Cómo escribir un guión dramático
1. Guión dramático
El guión es el elemento literario del drama, un guión literario para que los actores actúen en el escenario. Es la base del drama y el fundamento de un drama. .
El guión se compone principalmente de diálogos, monólogos, narraciones e instrucciones escénicas de los personajes de la obra. Los diálogos, monólogos y narraciones utilizan palabras habladas y, en óperas y óperas, a menudo se expresan en libreto. Las acotaciones escénicas en el guión son descripciones narrativas escritas en el tono del dramaturgo, incluyendo una explicación del tiempo y lugar donde se desarrolla la trama, una descripción de las características de la imagen, movimientos físicos y actividades internas de los personajes de la obra, y una descripción de la escena, descripción de la atmósfera, así como requisitos de escenografía, iluminación, efectos de sonido, etc.
Existe un tipo de guión que persigue principalmente cualidades literarias pero no es para interpretación o no es apto para interpretación. Se llama "drama de escritorio" o "drama de estudio". Los románticos en Europa en el siglo XIX escribieron muchos poemas en forma de drama, que eran sólo para lectura humana. Como base literaria para las actividades de interpretación dramática, la creación de guiones debe abordar adecuadamente la relación entre su propia naturaleza literaria y su naturaleza escénica, teniendo la interpretación como su propósito y refugio.
En las actividades escénicas reales, algunos directores procesan adecuadamente el guión escrito por el dramaturgo de acuerdo con las necesidades de la actuación, formando un guión escénico específicamente para la interpretación, también llamado guión. Los guiones de actuación generalmente no cambian la esencia espiritual ni el estilo artístico del guión original.
Instrucciones escénicas: instrucciones escritas en un guión que no es necesario pronunciar durante la representación. Generalmente, incluye recordatorios del tiempo y lugar de la trama, requisitos de procesamiento artístico como escenografía, iluminación y efectos de sonido, y descripciones de los movimientos físicos de los personajes, actividades psicológicas y atmósfera de la escena.
En la creación de guiones, el uso de acotaciones escénicas generalmente debe basarse en el principio de si favorece la representación de personajes y la creación artística de directores, actores y trabajadores escénicos. Una buena dirección escénica no sólo puede agregar valor literario al guión, sino también crear una fuerte atmósfera dramática y proporcionar un amplio espacio para la representación escénica.
2. Creación de guiones
1. Elección de temas dramáticos
Ante la rica y colorida vida real, ¿cómo elegir los materiales necesarios para el drama? La selección del material dramático debe, en primer lugar, cumplir con los requisitos generales para la selección de artículos y, en segundo lugar, debe cumplir con los requisitos especiales del estilo dramático.
1. Requisitos generales para la selección de materiales
Elija el tema con el que el autor esté más familiarizado, tenga el sentimiento más profundo, la comprensión más profunda y tenga un significado social importante.
Elija temas que actualmente sean de interés para el público.
2. Elige un tema que se ajuste a las reglas del drama
① Capta a los personajes y al tema
El drama debe expresarse a través de las propias palabras de los personajes. y acciones, características del personaje y actividades psicológicas, por lo que al seleccionar materiales dramáticos, primero se debe prestar atención a la imagen del personaje con una personalidad distintiva, y el personaje debe tener una acción fuerte y ser capaz de expresar su personalidad a través de sus acciones.
Cada personaje actúa de forma intensa e implacable para conseguir sus propios objetivos claros. Los personajes piensan y hablan por hacer, y esta "acción" promueve cambios en las cosas y constituye una acción dramática.
②Elija personajes y eventos que sean suficientes para causar una colisión entre personajes y constituir un conflicto dramático. Las personas con diferentes ideologías y personalidades, especialmente aquellas con visiones del mundo opuestas, están condenadas a entrar en conflicto si cada una actúa tenazmente de acuerdo con sus propios consensos y deseos. Hegel dijo: "Dado que los conflictos generalmente requieren resolución como resultado de una lucha entre opuestos, las situaciones conflictivas son objetos particularmente adecuados para la dramaturgia".
Seleccione personajes cuyas acciones se desarrollen y cuyas personalidades entren en conflicto. cosas. Específicamente, se deben seleccionar varios pequeños giros y vueltas de acuerdo con la lógica del desarrollo contradictorio de las cosas, y gradualmente convertirse en un giro grande y fundamental, que refleje el gran desarrollo de las cosas, formando un proceso de acción que sea a la vez simple y lleno de cambios. .
③Los materiales seleccionados de acuerdo con las reglas anteriores deben ser adecuados para la representación escénica.
2. Creación de personajes dramáticos
Al crear un guión, además de seleccionar personajes con personalidades distintivas y acción fuerte, también debes dominar algunas habilidades para darles vida. .
1. Caracterizar personajes a través de acciones es la forma más vívida y eficaz.
Las acciones aquí mencionadas incluyen los movimientos físicos de los personajes, movimientos verbales y movimientos internos.
Engels decía: “El carácter de una persona no sólo se muestra en lo que hace, sino también en cómo lo hace; desde este punto de vista, creo que sería mejor distinguir cada carácter de cada uno. otro de una manera más opuesta, si es más claro, el contenido ideológico básico no se dañará." ("A Ferdinand Lassalle") En todas las obras literarias, las propias acciones del personaje son el medio más importante para retratar su personaje. Esto es especialmente importante en el teatro, porque la acción es especialmente adecuada para el arte escénico.
A veces, una acción distintiva es mejor que muchas líneas, ya que no sólo muestra claramente al personaje, sino que también deja una impresión imborrable en el público.
Las acciones de los personajes se pueden dividir en acciones grandes, acciones pequeñas y acciones detalladas. En términos generales, en una obra, cada personaje tiene sólo una o dos acciones principales, que a menudo desempeñan un papel decisivo en la expresión de la esencia de los pensamientos y el carácter del personaje, y a menudo se organizan en el punto de inflexión o clímax del desarrollo de la trama. Sin embargo, la acción principal de un personaje no ocurre de repente, sino que es el resultado inevitable de una serie de pequeñas acciones que se desarrollan gradualmente. Por lo tanto, en la concepción artística, basada en las personalidades de los diferentes personajes y en torno al evento central de toda la obra, se diseña para cada personaje una línea de acción a partir de muchas acciones que conducen a grandes acciones. Siguiendo dichas líneas de acción de los personajes, los personajes. ' Los pensamientos se revelan en profundidad. Sólo las características esenciales del personaje pueden crear una imagen escénica vívida y vívida.
La personalidad del personaje también se puede revelar a través de algunas acciones detalladas. A veces estas acciones detalladas pueden no estar directamente relacionadas con el tema y el conflicto dramático, pero son muy útiles para retratar la personalidad del personaje.
2. Concéntrate en revelar el mundo interior del personaje y darle un fuerte color emocional.
Cao Yu dijo una vez: "Como creador de dramas, me he dedicado a los personajes durante muchos años. Siempre siento que escribir dramas se trata principalmente de escribir sobre personas; la atención se centra en cómo retratar a los personajes. Y lo importante de la caracterización es revelar el mundo interior del personaje: los pensamientos y sentimientos del personaje, su desarrollo y su final provienen de esto." (Mira el drama "Danxinpu")
La descripción psicológica. La representación de los personajes en el drama no puede depender de la expresión del autor o del análisis interno como en las novelas, ni puede depender completamente del monólogo del personaje. En cambio, las actividades internas del personaje pueden revelarse principalmente a través del lenguaje y las acciones del personaje. Se pueden considerar los siguientes puntos:
Ser bueno arrojando a los personajes al torbellino de emociones, formando conflictos en la propia personalidad del personaje. Por ejemplo, en el drama histórico de Guo Moruo "Cai Wenji", el autor colocó a Cai Wenji en su camino de regreso al país y sufrió un tormento emocional.
Ser bueno organizando relaciones complejas y multifacéticas entre los personajes es una condición indispensable para revelar los ricos mundos interiores de los personajes.
Centrarse en los personajes principales a través de personajes secundarios.
3 Organizar cuidadosamente la estructura dramática
La estructura dramática es una forma dramática de existencia compuesta por trama, escena y otros elementos dramáticos. Incluye principalmente la disposición de la trama, el manejo de escenas y escenas, etc. Debido a que el drama está estrictamente limitado por el tiempo y el espacio, la estructura artística del guión es particularmente importante en comparación con otros estilos literarios.
La disposición de la trama dramática
1. La composición de la trama dramática
La trama dramática generalmente se refiere a las diversas relaciones entre personajes y personajes, personajes. y el medio ambiente en el trabajo El proceso de desarrollo de los acontecimientos y conflictos de la vida.
Las acciones y el desarrollo de los personajes son la forma externa de la trama dramática; las motivaciones y el desarrollo de las acciones de los personajes son el potencial motor de la trama dramática. Por eso, algunas personas piensan que la trama de un drama se teje a partir de la intención, los medios para lograr la intención y el fin de esos medios. Entre las obras dramáticas de diferentes estilos, algunas se centran en la intensidad externa de la acción (como el melodrama), mientras que otras se centran en la profundidad de la psicología (motivación) (como el psicodrama).
La trama de un drama se compone de escenas que se conectan una tras otra. La escena es la unidad básica del desarrollo de la trama y la trama continúa desarrollándose con la secuencia de escenas.
El papel más importante de la trama dramática en la obra es mostrar el carácter de los personajes. Al mismo tiempo, la trama dramática en sí tiene una eficacia artística y un valor estético relativamente independientes, que pueden atraer y entretener a la audiencia. En la creación dramática, no podemos ignorar la trama, lo que hará que la obra carezca de poder artístico apasionante, ni simplemente seguir la trama, lo que ahogará a los personajes y hará que la obra carezca de profundidad ideológica. Engels exigió una vez que el drama lograra "una fusión perfecta de mayor profundidad ideológica y contenido histórico consciente con la viveza y riqueza de las tramas de las obras de Shakespeare".
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Según el proceso de desarrollo de los conflictos en el drama, la trama de un guión se puede dividir en cuatro partes: el inicio del conflicto, el desarrollo del conflicto, la intensificación del conflicto (clímax) y la resolución del conflicto.
El comienzo de una obra es importante porque su calidad está relacionada con el éxito o fracaso de la situación general pero el comienzo de una obra también es muy difícil, porque el comienzo; de una obra no es de ninguna manera el comienzo del proceso del evento. Cuando aparece, se debe considerar cuidadosamente qué trama se debe mostrar primero y cómo contar y explicar varias situaciones anteriores.
El papel del actor. comienzo: para transmitir breve e implícitamente el tiempo, el lugar y la relación entre los personajes en las acciones de los personajes, se explica claramente el entorno específico de los personajes que aparecen en el escenario y se deben revelar los conflictos de personalidad; plantea, crea suspenso, indica la dirección del desarrollo de la trama y despierta el interés de la audiencia.
El desarrollo es la etapa de progreso antes de que el conflicto dramático alcance el clímax. Juega el papel más importante en toda la obra y es. También se deben mostrar aquí los personajes principales, los eventos principales y los conflictos principales de la obra para determinar si el drama puede atraer a la audiencia y si el clímax del drama puede ser natural y razonable. También está determinado por esta parte.
Por lo tanto, el dramaturgo debe captar la ley de desarrollo de la lucha entre las dos partes y hacer que el conflicto sea cada vez más superficial y agudo en función del carácter del personaje. , el desarrollo de los conflictos debe evitar crecer en línea recta, sino que debe tener altibajos, uno tras otro, para que la trama pueda ser rítmica y capturar siempre al espectador /p>
El clímax es cuando las partes en conflicto. Pasa por varias rondas de lucha, y el equilibrio de poder continúa cambiando, alcanzando el nivel más intenso e intenso, que es el punto de inflexión que determina la victoria o la derrota, el éxito o el fracaso.
Aunque el clímax es. Solo es un breve momento en toda la obra, es el lugar donde se revela el significado ideológico del conflicto dramático y los pensamientos y personalidades de los personajes son más concentrados y profundos. No es de extrañar que algunas personas digan: todo es para el clímax.
Para escribir bien un clímax, debes organizarlo con cuidado, ser bueno para reprimir el desarrollo de contradicciones y elegir el momento más adecuado para que aparezca repentinamente después de estar completamente preparado.
El final sigue inmediatamente después del clímax. El final debe centrarse en explicar los resultados de los eventos principales, y no se deben permitir detalles superfluos ni comentarios superfluos. Un buen final debe satisfacer al público y dejarlo. espacio para el regusto, mostrando plenamente la profundidad de pensamiento del autor
# Fecha de registro: 2006-11-13 Lunes (lunes) Soleado
Revisor: Le Liancheng Fecha del comentario: 2006-11. -13 16:31
2. Organizar la estructura argumental Técnicas principales
①Suspense
También conocido como "tensión", según las características psicológicas de la audiencia. La necesidad emocional de estirarse al ver una obra, el guionista o director hace arreglos para que la trama no esté resuelta y el final sea impredecible, para despertar la ansiosa expectativa del público por conocer el resultado. trama fascinante y mantiene y mejora continuamente el interés de la audiencia.
El suspense dramático tiene su origen en la expectativa que las personas en psicología provocan ante continuas dudas e inquietudes. La primera referencia a las técnicas de suspense en la teoría de la escritura de guiones occidental fue la "Poética" de Aristóteles. Aunque no existe la palabra suspenso en los trabajos teóricos sobre la ópera china, la petición de Li Yu de "eliminar los espíritus malignos" en el capítulo sobre el diseño del departamento de letras y música de "Xian Qing Ou Ji" tiene connotaciones básicamente similares al suspenso, argumentando que "Hace que la gente se pregunte". Luego, no sé cómo resultará este asunto".
La formación del suspenso dramático se basa principalmente en las siguientes condiciones: ① Hay una crisis acechando en el destino de los personajes ② La vida y la muerte, el éxito y el fracaso son todos posibles, y hay dos destinos y; dos finales; ③ Ocurre una situación igualada Y debe haber un conflicto con un resultado ④ El carácter y las acciones de los personajes principales de la obra pueden despertar el amor y el odio emocional de la audiencia; ⑤ La audiencia tiene una comprensión clara de; la futura tendencia de desarrollo de la situación. El desarrollo lógico de la trama y el fuerte amor y odio por los personajes son dos elementos importantes que constituyen el suspenso.
El uso del suspense en los guiones se divide generalmente en dos categorías:
Suspense total y suspenso menor. También conocido como patrón de suspenso general y tensión menor en escenas importantes. El suspenso general es el foco del conflicto principal de toda la obra. Se plantea al comienzo del guión y continúa fortaleciéndose a medida que el conflicto aumenta hasta llegar al clímax. Sirve como columna vertebral emocional de la estructura dramática a lo largo de la obra.
El suspenso menor pertenece a la tensión local que se produce en cada párrafo de desarrollo o escena principal del guión. Enriquece y fortalece continuamente el suspenso general, y al final de cada acto o escena, llama la atención y el interés del público hacia el papel de. el siguiente acto o escena.
Suspense esperado y suspenso repentino. El suspenso anticipado se basa en ocultar secretos al público. Es la expectativa que se crea cuando el público tiene una cierta premonición y comprensión del destino de los personajes y el desarrollo repentino de la situación se basa principalmente en ocultar secretos al público. Se utiliza para potenciar el efecto dramático. Es una situación compleja y peligrosa que resulta inesperada pero razonable para el espectador en el desarrollo de la trama. También se le llama sorpresa o sorpresa.
En la creación real, diferentes estilos y tipos de guiones utilizan estos dos tipos de suspenso de manera diferente. Los que se centran en la descripción del personaje suelen utilizar suspenso expectante; los que se centran en dramas argumentales tienden a utilizar suspenso repentino. En la aplicación práctica, los dos son complementarios entre sí. En circunstancias normales, el autor siempre utiliza el suspenso esperado para mantener las emociones de la audiencia y utiliza el suspenso repentino para provocar altibajos en la trama dramática y las emociones de la audiencia, aumentando así aún más la tensión del conflicto.
La formación, mantenimiento y fortalecimiento del suspenso también requiere de las técnicas artísticas de "supresión" y "retraso". Algunas teorías dramáticas también lo llaman "retraso" o "alivio". Se refiere al hecho de que en conflictos agudos y desarrollos argumentales intensos, el autor utiliza diversas condiciones y factores de las partes en conflicto para utilizar una determinada trama o escena intercalada en la sublínea para suprimir o interferir con el conflicto y la situación dramática, resultando en una interrupción temporal. La aparente relajación en realidad intensifica la agudeza del conflicto y la tensión de la trama, y aumenta las expectativas de la audiencia. Otra forma de retrasar es terminar repentinamente en un momento tenso de conflicto, creando suspenso y espacios en los que se quiere saber qué pasó y escuchar la descomposición en el siguiente episodio, potenciando así enormemente el efecto artístico.
El formato de alternancia de suspenso y retraso está relacionado con el límite de tolerancia mental del público al ver la obra. La tensión incesante solo hará que el público se sienta cansado, mientras que el alivio temporal sirve para ajustar el estado de ánimo y prepararse para más. tensión.Preparación mental.
La vida social es compleja y el desarrollo de las contradicciones se ve afectado y restringido por varios factores. Inevitablemente tendrá giros, avances y retrocesos, e inevitablemente producirá cambios inesperados. Para saber cómo organizar el suspenso en una obra, primero hay que estar familiarizado con las leyes del desarrollo de las cosas en la vida. El valor estético del suspenso en los dramas radica en si se ajusta a las leyes del desarrollo de la vida y a la lógica del desarrollo del personaje. personalidad.
②Descubrimiento y Giro Súbito
El giro repentino, también conocido como giro brusco o cambio repentino, se refiere a un cambio repentino en la trama en dirección contraria, es decir, de la adversidad al bien. tiempos, o de los buenos tiempos a los buenos tiempos. Es una técnica que realza el drama a través de cambios fundamentales en el destino y los sentimientos internos del personaje; el descubrimiento se refiere a la transformación de la ignorancia al conocimiento. Puede ser el nuevo descubrimiento del protagonista de su propia identidad o relación con otros personajes, o puede ser un nuevo descubrimiento. Nuevo descubrimiento de su identidad o relación con otros personajes. El descubrimiento de algún hecho importante u objeto inanimado. En la práctica creativa, el descubrimiento suele combinarse con cambios repentinos o ocurre al mismo tiempo, y los guiones suelen utilizar los descubrimientos para provocar cambios dramáticos en la trama. Por ejemplo, en la cuarta escena de "Edipo Rey" de Sófocles, para salvar a la ciudad del sufrimiento, Edipo hizo todo lo posible para investigar al pecador que mató a su padre y se casó con su madre. reveló la verdad, descubrió que fue él quien sin darse cuenta cometió este crimen y, así, un rey justo y sabio se convirtió en un mendigo ciego autoexiliado.
El primero en proponer el descubrimiento y el cambio repentino fue Aristóteles en los capítulos 10 y 11 de la Poética, creía que el descubrimiento y el cambio repentino son los elementos principales de la trama. Durante mucho tiempo, estas dos técnicas han sido consideradas las más dramáticas en el arte de escribir guiones y son ampliamente utilizadas. En la creación de guiones, una buena escena de cambio repentino no solo se centra en los altibajos de la trama, sino que también se basa en la representación de los personajes y se esfuerza por escribir los cambios psicológicos y las actividades emocionales ricos y violentos de los personajes a través de cambios razonables y repentinos en la trama.
③Entrelazamiento de tiempo y espacio
Organiza el tiempo y el espacio escénico según los sueños, alucinaciones, ensoñaciones, recuerdos y otras actividades psicológicas de los personajes, entretejiendo y entrelazando el pasado, el presente y el futuro. . Los dramas modernos que persiguen la realidad subjetiva suelen adoptar este método estructural. Se deriva principalmente de "corriente de conciencia". Por ejemplo, en "La muerte de un viajante" de A. Miller, los conflictos psicológicos y las actividades subconscientes de Willy lo atraviesan. A través del trance de Willy y hablando consigo mismo, el autor escucha inconscientemente el sonido de la flauta y la risa. tienen una transición natural, retroceden al pasado y luego regresan a la realidad mediante la interrupción de un tercero, mostrando así vívidamente el trágico destino de la vida de los personajes.
El método estructural de entrelazar tiempo y espacio rompe las limitaciones de los dramas tradicionales que reflejan la vida en un orden temporal objetivo. Expresa las vidas internas secretas y complejas de los personajes a través de un tiempo y un cambio de múltiples niveles. organización espacial. Sin embargo, debido a que las actividades de la conciencia humana son muy aleatorias y nerviosas, el uso inadecuado también hará que la estructura de la trama sea confusa y ambigua.
Debido a que la ópera china no se ciñe al realismo del escenario, siempre ha sido relativamente libre en el uso del tiempo y el espacio. También hay algunas obras que utilizan parcialmente la estructura escalonada del tiempo y el espacio. Se centran en expresar las actividades internas de los personajes, pero a diferencia del drama moderno, hay mucha aleatoriedad y saltos.
Coincidencia
La trama dramática no excluye situaciones accidentales Las tramas de todas las obras dramáticas casi sin excepción contienen factores accidentales. Se puede decir que la trama dramática no puede constituirse excluyendo. contingencia, tal como dice el refrán: Ninguna coincidencia puede hacer un libro. Sin embargo, la inteligencia debe ser razonable, natural y significativa. Es necesario combinar contingencia y necesidad.
Disposición de la escena
El manejo de las escenas escénicas es principalmente trabajo del director, pero el dramaturgo entiende el manejo de las escenas escénicas y puede hacer que la creación del guión se ajuste más a las necesidades. del escenario.
Hay muchos problemas en el manejo de las escenas escénicas. Aquí solo hablaremos de dos temas, dentro y fuera del campo, entrar y salir.
1. Dentro y fuera del campo
También llamados campo brillante y campo oscuro, en realidad son una combinación de escritura real y escritura virtual. Todas las obras que son representadas directamente por actores en el escenario y que pueden representarse intuitivamente a través de imágenes visuales se denominan colectivamente escenas brillantes, es decir, las obras de la vida real no aparecen directamente en el escenario, sino que son narradas y explicadas por; los personajes en líneas, o a través de los efectos sonoros detrás de escena. La obra que apela básicamente a la imagen auditiva se llama campo oscuro, es decir, virtual.
Crítico: Le Liancheng Fecha del comentario: 2006-11-13 16:31
La combinación de drama dentro y fuera del sitio puede expandir el territorio temporal y espacial del drama. escenario y ampliar la capacidad dramática, evitando efectivamente las restricciones del escenario teatral.
La elección de la escena luminosa y la escena oscura está relacionada con la división primaria y secundaria de las escenas dramáticas y los especiales requisitos estéticos de la imagen escénica. Las escenas principales de la obra generalmente se tratan como escenas brillantes, mientras que las escenas menores o escenas de la trama que obstaculizan la representación escénica se tratan como escenas oscuras.
2. Entrar y salir
La trama en el escenario debe estar concentrada. Las personas que no tienen nada que ver con la trama se paran en el escenario y no tienen nada que hacer. relevantes para la trama no deben faltar. No importa si hay una persona más en el escenario, o una persona menos. Por lo tanto, el manejo y disposición de la entrada y salida de los personajes también es una cuestión que los guionistas deben considerar seriamente.
El autor debe partir de la trama y pensar en un motivo suficiente para que los personajes entren y salgan de forma razonable y natural. No puedes colocar personajes arbitrariamente a voluntad, haciendo que aparezcan o desaparezcan repentinamente.
Cuatro lenguajes dramáticos
El lenguaje dramático incluye dos partes, una son las líneas de los personajes y la otra son las instrucciones escénicas del autor. De los dos, las líneas son naturalmente el pilar, por lo que lo que solemos llamar lenguaje dramático se refiere a líneas.
Las líneas son las palabras pronunciadas por los personajes del guión. Son el principal medio utilizado por el dramaturgo para mostrar la trama, representar a los personajes y encarnar el tema. .
Las líneas dramáticas generalmente incluyen diálogo, monólogo y narración. Las líneas de las óperas occidentales son principalmente letras en verso; en la ópera china, son una combinación de letras en verso y narración en prosa. La narración en ópera es un lenguaje artístico musical, que se puede dividir en varias formas de narración como Sanbai y Yunbai. El diálogo es el diálogo entre los personajes del guión y también es la forma principal de las líneas dramáticas. Un monólogo es una frase pronunciada por un personaje solo en el escenario. Se desarrolló a partir de la tragedia clásica y se utilizó ampliamente en los dramas del Renacimiento. Es a menudo un método artístico que transmite directamente los sentimientos y pensamientos internos del personaje. Se utiliza en escenas con las actividades internas más intensas y complejas de los personajes. La narración es una línea en la que un personaje le habla directamente al público en el escenario sin ser escuchado por otros personajes en el escenario. El contenido es principalmente la evaluación de la otra parte y la divulgación de mis actividades internas. "Rogar para confesar" en la ópera china es un tipo de narración.
En la creación de guiones, las líneas son un factor importante a la hora de determinar el arte de una obra dramática. Dado que el drama no es como las novelas y otros estilos literarios en los que el autor sale a narrar a los lectores y sólo puede confiar en el lenguaje y las acciones de los personajes para expresarlo todo, las líneas son el único medio lingüístico que se puede utilizar en el escenario dramático. La escritura y la disposición de las líneas se convierten en el drama. Una parte importante de la técnica.
Las líneas del guión son un tipo especial de lenguaje literario que es difícil de dominar y utilizar.
①Las líneas deben estar orientadas a acciones (acciones del lenguaje). La acción significa principalmente que las líneas deben poder revelar las acciones internas de los personajes. Como dijo Jiao Juyin: "La acción del lenguaje son las ricas y complejas actividades ideológicas de los personajes representados por el lenguaje". ") El drama es un arte de acción. Debe desarrollar rápidamente las acciones de los personajes dentro de un tiempo limitado de actuación en el escenario y provocar conflictos agudos para revelar los pensamientos, personalidades y sentimientos de los personajes. Esto requiere que las líneas obedezcan a la acción dramática y tengan las características de la acción.
La acción de las líneas radica primero en su capacidad para hacer avanzar la trama. Las líneas de cada personaje en el guión deben surgir del conflicto de personalidad del personaje, convertirse en una expresión de la actitud y reacción del personaje ante el conflicto y ser capaces de impactar efectivamente la mente del oponente en conflicto, incitando a la otra parte a tomar nuevas acciones y ser Participar más activamente en el conflicto, impulsando así continuamente la relación entre los personajes y la trama del drama. La acción de las líneas radica en su capacidad para revelar las ricas y complejas actividades internas de los personajes. En resumen, el lenguaje de acción debería tener dos funciones. Por un lado, no solo puede expresar las propias actividades psicológicas del personaje, sino que también puede provocar fuertes acciones externas, por otro lado, también puede estimular a la otra parte e incitarla a producir el lenguaje y las acciones correspondientes; De esta forma, las dos partes del diálogo interactúan, se promocionan y promueven el desarrollo continuo de la trama. (Por ejemplo, vea el diálogo entre Zhou Ping, Sifeng y Shi Ping en "Thunderstorm") Generalmente hay dos formas de expresión, una es expresar los sentimientos directamente y la otra es el "subtexto". Las líneas que expresan directamente el corazón de uno a veces se transmiten a través de monólogos; el subtexto contiene palabras y subtexto inacabados complejos y secretos, que pueden encarnarse en varias formas, como juegos de palabras, vacilación para decir algo, significado entre líneas, palabras concisas y concisas, etc.
La acción de las líneas también radica en el hecho de que pueden proporcionar una base para que los actores encuentren movimientos precisos en el escenario mientras actúan. La finalización final de la creación dramática debe realizarse en el escenario. Por lo tanto, la escritura de líneas debe tener en cuenta las necesidades de la creación de artes escénicas, para que los actores puedan moverse en el escenario y reproducir vívidamente el mundo interior de los personajes que tienen delante. de la audiencia.
② Las líneas deben ser personalizadas. La creación de los personajes en el guión sólo puede completarse apoyándose en las propias líneas y acciones de los personajes, y debe llevarse a cabo en un tiempo y espacio limitados. Estos dos factores imponen grandes exigencias a la caracterización de las líneas del guión. Para personalizar las líneas, primero debes dominar las características del lenguaje del personaje según el origen, la edad, la ocupación, la educación, la experiencia, el estatus social y la época en la que vive. Se debe procurar evitar tener el mismo tono en cada obra y el mismo tono en cada persona
En segundo lugar, caracterizar las líneas también requiere que el dramaturgo comprenda firmemente el desarrollo de la personalidad del personaje, capte los cambios en la situación dramática, captar las intrincadas interrelaciones entre los personajes y escribir esto. Las únicas palabras que los personajes en este tiempo, lugar, situación y escena pueden decir. No sólo no se pueden confundir entre sí las líneas de diferentes personajes del guión, sino que las líneas del mismo personaje en diferentes escenas dramáticas no se pueden intercambiar arbitrariamente. La clave para realizar la caracterización de las líneas es que el dramaturgo esté familiarizado con la vida y los personajes que escribe, y al escribir, profundice en el alma del personaje, se ponga en su lugar, comprenda los sentimientos internos del personaje. , e intenta descubrir el lenguaje y las características de la expresión interior del personaje.
③ Las líneas deben ser poéticas. El drama debe establecer una imagen artística distinta frente al público a través de las líneas de los personajes en condiciones de tiempo y espacio limitados, para que el público pueda contagiarse y conmoverse por el destino de los personajes. Esto requiere que las líneas del guión tengan la misma personalidad. Características y poder de la poesía. La poetización de los versos no significa que deban adoptarse todos los versos, sino que la poesía debe impregnarse en los versos. Por lo tanto, las líneas deben estar llenas de emoción y atractivo; vívidas y expresivas; refinadas e implícitas, y esforzarse por expresar un contenido rico y una concepción artística profunda en las palabras y oraciones más concisas y concentradas.
④Las líneas deben ser coloquiales para que el público comprenda claramente la trama, comprenda a los personajes y acepte la explicación de la vida del dramaturgo, las líneas deben ser claras, fáciles de entender y tener características coloquiales. El lenguaje coloquial hace que las líneas estén llenas de vida, amigables y naturales. El uso apropiado de lenguajes populares como modismos, proverbios, eslóganes e incluso jerga puede ayudar a que las líneas sean coloquiales. Si bien prestamos atención al coloquialismo, también debemos prestar atención a la estandarización y pureza del lenguaje, y debemos prestar atención al refinamiento y procesamiento del lenguaje de la vida para convertirlo en un lenguaje artístico para la vida de la imagen.