La evolución de los materiales y técnicas de pintura al óleo.

En la época bizantina se experimentó con el simple uso del óleo como medio pictórico. Según los registros, este tipo de pintura no se seca incluso si se expone al sol durante varios meses. En 1200, el monje Teófilo Ruziros escribió un tratado sobre pintura al óleo, "Diversas formas artísticas", en el que introdujo el uso del aceite de linaza y la resina árabe. Pinturas similares a las pinturas al óleo aparecieron en las Islas Británicas a finales del siglo XIII. A finales del siglo XIV, dos pintores holandeses, los hermanos Van Eyck (Jan van Eyck y su hermano Hubert van Eyck), encontraron un método sencillo de pintar con pigmentos solubles en aceite y crearon la pintura al óleo pura. Aunque los historiadores del arte no pueden concluir que los hermanos Van Eyck fueran los inventores de la pintura al óleo, al menos encontraron una fórmula ideal para un medio de pintura a base de óleo basándose en experimentos anteriores. Muchos expertos creen que su mayor logro es la adición de resina natural al aceite, lo que hace que la escritura sea suave y el medio se seque rápidamente. "La boda de Arnolfini" de Jan van Eyck y su obra más famosa, "El Retablo de Gante" (ahora en la iglesia de San Bavón en Gante, Bélgica, consta de 23 pinturas) se considera una obra importante en la historia de Europa. Desarrollo de la pintura al óleo. Se dice que la técnica de mezcla de óleo inventada por los hermanos Van Eyck consiste en utilizar un "barniz blanco de Brujas" y aceite de linaza mezclados para pintar. Los usaron para mezclar los pigmentos que usaba en las pinturas al temple y descubrieron que el efecto era muy bueno. . (Algunos investigadores creen que el "barniz blanco de Brujas" es trementina destilada, que todavía utilizamos para diluir pinturas al óleo.) Antonueuo De Messina, el primer pintor italiano que estudió y dominó las técnicas de pintura al óleo 1430-1479) Se dice que después de ir a Holanda para conocer las técnicas de pintura al óleo de los hermanos Van Eyck, regresó a Venecia para enseñar a utilizar pinturas al óleo. Desde entonces, la pintura al óleo se ha vuelto popular en el continente europeo como un tipo de pintura independiente.

Durante los últimos cientos de años, a través de la herencia y la creación de pintores de varias generaciones, la pintura al óleo se ha desarrollado y mejorado aún más.

El proceso de desarrollo de la pintura al óleo ha pasado por varios períodos: clásico, moderno y moderno. Las pinturas al óleo en diferentes períodos están dominadas por las ideas y técnicas artísticas de la época, y muestran diferentes apariencias.

Las condiciones históricas en las primeras etapas del desarrollo de la pintura al óleo establecieron la tendencia realista de la pintura al óleo clásica. Durante el Renacimiento europeo del siglo XV, el pensamiento humanista se basaba en la crítica de la religión y tenía la exigencia positiva de prestar atención a la realidad social. Para deshacerse gradualmente de la creación única de clásicos cristianos, muchos pintores famosos comenzaron a pintar. Los personajes de la vida en ese momento. La observación y la representación directa de paisajes, objetos y temas religiosos hacen que las obras de temática religiosa contengan elementos realistas y seculares obvios. Algunos pintores representan completamente las escenas reales de la vida real. Los pintores del Renacimiento heredaron los conceptos artísticos de Grecia y Roma, es decir, no solo se enfocaban en describir un determinado evento o hecho en sus obras, sino que también revelaban las causas y consecuencias del evento o hecho, formando así una técnica artística que se enfocaba en concebir tramas típicas y dar forma a imágenes típicas. Al mismo tiempo, el pintor también exploró la aplicación de la anatomía, la perspectiva en la pintura y el papel de la distribución de la luz y la oscuridad en la imagen, formando principios científicos del modelado. El uso de la anatomía humana permite que las figuras en las pinturas tengan proporciones, formas y relaciones estructurales tan precisas como la realidad. El establecimiento de una perspectiva focal permite que las pinturas formen un espacio de profundidad ilusorio a través de la composición, y el paisaje en la pintura está relacionado con el; Momento direccional en la realidad. La experiencia visual es la misma; el método de luces y sombras unifica los objetos en la pintura bajo la luz de una fuente de luz principal, formando capas claras de cerca a lejos. El tema artístico del humanismo y la búsqueda de conceptos de modelado realistas no se pueden perfeccionar en otros tipos de pintura debido a las limitaciones de los materiales de las herramientas, y las propiedades materiales de las herramientas de pintura al óleo son adecuadas para encarnar plenamente ambos. Como resultado, las pinturas al óleo clásicas adquieren apariencias muy realistas que se han producido durante un largo período de tiempo.

La pintura al óleo clásica en su conjunto es el resultado de la aplicación simultánea e integral de varios factores en el lenguaje pictórico. Sin embargo, sobre esta base, artistas de diferentes países y diferentes épocas prestaron especial atención a uno o más. varios factores, formando diferentes estilos. Los pintores italianos durante el Renacimiento prestaron más atención al uso del claroscuro. Las partes oscuras de la escena en la pintura estaban envueltas uniformemente en sombras, y el límite entre la luz y la oscuridad mostraba una transición suave, creando un efecto concentrado y claro en la imagen. . l. La "Madonna de las Rocas" de Leonardo da Vinci es un representante de este estilo. Los pintores holandeses de la misma época representaron claramente cada detalle del paisaje en la pintura. La diferencia entre los paisajes fue la diferencia de color más que la transición entre la luz y la oscuridad. El retablo de tres hojas de R. Camping "Notificación de la Concepción" fue presentado meticulosamente. Todo en interior y exterior.

Tiziano de Italia fue el primer pintor que prestó especial atención a la expresividad de los colores en las pinturas al óleo. Pintó sobre fondos oscuros y, a menudo, utilizó colores brillantes con brillo similar y tonos ligeramente diferentes para crear un hermoso tono dorado. a veces grueso y a veces fino, combina orgánicamente color y forma, creando un efecto de textura.

El siglo XVII fue un período de rápido desarrollo de la pintura al óleo clásica europea. Pintores de diferentes regiones y países llevaron a cabo diferentes exploraciones en profundidad en el lenguaje de la pintura al óleo en función de su origen social y temperamento nacional. Los tipos de pinturas al óleo fueron Los temas se dividen en pinturas históricas, pinturas de historias religiosas, retratos de grupo, retratos individuales, pinturas de paisajes, pinturas de bodegones, pinturas de género, etc. Las técnicas de pintura al óleo también se han enriquecido cada vez más y se han formado escuelas en varios países y regiones.

Algunas pinturas al óleo del siglo XVII enfatizaron la sensación de luz de las pinturas al óleo, utilizando el contraste de colores cálidos y fríos, el contraste de intensidad de luz y oscuridad, y el contraste de espesor y espesor para crear una sensación. de luz, formando una atmósfera dramática en la imagen. El pintor italiano Caravaggio rompió el efecto de luz ordenado y armonioso de sus pinturas al óleo anteriores. Reforzó el contraste entre la luz y la oscuridad en la imagen, utilizando a menudo grandes áreas oscuras en el plano de fondo para resaltar las figuras brillantes en el primer plano, haciendo que las personas. Siento que la luz del cuadro es deslumbrante. El pintor español El Greco trató el paisaje bajo luces y sombras moteadas. No utilizó los dos aspectos de la luz y la oscuridad, sino que la distribución intermitente de la luz y la oscuridad también formó cambios continuos intermitentes, utilizando el pincel. Los colores son dignos y se infiltran entre sí durante la extrusión. Las imágenes dan a la gente un efecto confuso, y algunas incluso están llenas de una atmósfera de misterio e inquietud. El pintor holandés Rembrandt también utilizó el sentido de la luz en sus cuadros como medio para expresar el estado mental de las personas. En una gran cantidad de retratos que realizó, los personajes aparecen envueltos en grandes zonas de oscuridad, quedando únicamente los rostros, las manos, etc. expresar expresiones. Las partes importantes muestran un brillo vívido. Usó colores tranquilos para aplicar múltiples capas delgadas en las áreas oscuras para hacerlas parecer más profundas, mientras pintaba las áreas brillantes usando capas gruesas de pintura y una técnica de color de pila de cuchillos para crear una sensación de volumen pesado.

Durante el mismo periodo, muchos pintores también se centraron en explorar el uso de la pincelada. Las pinceladas son rastros del movimiento de un pincel al óleo con pigmento sobre el lienzo. En las primeras pinturas al óleo, el grosor de la capa de pintura en cada parte de toda la pintura era relativamente consistente y las pinceladas se aplicaban de manera uniforme, casi sin pinceladas visibles. . Los pintores del siglo XVII notaron que el movimiento de las pinceladas estaba impulsado por el estado de ánimo y el ritmo emocional durante la creación. Al pintar, los pintores pueden producir emociones que controlan el movimiento de las pinceladas: la ligereza, el peso, la lentitud, la urgencia y la dirección del movimiento. Las pinceladas no solo hacen que la imagen que se crea muestre viveza, sino que las pinceladas en sí mismas también tienen expresión artística. El pintor flamenco P.P. Rubens utilizó pinceles grandes bañados en colores finos y brillantes para pintar en muchas obras de gran escala. Utilizó el pincel según la forma de los personajes, dejando pinceladas libres y desenfrenadas, en su mayoría curvas, creando una forma corporal fuerte. El dramático conflicto entre impulso y argumento. El pintor holandés F. Hals utiliza pinceladas ligeras y flexibles para representar retratos, dándoles una sensación de viveza que aún conserva el espíritu de los personajes, complementando su tendencia a expresar personajes heroicos y optimistas. Otro pintor holandés, J. Vermeer, sabía pintar figuras de interior con pinceladas finas y redondas, parecidas a perlas, creando una atmósfera tranquila y cálida en la imagen.

El desarrollo de la pintura al óleo tomó nuevas tendencias en el siglo XIX, principalmente los cambios en los colores de la pintura al óleo. El pintor británico J. Constable fue el primero en utilizar directamente pinturas al óleo para dibujar al aire libre y obtener una rica experiencia de color. Usó pequeñas pinceladas para yuxtaponer colores en áreas locales y mezclarlos en bloques de colores más vivos. La imagen es más brillante que la clásica. Tonos marrones. El principio de complementariedad de los colores (el principio de que los colores en los dos polos de la rueda cromática pueden realzar el brillo y la intensidad de cada uno cuando se yuxtaponen) fue reconocido científicamente más tarde, pero Constable obtuvo el principio de colores complementarios de forma perceptual basándose en su observación de la naturaleza. , y en Parcialmente utilizado en la práctica. Sus obras inspiraron al pintor francés E. Delacroix. Delacroix utilizó ideas románticas para dominar sus creaciones y creó grandes pinturas temáticas basadas en acontecimientos históricos de esa época. Aplicó relaciones de color más complementarias a la expresión cromática de sus creaciones y utilizó pinceladas activas para formar contrastes de color en muchas partes de la imagen, realzando el brillo y la magnificencia de los colores, formando un estilo que conmocionó al mundo de la pintura en ese momento. Muchos pintores de la Escuela de Barbizon en Francia dibujaron paisajes bajo diferentes condiciones climáticas naturales. Reconocieron la relación entre el color de la fuente de luz, el color inherente y el color ambiental de la escena, y se dieron cuenta de que el tono del color puede reflejar el tiempo, el entorno, la atmósfera y las luces. el tema artístico. , que constituye el gran significado de la concepción artística y el estado de ánimo del cuadro. Sus numerosas creaciones paisajísticas representan atmósferas cromáticas específicas, como el viento, la lluvia, la mañana y el atardecer en la naturaleza.

Sobre esta base, los pintores impresionistas franceses hicieron aportaciones innovadoras en el uso del color.

Absorbieron los logros de la óptica y la química del teñido, y resolvieron los problemas de color de las pinturas al óleo basándose en el principio de mezcla de color y luz. Pintores como Monet y A. Sisley capturaron la impresión instantánea de color dada por los cambios de luz en la superficie de una escena al aire libre y yuxtapusieron colores contrastantes con pinceladas finas y gruesas. Se dieron cuenta de que las partes oscuras o las sombras no son cambios. en tonos de negro, cambió el método tradicional de pintar partes oscuras con un solo color armonizado y también utilizó puntos de color para yuxtaponer partes oscuras y sombras. Debido al efecto de la fisiología visual, los puntos de color yuxtapuestos aparecen como bloques de color transparentes con una tendencia al frío y al calor desde cierta distancia, formando una transición sutil. El impresionismo diluyó el volumen del paisaje y fortaleció el factor color. Ya no dependía de la luz, las sombras y las líneas para formar una sensación de distancia espacial, sino que se basaba en el principio de reflexión de la luz del color, utilizando colores fríos y cálidos para formar el espacio. . Las obras impresionistas aparecieron brillante y vívidamente sin precedentes, y también demostraron que el color tiene un poder expresivo tanto integral como puro.

En el siglo XIX, la pintura al óleo europea surgió como una escuela con propuestas artísticas claras, aunque se reflejaba principalmente en la temática y el contenido artístico, las técnicas de la pintura al óleo también tenían características propias. Por ejemplo, el neoclasicismo se centra en el rigor y la solidez del modelado de objetos en las pinturas al óleo, lo que está en consonancia con las reglas de modelado de la tradición clásica. El romanticismo se centra en el tema de la tragedia y se esfuerza por crear una sensación de tensión en la trama; el color, los factores de la pincelada y las líneas en movimiento en la composición; Los Prefaelitas se centraron en la expresión de las emociones psicológicas de los personajes de las pinturas. La mayoría de las pinturas utilizaron tonos azules, morados y verdes para crear una concepción artística sentimental y tranquila... Aunque la apariencia de las pinturas al óleo modernas ha sido relativamente rica, todas tienen las características generales del realismo. Todas se expresan de la siguiente manera: una pintura al óleo es una unidad de formas artísticas. El tono principal de color unifica los colores de cada parte. los colores locales son Los degradados de transición forman una relación armoniosa entre sí, y no hay bloques de color aislados, las pinceladas se utilizan básicamente para dar forma a la imagen, el grado de exposición es limitado y están unificados en una. cierta tendencia ordenada, ya sea larga o corta. Los objetos representados se unifican en la composición del foco central, formando un efecto isomórfico al campo de visión real;

Materiales y Herramientas

Una pintura que utiliza aceite vegetal transparente mezclado con pintura para crear una imagen artística sobre tela, papel, tablas de madera y otros materiales que se han utilizado como base. Se originó y desarrolló en Europa y se convirtió en un género pictórico importante en todo el mundo en los tiempos modernos. La pintura al temple, que apareció en la pintura europea antes del siglo XV, fue la predecesora de la pintura al óleo. Mientras usaban pintura al temple, muchos pintores continuaron buscando combinaciones más ideales. Generalmente se cree que los pintores holandeses hermanos Van Eyck de principios del siglo XV fueron los fundadores de las técnicas de pintura al óleo. Basándose en los intentos de sus predecesores de disolver pigmentos con aceite, utilizaron aceite de linaza y aceite de nuez como agentes mezcladores para pintar, lo que resultó en pinceladas suaves al pintar. La pintura tardó un tiempo moderado en secarse sobre la pintura, lo que la hizo. Es fácil de cubrir y modificar varias veces durante el proceso de pintura, formando niveles de color ricos y brillo, los pigmentos tienen una fuerte adherencia después del secado y no son fáciles de pelar ni decolorar. Utilizaron nuevos materiales de pintura al óleo para crear obras y fueron muy influyentes en el mundo de la pintura en ese momento. La tecnología de la pintura al óleo pronto se extendió a otros países de Europa occidental, especialmente a Venecia, Italia, donde se desarrolló rápidamente.

La función de las gruesas pilas de pintura al óleo y su fuerte plasticidad no tienen comparación con otros tipos de pintura. Sus características permiten que las pinturas al óleo produzcan un ritmo y una sensación que pueden estimular los pensamientos y las emociones de las personas. Bajo la influencia de la pincelada, dar forma no es sólo la tarea de completar la forma, sino que también tiene un impacto directo en el efecto de textura de la imagen. Tanto Rembrandt como Rubens eran buenos dominando y controlando la textura, porque la textura transmite directamente los sentimientos psicológicos del artista y afecta el atractivo de la obra. La llamada expresión razonable de la textura incluye no solo la imitación y reproducción de la textura del objeto mediante la textura, sino también la descripción y expresión del estado de ánimo general de la imagen. En la pintura al óleo realista tradicional, la textura es muy capaz de reproducir la textura. La textura delicada y rugosa del objeto se puede imitar con la textura correspondiente, pero este es un comportamiento muy pasivo, y las texturas verdaderamente hermosas son aquellas altamente armoniosas y ordenadas. Textura que puede expresar el ritmo de la imagen y las emociones del artista. Este tipo de textura a menudo trasciende las limitaciones de la textura y penetra la energía espiritual en toda la imagen y en el corazón del espectador, convirtiéndose en una belleza en capas de color que se abstrae de lo concreto. En este sentido, es abstracto. Pero en las pinturas al óleo tradicionales, a su vez, se adjunta a objetos realistas y se integra en la atmósfera general, de pequeño a grande.

Las limitaciones de las herramientas y materiales de la pintura al óleo conducen a la complejidad de las técnicas de pintura al óleo. A lo largo de los siglos, los artistas han creado una variedad de técnicas de pintura al óleo en la práctica para resaltar todo el efecto expresivo de los materiales de pintura al óleo.

Las principales técnicas de pintura al óleo son:

① Método de superposición de color transparente, es decir, el uso de pigmentos que no agregan blanco sino que solo se diluyen con aceite de tóner para crear representaciones de múltiples capas. La siguiente capa de color debe pintarse después de que cada capa esté completamente seca. Dado que el color de cada capa es más fino, el color de la capa inferior puede revelarse vagamente, formando un cambio sutil de tono con el color de la capa superior. Por ejemplo, aplicar un azul constante sobre una capa de color rojo oscuro producirá un rico efecto de azul a púrpura, es decir, frío pero cálido. Este es a menudo un tono que no se puede resaltar en la paleta. Este método de pintura es adecuado para expresar la textura y el grosor de los objetos. Puede representar de manera especialmente vívida los delicados cambios de color de la piel de los personajes, haciendo que la gente sienta que la sangre fluye debajo de la piel. Sus desventajas son que la gama de colores es estrecha, el proceso de producción es meticuloso, lleva mucho tiempo completar la obra y no es fácil expresar las emociones inmediatas de creación artística del artista.

② Método de coloración opaca, también conocido como método de coloración multinivel. Al pintar, primero use un solo color para dibujar la apariencia general del cuerpo y luego use varias capas de color para darle forma. Las partes oscuras a menudo se pintan más finas, mientras que los tonos medios y las partes brillantes se pintan de manera espesa capa por capa. cubriéndolos o dejándolos formando un bloque de color contrastante. Los diferentes espesores revelan el rico encanto y la textura de los colores. No existe una distinción estricta entre los dos métodos de pintura, transparente y opaco, y los pintores suelen utilizar ambos en una sola pintura. Al expresar objetos en partes oscuras o sombras, el método de superposición transparente puede producir una sensación estable y profunda de volumen y espacio; el método de superposición opaca puede dar forma fácilmente a formas fuera de las partes oscuras y aumentar la saturación de color de la imagen. La mayoría de los pintores anteriores al siglo XIX utilizaban estos dos métodos de pintura. La producción de las obras generalmente llevaba mucho tiempo. Algunos pintaban una capa y la dejaban durante mucho tiempo, esperando que la capa de color se secara por completo antes de pintar.

③ Método de coloración opaca de una sola vez, también llamado método de coloración directa. Es decir, después de dibujar el contorno del objeto en el lienzo, los colores se colocan según la sensación de color del objeto o la concepción del color de la imagen. Básicamente, la pintura se completa al mismo tiempo. Se raspa con una espátula y luego se continúa coloreando. En este método de pintura, la pintura utilizada en cada trazo es relativamente espesa, la saturación del color es alta y las pinceladas son más claras, lo que facilita expresar los sentimientos vívidos al pintar. Muchos pintores después de mediados del siglo XIX adoptaron principalmente este método de pintura. Para lograr el efecto de una capa de color completo después de una coloración, es necesario prestar atención a la aplicación de pinceladas, es decir, el método de recubrimiento. Los métodos de recubrimiento comúnmente utilizados se dividen en recubrimiento plano, recubrimiento suelto y recubrimiento grueso. . La pintura plana consiste en utilizar trazos uniformes y de fuerza unidireccional para pintar una gran área de color, que es adecuada para dar forma a formas estáticas en una composición estable y suelta, se refiere al uso del pincel de acuerdo con la tendencia de giro natural; la forma pintada y los trazos son relativamente sueltos y flexibles; el empaste es una gruesa pila de pintura en su totalidad o en parte, que a veces forma capas de color o bloques de color de hasta varios milímetros, lo que hace que la pintura muestre una textura interesante y fortalece el imagen.

Como lenguaje artístico, la pintura al óleo incluye muchos factores de modelado como el color, la luz y la sombra, las líneas, la textura, las pinceladas, la textura, la percepción de la luz, el espacio, la composición, etc. El papel de las técnicas de pintura al óleo es Para integrar varios factores de modelado, reflejados localmente o individualmente, el rendimiento de los materiales de pintura al óleo ofrece plenamente la posibilidad de utilizar técnicas de pintura al óleo en un plano bidimensional. El proceso de producción de pintura al óleo es un proceso creativo en el que el artista controla consciente y hábilmente los materiales de pintura al óleo, selecciona y utiliza técnicas que pueden expresar ideas artísticas y formar imágenes artísticas. Las pinturas al óleo no sólo expresan el contenido ideológico dado por el artista, sino que también demuestran el lenguaje único de la pintura al óleo. El proceso de desarrollo de la pintura al óleo ha pasado por varios períodos: clásico, moderno y moderno. Ideas y técnicas artísticas de la época, mostrando una mirada diferente.