Los primeros compositores románticos y sus características creativas
Compositores y música del periodo romántico
Brahms
Johannes Brahms, compositor alemán.
Brahms es el último compositor clásico con gran influencia en la historia de la música alemana, y está considerado como un "retro" en el periodo de la música romántica del siglo XIX. Es un compositor que valora tanto la creación como la interpretación. Pero no ingresó en una escuela de música. Confió en su propia diligencia, sus destacados talentos y su conciencia de la importancia y necesidad de la carrera a la que se dedicaba. Su obra madura demuestra su dominio de los más altos niveles de habilidad y talento artístico. Sus obras tienen técnicas clásicas y espíritu romántico. Rara vez utiliza títulos. Sus obras sinfónicas imitan el gran impulso de Beethoven. Sin embargo, su pincelada es meticulosa, sus emociones son cambiantes y, a veces, revela una atmósfera pastoral, que todavía tiene sus propias características.
La música de Brahms refleja tanto la sencillez de su hogar en el norte de Alemania como el encanto de Viena. Ambos aspectos están representados en su obra más importante, el Deutsche Requiem. Por su creencia en la bondad de la humanidad y su amor por el pueblo alemán, se basó estrechamente en la tradición de los maestros de la música clásica alemana, desde Bach, Mozart, Beethoven hasta Schubert y Schumann, y creó música comparable a la de la música alemana. música a finales del siglo XIX. Algunos de los fenómenos decadentes que comenzaron a aparecer eran relativamente contrarios a la intuición de las obras que lo abarcaban todo. Aquí es donde radica el principal mérito histórico de su creación. En la música alemana se suele llamar "triple B" a las primeras letras de los nombres de Brahms, Bach y Beethoven. Brahms heredó la tradición de las sinfonías de Beethoven y, basándose en su profundo humanitarismo y apasionado patriotismo, se centró en expresar el espíritu de la época y la vida en lucha. Sus obras se convirtieron en un ejemplo destacado de la música sinfónica de Europa occidental después de Beethoven. No es de extrañar que la gente aclame su Primera Sinfonía como "La Décima Sinfonía de Beethoven". El propio Brahms registró una vez: "Detrás de mí, seguía escuchando los pasos de gigantes (en referencia a Beethoven)". Brahms no perseguía el color y la brillantez al escribir sinfonías, sino la interpretación de su orquesta. Pero es excepcionalmente delicada y expresiva. Si bien heredó la forma estructural de la sinfonía clásica, Brahms también dio a la obra un color y un temperamento románticos. La obra tiene una estructura rigurosa, emociones profundas y gran escala. También aplicó las estrictas técnicas polifónicas y de desarrollo de motivos de los compositores clásicos alemanes a la creación de sinfonías. Entre sus obras importantes se encuentran el "Concierto para violín en re mayor", las "Danzas húngaras" n.° 5 y 6, la "Obertura de la ceremonia universitaria" orquestal y la obra musical "Canción de cuna" y otras piezas destacadas.
Obras representativas: Sinfonía n.º 1 en do menor;
Otras obras orquestales: Concierto para piano n.º 2 en si bemol mayor; Concierto para violín en re mayor; Obras vocales:
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"Réquiem alemán"
"Réquiem alemán": comparado con obras de réquiem anteriores. No importa en términos de contenido o música, el "Deutsche Requiem" de Brahms crea una nueva concepción artística y es más humano. Este trabajo es el mayor trabajo vocal de Brahms, marca la cima de su creación musical y le valió una gran reputación en toda Europa. "Requiem alemán" combina a la perfección música coral, solista y orquestal. Su creación está inspirada en la tradición musical polifónica de Handel.
Georges Bizet - Naturalista francés: Compositor francés
Obras representativas: Obras orquestales: Les Demoiselles Allais, Suite nº 1, Suite nº 2
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Ópera: "Carmen"
"Carmen": La obertura de la ópera es en La mayor, en compás 42, en forma de rondó. Toda la obertura se basa en imágenes con fuertes contrastes y expresa el contenido principal de la ópera con una música hermosa, compacta y fascinante. La obertura concentra algunas de las melodías más importantes de la ópera y utiliza el efecto del claroscuro para expresar plenamente el contenido de la ópera (fragmento 1, fragmento 2. El tema se selecciona de la música cuando el matador sube al escenario en la ópera). Última escena de la ópera. La obertura de esta obra suele tocarse sola en los conciertos.
Cuando llegaron los soldados para el turno en el primer acto, un grupo de niños imitó los pasos de los soldados para despejar el camino. Los niños cantaron la marcha de flauta y tambores "Estamos juntos con los soldados" en un enérgico compás de 2/4, en clave de re menor (fragmento 3). En esta escena se crea la imagen apasionada, desenfrenada y encantadora de la gitana Carmen.
La famosa aria de la protagonista Carmen "El amor es como un pájaro libre" es una melodía profundamente arraigada en los corazones de la gente. El Andante, de re menor a fa mayor y 2/4 expresa plenamente el encanto audaz, desenfrenado y misterioso de Carmen. (Clip 4 y Clip 5). Después de que arrestaron a Carmen, el teniente dragón Suniha la interrogó personalmente, pero ella tarareó casualmente una canción (Fragmento 6), que mostraba vívidamente el carácter bohemio de Carmen. En esta escena, cuando Carmen está seduciendo a Don Hauser, canta otra famosa aria, allegro, compás de 3/8, una encantadora pieza de ritmo de danza española, la melodía es apasionada y un poco salvaje (Fragmento 7), retrata además la sencillez y agresividad del personaje de Carmen.
También es muy famoso el intermezzo entre el primer y segundo acto, seleccionado del aria "Dragona de Alcalá" de Don Hauser en el segundo acto. El fagot toca un Allegro moderado. y enérgica melodía principal (fragmento 8).
También hay una pieza de música de estilo gitano en el segundo acto, que muestra la escena de dos niñas gitanas divirtiéndose bailando en el hotel (Fragmento 9), con ritmo saltador y voces débiles. fuera del ambiente ruidoso del hotel.
El intermezzo entre el segundo acto y el tercer acto es una suave y bella melodía, con flauta y arpa complementándose, llena de ternura (fragmento 10).
El famoso "Canto del Matador" del tercer acto es una canción cantada por Escamillo para agradecer al pueblo que lo acogió y admiraba. Esta marcha triunfal con ritmo poderoso y sonido majestuoso creó con éxito la imagen alta de este torero valiente y victorioso (fragmento 11).
Al final del cuarto acto, tal y como dijo Tchaikovsky: "Cuando veo esta última escena, no puedo dejar de llorar. Por un lado, cuando el público ve al matador, por el otro. Por otro lado, es un terrible final trágico con la muerte definitiva de los dos protagonistas. El lamentable destino de estas dos personas los llevó al final inevitable después de experimentar amargura. "También hay una canción de baile popular al estilo español". "Aragón" es también una pieza que suele interpretarse sola en conciertos (Extracto 12).
Verdi - La gloria de la ópera italiana (Rey de la ópera) Guseppi Verdi es un destacado compositor de ópera italiano. Compuso 27 óperas en su vida, algunas de las cuales han sido incluidas entre las óperas más famosas del mundo. se realiza en países de todo el mundo. Se le conoce como el Rey de la Ópera.
Obras representativas: Ópera: Aida, Rigoletto, "La Traviata"
Il travatore, Falstaff
Otras obras vocales: Misa de Réquiem
"La Traviata":
"La Traviata" es la "Trilogía Popular" de Verdi "La última (las otras dos son "Rigoletto" e "Il Trovatore"), es tan popular entre los italianos como " El Trovatore".
Está basada en el escritor francés Dumas Xiao en 1852. Esta ópera está llena de hermosas arias y la densidad de su apariencia es tan alta que, como "Carmen" de Bizet, se convierte en una colección de hermosas canciones. Incluso si no entiendes bien la trama, nunca sentirás "frío". ", por lo que también es una buena introducción a la ópera.
La ópera en tres actos de Verdi "La Traviata" se estrenó en Venecia en 1853. Aunque fracasó por diversas razones sociales, pronto recibió elogios en todo el mundo. Se considera una obra maestra con un efecto artístico excepcional y se ha convertido en una. de las obras más populares en los teatros de ópera de varios países. No es de extrañar que el autor original de "La Traviata", Xiao Dumas, dijera: "Dentro de cincuenta años, nadie recordará mi novela" La Traviata ", pero Verdi la hizo inmortal. El nombre italiano es Traviata, que originalmente significa "un caído". mujer" (o "una caída"), y generalmente se traduce como "La Traviata". La ópera describe a Violetta, un personaje con múltiples personalidades en la escena social parisina de la primera mitad del siglo XIX. Fue famosa durante un tiempo, tenía talentos sobresalientes y vivió una vida lujosa y lujosa como prostituta, pero no tenía un estilo secular de buscar fama y fortuna. Era una mujer perseguida.
Aunque se ganó el amor de Alfred Amand, para salvar el "honor" de la llamada "familia respetable", renunció resueltamente a su amor y se convirtió en una víctima de la sociedad de clase alta.
Trama: Violetta era originalmente una cortesana que estaba involucrada en la sociedad de clase alta de París. Conmovida por el amor sincero del joven Alfred, abandonó resueltamente su vida de lujo y lujo y vino a los suburbios. de París para conocer a Alfred **Romper juntos la miel del amor. Sin embargo, el padre de Alfred, Georgiou, se opuso ferozmente y la obligó a prometer que rompería el contacto con su hijo. Para proteger la familia y la felicidad de Alfred, ella estaba decidida a sacrificar su amor, soportó el gran dolor en su corazón y regresó al campo del romance. Alfred la confundió con un cambio de opinión y, furioso, la humilló en público. Violetta cumplió su promesa a Georgiou y no reveló sus verdaderos sentimientos a su amante, pero su cuerpo, que padecía una enfermedad pulmonar, no pudo soportar este golpe fatal y quedó postrada en cama. Pronto, Georgiou se dio cuenta de su conciencia y le confesó todos sus verdaderos sentimientos a su hijo. Pero cuando Alfred regresó con Violetta, ella ya estaba muriendo. La enfermedad y una sociedad injusta le habían quitado el amor y la vida. Con su sutil descripción psicológica, su melodía sincera y hermosa y su conmovedor poder trágico, la música encarna las características básicas de la creación de la ópera de Verdi en el período intermedio. La obertura utiliza el tema del amor y el motivo del patetismo descendente en el segundo acto para dar un resumen sucinto de toda la obra. La "Canción para beber" en el primer acto es una canción segmentada basada en la forma de una canción de dos partes, con un ritmo de baile enérgico, un color de clave mayor brillante y un motivo de sexto salto mayor a lo largo de la canción, que expresa Alfred De Usó el vino para expresar su deseo y alabanza por el amor verdadero, lleno de vitalidad juvenil. El aria de Violetta expresa las complejas y sutiles contradicciones psicológicas de la heroína. La primera mitad muestra las fluctuaciones en su corazón cuando sintió amor por primera vez, con un tono sincero y directo; la segunda mitad muestra su audaz recuerdo y deseo de amor, y los tonos saltarines reflejan la alegría incontrolable en su corazón. El dúo final es una escena musical conmovedora. El tono casi coloquial y urgente del primer verso es una descripción del estado de ánimo extático y emocionante de los amantes sufridos cuando finalmente se reencuentran con la lírica; Temperamento de canciones románticas, expresan su anhelo de amor y felicidad. Pero más tarde, en la parte de micro-oletta entrelazada con la apasionada melodía de Alfred, apareció un doloroso tono quejoso de deslizamiento de semitono, que gradualmente se desarrolló y expandió, y finalmente ocupó una posición dominante. Verdi utilizó esta técnica contrastante para representar la eterna búsqueda del amor de la moribunda Violetta, revelando el profundo tema trágico de la ópera y poseyendo un impactante poder dramático.
"Otelo":
Alcanzando la cima de la creación vital de Verdi y convirtiéndose en una auténtica comedia musical. "Otello" es un avance estructural después de "Aida" y da pleno juego al papel de la orquesta en la ópera. No comienza directamente con la escena de la tormenta sin la curva habitual
Paganini (1782~ 1840). ): violinista y compositor italiano.
Repertorio: 1. Veinticuatro caprichos de violín solo. 2. Concierto para violín núms. 1 y 2. 3. Moisés Fantasía. 4. Variaciones sobre el tema "Caos en el Corazón". 5. Sonata para violín y guitarra
Puccini (1858~1924): compositor de ópera italiano.
Temas recomendados: 1. Ópera "La Bohème". 2. Ópera "Tosca". 3. Ópera "Madame Butterfly". 4. Ópera "Manon Lescaut". 5. Ópera "Las chicas de Occidente". 6. Ópera "Turandot". 7. Ópera "Johnny Schicky".
Johann Strauss Jr. (1825~1899): compositor austríaco.
Temas recomendados: 1. Vals: "Danubio Azul", "Rosa del Sur", "Historia de los bosques de Viena", "Vino, mujeres y canciones", "La vida del artista", "Emperador", "Las mil y una noches". 2. Boca: "Pizzicato", "Truenos y Relámpagos", "Chat", "Caza", "Explosión". 3. Obertura de "El Murciélago", Obertura de "Baron Hipsy", Obertura de "Noches en Venecia". 4. La opereta "Murciélago".
Normalmente cuando hablamos de Strauss, hablamos de la familia Strauss. Entre sus miembros se encuentran John Strauss Sr., cuya obra representativa es "Radesky March", y John Strauss Jr. Rouse, Eduard Strauss y Joseph. Strauss.
Debussy (1862~1918): compositor francés.
Repertorio recomendado: 1. Obras para piano: Suite "Bergamusk" (incluida la famosa "Moonlight"), "Print" (tres canciones), "Imagen" (dos volúmenes, tres canciones cada uno), " Children's World" (seis canciones, incluida la famosa "Black Doll's Step Dance"), "Prelude" (dos volúmenes, ***24 canciones), "Dream", "Two Gorgeous Songs", "Pleasure Island", "For the Piano". 2. Música orquestal: “Mar”, “Preludio de la Tarde del Fauno”, “Tres Nocturnos”, “Danzas Sagradas y Procas”, (Arpa y Orquesta). 3. Música de cámara; "Cuarteto de cuerda en sol menor", "Sonata para violín", "Sonata para violonchelo", "Sonata para flauta, viola y arpa".
Comparación de Wagner, Verdi y Bizet
Los tres están agrupados porque todos tienen grandes logros en la ópera y, en segundo lugar, cada uno representa una especie de facción.
En la industria musical, los estilos no están unificados. El romanticismo se puede dividir en romanticismo temprano y romanticismo nacional. También se puede dividir en romanticismo italiano y romanticismo francés. . . . . Y estos tres representan simplemente los tres estilos de la ópera alemana, la ópera italiana y la ópera francesa.
Wagner concede gran importancia al efecto del acompañamiento instrumental en la creación de sus obras. Esta es exactamente la característica nacional alemana, Verdi resalta el estatus del canto vocal, y la característica nacional italiana Bizet enfatiza el papel de. ritmo del lenguaje, que refleja las características nacionales francesas. Por supuesto, es imposible aclarar estos tres estilos en unas pocas frases. Se pueden extraer tres fragmentos clásicos de óperas (Preludio del tercer acto de "Lohengrin" de Wagner, "La Traviata" de Verdi. " canción para beber, el amor " Carmen " de Bizet
Wagner intentó realizar plenamente las actividades de la armonía prestando atención al desarrollo de la orquesta y luego transformándola en una variedad de efectos dramáticos (un largo suspiro, un suspiro, en abreviatura, significa utilizar la interpretación de la orquesta para expresar actividades armónicas para lograr efectos dramáticos). Verdi utiliza directamente la voz humana para expresar emociones, por lo que sus obras suelen ser apasionantes (aunque Bizet es básicamente un apasionado de la interpretación y la tragedia). cantando, usando un ritmo brillante para lograr efectos dramáticos (se dice que cuando escucha "Love is a Free Bird", LZ siempre tiene ganas de bailar, tapándose...)
En una frase, El estilo realista de Verdi, el drama sinfónico de Wagner y el estilo lírico de Bizet no son independientes entre sí
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Wagner y Brahms
si se divide la música romántica con fuertes efectos expresivos. en dos escuelas opuestas, una escuela enfatiza la amplitud de expresión, y las figuras representativas de esta escuela incluyen a Berliot Liszt, Wagner, la llamamos la escuela de Wagner. La otra escuela enfatiza la profundidad de expresión, representada por los primeros maestros románticos alemanes (. Schumann, Mendelssohn...) y Brahms, lo llamamos brahmsiano
En cuanto a la amplitud de expresión y la profundidad de la expresión, podemos simplemente usar la diferencia entre Handel y Bach para ayudarnos a comprender. La música mencionada anteriormente La diferencia de estilos entre los artistas es solo una comparación para una mejor comprensión, y no los coloca en lados opuestos. Sin embargo, estos dos han causado un prolongado debate entre los amantes de la música e incluso en los medios, y realmente lo han hecho. logrado esto. Mientras te elevas, no olvides pisar los pies de tu oponente.