¿Quiénes son las principales figuras de la arquitectura?

Los diez arquitectos más famosos del mundo actualmente, cuáles son sus edificios representativos en China.

1: Representante de arquitectos innovadores: Santiago Calatrava

(Calatrava)

Santiago Calatrava es uno de los arquitectos innovadores más famosos del mundo. Un arquitecto controvertido. Santiago

Calatrava es mundialmente famoso por su diseño de estructuras de puentes y su arquitectura artística. Diseñó puentes en Venecia, Dublín, Manchester y Barcelona, ​​así como estaciones de tren en Lyon, Lisboa y Zurich. La obra más reciente es el famoso estadio principal de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004.

Debido a que Calatrava

posee la doble identidad de arquitecto e ingeniero, tiene una comprensión precisa de la interacción entre estructura y estética arquitectónica. Él cree que la belleza se puede expresar a través del diseño de ingeniería mecánica. En la naturaleza, los insectos y pájaros del bosque tienen formas hermosas y una eficiencia mecánica asombrosa. Por ello, suele utilizar la naturaleza como fuente de inspiración para sus diseños. Los puentes que diseñó son mundialmente famosos por su elegante dinámica formada por estructuras puras, mostrando la belleza de la lógica que la racionalidad técnica puede presentar, al tiempo que parece trascender las limitaciones de la gravedad y las leyes estructurales.

A veces, sus diseños recuerdan inevitablemente a visitantes extraterrestres, y la belleza técnica extremadamente inesperada parece completamente más allá de las expectativas convencionales de la gente en la Tierra. Por supuesto, esto se debe a su experiencia en ingeniería estructural. Desde principios del siglo XX, el diseño de puentes se ha confiado a ingenieros estructurales de carreteras y puentes, y parece haberse convertido en un hábito entre los arquitectos eludirlo. Gracias a Calatrava, los arquitectos de todo el mundo descubrieron repentinamente nuevos temas. Alrededor de la década de 1990, hubo un auge en el diseño arquitectónico de puentes y comenzaron a remodelar dichos elementos en la ciudad desde una nueva perspectiva, afectando así la apariencia de la ciudad. ciudad. En 2001 se completó la primera obra de Calatrava en Estados Unidos, una ampliación del Museo de Bellas Artes de Milwaukee, Wisconsin. Aquí había un antiguo pabellón, que fue diseñado por un estudio de arquitectos local en 1957. Esta vez, la sala de exposiciones Quadracci añadida por Calatrava tiene un nombre pequeño, pero en realidad crea una situación en la que domina absolutamente la sala de exposiciones.

Segundo intento de coordinación interna y externa: Ieoh Ming Pei

Ieoh Ming Pei, un chino-estadounidense y diseñador arquitectónico de fama mundial. Diseñó el Beijing Fragrant Hill Hotel y el hotel. Sede del Banco de China para nuestro país, Edificio del Banco de China en Hong Kong, etc. Cooperar con la Academia de Ciencias Arquitectónicas de China para cultivar y capacitar a diseñadores arquitectónicos para China y hacer contribuciones importantes para promover la modernización de la arquitectura china.

Muchos de los edificios de gran escala que diseñó se pueden encontrar en todo el mundo, entre ellos, el Edificio Este de la Galería Nacional de Arte en Washington, el Proyecto de Ampliación del Louvre en París, Francia, y el Banco de Francia. El edificio de la sucursal de China Hong Kong ha dejado una huella en la historia de la arquitectura mundial. Una obra maestra clásica. El edificio de la sede del Banco de China construido en Beijing en 1999 fue el último proyecto de diseño arquitectónico a gran escala de I.M. Pei en su carrera de diseño arquitectónico. Cada ladrillo, madera, agua y piedra del edificio encarna su arduo trabajo. . Hay un jardín dentro del edificio, que parece un patio en Beijing. Las piedras negras recolectadas del bosque de piedras de Yunnan en la piscina del jardín están distribuidas de manera ordenada y los arbustos de bambú en ambos lados se complementan entre sí. Las técnicas de diseño tradicionales chinas se utilizan con mucha delicadeza en la organización espacial.

I.M. Pei cree: "La arquitectura es una forma de arte social". En ninguno de sus diseños no ceja en sus esfuerzos por coordinar, purificar y sublimar esta relación. Al diseñar, a menudo explora el espacio y la forma de diversas maneras, dándoles un estilo arquitectónico que puede adaptarse a su contenido sin ser idénticos entre sí. I.M. Pei tiene una idea de diseño global: "Hay tres puntos a los que se debe prestar atención en el diseño arquitectónico: primero, la combinación del edificio y su entorno; segundo, el tratamiento del espacio y la forma; tercero, la Por el bien de los usuarios, resuelva bien el problema. Cuestiones funcionales... Es este punto al que los maestros anteriores no prestaron suficiente atención".

El diseño de Ieoh Ming Pei creó un estilo arquitectónico que es un vínculo entre ambos. el pasado y el futuro. Se prestó atención a purificar la forma del edificio y eliminar en la medida de lo posible aquellos componentes intermedios, transitorios y geométricamente inciertos.

La imagen espacial que diseñó tiene atributos distintivos. Además, sus diseños también tienen una calidad escultórica fuerte y vívida y un sentido vivo y vivaz de la época. y arte realzado por pinturas y esculturas. Casi todos los aspectos del diseño interior del diseño arquitectónico de Pei fueron diseñados por él mismo para garantizar la armonía entre el interior y el exterior.

Tres Arquitectos Locos: Antonio Gaudí

Antonio Gaudí (Antonio

Gaudi, 1852-1926), arquitecto español, escuela de arquitectura plástica La figura representativa pertenece a la Estilo arquitectónico modernista. Gaudí estudió en la Escuela Provincial de Arquitectura de Barcelona. Después de graduarse, sus primeras obras eran similares al magnífico estilo victoriano y luego adoptó el estilo histórico, que pertenece a la corriente principal del Renacimiento gótico. El primer encargo importante de Gaudí fue completar la Sagrada Familia de Barcelona (1883 - todavía en construcción), un edificio de gran carácter y atractivo (Gaudi sólo había completado un crucero y cuatro Una de las Torres), el Apartamento Mira, el Apartamento Batlló (también conocido como Casa Batlló), Capilla Guier y Parque Güell.

A los ojos de Gaudí, toda inspiración proviene de la naturaleza y la fantasía: la curvatura de las olas, las líneas de la caracola, el estilo del panal y las formas de los personajes míticos son expresiones que le encanta utilizar. Odia la dureza. Está dispuesto a utilizar curvas suaves y colores coloridos para expresar todo, incluso la forma de cada chimenea y la ubicación de cada ladrillo, le interesa reflexionar durante mucho tiempo. Por tanto, los proyectos que contrató se hicieron enormes. El Parque Güell tardó 14 años, y la Sagrada Familia no estuvo terminada hasta su muerte. Si la inversión es estable (cuesta 3 millones de dólares al año), se necesitarán al menos otros 65 años. para construir.

Cuatro. Maestra de la deconstrucción: Zaha Hadid. Hadid

Hadid es una leyenda en el mundo de la arquitectura. Algunos dicen que está loca, otros dicen que es una hereje y, por supuesto, algunos dicen que es una arquitecta inconformista. En cualquier caso, Hadid es conocido hoy como el mejor "maestro de la deconstrucción" del mundo. Hadid ha llevado a su equipo a ganar muchos de los premios de concursos de diseño arquitectónico más importantes del mundo: un retorcido edificio de oficinas en Milán, Italia, un edificio universitario y de conferencias en Barcelona, ​​España, la Ópera de Guangzhou, China, y Strasse, Alemania. La estación de tranvía de Castle, el Museo de Arte de Copenhague en Dinamarca, el Museo de Arte de Cincinnati en Estados Unidos, el Centro Acuático Olímpico de Londres 2012, los derechos de construcción de las ciudades de Estambul y Singapur...

En 2004, Hadid ganó el premio The El Premio Pritzker de Arquitectura, el "Oscar de la arquitectura", se convirtió en la primera mujer en ganar el honor más alto del mundo en arquitectura. Ida Louise Huxtable, una de las jueces del Premio Pritzker y crítica de arquitectura estadounidense, dijo: "Hadid ha cambiado la visión y los sentimientos de la gente sobre el espacio". : el suelo tiene una gran caída, las paredes están inclinadas, el techo es alto y no hay distinción entre el interior y el exterior... A juzgar por la concepción y expresión de las numerosas obras de diseño de Hadid, su trasfondo cultural islámico único es obviamente más débil que el tradicional espíritu conservador británico que acepta. Pero es innegable que hay un lado duro y emocionante en su carácter. Muchas de sus técnicas y conceptos de diseño parecen estar inspirados con entusiasmo en el fuerte espíritu de ascendencia árabe para seguir adelante. Al mismo tiempo, también revela un gusto romántico cercano a la naturaleza en algunos planos de diseño arquitectónico "conformes" y fluidos.

Sus diseños utilizan audazmente el espacio y las estructuras geométricas, y es conocida como la "maestra de la deconstrucción". Aunque ha ganado premios de todos los tamaños, a veces cuatro en un año, muchas de sus obras podrían serlo. Sólo se queda quieta sobre los dibujos, sin poder ponerlos en práctica. Incluso la llamaron diseñadora de arquitectura que "habla sobre el papel" por un tiempo. Esta situación no cambió hasta finales de los años 1990.

Cinco talentos de arte y sabiduría combinados en uno: el arquitecto mundial Tadao Ando

Tadao Ando, ​​​​que vive y trabaja en Osaka, Japón, ganó el 18º Premio Prez a la edad de 53 Nominados al Premio de Arquitectura: Al anunciar el hecho, Jay A. Pretzker, presidente de la Fundación Heya, citó la descripción del jurado: "La arquitectura de Ando es una combinación de espacio y forma artesanal... a la vez aplicable e inspiradora,... . A lo largo de su carrera arquitectónica, es imposible predecir su futuro. "

Tadao Ando es un arquitecto poco común que combina talentos artísticos e intelectuales. No importa cuán grandes o pequeñas sean las casas que construye, son muy hermosas. Práctico y espiritual, tiene una gran perspicacia y trasciende las escuelas o estilos deportivos más populares en la actualidad. Sus edificios son una síntesis de la forma y las personas que vivirán allí.

Mientras la mayoría de arquitectos empiezan a trabajar en las obras más formales, Ando ha completado el cuerpo principal de una obra destacada, sobre todo en su Japón natal, que es lo que le distingue un poco. Con hormigón suave y sedoso, Ando crea espacios que son tan expresivos como las paredes que utiliza, a las que él llama los elementos más fundamentales de la arquitectura. Aunque los materiales y componentes que utiliza desde hace mucho tiempo son columnas, muros, arcos, etc., estos elementos siempre están llenos de vitalidad y dinámica una vez que los combina de diferentes maneras. Sus conceptos y materiales de diseño combinan el modernismo internacional con la conciencia estética tradicional japonesa. Debido a que presta atención y comprende la importancia de la artesanía en la construcción, se ha ganado la reputación de arquitecto y constructor. Cumplió con éxito la misión que se le había impuesto, que era restaurar la unidad de la casa con la naturaleza, y a través de las formas geométricas más básicas logró crear un microcosmos personal con patrones de luz en constante cambio. Además de obtener algunos conceptos de diseño abstractos, sus edificios reflejan plenamente la idea de una "residencia confortable".

La arquitectura de Ando es una combinación artísticamente sorprendente de espacio y forma. A través de su arquitectura, nadie puede predecir que este momento llegará y él no está dispuesto a quedar limitado por la tradición. La innovación es su método y su visión personal del mundo es la fuente de su inspiración. El Premio Pritzker de Arquitectura se concede a Tadao Ando no sólo porque ha completado una determinada obra, sino también porque sus proyectos futuros pueden enriquecer aún más el arte de la arquitectura.

Casi todos los proyectos de Ando utilizan cemento como material de construcción principal. De hecho, trabajó como aprendiz de carpintería durante un tiempo y dominó la artesanía tradicional japonesa de estructuras de madera. De hecho, una de sus obras más famosas es una estructura íntegramente de madera: el pabellón japonés que visitó en España en 1992.

Uno de los proyectos residenciales más destacados de Ando es Rokko

Vivienda, que se completó en dos fases. La primera fase del proyecto cuenta con 20 unidades, cada una de las cuales es trapezoidal, pero la. El tamaño y la distribución varían; la segunda fase de 50 unidades se completó en 1993, pero todas las unidades tienen una apariencia unificada y una estructura interna única. Todos estos grupos residenciales utilizan estructuras de hormigón armado. Mirando hacia abajo desde la vista panorámica de la Bahía de Osaka, toda la comunidad parece estar incrustada en una pendiente de 60 grados, como una piscina y una plaza en la azotea. Ando también ganó el Premio de Diseño Cultural de Japón en 1983.

Los seis abanderados de la arquitectura moderna: Le Corbusier

Le Corbusier (Le

Corbusier1887.10.6-1965.8.27): El arquitecto más famoso, urbanista y escritor del siglo XX. Es un radical y líder del movimiento de arquitectura moderna y es conocido como el "abanderado de la arquitectura moderna". Él y Walter Gropius (Walter

Gropius), Ludwig Mies van der Rohe (antes conocida como Maria Ludwig

En 1927, Corbusier lanzó la "Conferencia Internacional sobre Arquitectura Moderna" en La Salaz, Suiza, que se convirtió en la organización central para la arquitectura moderna de estilo internacional.

El pensamiento arquitectónico de Le Corbusier se puede dividir en dos etapas: antes de los años 1950, fue el principal líder del racionalismo, el funcionalismo y el estilo nacional, representado por la Villa Salui en 1929 y el Apartamento de Marsella en 1945. Muchos Los muros de carga de la Las estructuras de los edificios fueron reemplazadas por hormigón armado y los edificios a menudo se elevaban sobre el suelo; después de la década de 1950, Le Corbusier recurrió al expresionismo y al posmodernismo. La capilla de Ronchamp con su expresiva escultura y su forma única que asombró al mundo de la arquitectura. Apartado del vocabulario de la antigüedad clásica temprana, es uno de los edificios más memorables jamás construidos por el hombre moderno. En el diseño de muebles, Le Corbusier es famoso por su lujosa y cómoda chaise longue con estructura de tubo de acero, que casi se ha convertido en un símbolo de la vida elegante en los años 20.

Sus ricas y variadas obras y su apasionada filosofía arquitectónica han influido profundamente en el paisaje urbano del siglo XX y en el estilo de vida de la gente contemporánea, desde las primeras series blancas de edificios de villas, apartamentos de Marsella hasta la iglesia de Ronchamp, desde Desde el plan de reconstrucción de París hasta la ciudad nueva de Changal, desde "Hacia una nueva arquitectura" hasta "Módulo", sus pensamientos arquitectónicos y urbanos en constante cambio siempre han dejado muy atrás a sus seguidores. Corbusier es una cima insuperable de la arquitectura moderna y una fuente inagotable de ideas arquitectónicas.

Le Corbusier también propuso muchas ideas para el urbanismo. Iba en contra de la corriente de pensamiento contra las grandes ciudades de la época y defendía una nueva planificación urbana que creía que, en las condiciones tecnológicas modernas, era posible. Mantener una población estable. La alta densidad crea un entorno urbano tranquilo e higiénico. Fue muy visionario proponer primero la idea de edificios de gran altura e intersecciones tridimensionales. Siempre estuvo a la vanguardia de las tendencias de desarrollo arquitectónico en las décadas de 1920 y 1930, y desempeñó un papel en la promoción de la modernización del diseño arquitectónico y la planificación urbana.

Siete Maestros del Arte y la Arquitectura: Jorn Utzon

Jorn Utzon nació en Dinamarca en 1918. Fue un excelente marinero. Hasta los 18 años consideró convertirse en oficial naval. Graduado de una escuela superior de arte en 1942. Después del estallido de la Segunda Guerra Mundial, huyó a Suecia y trabajó allí como empleado en un estudio de arquitectura. Posteriormente se fue a Finlandia y trabajó con Alvar Aalto. En los siguientes diez años viajó a muchos lugares, China, Japón, México, Estados Unidos, India, Australia, etc. El último lugar al que fue se convirtió en un influyente. factor en su vida.

La leyenda de la Ópera de Sydney comenzó en 1957, cuando Utzon, de 38 años, era un arquitecto poco conocido con una sola práctica en Dinamarca. Un concurso anónimo: una ópera. Casa en un pequeño terreno. Su plan fue seleccionado por los jueces del concurso entre 230 concursantes de más de 30 países. Los medios de comunicación de la época lo llamaron "tres grupos de conchas cubiertas con azulejos de porcelana blanca". El edificio de gran tamaño incluye una sala de conciertos, una sala de ópera, un teatro, una sala de ensayo y numerosas instalaciones para exposiciones. Tiene una superficie de construcción de 8.000 metros cuadrados. Este edificio no se completó hasta 1973 y duró 14 años. Mucho tiempo y costó 120 millones de dólares. Su diseño estructural fue sin precedentes, y fue diseñado por innumerables diseñadores. Finalmente se le dio una forma esférica a partir de concreto y luego se modificó y cortó, y así nació la obra maestra.

Comentarios del Premio Pulitzer: John Utzon es un arquitecto arraigado en la historia, con tentáculos en las culturas maya, china, japonesa, islámica y muchos otros orígenes, incluida su propia herencia subhumana. Combinó esas antiguas tradiciones con su propia y armoniosa. cultivo, formando un sentido arquitectónico artístico y un instinto natural por la arquitectura orgánica que siempre estuvo adelantado a su tiempo, merece ser uno de los pocos modernistas que moldearon el siglo pasado con edificios atemporales.

Defensor de los Ocho. Teoría de la arquitectura humanizada: Alvar Aalto<. /p>

Aalto nació el 3 de febrero de 1898 en la pequeña ciudad de Kuortane, Finlandia. Se graduó en la Escuela Técnica de Helsinki en 1921 con especialización en arquitectura. Jyväskylä y Turku.

Alrededor de 1924, diseñó varios cafés y centros de estudiantes para la escuela, y diseñó conjuntos de muebles para dormitorios de estudiantes, utilizando principalmente el estilo de diseño "neoclásico". Ese mismo año, se casó con el diseñador Arno Marsio (Aino

Marsio) y juntos realizaron cinco años de experimentos de doblado de madera, y esta investigación llevó a Alvar Aalto al surgimiento de un diseño revolucionario en la década de 1930.

Aalto participó en la Asociación Internacional de Arquitectura Moderna en 1928. En 1929, de acuerdo con las ideas arquitectónicas funcionalistas emergentes, cooperó con otros para diseñar el edificio para la exposición celebrada para conmemorar el 700 aniversario de la fundación de Turku. Abandonó todas las decoraciones de estilo tradicional, haciendo aparecer la arquitectura modernista en Finlandia por primera vez y promoviendo el desarrollo de la arquitectura moderna en Finlandia. En los primeros diez años después de la Segunda Guerra Mundial, Aalto se dedicó principalmente a la restauración y construcción de la patria y al desarrollo de planes regionales para la capital de la provincia de Laponia (1950-1957). De 1931 a 1932, Aalto diseñó el Sanatorio de Tuberculosis Paimio en Finlandia, donde también se dio a conocer su primer diseño de mobiliario moderno. Este fue un gran avance para que el diseño de muebles de Aalto se globalizara. En 1935, los Aalto y sus amigos fundaron Artek, una empresa dedicada a la promoción en el extranjero de muebles, iluminación y textiles diseñados por Aalto.

Aalto se desempeñó como profesor invitado en el Instituto Tecnológico de Massachusetts en Estados Unidos en 1940. En 1947, recibió un doctorado honoris causa en Bellas Artes de la Universidad de Princeton en Estados Unidos. elegido académico de la Academia de Finlandia. Ganó la Medalla de Oro del Real Instituto de Arquitectos Británicos en 1957 y la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos en 1963. Murió en Helsinki el 11 de mayo de 1976.

La principal idea creativa de Aalto es explorar el camino de la arquitectura moderna, nacionalizada y humana. Creía que la industrialización y la estandarización deben servir a la vida de las personas y adaptarse a sus necesidades espirituales. El alcance creativo de Aalto es amplio, desde la planificación regional y la planificación urbana hasta el diseño de centros municipales, desde la arquitectura civil hasta la arquitectura industrial, desde la decoración de interiores hasta el diseño de muebles y accesorios de iluminación y artesanía diaria. Dijo: "La estandarización no significa que todas las casas sean exactamente iguales, pero se utiliza principalmente como un medio para producir sistemas flexibles para adaptarse a las necesidades de varias familias para diferentes casas, adaptándose a diferentes terrenos, diferentes orientaciones, diferentes vistas. , etc." "El plano del edificio que diseñó es flexible y fácil de usar. Los componentes estructurales se transforman inteligentemente en decoraciones exquisitas. Las formas arquitectónicas son elegantes y el tratamiento del espacio es libre, animado y dinámico, lo que hace que la gente sienta que el espacio es. no sólo circula, sino que también se extiende, crece y cambia constantemente. Aalto amaba la naturaleza. Los edificios que diseñó siempre aprovechaban al máximo el terreno natural, integraban hermosos paisajes y tenían un estilo simple.

Finlandia está situada en el norte de Europa y es rica en madera. Su producción de cobre ocupa el primer lugar en Europa. Los acabados exteriores y la decoración interior de los edificios de Aalto reflejan el carácter de la madera; el cobre se utiliza como acento para expresar detalles refinados. La forma del edificio es tranquila y estable, la estructura suele utilizar paredes de ladrillo más gruesas y las puertas y ventanas están colocadas adecuadamente. Sus obras no son exageradas ni lujosas, ni siguen la moda europea y americana. Crean un estilo nacional único y tienen una personalidad distintiva. En Helsinki, la capital de Finlandia, abundan las obras maestras de Aalto, incluido el campus de la Universidad Tecnológica de Helsinki, la Sala de Conciertos y Centro de Conferencias de Finlandia, el Palacio de la Cultura de Helsinki, el edificio de la sede de la empresa Stora

Enso, etc.

En 1936, Alvar Aalto diseñó un jarrón como decoración para el restaurante Ravintola de Helsinki

Savoy, donde fue responsable del diseño de la decoración interior del clásico producto de vidrio que lleva el nombre. No sólo demostró el nivel del diseño moderno finlandés en la Exposición Internacional de París de 1937, sino que también se convirtió en una colección de muchos museos de todo el mundo y ganó el Premio Internacional de Vajilla en 1988. Su interés en el diseño proviene del contorno curvo ondulado, orgánico y aleatorio, que rompe por completo los estándares de diseño tradicionales de la cristalería simétrica. Se especula que el contorno ondulado y curvo simboliza los lagos punteados de Finlandia. Esta es una obra maestra clásica dejada por el talentoso maestro del diseño Aalto para la industria de fabricación de cristalería además de la arquitectura.

Los jarrones de Aalto ya son "antigüedades" en términos de antigüedad, pero en términos de diseño siguen siendo muy avanzados y modernos.

Nueve innovaciones y avances audaces: Renzo Piano

Renzo

Piano en 1937 Nacido el 14 de septiembre en Génova, Italia, en una familia de constructores, Piano recibió Se licenció en arquitectura por la Universidad Técnica de Milán en 1964 y comenzó su carrera permanente como arquitecto. Primero trabajó en el estudio de Louis Kahn en Filadelfia y en el estudio de Makowski en Londres, antes de establecer su propio estudio en Génova. Allí inició una serie de diseños experimentales: una refinería de petróleo, una sala de exposición para una sala de exposiciones, un hospital polivalente, etc. Aunque Piano estuvo profundamente influenciado por las obras de muchos maestros de la arquitectura, desde el día de su debut ha sido único. Nunca se ciñe a las convenciones, recoge la sabiduría de la gente y siempre prefiere el diseño abierto y el efecto de la luz natural.

En 1971, un contratista de ingeniería sugirió que Piano y Rogers colaboraran para participar en el concurso internacional para el Centro Pompidou de París, que finalmente ganaron. Los pasillos animados y coloridos, junto con los ascensores sinuosos y cristalinos, hacen del Centro Pompidou uno de los edificios emblemáticos reconocidos de París. Desde el proyecto Pompidou, Piano se ha ganado una reputación mundial por sus dibujos arquitectónicos en capas, con audaces proyectos de construcción pública y comercial en Japón, Alemania, Italia y Francia. El museo es aún más impresionante.

Gracias al Museo Menil en Houston y al Museo de la Fundación Beyeler cerca de Basilea, Suiza, la gente elogia infinitamente el piano. Decoró una isla artificial en la bahía de Osaka en Japón con la impresionante terminal del aeropuerto de Kansai. También construyó un imponente centro cultural parecido a un cobertizo de madera en Noumea, Nueva Caledonia. Allí, al comprender minuciosamente las costumbres, creencias y gustos estéticos locales, se ganó a los ancianos indígenas que desconfiaban del control colonial occidental.

Piano se centró en la combinación del arte arquitectónico, la tecnología y el entorno circundante del edificio. Sus pensamientos arquitectónicos son rigurosos y líricos, y audazmente innova y logra avances al heredar y transformar la tradición. Piano utilizó técnicas de expresión modernistas para hacer realidad los mismos ideales de gran alcance de antepasados ​​como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel: la perfecta armonía entre las personas, los edificios y el medio ambiente, y prestó atención a la habitabilidad y la calidad de los edificios con una actitud sincera hacia la sostenibilidad. La variedad de obras de Piano es asombrosa: desde museos e iglesias hasta hoteles, edificios de oficinas, residencias, teatros, salas de conciertos, aeropuertos y puentes. En sus obras, la colisión de diversas tecnologías, materiales y diversas formas de pensar se refleja ampliamente. Estos métodos de pensamiento activo y disperso son las contribuciones de un maestro verdaderamente perspicaz y del equipo que dirige a toda la humanidad.

Lo bueno de Piano es que sus obras arquitectónicas no tienen un patrón fijo. A diferencia de otros arquitectos cuyos patrones arquitectónicos son reconocibles al instante, la marca identificativa de las obras de Piano es que no tienen marcas identificativas. El propio Piano es un modelo a seguir y una inspiración para los jóvenes arquitectos que rechazan los dogmas y las doctrinas. Sus obras no tienen expresiones exageradas y revelan un espíritu humanista raro y cálido, que se preocupa persistentemente por el cielo, la tierra y las personas. Interiormente, parezco tranquilo y sobrio. bajo la tendencia actual de mostrar ciegamente mi personalidad y hacer alarde de mí mismo.

Diez representantes de la "alta tecnología": Norman Foster

Norman Foster, uno de los arquitectos más destacados del mundo actual 1. Es conocido como el representante de la "alta tecnología". Tech School" y ganador del 21º Premio Pulitzer de Arquitectura. Norman Foster enfatizó particularmente la coexistencia de los seres humanos y la naturaleza en lugar de entrar en conflicto entre sí. Enfatizó la necesidad de aprender lecciones de formas culturales pasadas y defender métodos arquitectónicos que se adapten a las necesidades de las formas de vida humana.

Él creía que la arquitectura debía dar a las personas una sensación de énfasis, un efecto dramático y traer tranquilidad.

Nació en Manchester en 1935. Tras graduarse en la Escuela de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Manchester en 1961, recibió una beca Henry de la Universidad de Yale y estudió en Jonathan

Edwards College, donde obtuvo el título de Maestría en Arquitectura. Foster fundó su propia firma en 1967 y desde entonces sus proyectos se han extendido por todo el mundo, recibiendo más de 190 premios y ganando 50 concursos de diseño nacionales e internacionales. Por sus destacados logros en arquitectura, Norman Foster recibió la Medalla de Oro Real en 1983, fue nombrado caballero en 1990, fue incluido en el Registro de Personas Distinguidas por la Reina en 1997, recibió el honor de ser noble vitalicio en 1999 y se convirtió en Thames. Señor de la Ribera.