Cuando amábamos las novelas en Nueva York.

En la película de Sir Wong Kar-Wai "In the Mood for Love", la vieja cantante de jazz Nata King Cole fascinó de repente al público chino. En Pearl Harbor, fue Jazz quien les dio a los muchachos de la Fuerza Aérea una escena conmovedora de reunión con las enfermeras antes de partir a la batalla. También están las canciones tristes "Time in Casablanca" y "I Saw Your Face" cantadas por el cantante Johnny Hartman en "Covered Bridge", y las fuertes canciones con tintes de blues cantadas por Diana Washington "breeze". En "Sleepless in Seattle", la famosa canción de jazz de Louis Armstrong, Makin' Mhoopee, "The Way You Look Tonight" del cantante estadounidense Bennett en "The Bride Is Not Me", "New York City" protagonizada por Nicolas Cage, "Love", "They Can No me quites eso" de Billie Holiday, "The Cotton Club" de Coppola. En esta era de la música multicultural, los elementos del jazz se utilizan cada vez más, incluida la música pop, la música rock, la música clásica y el hip-pop, que es popular en todo el mundo. El nuevo trabajo de Radiohead, KID A, Kenny Kissachs, Dou Wei Translation Band, el nuevo álbum de Shunzi... la música está ahí... y Broken Wing Butterfly de Ding Wei... De hecho, el encanto único del jazz ha sido cada vez más gente. lo conocen y lo aman. ¿Qué es el jazz? En pocas palabras, el jazz es una música híbrida. Puedes encontrar canciones populares americanas, música soul negra y rencores, y varias rimas de pueblo. Esta música de "cóctel" tiene sólo cien años desde sus orígenes.

1. Cultura de fondo del origen del jazz (1. Orígenes africanos) El jazz proviene de la música negra, y la patria de la música negra es la música africana. En la cultura africana, la música se basa en una comprensión completa de la música. La ausencia, llena de todo, sirve no sólo a la religión sino también a todos los aspectos de la vida, incluido el nacimiento, la enfermedad, el trabajo y el entretenimiento. África, un continente lleno de naturaleza salvaje, es el factor más destacado e importante. Su música. Los ritmos del tambor producen naturalmente un ritmo llameante bajo el sol abrasador. Como resultado, este ritmo se ha convertido en el núcleo de la música africana. Su vitalidad única y su poderoso atractivo hacen que todos en el mundo se sientan profundamente africanos. El impacto dinámico de la música africana es "oral", no hay discos, no hay convenciones, pero la tradición oral produce flexibilidad y ritmos creativos que el cantante principal (a menudo) inventa durante la interpretación nuevas palabras y melodías, esto es lo que hace. Se entiende por "improvisación", es decir, el artista que crea con la cabeza (y el corazón). Otra característica destacada de la música africana es el inicio a menudo retrasado de las sílabas en el siglo XVIII. En el siglo XIX, la trata de esclavos estaba en auge. y muchos negros de todos los rincones de África fueron vendidos a las Américas, la mayoría de los cuales sirvieron como esclavos. La herencia de la cultura musical negra resultó gravemente dañada por la opresión de la esclavitud por parte de los colonos blancos. Mitología y rituales religiosos, la tendencia a "modificar libremente" palabras, ritmos y estilos es cada vez más obvia. Esto es lo más preciado de su cultura nacional, que se ha transmitido de generación en generación. Finalmente se conservó. Después de la liberación de los esclavos, estas culturas tradicionales se desarrollaron nuevamente e incluso finalmente dieron una marca especial a la cultura musical de los blancos dominantes. (2) La atmósfera cultural de la tolerancia y la improvisación. es la raíz de la música negra. Antes de que la música negra influyera completamente en la música convencional estadounidense, la música estadounidense blanca no se centraba en la melodía. Además, la música africana valoraba la melodía al menos tanto como el ritmo en la música afroamericana. Al hecho de que los primeros propietarios de esclavos blancos prohibían a los negros cantar y tocar el piano, la música negra estaba muy restringida cuando llegó por primera vez a los Estados Unidos, pero siempre hubo lugar para la música de África que se encontraba en esa situación política. Ubicación Por lo tanto, debe ser la cuna del jazz. Desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX, Nueva Orleans fue probablemente la ciudad menos estadounidense de los Estados Unidos. Estaba ubicada a 80 millas de la desembocadura del río Mississippi. Golfo de México.

El jazz latino, la música latina más popular y el comandante supremo de la música pop, el jazz, chocó con una chispa de aura. La música latina, que se caracteriza por su ritmo, se combina con el jazz, que se caracteriza por su ritmo. Por lo tanto, el ritmo del jazz latino no tiene comparación con ninguna música. La Bossa Nova de Brasil, en particular, combina ritmos latinos con mambo y jazz cool, con colores de percusión deslumbrantes contra ritmos sincopados. En las décadas de 1970 y 1980, el jazz entró en la era del "jazz fusión". Los músicos introdujeron el rock, el ritmo, el blues, el funk bass y el pop en el jazz, añadiendo instrumentos electrónicos sintetizados a sus actuaciones. El jazz comenzó a volver a la "fusión" como corriente principal en la década de 1980, mientras que otros músicos regresaron a la era pre-pop en busca de inspiración, y nació el "nuevo pop" en la década de 1990, los "neoclásicos" crearon música reprimida, restringida y económica. rompiendo con la tradición del romanticismo del jazz Hoy en día, casi todos los estilos de jazz están activos en el escenario. El jazz tiene una vitalidad fuerte y duradera. Después de cien años de evolución e integración, ya ha superado las restricciones raciales y nacionales. Hoy en día, el escenario principal del jazz también se ha trasladado de Estados Unidos a Europa, se ha extendido a todas partes del mundo y se ha convertido en una música mundial, amada por los amantes de la música de todo el mundo. p>

Los cuatro géneros principales del jazz, aunque la industria discográfica moderna a veces divide el jazz en jazz tradicional y jazz moderno. El jazz tradicional se refiere al jazz que utiliza una banda de música de 4/4 para tocar obras relacionadas, mientras que el jazz moderno se refiere. a usar un bajo para tocar música de baile. Esta distinción a veces parece incuestionable, y es casi imposible decir si la música de Kenny King es más jazz contemporáneo que la de Hill Taylor. De hecho, los dos están relacionados. no es exacta, lo que ha provocado el problema de que algunas obras destacadas con estilos tanto modernos como tradicionales no pueden clasificarse, porque el desarrollo del jazz en los últimos 100 años ha sido continuo.

Varios estilos y escuelas también tienen sus interrelaciones, que generalmente se pueden dividir en los siguientes 19 estilos:

Representantes del estilo de la época

1910'-1920'

Ragtime Carlos Barbosa-Lima Dick Baker Burt Bales

1910'-1930'

Nueva Orleans Louis Armstrong Big Bill Bissonnette Henry "Red" Allen

1920'-1930'

Clásica (Jazz Clásico) Coleman Hawkins Fatswale Louis Armstrong

1920' -1930'

Dixieland (Sir Dixieland) Eddie Contumbo Crosby Charlie Tea Garden

1915-1960'

Estándares (Mainstream Jazz) Bing Crosby Didi Bridgewater Nina Simone

1920'-1940'

Cool Jazz Dave Brubaker Lay Ste Youngstein Gates

1930'-1940'

Big BandFrank Sinatra Benny Goodman Duke Ellington

1940'-1960'

Swing Count Basie Louis Armstrong Ella Fitzgerald

1940'

Pop Charles Minger Oscar Peterson Sonny Rollins

1940'

Latino (Latin Jazz) Tito Puente Ray Barreto Thelonious Monk

1940'-

Jazz brasileño Lisa OnoAzymuthLuiz Bonf

1950'

Avant -garde Cecil Taylor Charlie Hayden ·Max Roach

1950'-

Jazz post-bop o jazz convencional

1950'-1960'

Third Flow (Tercer Género Jazz)

1950'-1960'

Arte Hard Bop Blakeyelvin Jones Thelonious Monk

1960'-

Free Jazz Chick Corea John Coltrane Neilt Coleman

1960'-

Fusión Miles Davis Marvin Gavin Más Corto

1970'-

Crossover de jazz Bill Evans George Benson Quincy Jones

La cantante de jazz Billie Holiday ·Ella Fitzgerald·George Gershwin

Presentamos algunos de los estilos de jazz más influyentes.

Aunque el jazz de Nueva Orleans creó un conjunto de improvisación, a medida que el jazz se hizo más popular en la sociedad estadounidense en la década de 1920, la demanda de jazz requirió más bandas de baile. Swing, si se usa como adjetivo, generalmente se refiere a un sentimiento, una sensación de síncopa del jazz, un sentimiento de swing, ya que los remakes se diferencian de la música clásica. Este sentimiento suele ser uno de los criterios para juzgar si una pieza musical es jazz. Entonces la gente a veces escucha cosas como: las cosas de Keith Jarrett no son suficientes para el swing, o el swing no se balancea, etc. , es convertir el swing en un criterio de juicio. En la década de 1930, la big band a menudo se llamaba swing, o se traducía como música swing, y en la década de 1930 también se la llamó era Swing. (Algunos también dicen que desde mediados de la década de 1930 hasta 1946. Si el jazz todavía estaba en su infancia antes de la década de 1920, se hizo muy popular en la década de 1930. A principios de la década de 1930, debido a la industria popular (como el gramófono, la radio y Records), el centro del jazz se trasladó de Chicago a Nueva York cuando la base de consumidores estadounidenses intentó recuperarse de la depresión posterior a la Primera Guerra Mundial y los músicos de jazz perdieron sus trabajos individualmente (o en pequeños grupos). por otro lado, también hizo más popular el estilo de actuación de big band.

Después de mediados de la década de 1930, las grandes bandas de swing se habían convertido en las maestras de la música popular. No fue hasta mediados de la década de 1940, con la batalla final por el dominio mundial en el segundo mundo, que esta tendencia comenzó a retroceder. Este período, en el que las grandes bandas de rock dominaban el mundo de la música pop, a menudo se denomina Era del Swing. Durante esta época dorada del jazz, se reproducían en la radio grabaciones de grandes bandas de swing y los lugares de actuación como bares y salones de baile estaban dominados por grandes bandas. Estimulados por su música, los estadounidenses bailaron durante las crisis económicas, los disturbios laborales y las guerras mundiales. La banda de Count Basie era una gran banda. Además de tener un fuerte sentido del ritmo, su banda también incluía a muchos músicos famosos, incluida la música de Count Basie y músicos que también se convirtieron en la avanzada del bebop en el futuro. Algunos incluso creen que él es el verdadero padre de Bebop.

Bebop "Bebop" es un estilo musical nuevo y radical que se originó a partir de las sílabas sin sentido (o gritos sin sentido) pronunciadas por los músicos de jazz mientras practicaban o tarareaban melodías instrumentales. El jazz popular comenzó a desarrollarse gradualmente a principios de la década de 1940 y se desarrolló rápidamente alrededor de 1945. Las frases de Bebop a menudo terminan abruptamente con un patrón de sonido distintivo "largo y corto", y este ritmo a menudo se tararea como "Libop" o "Bibop". El término apareció impreso por primera vez como el título del álbum de Gillespie VI en Nueva York de 1945, "Salted Peanut Bebop". Bebop se desarrolló durante la era del swing. los saxofonistas tenores Lester Young y Don Bias, los pianistas Arthur Tatum y Nat Cole, el trompetista Roy Eldridge, la sección rítmica de Earl Bass, Charlie Parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Miller Davis y Bud Powell. La música bebop suele ser interpretada por pequeñas bandas de jazz formadas por entre 3 y 6 personas. No utilizaron notación musical, que era un principio que utilizaron para resistir el uso de partituras adaptadas en la música swing. El procedimiento de interpretación consiste en tocar la melodía completa una vez (dos veces si se trata de un blues de 12 compases), seguida de varios estribillos solistas improvisados, acompañados de una sección rítmica (normalmente piano, contrabajo y batería), para luego repetir la melodía de el primer estribillo termina toda la canción. La sección rítmica repite los patrones armónicos de toda la canción (incluidos los patrones cambiantes) de principio a fin para mantener la estructura de la música.

A finales de los años 40 y 50, el cool jazz evolucionó directamente a partir del Jimbo jazz. Este estilo musical básicamente combina algunas características pasadas por alto y abandonadas del jazz y el swing populares. Los sonidos disonantes se volvieron más suaves y naturales, las melodías más suaves, los arreglos recibieron un énfasis renovado y los instrumentos rítmicos se tocaron de manera más armoniosa. Algunas personas lo llaman genial y otras lo llaman genial. Este es principalmente un estilo de juego genial que es diferente del estilo popular del bebop. A principios de la década de 1950, algunas personas no podían soportar la presión del bebop, por lo que lo cambiaron un poco, disminuyendo los rápidos cambios de acordes y disminuyendo la velocidad de ejecución. En otras palabras, algunos son mucho más lentos. La característica principal es que no es tan agudo como el bebop, sino un estilo musical tranquilo y suave. Generalmente la costa oeste es la zona principal. Cuando hablo de jazz de la costa oeste, generalmente me refiero a cool. Si queremos hablar del origen, debería ser "Capitol" (Birth of Cool), una colaboración entre Miller Davis y Gil Avnas en 1949, pero la mayoría de los músicos que siguen este estilo musical son de Cisjordania. En general, la vida del Coolpad fue corta. Se convirtió en un estilo de juego convencional en la década de 1950, pero pronto fue superado por el Hard-bop. Sin embargo, algunos elementos del Coolpad aún surgieron como algo que algunos músicos podían usar. Miller Davis, Lee Konitz de hace 49-50 años y el material de Stan Getz de hace 60 años son geniales, puedes consultarlos.

La década de 1960 fue un período oscuro de desilusión. La gente utiliza el arte para escapar de la supervisión de las responsabilidades sociales y perseguir sus propios deseos. De todas las formas de arte, el jazz puede ser el más rebelde y borracho. Oscilante, refrescante, dura e improvisada, la trayectoria de desarrollo de esta música se ha perdido y la gente no puede imaginar hacia dónde saltará mañana. Fue a partir de este imprudente laissez-faire que surgió el free jazz. Tan pronto como apareció esta nueva música, los músicos y fanáticos del jazz la amaron profundamente.

El free jazz se diferencia del jazz anterior en que no hay muchas restricciones en cuanto a armonía y melodía. Los jugadores pueden jugar libre, audaz y arbitrariamente durante el juego. El free jazz tiene un concepto de ritmo completamente nuevo, donde el ritmo y la simetría se alteran por completo. Al mismo tiempo, también enfatiza la intensidad y tensión de la música en sí, agregando mucha disonancia, integrando diferentes músicas de África, India, Japón y Arabia, y usando sitar, tabula, piano de pulgar agrandado, sirena y un instrumento indio. gran cantidad de equipos electrónicos e instrumentos de percusión. Como resultado, algunas bandas de free jazz parecen una vanguardia que no es jazz. El free jazz tuvo un profundo impacto en el desarrollo del jazz en la década de 1960.

Fusion Fusion significa fusión, por lo que en realidad cualquier elemento musical puede considerarse fusión, pero en general fusoin se refiere a: fusión jazz-rock, otras como la franquicia de música brasileña se llamarán: bossanova, la rusa. El concierto se llama Russian-Jazz. En la década de 1960, el jazz ya no era popular. La música jazz que se escuchaba al encender la radio en los años 30 había sido sustituida por la música rock en los años 60, y el mercado determinaba la vida de un músico. Por ello, ante la presión comercial, Miller-Davis comenzó a añadir elementos del rock and roll al jazz. Tanto el rock and roll como el jazz tienen su origen en el Rhythm and Blues, la música gospel, las canciones laborales y el Rhythm and Blues. b, por lo que el proceso de combinar estas dos cosas es bastante natural. Al menos no hay demasiados cambios en términos de contenido musical. A mediados de la década de 1960, Tony Williams, miembro de la sección rítmica del Segundo Quinteto, comenzó a añadir algunos ritmos de rock a su batería. Después de mediados de la década de 1960, muchas personas comenzaron a unirse a esta tendencia, incluidos Gary Burton, Larry Correll, Herbie Hancow, Keith Jarrett, Freddie Hubbard, Charles Lloyd, Don Ellis y muchos más. Los álbumes importantes que jugaron un papel principal fueron los tres álbumes de Lao Mai: "Filles de Kilimanjaro" (Filles de Kilimanjaro) y "Bitches Brew", que introdujeron métodos de batería de rock y cambiaron el método de tocar el bajo. Las guitarras eléctricas y los teclados también se suman a la escena del jazz. La alineación de estos álbumes incluía a Herbie Hancow, Chick Corea, Joe Zawinul, Wayne Shorter, John McLaughlin, Tony Williams y Larry Young, quienes en el futuro también formó sus propias bandas de fusión, como Head Hunter, Retreat to Forever, etc. . Además, el parte meteorológico, compuesto por Joe Zawinul y Wayne Shorter, también incorpora música folclórica centroeuropea. En definitiva, la fusión representó una salida para el jazz que estaba siendo perseguido en el mercado. Ahuyentó a muchos aficionados fundamentalistas del jazz, pero también atrajo a algunas nuevas generaciones a sumarse a las filas de los oyentes de jazz de aquella época.

Verb (abreviatura de verbo) Características del Jazz Una de las características del jazz es su diversidad. En primer lugar, tiene una variedad de estilos. Ha estado cambiando casi continuamente desde hace 100 años. Hay una docena de líneas gruesas e innumerables líneas finas en todos los estilos de jazz. Este es también un atributo de la música popular. El segundo son los cambios en el proceso de interpretación, de los cuales la improvisación es una característica típica. La música jazz generalmente tiene un marco temático en el conjunto de cada persona, y luego bajo cambios de acordes fijos, se toca el nivel de improvisación de cada músico, y solo tienen una partitura de la melodía principal.