Comentarios de Sun Yao de otros
La expresión viene de la herencia
——De Caixin.com
“Siempre estoy en un estado de incertidumbre y cambio con los cambios del tiempo. Cambio en un estado de vida tan incierto o incluso confuso, he encontrado una expresión más apropiada en la pintura." Sun Yao se explicó de esta manera.
En el enorme trasfondo del tiempo, el joven pintor Sun Yao reveló su paisaje imaginario en el lienzo desde cero. Para él, la creación pictórica no se puede lograr con las manos desnudas. Las obras de arte son más imágenes que requieren que use su mente y surjan de su conciencia interior.
La mayoría de los temas creativos de Sun Yao describen la confrontación entre el hombre y el mundo exterior: "Los seres humanos están cada vez más acostumbrados a anteponerse a sí mismos a cualquier otra cosa, y el poder de la razón parece darnos la confianza suficiente para lograr el éxito". al mundo." Sin embargo, mis trabajos recientes quieren cuestionar esta confianza en uno mismo", dijo al explicar su motivación creativa.
En 2010 comienza a crear la serie "Bosque Denso". Luz y sombra, brillo y oscuridad, dan a la serie "Dense Forest" un efecto que es mitad pintura china y mitad pintura abstracta occidental. En este grupo de obras, Sun Yao combina paisajes tradicionales chinos con retratos de rostros humanos, utilizando pinturas monocromáticas en blanco y negro para demostrar la capacidad del artista para controlar el medio.
En "Dense Forest", Sun Yao se permitió deliberadamente recuperar los sentimientos del arte romántico, e incluso se sumergió en la historia, remontándose al Renacimiento en el norte de Europa. En aquella época, los artistas del Renacimiento del norte de Europa se distanciaron de la expresión de personas y cosas concretas, pero mostraron un interés inusual por los paisajes. Prestan más atención al significado simbólico contenido en las cosas naturales para el destino último del hombre y del mundo.
“Los artistas de este período prefirieron representar en sus obras una gran cantidad de espacios naturales infinitos, vastos bosques y escenas naturales de la mañana y el atardecer, y enterraron los acontecimientos de la vida humana en el calendario natural de la imagen. "La profunda influencia del arte gótico ha permitido a los artistas proyectar su comprensión y experiencia religiosa en muchos objetos naturales", dijo Sun Yao al explicar "Dense Forest". Con varios siglos de diferencia, Sun Yao se sintió conmovido por la profunda comprensión y experiencia de los artistas de esa época sobre la energía primitiva contenida en la naturaleza. "Quiero utilizar la comprensión del mundo que tenía el artista en ese momento para reexaminar la relación actual entre el yo como sujeto y el mundo".
Dos años y 23 pinturas, "Dense Forest" es llegando a su fin. Confiesa en silencio a sus espectadores: Incluso si estamos influenciados por el mundo exterior, todavía hay un espacio psicológico puro dentro de nosotros. No es más que oscurecido por el denso bosque. Mientras se eliminen las hojas, todas las nubes desaparecerán. dispersar.
Aunque tienen la misma temática, estas 23 obras han sufrido grandes cambios formales. En los últimos dos años, Sun Yao ha estado repensando constantemente la compleja relación entre conceptos como "cuerpo y naturaleza" e "imagen y realidad" que lo han preocupado durante mucho tiempo. En las primeras escenas de "Bosque denso", suele haber una pequeña figura humana escondida en la imagen. Pero después de completar cuatro o cinco dibujos, Sun Yao descubrió que el significado de esta expresión era demasiado claro. Por lo tanto, poco a poco debilitó el cuerpo humano hasta que al final solo quedó un paisaje vacío. Las características de los rostros en la pintura se fueron rompiendo gradualmente, desde la forma clara inicial hasta las borrosas y difíciles de distinguir.
Cada tema expresado por Sun Yao es la herencia y desarrollo del tema anterior.
Si "Dense Forest" es un rescate de la dependencia mutua entre el hombre y la naturaleza, entonces la inspiración creativa para "River Flows", que se lanzó en 2011, vino directamente del lamento del hombre por la infracción de la naturaleza. .
El nombre de esta serie "A River Runs Through It" proviene de la película "A River Runs Through It" rodada por el famoso director de Hollywood Robert Redford a finales de los años 1990. Esta serie utiliza un estilo único para expresar la tierra invadida y el paisaje que pasa después de la excavación natural por parte del hombre. Sun Yao utilizó la expresiva técnica de la colisión para mostrar simultáneamente grandeza, solemnidad y miedo. "Aunque nos sentimos tristes y decepcionados por estas devastadoras violaciones de la naturaleza, también nos atraen las imágenes que muestran destrucción y desastre", dijo. "Cuando vemos este tipo de destrucción de la naturaleza, muestra la extraña belleza que despertará". una especie de arrepentimiento y lástima."
Las creaciones de algunos artistas están más dirigidas a la energía social, mientras que otras solo prestan atención a la belleza. Sun Yao no tiene problemas para elegir entre los dos. De acuerdo con su propio estado, sus obras se encuentran en un estado de caos. "Lo que me importa es la relación entre la obra y el espectador." Para él, después de que se crea una obra, la relación entre el creador y el espectador cambia inmediatamente, y el pensamiento del creador se lleva a un nuevo contexto para su actualización. la exploración, esto es lo más importante, y el tema, la trama y la forma pasarán a un segundo plano.
Los tiempos han dejado una profunda huella en las creaciones de Sun Yao. Cuando era un niño nacido en la década de 1970, el desarrollo más ruidoso de Sun Yao fue el preludio del materialismo en la sociedad china de la década de 1990. Algunos críticos de arte creen: "En ese momento, bajo el estímulo de los deseos materiales, los diversos deseos del pueblo chino comenzaron a revivir y fueron liberados sin escrúpulos. Como reacción a la alta presión sobre el cuerpo desde la fundación de la República Popular En China, el cuerpo se convirtió en el punto de partida de todo, las diversas sensaciones del cuerpo se han convertido en el criterio más elevado para el juicio personal y la experiencia. Las pinturas de Sun Yao se basan en el clima de la época, a partir de su propia experiencia personal. entorno circundante, enfatizando la relación del cuerpo con la conciencia, los pensamientos y los deseos. Función El cuerpo no es ni el sujeto de observación del mundo externo ni el objeto a observar, sino el yo completo."
Por más de. Diez años, Sun Yao ha estado explorando la conexión entre el cuerpo humano y la naturaleza externa. En su opinión, el cuerpo humano es una naturaleza completa y utiliza el cuerpo para simbolizar la naturaleza más amplia.
Una vez tituló una de sus exposiciones individuales "Auto-Topografía". Esta exposición explora no sólo la relación dinámica entre uno mismo y el lugar, sino también la conexión entre lo individual y lo colectivo, y su separación de su entorno. A través de la "autotopografía", utilizó sus obras para enfatizar una vez más que la naturaleza no es en modo alguno natural.
Auroras Boreales sobre Lienzo
——Desde el Consulado de Noruega
El 26 de junio de 2010 se llevó a cabo la ceremonia de inauguración del cuadro al óleo "Aurora Traces" en el Pabellón de Noruega. Como uno de los proyectos de cooperación entre el Comité Organizador Noruego de la Exposición Universal, el Consulado General de Noruega en Shanghai y tres artistas chinos, Sun Yao utilizó su pincel para mostrar el magnífico paisaje de la noche polar en el norte de Noruega.
Persiguiendo la aurora boreal
En diciembre pasado, los artistas chinos Ma Qiusha, Sun Yao y Qiu Anxiong llegaron al norte de Noruega para un viaje de una semana con el fin de explorar el vasto paisaje de Noruega. Inspírate creativamente en la naturaleza. El grupo vivió experiencias extraordinarias, como pasear en trineos tirados por perros o perseguir la aurora boreal a -40 grados centígrados, y transfirió las sensaciones del viaje a sus creaciones posteriores.
"Trace of the Aurora": la primera pieza de esta serie de obras, levanta el velo en el Pabellón de Noruega. En primer lugar, el Sr. Halvard Ingebrigtsen, Viceministro de Comercio e Industria de Noruega, pronunció un discurso, el Sr. Noppin, Cónsul General de Noruega en Shanghai, y el propio artista Einar Larsen también tocó una canción en violín popular noruego. Una breve pieza musical añadió emoción a la ceremonia de apertura. Los óleos fueron elogiados unánimemente por los invitados presentes. "Esta pintura complementa perfectamente el Pabellón de Noruega. No sólo muestra de forma abstracta el paisaje natural, sino que también transmite el mensaje de protección del medio ambiente", elogió el Sr. Noppin.
Con el fondo azul oscuro general, la etérea y tranquila aurora verde cae del cielo como un espíritu santo, y sigue su forma para habitar en la larga noche. El hermoso y persistente rojo cálido en la esquina de la imagen erosiona indiferentemente el azul de la noche, expresando la preocupación del autor por la amenaza del calentamiento global en el Ártico.
Nuevas impresiones de Noruega
Después del año de la exposición, se venderá "Trace of the Aurora" y las obras de Ma Qiusha y Qiu Anxiong se exhibirán en verano y otoño. de este año respectivamente. Sun Yao estaba muy satisfecho con su viaje a Noruega y planeaba volver allí. "Quiero regresar a Noruega para encontrar nueva inspiración", dijo Sun Yao, quien también es profesor en la Universidad de Shanghai.
Autotopografía
Autor: Raúl Zamudio
El título de la exposición individual del pintor Sun Yao “Self-Topografía” alude a la relación entre paisaje e identidad *** relación estudiantil. Históricamente, la geografía se ha considerado inmaculada, objetiva y trasciende las fronteras culturales. Porque en cierto sentido nacemos en la cultura, no en la naturaleza.
Sin embargo, esto es un malentendido: no sólo el lugar está estrechamente vinculado a nuestra conciencia, sino que también, en el contexto de la globalización, cualquier entorno, ya sea un país o una ciudad, trasciende sus fronteras geográficas a través de sus habitantes, porque estos residentes son capaz de llevar un aspecto del lugar a una vasta área del mundo. Por ejemplo, un viticultor español o un empresario neoyorquino representan de alguna manera sus respectivas culturas y regiones, incluso si uno es del campo y el otro de la ciudad. Por eso, cuando viajan al extranjero, llevan consigo y desempaquetan este equipaje social. Por supuesto, esto se complica aún más por el hecho de que las culturas y regiones a menudo son distintas en lugar de fusionarse en una sola; por ejemplo, las regiones cambian constantemente bajo la influencia de las tecnologías informáticas y de comunicaciones como Internet.
Con el surgimiento de la globalización, diferentes regiones y culturas se están acercando cada vez más. La estructura de la nueva cultura cambia constantemente, al igual que el autoestado posmoderno, que es a la vez determinado y esencial o fijo, pero. también fluido, cambiante y abierto. La exposición "Topografía del yo" es una exploración no sólo de la relación dinámica entre el yo y el lugar, sino también de la conexión entre el individuo y el colectivo, y su separación de su entorno. A través de conceptos tan diversos como lo sublime y la contingencia del yo, esta exposición nos dice que la naturaleza es todo menos natural.
Las pinturas de Sun Yao enfatizan que el mundo en el que vivimos está intrínsecamente vinculado a nuestra psique, tal como lo hacen algunos pintores de paisajes. Por ejemplo, el artista romántico alemán Casper David Friedrich dio a la naturaleza una sensación de sublimidad en sus obras, aunque con algunas implicaciones metafísicas. Después de él, el pintor británico J.W.M. Turner tuvo otra comprensión de lo sublime y adoptaron diferentes formas de expresar este sentimiento. Friedrich presentó lo sublime como una extensión y manifestación de lo trascendente, mientras que Turner lo leyó como una extensión de los absolutos morales. Pero en cualquier caso, ambas visiones de lo sublime se remontan al filósofo Edmund Burke. En Una investigación filosófica sobre el origen de nuestras ideas sobre lo sublime y lo bello (1756), Burke propuso que lo sublime y lo bello estaban en contacto mutuamente excluyentes, aunque contradictorios. Burke cree que la sublimidad es el asombro ante la belleza de la naturaleza y el miedo a la violencia incontrolable de la naturaleza. Las personas en la naturaleza sólo pueden estar a su merced.
En otras palabras, la sublimidad tiene dos cualidades, por un lado, refiere grandeza y solemnidad, y por otro, contiene miedo. Esta característica se refleja en todos los desastres naturales terribles, aunque. son devastadoras. Nos sentimos arrepentidos y decepcionados, pero también nos atraen las imágenes de destrucción y desastre. Hay muchos videos en YouTube sobre desastres naturales como tsunamis, erupciones volcánicas, tormentas, terremotos, etc. De estos podemos ver que el cerebro humano está disgustado y fascinado por el aterrador poder destructivo de la naturaleza. La respuesta superficial y común a la muerte masiva causada por la naturaleza es explicarla como un “acto de los dioses”. En otras palabras, la destrucción de la vida causada por la cruel violencia de la naturaleza es tan profunda e incomprensible que sólo puede atribuirse a la voluntad divina. Burke argumentó que la razón por la que somos reacios a mirar imágenes de desastres no es porque seamos morbosos o insensibles a la destrucción de la vida, sino que la dualidad de nuestro disgusto y atracción por lo sublime es similar al instinto estético humano por la belleza. La comprensión de las cosas es inherente a la conciencia humana, lo que también nos dificulta apartar la mirada de la violencia de la naturaleza. Esto es crucial para comprender lo sublime de la obra de Friedrich y Turner, y es clave para comprender por qué el arte de Sun Yao es tan convincente.
El trabajo de Sun Yao es poderoso y poético, una cualidad que se debe en parte a su utilización de las tradiciones del paisaje y a darles nuevas formas.
Esto se hará evidente cuando se yuxtaponga "El monje junto al mar" de Friedrich (1808-1810) y "Bosque denso nº 15" de Sun Yao (2010). Este último forma parte de "Bosque denso", que generalmente trata sobre diversas interpretaciones de la combinación de las plantas y el cuerpo humano. Esta obra recuerda tanto al agua como a la tierra. La razón por la que se puede lograr este efecto radica en el manejo del color de Sun Yao y su exquisito uso de la luz y las sombras: en sus obras y en el espacio de la imagen, los colores se arremolinan y fluyen, y "explotan" como arabescos desordenados. . Crea una rica pictórica a través de ricos cambios en espesor y espesor. Además, las obras de Sun Yao siempre tienen una especie de grandeza, que también crea una atmósfera similar a "The Seaside Monk".
En esta famosa pintura de Friedrich, un monje se encuentra solemnemente a la orilla del mar. Parece estar en meditación sagrada y mira el magnífico e ilimitado espacio infinito en la distancia. El monje está rodeado por el mar, al igual que la forma antropomorfa creada por Sun Yao que condensa los árboles invisibles, haciendo imposible saber cuál está delante y cuál detrás. Entonces, ¿cuál es más importante en la película, los personajes o el paisaje? Sun Yao crea un enigma estético ambiguo y le da a la obra un significado más allá de lo visual: un efecto de alucinación espiritual anima la obra, como si estuviéramos viendo una proyección impredecible que emerge del abismo del inconsciente. Efectivamente estamos mirando un cuadro, pero podemos sentir que hay algo debajo o en el cuadro que no sólo nos atrae, sino que también crea una cierta dispersión estética. Al igual que Sun Yao, Turner creó una sensación de lo sublime, pero sus obras a menudo estaban imbuidas de una cualidad ética, si no moral.
El barco de esclavos de Turner (1840) es quizás una de las obras más famosas del pintor británico. Esos traficantes de esclavos encontraron fuertes vientos y olas en el mar, el barco volcó y todos murieron. Pero esta obra no es una versión del siglo XIX de una película de desastres de Hollywood. El contenido de la imagen coincide con el título de la obra. Turner no sólo mostró el zozobra provocado por el mal tiempo, sino que también aludió a la desaparición de la esclavitud. No fue el antiguo mar el que destruyó este sistema, sino el trato de Dios hacia la humanidad. El castigo por esclavizar a las personas. Evidentemente, las obras de Sun Yao también son metáforas de la condición humana. Nos presenta una escena dramática que involucra cuestiones existenciales como nuestra correcta posición en el mundo. Entre ellas, no sólo a veces entramos en conflicto con la naturaleza, sino que incluso nos separamos de nosotros mismos. .
Esta obra de Sun Yao, al igual que sus otras obras, puede verse como un espejo, que refleja la naturaleza inestable de la naturaleza humana, quizás incluso reflejando un estado de desequilibrio. Sun Yao enfatiza este efecto formal y conceptualmente de muchas maneras, incluida la fuerte luz ondulante proyectada desde la esquina superior derecha de la obra, que incide directamente en la esquina inferior izquierda de la pintura, formando una línea diagonal y también el contorno de las plantas. y los bordes crean una espiral de luz. Esta cascada de luz cae en cascada, manteniendo las cosas materiales en su lugar pero también extendiéndose en todas direcciones. La luz y la sombra se entrelazan para crear efectos siempre cambiantes. En la maravillosa composición de Sun Yao, las dos se complementan, como el silencio con el sonido y el cincel con la escultura. En las pinturas monocromáticas de Sun Yao, hay muchas capas entre los dos polos de luz y oscuridad, creando una interacción dialéctica y una relación equilibrada. Al igual que otras obras de la serie "Dense Forest", la forma en blanco y negro de esta obra proviene del contexto histórico e integra formas de arte tradicionales, formando en última instancia el propio estilo artístico de Sun Yao.
Las obras de Sun Yao me recuerdan a otro artista, Mark Tansey. Aunque sus obras también adoptan formas monocromáticas, tienen temática figurativa. La narrativa pictórica de Tansey es espiritual. Esta narrativa disuelve la historia de la pintura monocromática. En el pasado, la pintura monocromática siempre se consideró la patente del minimalismo, el formalismo puro temprano y la abstracción geométrica.
Sun Yao no solo utilizó hábilmente este método de retórica artística, sino que sus obras también se remontan a la grisalla (nombre completo: "pinturas monocromáticas pintadas en gris"). La pintura gris se usa a menudo para copiar bajorrelieves, por lo que es particularmente adecuada para expresar". temas arquitectónicos Dado que los pintores griegos aún no conocían el método de la luz y la sombra, se basaron principalmente en la pintura gris para expresar formas tonales. Más tarde, algunos miniaturistas del período gótico también utilizaron el método de la pintura gris: el origen de la nota del traductor. ). Por razones prácticas y estéticas, muchos artistas de la historia del arte han adoptado la grisalla, incluidos los artistas góticos Jean Pucelle y Giotto, pintores del Renacimiento como Peter Bosch el Viejo, Pieter Bruegel, Mantegna y el pintor y escultor manierista Hendrik Goltzius, etc. Como todos sabemos, la pintura en escala de grises no la puede realizar un experto, lo que también significa que la pintura en gris puede reflejar mejor el talento del artista que la pintura en color.
Las pinturas monocromáticas de Sun Yao demuestran su talento, porque las pinturas monocromáticas reflejan mejor la capacidad del artista para controlar el medio. Sabemos que la luz y las sombras son el núcleo de su práctica artística. Como en sus otras obras, en "No. 15", la luz juega un papel importante. No sólo añade textura formal y vitalidad compositiva a la imagen, sino que también realza el contenido emocional de la imagen. Es en este sentido que Sun Yao rompe con los artistas románticos anteriores y lleva su arte a un ámbito artístico más contemporáneo. Su vocabulario estético se acerca más a la pintura de paisajes vastos de Anselm Kiefer. Sin embargo, las pinturas de Sun Yao tienen múltiples aspectos. Él lleva estas obras a una narrativa más abierta, explorando de manera poética la situación personal que reúne la gestalt geográfica. Sus imágenes de bosques están llenas de formas antropomorfas. Al mirar sus pinturas, los individuos parecen haberse evaporado, porque en ellos no solo ha inyectado fantasmas con forma humana, sino también la perfecta combinación de figuras y paisajes, que libera emociones. Esta experiencia también podríamos observarla a través de otra de sus obras, "Bosque denso nº 14".
"No.15" expresa el denso bosque de una manera majestuosa, y este sentimiento etéreo también se inyecta en la mayoría de sus obras de esta serie. La interacción dialéctica entre lo tangible y lo intangible le da a la obra un carácter visual poético de ligereza y peso. Si "No. 15" encarna la mezcla de luz y oscuridad, densidad, centro y borde de una manera pictórica difusa, entonces "No. 14" adopta una forma material más terrosa. Sun Yao adoptó los temas consistentes de los bosques y la fantasía. En comparación con "No.15", la cara y el cuerpo en "No.14" pueden producir sonidos diferentes, porque la cara está en la superficie y el cuerpo se sumerge bajo tierra. Es en este terreno donde Sun Yao expresa la rica gama de. emociones humanas. Tomó imágenes diversas y complejas de cuerpos y rostros y les dio la misma cohesión, pero parecía poder abordar las formas también de otras maneras. Por ejemplo, en "No.7", el enorme rostro ocupa toda la imagen, por lo que el cuerpo y las plantas como los bosques parecen convertirse en sus apéndices.
Esta es una cara de alucinación arquetípica: al mirar esta enorme cara no podemos evitar pensar en la psicología y los arquetipos de Jung. El famoso psicólogo propuso que estos arquetipos surgen del inconsciente colectivo. De manera similar, las diversas formas en "No. 7" están conectadas entre sí para formar ojos, nariz, boca, etc., mirando al espectador de una manera más directa. Mientras que otras de sus obras han utilizado los significantes de los árboles para unir rostros, el número 7 es uno de los más inquietantes. Aunque el artista nunca menciona el origen o significado de esta forma pictórica, podemos intuir que este enorme rostro con otras imágenes es un retrato del propio artista. Este no es un retrato en el sentido tradicional, ya que el retrato no se parece al propio artista, pero el rostro ocupa todo el marco y forma un motivo recurrente, por lo que puede ser el alter ego del artista.
En este sentido, Sun Yao ha vuelto al punto de partida. Aunque otros artistas también han expresado temas sublimes, todos fueron presentados como naturaleza externa, mientras que la sublimidad de Sun Yao es interna.
El arte de Sun Yao parece ser un viaje a lo más profundo de nuestros corazones, un lugar al que no estamos dispuestos a ir, enfrentarnos o comprometernos. Esto no se debe sólo a nuestra complacencia, sino también a que nos desviamos de la propuesta de Sócrates "Conócete a ti mismo". Sin embargo, conocerse a uno mismo no es fácil y requiere una gran sinceridad, y las pinturas de Sun Yao son la encarnación de su sinceridad artística. Se involucra en actividades artísticas no sólo por razones estéticas, sino también para la exploración de la vida y cuestiones filosóficas, incluida la naturaleza de la existencia. En una peregrinación que él llama arte, nos enseña a través de estas hermosas obras que el yo es oscuro porque somos nosotros mismos. Cuanto más nos distanciamos, más nos distanciamos. Si Sun Yao viaja a través del bosque de la imaginación, entonces sus obras son mapas visuales poéticos. En resumen, esto es autotopografía.
Abriendo la imagen—Leyendo las pinturas de Sun Yao
Texto: Duan Jun
La sociedad contiene muchas conspiraciones bien escondidas que nos impiden ver ciertos paisajes. Más precisamente: nos impide ver determinadas partes de la imagen. El deseo de atravesar la conciencia social con las manos desnudas para ver la imagen sin perder el ritmo es difícil de lograr porque la imagen no se transmite enteramente en una forma externa, sino que aparece desde adentro en una forma mental. Las pinturas de Sun Yao exponen la teoría de la conspiración de las imágenes sociales: algunas partes de la estructura de la imagen que se prescriben como invisibles son en realidad visibles.
En sus numerosas series de obras como "Mirada", "Rostro", "Crossover", "Climax", "Paisaje" y "Sagrada Familia" pintadas entre 2005 y 2007, combina rostros humanos, El torso, así como los decorados u objetos artificiales que coinciden con la estructura del rostro y del torso, se integran en paisajes absurdos "humanos de montaña" con pinceladas permeables. En este lote de obras metafísicamente profundas, Sun Yao se centró en simular los efectos de la pincelada de las pinturas de paisajes chinas clásicas. Según el yin y el yang de la forma y las fluctuaciones de la estructura, los rasgos faciales o el torso humanos se transforman en imágenes extrañas como. paisajes de tinta. En un tiempo y un espacio que trasciende la experiencia, el pintor repensa las complejas relaciones entre conceptos como "cuerpo y naturaleza" e "imagen y realidad" que han preocupado a la humanidad durante mucho tiempo.
Debido a las limitaciones tradicionales de la cultura confuciana de “negarse a uno mismo y restaurar el decoro”, el pueblo chino a lo largo de la historia ha ignorado o rechazado el cuerpo la mayor parte del tiempo. El pueblo chino ha abogado durante mucho tiempo por limitar al mínimo los deseos físicos y los impulsos animales y por sustituir el cuerpo por el "corazón", que se considera el centro absoluto del pensamiento y el principal órgano de cognición. No fue hasta la introducción de la fisiología moderna que los chinos cambiaron gradualmente su atención del corazón y los pulmones al cerebro. Precisamente durante el período en el que Sun Yao vivía conscientemente, desde los años 90, también era una época en la que el materialismo prevalecía en la sociedad china.
La postura del cuerpo indica la actitud cultural hacia el cuerpo. En las pinturas de Sun Yao, las posturas corporales son a la vez sociales e individualistas. Las complicadas reglas de la sociedad y los rígidos tabúes de la cultura han estipulado de manera tangible o intangible la postura del cuerpo. La representación del torso en las obras de Sun Yao muestra escenas de escenas sombrías de personas que luchan y resisten en letras minúsculas. Por tanto, nada está lo suficientemente claro en las pinturas de Sun Yao. Lo único que está claro es que tanto el estado de ánimo general como la textura del lenguaje se encuentran en medio de una fuerte tormenta natural. Lo que el pintor quiere recordar es la ruptura entre el ser humano y la naturaleza. Los seres humanos son en realidad naturaleza, no fuera de la naturaleza, sino dentro de la naturaleza, sólo pueden experimentarse unos a otros pero no pueden mirarse unos a otros. La práctica de separar a los humanos de la naturaleza va en contra tanto de la naturaleza humana como de la naturaleza. Lo que Sun Yao representa es ese tipo de escena que nunca se ha separado: los seres humanos son una forma de existencia natural. ¿Qué tipo de obstáculos y amenazas enfrentan los seres humanos en este momento?
La imagen tras la fusión del paisaje, el rostro y el cuerpo es a la vez ilusoria y necesita confirmación; es a la vez cuestionadora y comprensiva. Sun Yao utilizó técnicas antropomórficas para incorporar una serie de estados mentales en las montañas y ríos, formando una relación cíclica y benigna entre las dos capas de imágenes.
Sun Yao utilizó por primera vez un software de imágenes para procesar las imágenes en la computadora. Esto es diferente de la superposición manual de imágenes: el método de dibujo de superposición manual tiene rastros obvios de empalme. El potente software de procesamiento de imágenes puede conectar dos o más imágenes diferentes. La descripción de Sun Yao no es solo una reconstrucción, sino también un borrado, y también es una apertura de la imagen. Selecciona sólo las características y sorpresas necesarias, dejando el resto sin importancia.
El mundo ha entrado revolucionariamente en la era del procesamiento y modificación de imágenes. Las imágenes alteradas parecen reales, nos rodean, se vuelven cotidianas e incluso se convierten en una realidad real. Entonces, sólo captando la imagen cambiada podremos captar la totalidad de la realidad. Las imágenes ya son demasiado densas. La gente debe elegir imágenes. Elegir imágenes significa elegir el mundo. Las consecuencias de la tecnología deben ser controladas por las posibilidades positivas de la tecnología. Sun Yao no está completamente limitado por la tecnología, solo la considera una extensión de la capacidad del artista. Se basó en las formas especiales de observación de la fotografía, como el gran campo de visión, tomas cenital, negativos, etc., para hacer que las pinturas presenten escenas que eran diferentes del pasado. Además, en el proceso de pintura a mano, ajustará la imagen y el método de pintura en cualquier momento según la situación para lograr la cooperación entre la tecnología y la naturaleza.
A diferencia del experto en fotografía fotográfica Richter, las pinturas de Sun Yao tienen características emocionales relativamente fuertes, a diferencia de Richter, que parece inusualmente tranquilo y neutral. Pero cuando se trata de mostrar la sensibilidad interior del artista, Sun Yao y Richter alcanzan el mismo objetivo. La escena sin precedentes descrita por Sun Yao no es tanto su utopía personal sino la relación psicológica entre el mundo que anhela, el mundo real y el mundo cognitivo en su corazón. No sólo rompió la clausura de un mundo único, sino que también estableció un paso libre entre la fantasía y la realidad.