La relación entre música y arquitectura durante el Barroco
El barroco es un estilo de música y artes visuales (arquitectura, escultura) que se desarrolló directamente a partir de la tradición del humanismo progresista en el Renacimiento y fue popular en algunos países europeos (en primer lugar, Italia) desde aproximadamente 1600. a 1750. Término general para un estilo en pintura), y también se refiere a un período histórico específico de ciento cincuenta años en el arte. Este período de la historia incluye la Guerra de los Treinta Años, la expansión del protestantismo, los esfuerzos de la Iglesia Católica Romana por mantener su autoridad suprema y la exploración e inmigración del Nuevo Mundo. Los cambios básicos en la política y la sociedad se reflejan en la desintegración gradual del feudalismo, la toma gradual del poder y la riqueza por parte de la clase media en la lucha contra la aristocracia y el establecimiento de algunos Estados-nación como Gran Bretaña, Francia y los Países Bajos. y España. Fue una época de agitación, violencia y cambios audaces: los europeos descubrieron y asimilaron el Nuevo Mundo, los italianos descubrieron las montañas de la Luna y las lunas de Júpiter, los alemanes descubrieron bacterias y células, y los británicos formularon las leyes de la gravedad y descubrieron la relación entre la luz y La Naturaleza del Color - Arte refleja los cambios de este período.
La palabra barroco proviene del vocablo portugués barroco. , el significado original es una perla grande que no es redonda. Puede haber dos razones por las que la palabra barroco es atractiva. En primer lugar, la palabra misma muestra que las obras de arte irregulares a gran escala también son hermosas. De esta manera, los artistas barrocos pueden trascender la seriedad y el estilo que se enfatizaron particularmente durante el Renacimiento. equilibrado, pero entregado a una pasión exagerada y un lujo y exageración excesivos. En segundo lugar, el significado anterior de la palabra barroco equivale a establecer un nuevo principio para evaluar el arte, es decir, el valor de la obra de arte en sí debe usarse como base, en lugar de basarse en los principios estéticos establecidos por los antepasados. Al evaluar el valor de la obra de arte, todo apreciador del arte, especialmente el mecenas, puede tener criterios puramente personales. Los artistas del período barroco sirvieron tanto a la Reforma protestante como a la Contrarreforma católica. Por ejemplo, utilizaron la enorme columnata que conecta ambos lados de la Basílica de San Pedro para animar a los creyentes a acercarse a Dios con alegría, o utilizaron coloridas estatuas de piedra (o piedras falsas pintadas), altares dorados y techos pintados, púlpito exquisitamente tallado. además de tocar el órgano y el coro de la iglesia, decorar extravagantemente la iglesia, infundiendo una sensación de asombro en los creyentes que allí se encuentran. Pero también construyeron el espléndido Palacio de Versalles para Luis XIV, de modo que quienes entraran en el Salón de los Espejos, como su Salón de los Espejos, sintieran asombro ante la riqueza y el poder del rey que lo construyó, justo como aquellos que entraron a la Basílica de San Pedro. Los creyentes estaban asombrados por la autoridad del Papa que construyó la iglesia; también construyeron villas y jardines suburbanos extremadamente lujosos para los dignatarios romanos. Su excentricidad e ingenio también reflejaban las maravillas de la parte superior. Sociedad de clases donde la vida era complaciente y codiciosa Piensa en ideas maravillosas. El arte barroco alaba el sistema autocrático y sirve a los intereses de la Iglesia católica. Sin embargo, profundiza en el mundo interior de las personas y entra en la vida de manera más práctica que el Renacimiento. Es magnífico, rico en decoración, altruista y artístico. El período barroco, como el arte de otros períodos, está marcado por contradicciones, incluido el fanatismo misterioso y el sentimiento conmovedor, así como la extravagancia, la indulgencia y la vitalidad que enfatiza el otro lado del mundo.
El periodo barroco en la música comenzó en 1600, cuando nació la ópera, y finalizó en 1750, cuando murió Bach. La "capital" del arte barroco está en Roma, y la música barroca también tuvo su origen en la ópera florentina. Dado que casi todo el arte de aquella época se utilizaba para alabar a la familia real, no es de extrañar que el rey, el mayor mecenas, prestara especial atención a la nueva forma de arte de la ópera, que integraba pintura, escultura, arquitectura, danza y música vocal. y la música instrumental fue la primera en conseguir el terreno para el desarrollo. Pero la esencia de la música barroca finalmente se concentró en Alemania, representada por Bach y Handel.
Un signo importante del estilo musical del Barroco temprano fue la transformación de la polifonía de varias voces del Renacimiento a la música monofónica con una sola melodía y armonía. A los compositores del siglo XVI sólo les preocupaba la progresión de varias líneas melódicas independientes que coexistían y eran igualmente importantes en una canción, y las interrelaciones resultantes entre las voces en cuanto a las diferentes letras cantadas por diferentes voces al mismo tiempo. escuchar con claridad o no puede ser ignorado.
Algunos compositores italianos del siglo XVII enfatizaron el atractivo de las letras, centraron su expresión musical en una sola línea melódica en la voz alta y utilizaron una línea de bajo para apoyar toda la obra. Los huecos se dejan rellenar con la armonía correspondiente mientras se toca. De esta manera, debido a que la consideración del compositor sobre la relación entre sonidos ha comenzado a desplazarse del aspecto horizontal al aspecto vertical, es decir, la organización armónica de los sonidos, algunas de las voces medias que antes desempeñaban un papel igual han sido todas relegado a una posición secundaria. ——Esta es la técnica llamada "continuo" (ba5so cotinMo). Este nuevo diseño de música monofónica también condujo a un cambio muy importante en la historia de la música, es decir, los ocho a diez modos de la iglesia medieval se redujeron a dos modos mayores y menores. Este sistema mayor y menor dominó la música occidental durante aproximadamente. trescientos años.
Este gran cambio en la música barroca se inició sin duda en el ámbito de la música vocal. Al principio, la música monofónica pretendía utilizar la música para enfatizar el acento y el significado de las letras, y trataba de conectar la música con la poesía y a través de la poesía con la vida misma, formando así una armonía simple (recita6ve). que es básicamente una progresión libre, y el recitativo (arioso), que es más lírico que recitativo; estos dos estilos de expresión son los principales factores que constituyen la ópera, la cantata y el oratorio. Posteriormente, la técnica del 'continuo' se aplicó a todas las creaciones musicales, incluida la música instrumental. Por lo tanto, el período barroco también se llamó 'período continuo' más tarde.
Barroco, aunque fue el nuevo método de creación de música monofónica. Durante este período apareció una sola melodía, la música de clave principal no ganó predominio; la música barroca todavía estaba en la etapa de mezclar o alternar polifonía y armonía de clave principal, pero en este momento la polifonía la música tonal ha experimentado cambios fundamentales, y su La conexión con la armonía se ha vuelto más fuerte. Para enfatizar una expresión emocional clara y fuerte, la música barroca a menudo se basa en un ritmo y un ritmo fijos e inmutables que dominan toda la canción (o toda la orquesta). Hay un claro énfasis en los ritmos dinámicos del heavy. ritmos (los ritmos de las frases instrumentales tipo motete del siglo XVI a menudo flotan libremente y a menudo están sincopados para ocultar la métrica regular), movimiento continuo y melodías extendidas (clásicas. Las melodías de la época a menudo tienen frases equilibradas y simétricas y bien estructuradas). cadencias organizadas), así como colores de instrumentos unificados y dinámicas bastante estables (en el período clásico, hay cambios constantes en los colores de los instrumentos y fluctuaciones en la intensidad) para mantener un único color emocional. El arte barroco enfatiza particularmente el uso de luces y sombras fuertes. contrastes y contradicciones internas para crear tensión y dinámica. El método específico suele ser a través de la conversión tonal, cambios de intensidad y velocidad entre movimientos, y el grupo solista y el conjunto en el mismo movimiento del concerto grosso pueden crear tal variedad de contrastes y unidad. Esto se puede lograr contrastando grandes grupos y organizando hábilmente numerosos detalles en un todo perfecto, al igual que cada centímetro de la arquitectura barroca.
Antes de 1600, la música instrumental no era tan valorada como la música vocal. Los instrumentos de viento de madera sólo se encontraban en su etapa inicial de desarrollo, pero en el período barroco la música instrumental también se desarrolló enormemente. tecnología, algunos instrumentos tienen las condiciones para tocar música seria, especialmente después del desarrollo del método de afinación de doce temperamentos iguales. Los más importantes de estos instrumentos de teclado son el clavicémbalo y el órgano, la música para teclado que surgió incluye suites y fugas. este último en las obras de Bach, para alcanzar la perfección, el instrumento de violín ha ganado una posición importante en la música barroca, que es otro símbolo importante del desarrollo de la música instrumental. En consecuencia, se han mejorado enormemente las sonatas y varios tipos de partes. Han surgido combinaciones, la más importante es la llamada "sonata trion" (tres partes, la parte de continuo la tocan al menos dos personas). Además, también hay conciertos grosso basados en el contraste de dos grupos de. instrumentos El primer ejemplo importante fue escrito por el compositor italiano Corelli (A. Corell6, 1G53-1713), y otro compositor italiano Vivaldi (A. V5valdi, 1669-1741) lo estandarizó y finalizó. Tiene una estructura de tres movimientos: rápido, lento y rápido.
El período Barroco hizo más que cualquier otro período en la historia de la música por establecer y desarrollar una serie de géneros y formas claramente definidos.
El Barroco es un período animado y enérgico. La interpretación de la música barroca no debe ser rígida y sin emociones. Por supuesto, la pasión en la música barroca es completamente diferente del romanticismo. El período barroco en la música está representado por los compositores del Barroco tardío Handel y Bach. En Inglaterra, el oratorio alcanzó su cenit con la majestuosa obra monumental de Handel. Handel conquistó a los británicos con su obra "Mesías".
A menudo se considera a Bach como el fundador del arte musical, pero en realidad representa el final de una evolución a largo plazo. Lo que constituyó su obra fue una bóveda arquitectónica, una cúpula añadida a un gran templo. Bach dejó un rico legado en todos los campos de la música vocal e instrumental.
En la época barroca, debido a que la gente se dio cuenta de que las personas se habían convertido en el estándar con el que se miden todas las cosas, pensaron mucho en las diversas emociones y estados internos de las personas. Esto significa explorar aquellas cosas que nos afectan. La vida emocional juega un poder decisivo pero profundamente oculto. La gente se da cuenta de que es especialmente fácil reflejar diversas emociones en la música. El surgimiento inicial de esta "teoría emocional" está relacionado con el surgimiento de la música y la poesía. En esta combinación, el estado interior de las personas se expresa claramente a través de la poesía. El período barroco desarrolló una impresionante técnica de composición llamada fonograma, que permitía que la música reflejara vívidamente el contenido de las palabras. El movimiento y la dirección de las ideas musicales (progresión, persecución, salto, ascenso, descenso) se expresan vívidamente a través del movimiento de la melodía y el ritmo. Bach amonestó a sus alumnos a "expresar el himno según el significado de las palabras". Bach utilizó tonos ascendentes para representar la resurrección y utilizó una línea de bajo que puede descender a lo largo de la escala cromática para simbolizar el dolor de Jesús cuando fue crucificado. El tema sinuoso y ondulante recuerda la tentación de Satanás. Una vez establecida la imagen musical, se abandona su carácter pictórico y se desarrolla según pasos puramente musicales hasta convertirse en material musical abstracto. En definitiva, entra en juego pura imaginación musical.
Principales representantes del periodo Barroco: Monteverdi, Corelli, Scarlatti, Vivaldi, J.S Bach, Handel.