En la escuela de pintura al óleo se desechan ideas y colores. ¿Qué clase de doctrina es esa?

La expresión abstracta también se conoce como abstracción o abstracción. Un género de pintura desde la era posterior a la Segunda Guerra Mundial hasta principios de la década de 1960. El término abstracción fue utilizado por primera vez en el arte estadounidense en 1946 por el crítico de arte Robert Coates. El término "expresionismo abstracto" se utiliza para definir las atrevidas pinturas abstractas producidas por un grupo de artistas. Sus obras son apasionadas y desenfrenadas, o pacíficas y tranquilas, y todas expresan y despiertan las emociones de las personas en formas abstractas.

Jackson Pollock es quien mejor muestra las características conceptuales y técnicas de este estilo. Desde 1947, adoptó el método pictórico de colocar un gran lienzo en el suelo, luego caminar alrededor de él y salpicar "pintura" sobre el lienzo. El proceso de pintar se convirtió en una especie de danza ritual, con todo su cuerpo en movimiento. Un estado hipnótico de concentración y una completa implicación física y mental son la clave para que una pintura forme su "vida independiente". Una vez completado su trabajo, las líneas verticales y horizontales densamente pobladas transmiten una vitalidad sin restricciones, una sensación de movimiento libre, fluctuaciones infinitas en el tiempo y el espacio, y su poder inherente.

En la representativa obra de Pollock "The Lavender Thing", se puede apreciar el espíritu del expresionismo abstracto. A primera vista, parece un montón de líneas entrelazadas entre sí. Si miras de cerca la pintura, puedes ver que la pintura gotea directamente sobre el lienzo. No hay ninguna imagen identificable en la imagen y está llena de pasión libre y desenfrenada. La imagen tampoco tiene perspectiva espacial, pero no es plana. Pollock creó un espacio ambiguo, con la mayoría de las pinceladas suspendidas detrás de la superficie, suspendidas en un espacio intencionalmente comprimido y privado de perspectiva. El primer plano y el fondo se penetran mutuamente y saltan en la visión de la gente.

El propio Pollock describió su proceso de pintura de esta manera: "Mis pinturas no provienen de un caballete. Rara vez estiro el lienzo antes de pintar. Prefiero clavar el lienzo sin estirar en una pared dura o en la pared". Suelo Me siento más cómodo en el suelo, así que me siento más cerca de mi pintura y soy más parte de ella porque puedo caminar alrededor de ella, primero por todos lados, y luego caminar realmente hacia el centro. pintura, que es muy similar a la forma en que los indios occidentales usan arena para pintar."

"Además, abandoné las herramientas comúnmente utilizadas por los pintores, como caballetes, paletas y pinceles, etc. uso palos, paletas, raspadores y pintura líquida fina, o una pintura espesa mezclada con arena, además de vidrios rotos u otros materiales que no se usan habitualmente."

"Cuando pinto, no lo hago. No sé lo que estoy haciendo Sólo después de un período de familiaridad veo lo que estoy haciendo. No tengo miedo de cambiar o destruir repetidamente la imagen, porque la pintura tiene vida propia y me esfuerzo por dejarla. "Mientras pierda el contacto con la pintura, el resultado será un desastre. Por el contrario, habrá pura armonía y armonía, y la pintura saldrá perfecta".

Pollock. sobre los indios americanos. Las características del modelado artístico son muy impresionantes. En su opinión, los indios, al igual que los verdaderos pintores, tienen una capacidad relativamente completa para capturar imágenes apropiadas y un gran conocimiento de la composición de los temas pictóricos. Sus colores son principalmente occidentales y su visión tiene las características básicas de todo verdadero arte. Él cree que el arte se deriva del arte de la "pintura con arena" de los indios. La llamada "pintura con arena" consiste en filtrar arena de colores entre los dedos y rociarla sobre el suelo para formar un patrón colorido.

Las imágenes creadas con la técnica creativa única de Pollock despertaron inicialmente la ira generalizada entre el público estadounidense, pero a los ojos de un número muy reducido de personas, es un héroe rebelde en el arte de la pintura. Hay quien dice que mirar sus cuadros es una aventura para los ojos, llena de sorpresa y alegría. Pero Pollock ignoró en gran medida a la opinión pública y continuó pintando de forma obsesiva. Ya no da títulos a sus obras, sino que sólo les asigna un número al finalizar.

Él cree que cuando se mira el arte moderno como público, uno no tiene que buscar nada, “sólo mirar con indiferencia: prestar atención a cómo la pintura hace sentir a la gente y evitar las cuestiones temáticas y las ideas preconcebidas que buscan”. “¿Qué es la búsqueda deliberada en las pinturas abstractas? Cuando se le preguntó si el significado y el objeto de expresión interrumpirán la apreciación plena de la obra, respondió: "Creo que debería ser una especie de disfrute, como la música. Pronto lo serás. Me gusta o la odio, pero no es lo mismo." Es una cosa seria, me gusta esta flor y no me gusta esa flor, supongo. Tengo que darle a la gente una oportunidad”

Robert Motherwell puede ser considerado un miembro del movimiento expresionista abstracto, es un artista conocedor y enérgico. Anteriormente había estudiado historia, crítica y filosofía y fue un artista autodidacta. A medida que el expresionismo abstracto comenzó a tomar forma, el alcance de las actividades de Motherwell se amplió. De 1947 a 1948 fue uno de los editores de la influyente revista "Possibilities". En 1948, junto con tres pintores famosos, William Baziotes, Barnett Newman. y Mark Rothko, fundaron una escuela de arte. En 1951 publicó una colección de obras de pintores y poetas dadaístas. La publicación de este libro fue una de las primeras señales del nacimiento del "Nuevo Dadá".

Motherwell fue también un pintor prolífico, y su obra más famosa es la serie de obras titulada "Elegía de la Revolución Española". La pintura se compone principalmente de grandes trazos negros pintados sobre un fondo blanco, formando masas y estructuras geométricas, dándole una sensación monumental, tranquila y pesada. Al igual que Pollock, sus pinceladas también eran aleatorias. La diferencia fue que durante el proceso de pintura, el poder racional de Motherwell estaba siempre en acción. Intentó equilibrar la conciencia y la inconsciencia, y se expresó libremente manteniendo un cierto grado de libertad para coordinar. composición de la imagen. Los temas de esta serie de obras provienen de la historia europea moderna. Tenía apenas veintitantos años cuando estalló la Guerra Civil Española. Cada pincelada de la imagen parece ser el autor recordando con apego su juventud. Sus obras también muestran que las pinturas "subjetivas" que fueron populares en los Estados Unidos en los años 1940 y 1950 no son incapaces de abordar temas históricos o sociales. También es un malentendido por parte de los europeos pensar que el expresionismo abstracto es sólo una "improvisación". " arte. También en el tema de la guerra, si comparamos la serie de obras de Motherwell con el “Guernica” de Picasso, podemos ver el progreso del arte. Como representante del cubismo, el "Guernica" de Picasso expresa el miedo de la gente a la guerra con la imagen de la división. Sin embargo, en las obras de Motherwell ni siquiera encontramos la alguna vez sorprendente imagen de la división. Sólo quedan las pinceladas y los colores. se simplifican a blanco y negro. Pero esto no nos impide en modo alguno encontrar las emociones del autor y la temática del cuadro en las obras. Hasta cierto punto, esta expresión "inconsciente" con pinceladas errantes es más directa que las creaciones de Picasso y llega directamente al alma de las personas. El autor no necesita dibujar imágenes para transmitir emociones; todas las expresiones ya están contenidas en las pinceladas.

Entre 1949 y 1976, Motherwell creó casi 150 variaciones sobre el tema elegíaco. Comenzó a practicar el segundo gran tema de su carrera artística hacia 1968-1972. Su obra representativa fue “Open No. 24” en 1969. La obra consta de un plano y líneas de carboncillo de un solo bloque de color. Esta exploración de la expresión del color a gran escala abarca desde bloques de color relativamente uniformes, pero no planos, hasta técnicas de pintura e imágenes rítmicas y diversas. entre ellos, en lugar de una simple disposición de elementos formales, como el ritmo de la caligrafía china.

La investigación de Motherwell sobre el surrealismo fue relativamente exhaustiva y la absorbió selectivamente. No le interesan los "sueños", pero está feliz de explorar y desarrollar nuevos aspectos de intensidad y solemnidad. A principios de 1976, se propuso expresar un nuevo tema, y ​​fue a partir de ese momento cuando Motherwell entró en la fase más variada y productiva de su carrera. Conviértete en un representante original de la abstracción.

Las obras de Franz Kline son tan dinámicas como las de Pollock. En la década de 1940, le apasionaba el dibujo lineal y estaba especialmente acostumbrado a pintar pequeños bocetos y detalles en blanco y negro. Estudiaba en detalle motivos individuales o relaciones espaciales. Un día de 1949, utilizó un proyector de diapositivas para ampliar algunos bocetos, lo que le inspiró a desarrollar su propio estilo único: unas líneas negras a gran escala sobre un lienzo blanco, sin nada más que líneas, y mucho menos nada concreto. Los espacios en blanco y los fuertes trazos negros de la pintura son vívidos, e incluso algunos de los puntos blancos parecen más significativos. Cuando la gente mira sus obras, también puede entender el significado de "pintura de acción". El movimiento de la pluma es muy importante en las obras Xu, Ji, Tong, estancamiento, giro, pliegue, avance y retroceso, que están relacionados. a la caligrafía china coinciden. Independientemente de si estuvo influenciado por la caligrafía oriental o no, sus pinturas son consistentes con la caligrafía oriental en el principio de "planificar el blanco y tratar el negro". Además, aunque se elimina la redundancia, se utiliza sólo blanco y negro, se utiliza menos para superar más y para lograr una belleza más profunda, este tipo de gusto estético está muy cerca del arte de la caligrafía oriental.

Las primeras pinturas abstractas en blanco y negro a gran escala de Crane de 1950 se caracterizan por pinceladas grandes, ásperas pero controladas, y una fuerte estructura arquitectónica. Sus estructuras tuvieron una gran influencia en los escultores constructivistas de los años 1960. Comenzó a experimentar con el color a finales de la década de 1950. En el año anterior a su muerte (1962), el color comenzó a jugar un papel importante en sus obras, pero los resultados no fueron necesariamente gratificantes. Parecía que el color desempeñaba un papel importante en sus obras. Ideas expresadas por la composición. No importa, es solo una decoración.

El expresionismo abstracto se puede dividir en dos tipos. Uno es como Pollock, que enfatiza el poder y el movimiento y está lleno de pasión; el otro es una abstracción más pura, que da tranquilidad a las personas, como Rothko. este estilo. Rothko nació en un país extranjero y llegó a Estados Unidos procedente de Rusia en 1913, cuando era sólo un adolescente. Sus primeras obras tenían huellas del surrealismo, que luego se volvió más simple. En 1950, había abandonado por completo las imágenes concretas. Sus obras consistían a menudo en varios rectángulos en blanco pintados sobre un fondo de color, con bordes poco claros y, por tanto, posiciones espaciales ambiguas. Esta sensación de espacio también nos resulta familiar en las obras de Pollock. No hay espacio profundo, y este espacio tan superficial es lejano y cercano, esquivo. La interrelación entre colores funciona debido al espacio rectangular, creando una pulsación suave y rítmica. Las uniones poco claras esconden muchas cosas intrigantes.

Rothko no se consideraba un pintor abstracto, sino que prestaba más atención a la expresión espiritual. Dijo: "No estoy interesado en la relación entre el color y la forma u otras relaciones... Sólo estoy interesado en expresar las emociones básicas de las personas, la tragedia, el éxtasis, la destrucción, etc. Él quiere estar en la tradición occidental. Las raíces." de la civilización occidental actual se puede encontrar en la cultura. Él cree que la experiencia interior de la gente moderna no ha abandonado la tradición desde la antigüedad hasta el presente. Por lo tanto, para expresar la connotación espiritual, es necesario remontarse a la tradición cultural griega, especialmente a la conciencia trágica de la civilización griega. es la fuente más profunda de la cultura occidental. Antes de pintar cuadros abstractos maduros, prestó mucha atención al arte griego y romano. De la tradición griega absorbió el conflicto entre el hombre y la naturaleza y el conflicto entre el individuo y el grupo en el espíritu de la tragedia griega. En su opinión, estos conflictos resumen la situación básica de la existencia humana. Debido a su búsqueda de claridad de expresión y de eliminar todo lo que no tiene nada que ver con conceptos, finalmente desarrolló una imagen completamente negra. En negro, encontró una forma que era completamente consistente con su conciencia trágica, y podía hacerlo. no ser de forma simplificada.

Ad Reinhardt comenzó a experimentar con formas geométricas y rectángulos en la composición a finales de los años treinta. En la década de 1940 utiliza el collage como soporte y comienza a ir más allá de los patrones y espacios del cubismo y utilizar un patrón libre. Estos patrones minimizan el uso de pinceladas personales, significado y composición tradicional, dando a la obra una nueva vida independiente de su autor. A principios de la década de 1950, pintó con colores únicos, como el rojo y el verde muy oscuro, casi negro. En la década de 1960, utilizó principalmente el azul.

Más tarde, aparece alguna imagen interior dentro del bloque monocromático, compuesta por rectángulos, cuadrados o cruces regulares más pequeños de colores sutilmente diferentes en brillo o tono.

Finalmente Reinhardt llevó su estilo al extremo vistiendo de negro (en la foto de la izquierda). En un plano de cinco pies cuadrados, se dibujan nueve cuadrados negros del mismo tamaño. Estos bloques negros no tienen textura, ni conexión entre ellos, ni cambios, y parecen no tener significado. Por tanto, cree que lo que un buen artista tiene que hacer en la creación es "repetir una pintura de una determinada especificación: la misma idea, el mismo monocromo, la misma división de líneas en la primera dirección, la misma simetría, la misma textura, la misma forma de patrón, las mismas pinceladas libres, el mismo equilibrio... todo está pintado de forma muy consistente y estandarizada "No hay líneas ni imágenes, ni formas ni composiciones, ni visión, sentimiento ni impulso, ni símbolos". sin decoración, color o imagen.” Estos reflejan la creencia de Reinhardt de que "el arte es arte, y no es más que arte". Él persigue la expresión artística pura: "Un criterio en el arte es la individualidad y la gracia, la precisión y la unidad, la abstracción y la esencia. Para el arte bello, no es necesario". -respiración, no vida, no contenido, no espacio y no tiempo". En su opinión, "uno de los objetivos del arte abstracto de los últimos 50 años es explicar el arte como arte y nada más, ponerlo en una pista, hacerlo más independiente y cerrado, hacerlo más purificado, más absoluto". , y más distante: -No objeto, no representacional, no simbólico, no intencional, no expresión, no sujeto. La única manera de hablar sobre arte abstracto, o arte como arte, es hablar de lo que es. no arte."

Reinhardt lo abandonó. Todo lo que consideraba no artístico, también abandonó todo lo que consideraba no espiritual. Sus pensamientos obviamente tienen algunas connotaciones orientales. Una vez enseñó arte oriental en Brooke and Hunter College y es un estudioso del arte oriental. Sus puntos de vista influyeron en el minimalismo y en algunas escuelas de arte posteriores, y también proporcionaron una fuente de inspiración para artistas conceptuales.

Barnett Newman es uno de los artistas más racionales entre los expresionistas abstractos. Su arte está lleno de misterio y cosas incognoscibles. En un ensayo inédito, o "confesión", Newman explicó sus puntos de vista, dejando claro que el tema de su arte era, en el sentido más amplio, el misterio de la creación y el significado de la existencia humana. En muchos otros artículos, escribió: "... (el artista) utiliza su deseo y su voluntad para establecer una verdad ordenada, que es la expresión de su actitud ante el misterio de la vida y de la muerte. Se puede decir, el artista explora el universo como un verdadero creador. Es precisamente esto lo que lo convierte en un artista." En la década de 1940, Newman se centró en las leyendas de la creación en la mitología judía, no sólo desde el Libro del Génesis, hasta la filosofía mística hebrea y toda la tradición. del pensamiento místico judío. Alrededor de 1946, Newman comenzó a desarrollar una imagen pictórica: una franja de luz que discurría verticalmente de un lado al otro del lienzo. Este símbolo recuerda a una metáfora literaria recurrente en el Génesis y en la filosofía mística hebrea: la luz como símbolo de la creación. Al mismo tiempo, Newman también está cerca de otra tradición, que consiste en comparar a Dios y los seres humanos como si fueran lo mismo como un rayo de luz: el creador y lo creado son uno. En un grupo de pinturas titulado "Momentos", aparecen por primera vez cintas de color. Las cintas estaban colocadas sobre un fondo apagado, lo que no le gustó a Newman. Finalmente, encontró la solución más satisfactoria en el "Single I" creado en 1948. La imagen está contra un fondo rojo cadmio oscuro uniforme, con una delgada banda de rojo cadmio brillante que corre verticalmente hacia el centro de la imagen. Llamó a la franja de luz "cremallera", una imagen que no sólo recreaba la postura original de Dios sino que describía la postura misma: una forma separada, el hombre, el único animal que caminaba erguido, Adán, varonil, erguido.

En los años siguientes, Newman continuó desarrollándose hacia esta idea e hizo diversas variaciones, "Adam" fue una de ellas. Esta obra, especialmente en el uso del color y el título, parece remontarse directamente a "Single I".

La "cremallera" aquí no sólo simboliza al ser humano, sino que la franja de color rojo anaranjado sobre el fondo rojo marrón puede aludir a otro símbolo en la interpretación del Génesis por parte de la filosofía mística. Esto involucra la relación entre adamah y adom en hebreo. Adamah significa "tierra", de donde proviene directamente el nombre de Adán (Dios creó al hombre de arcilla), y adom significa "rojo". Newman pudo haber asociado el color con la tierra y Adán en el tema de la "creación". Correspondiente a "Adán", también hay una "Eva". Los concibió como una pareja y los llamó "Adán" y "Eva" después de pintar dos cuadros uno tras otro.

Las pinturas de Morris Louis marcaron un importante avance en la exploración del color y la luz. Esta exploración se remonta al período impresionista. Louis inventó el método de salpicar pintura sobre lienzos de algodón sin imprimación de diferentes tamaños para que la pintura pareciera más manchada que pintada en el lienzo. El resultado es una pureza de color sin precedentes, que ya no tiene ningún significado debido al efecto de textura que producen las pinceladas que corren sobre el lienzo. Esta técnica está directamente relacionada con el lirismo de sus colores y el lirismo y dramatismo de sus composiciones. El famoso crítico Clement Greenberg escribió: "Cuanto más coherente es un color con su fondo, más libre está de interferencia con las asociaciones táctiles". Otra crítica, Amy Goldin, mencionó a menudo la simplicidad fundamental de las pinturas de Louis: "Louis nunca fue un artista complejo y su trabajo nunca dejó ninguna duda".

"α-φ" fue creado en 1961. La forma de las cintas separadas proviene de las formas de las plantas exóticas y de las líneas del cuerpo femenino, creando así una sensación de fluidez. Este efecto, por supuesto, surge. de pintura líquida. Flujo natural sobre lienzo. Los colores rítmicos fluyen oblicuamente a ambos lados de la pintura, dejando un gran espacio en blanco, creando un poder en movimiento.

Uno de los objetivos pictóricos de Louis era una superficie que no fuera ni personal ni enteramente decorativa. Cualquier cosa que tenga "carácter", como un trazo direccional, un cambio de textura o un movimiento de muñeca, se abandona.

Kandinsky

Otra importante escuela expresionista es el grupo de pintura "Blue Rider" fundado por los pintores rusos Kandinsky y Marc en 1911. Se dedican a la pintura abstracta. Kandinsky nació en una familia de intelectuales en Moscú y se mudó a Munich en 1896. En 1910, una oportunidad accidental lo llevó a descubrir que las técnicas abstractas podían expresar efectos que las pinturas figurativas no podían expresar. Se trata de una pura experiencia psicológica y de un placer visual que ya no se puede comprender mediante los métodos de apreciación tradicionales. En 1912, escribió un importante artículo sobre pintura abstracta, "Sobre cuestiones espirituales en el arte", exponiendo su propia propuesta artística, es decir, la pintura debe expresar lo que se esconde en lo más profundo del corazón humano. Así como Gauguin propuso por primera vez la musicalidad en la pintura en sus primeros años, y la armonía de la forma y el color en sí misma es una especie de belleza, Kandinsky finalmente abandonó las imágenes después de una extensa práctica para resaltar la musicalidad de la forma y el color. Después de 1914, se desempeñó como director del Museo de Pintura de Moscú y, junto con el pintor suprematista Malevich y otros activos en Rusia, formó la columna vertebral del arte de la Asociación Cultural Proletaria. Después de 1922, debido a la política "ultraizquierdista" del Comité Central del Partido Comunista Soviético, Kandinsky se vio obligado a abandonar su patria (en 1926, Malevich vivió en un país extranjero por la misma razón) y fue a enseñar en la Bauhaus. En el Instituto Alemán de Arquitectura y Tecnología, mientras creaba, también realizó una gran labor de educación teórica, aplicó sus logros artísticos al campo del diseño moderno y logró grandes logros. A diferencia de la apasionada pintura abstracta de Kandinsky, existe otra escuela abstracta, que es la Stijl fundada por Mondrian. Este pintor holandés pasó casi toda su vida pintando varios cuadrados de tres colores primarios, pero estos cuadrados han tenido un gran impacto en el campo. del arte contemporáneo. En 1915 conoció a Schonmaike, que era a la vez matemático y filósofo teosófico.

Sus ideas influyeron mucho en él. La publicación de su "Manifiesto del neoplasticismo" en 1917 significó la formación de su estilo independiente. Sus pinturas se esfuerzan por encarnar la belleza del equilibrio y el extremo rigor de la composición. Para él, la verdad está contenida en el dualismo de las líneas verticales y paralelas resaltadas por estas barras horizontales negras...