimiento espacial. Tenga en cuenta que se deben utilizar tomas muy cortas y rápidas. Si se utiliza un plano largo, será difícil utilizarlo como plano conector para las transiciones de escenas.
Tenga en cuenta que el fondo también debería cambiar significativamente en diferentes escenas.
Utiliza el mismo escenario para conectar los planos
Un corte aéreo es cuando se conectan dos escenas diferentes que suceden al mismo tiempo en el plano anterior, se levanta la cámara para disparar. cielo, y luego la cámara El método de edición para cambiar la escena que cae a otra escena no se limita a un cielo azul. Puede usar la luna, el sol, las estrellas, etc.
Las escenas de los dos planos pueden estar muy alejadas, pero debe haber un punto en común (como por ejemplo el mar).
Usa el efecto de exposición para conectar la lente.
Al igual que usar un flash potente para disparar, usa un flash (una lente completamente blanca que aparece en un flash rápido) para conectar una lente diferente. lente El método de conectar la lente se llama efecto flash.
Incluso si conectas lentes sin puntos de comunicación, no habrá ninguna sensación de falta de armonía.
Esta técnica se utiliza a menudo en anuncios y vídeos musicales.
Utiliza pantallas divididas para pasar a tomas posteriores.
El enfoque general es dividir tomas simultáneas y juntarlas. Si no hace esto, será difícil que la audiencia comprenda la imagen.
Separa la mitad derecha de la lente e inserta otras lentes para formar la imagen completa. Muy útil a la hora de representar eventos sincrónicos.
Se puede decir que otros métodos de edición representativos y productos de video son una colección de montaje.
Finalmente, se presentan los métodos de edición representativos como CUT BACK (recortar) que los editores pueden realizar. Los diferentes métodos de edición, la trama, el estado de ánimo de los personajes y el significado de las imágenes cambian mucho. Algunas obras incluso tienen un giro de 180 grados.
El montaje consiste en crear una historia a través de la combinación de imágenes. Aquí te presentamos este método de edición muy efectivo.
Dejar que aparezcan alternativamente diferentes tomas que están sucediendo al mismo tiempo.
Dejar que aparezcan alternativamente cosas que suceden al mismo tiempo en diferentes lugares. A esto se le llama backcutting (también puede serlo). llamado transversal).
Los recortes no sólo enfatizan la continuidad de la escena, sino que también potencian la tensión y la expresividad.
Al cambiar la velocidad de disparo de la lente (cámara lenta), la trama se puede hacer más expresiva.
En el recorte, las tomas de diferentes lugares aparecen alternativamente y finalmente ambas partes aparecen en el mismo lugar. Este método tendrá mejor efecto.
Por ejemplo, si llegas tarde a una cita, las tomas de hombres corriendo rápidamente se alternan con tomas de mujeres esperando en el lugar señalado.
Al final, ya sea que los dos finalmente se encuentren o que el hombre no llegue y la mujer se vaya de compras sola, el efecto de la cámara será muy bueno.
Un método de edición similar al recorte es FLASH BACK.
Flashback se refiere a la inserción de muchos planos ultracortos al mostrar los recuerdos o descripciones internas de los personajes.
Cuando la conexión sea difícil, inserte escenas como si fuera pegamento.
El recorte (CUT AWAY) es un método de edición que conecta las tomas frontal y trasera como si fuera pegamento. Es un método teórico antitradicional que sorprende a toda la audiencia al conectar dos imágenes del mismo tamaño.
Por ejemplo, al filmar una escena de dos personas en una cafetería, en lugar de conectar tomas específicas de las dos personas, se inserta una toma de cubitos de café en el medio para que la película parezca más rítmica. .
Siempre y cuando la lente insertada capture el objeto que apareció en la lente anterior.
Por ejemplo, conecte la toma de una mujer mirando gemas, el primer plano de las gemas y las tomas de ella comprando en otras tiendas. Siéntase usted mismo: si no hay una toma de esta joya, el público se sentirá diferente en términos de ritmo y conmoción.
¡Utiliza tomas de diferentes fotogramas para conectarlas y crear una sensación de ritmo!
Acercar y alejar el zoom es una forma muy común de aportar novedad a las lentes comunes.
Combina tomas de estado de ánimo con diferentes encuadres (generalmente primeros planos que pueden expresar el estado de ánimo del personaje) y tomas de escena (tomas de situación, generalmente tomas largas o tomas súper largas) en etapas. El enfoque habitual se divide en 3. etapas, tenga en cuenta que los fotogramas de diferentes tomas son diferentes.
Por ejemplo, una toma de acercándose tres veces a un hombre fumando (ampliar). También puedes alejar gradualmente la imagen en tres pasos.
Si utilizar el mismo framework te resulta monótono, puedes utilizar este método.
Lo maravilloso del "cutback" desde la perspectiva de las películas es una técnica de edición que hace que dos o más tomas de escenas diferentes aparezcan en una determinada relación.
Este método puede parecer difícil, de hecho, podemos verlo a menudo en series de televisión y películas. Es una técnica de edición muy común.
Por ejemplo, hombres y mujeres en el teléfono aparecen alternativamente. Esta es una toma muy común, pero utiliza el método de recorte.
La ventaja de recortar es que permite que el paso del tiempo reaparezca, dando a las personas una sensación de tiempo más cercana a la de la película.
Por ejemplo, al describir a un asesino y la policía persiguiéndolo, el uso de recortes llevará la película al clímax, aumentará la sensación de velocidad y dará al público una mayor sensación de tensión. La trama se desarrolla hábilmente utilizando la técnica del backcuting.
La técnica del recorte puede dar un nuevo significado al plano.
Por ejemplo, la escena de la película de Hitchcock "Atrapar a un ladrón": cuando Kelly Brand y Grace Kelly estaban hablando en una habitación de hotel, se lanzaron fuegos artificiales fuera de la ventana. Los fuegos artificiales aquí sirven como metáfora del amor entre los dos. Aquí, los planos de los fuegos artificiales se recortan para hacer más expresiva la trama de la película.
En la película "Hell" de Kerppola, el recorte vuelve a ser algo filosófico.
En la escena donde Wenrad asesinó al coronel Carter, se insertó una escena de los aborígenes sacrificando ganado a los dioses. Esta toma es fácil de entender, pero Crapo abordó la escena desde una perspectiva antropológica cultural.
De Paimovie.com｜Autor aoxilisi