La diferencia en las características arquitectónicas entre la arquitectura clásica francesa y la arquitectura renacentista italiana

El Louvre (en francés: Musée du Louvre) está ubicado en la orilla norte del río Sena en el centro de París, Francia. Ocupa el primer lugar entre los cuatro museos más importantes del mundo. Fundado en 1204, originalmente fue un palacio real en Francia y ha sido el hogar de 50 reyes y reinas franceses. Es uno de los edificios más preciosos del Renacimiento francés y es famoso por su rica colección de pinturas y esculturas clásicas.

El Museo del Louvre cubre un área de aproximadamente 198 hectáreas y está dividido en partes antiguas y nuevas. La entrada de vidrio en forma de pirámide frente al palacio cubre un área de 24 hectáreas y fue diseñada. del arquitecto chino Ieoh Ming Pei. El 10 de agosto de 1793, el Museo de Arte del Louvre se abrió oficialmente al público y se convirtió en museo. El Louvre se ha convertido en un palacio de arte de fama mundial, uno de los mayores tesoros artísticos y un palacio de tesoros que atrae la atención mundial.

La colección de pinturas del Museo del Louvre no tiene comparación con ningún otro museo de arte del mundo. El Museo de Pintura tiene 35 salas de exposición y más de 2200 objetos expuestos, dos tercios de los cuales son obras de pintores franceses y un tercio de pintores extranjeros. Se exhiben obras de diversas escuelas de pintura de los siglos XIV al XIX.

La Bella Ferronier

También conocida como "Mujer con Tocado"

Leonardo da Vinci

(Leonardo da Vinci 1452-1519 )

El nombre completo es Leonardo da Vinci

Es uno de los tres maestros del Renacimiento italiano tan famosos como Rafael y Miguel Ángel

También es el más perfecto representante de todo el Renacimiento europeo

Mona Lisa

Esta es una prestigiosa obra maestra de retratos. Representa el mayor logro artístico de Leonardo da Vinci y creó con éxito la imagen de una mujer proletaria urbana durante el ascenso del capitalismo. Los personajes de la pintura se sientan elegantemente con sonrisas sutiles, y las montañas y ríos del fondo son profundos y vastos, lo que demuestra plenamente la pincelada única de "coloración de gradiente ilimitado" parecida al humo del artista. El pintor se esfuerza por combinar hábilmente las ricas emociones internas de los personajes con la bella apariencia. También presta especial atención a dominar la relación dialéctica entre precisión e implícita en las partes clave del rostro del retrato que expresan emoción, como las esquinas del retrato. ojos y labios, para lograr un estado de entusiasmo y encanto, haciendo así que el retrato sea más encantador. La sonrisa de Nalisa tiene un encanto misterioso y eterno. Su sonrisa encantadora y onírica ha sido llamada una "sonrisa misteriosa" por muchos historiadores del arte. A veces esa sonrisa te hace sentir gentil y embriagadora; a veces parece contener tristeza y a veces es un poco burlona. Aunque es hermosa y conmovedora, es un poco inaccesible frente a este famoso cuadro. No importa desde qué ángulo lo mires, sus ojos tiernos siempre te miran con una sonrisa, tan vívida y vívida, como si estuviera justo a tu lado.

La Anunciación

Pintor Italiano Battoni

Este es un tema tradicional del embarazo de la Virgen. La diferencia es que además de la expresión tímida de la Virgen, este cuadro Y el gesto de poner las manos en el pecho implica que hay un embarazo extra, y no hay escena de ángeles que vengan a informar. Las pinturas de Batoni revelan la belleza de la realidad en un estilo clásico. Sus obras están llenas de "cultura personal" y muy individuales, ganándose el favor de la clase alta. En el siglo XVIII, muchas personas ricas y perspicaces estaban obsesionadas con el Gran Tour por Europa. Uno de los contenidos del viaje era pedirle a Batoni, el principal retratista de la época, que pintara para ellos.

Estatua de la Princesa de la Familia Real de Este

Antonio. Pisanello

(ca. 1395--1455)

Nacido en Viena, activo en Padua y Venecia

Llamó a "Venecia--Hermano" Estilo especial " cuadro

El estilo brillante y dulce se ha desarrollado hasta su apogeo

La Grande Odalisque

"La Grande Odalisque" Es una pintura al óleo creada por el pintor francés. Jean-Auguste Dominique Ingres en 1814 y ahora está recogida en el Museo del Louvre de París. Esta pintura respeta el estricto estilo clásico, con el tema de una doncella de palacio otomana que lleva un turbante turco y sostiene un abanico de plumas de pavo real. Toda la imagen irradia una atmósfera hermosa y exótica.

El cuadro fue realizado en 1814 por orden de la hermana de Napoleón, Carolina Mora, princesa del Reino de Nápoles. Además, cuando Ingres creó esta pintura, Francia perdió la guerra contra el Imperio Otomano y el territorio turco que una vez ocupó ya no era de su propiedad. En este contexto, resulta ligeramente satisfactorio observar las imágenes de las damas de palacio que viven en el Imperio Otomano. palacio. Que los franceses se sientan decepcionados.

Homero a Homero Ingres

Andrómaca llora a David por Héctor

La balsa de la Medusa del pintor francés Tai Odor Gerico

El cuadro Representa una precaria balsa flotando en el mar. El viento del mar hace volar la vela hecha de láminas y la balsa choca constantemente debido a las enormes olas. Algunos de los refugiados en la balsa estaban muriendo, mientras que otros seguían mirando a lo lejos. Las personas que estaban en lo alto de la multitud agitaban las toallas de tela rojas y blancas en sus manos y seguían pidiendo ayuda en la distancia. El artista utilizó una composición en forma de pirámide para desplegar el incidente en el momento en que los únicos supervivientes en la balsa descubrieron la sombra del barco en el horizonte. También representó el hambre, la sed, el sufrimiento, los gemidos dolorosos y otras situaciones de las víctimas. La imagen está llena de una atmósfera trágica y sofocante. Esta pintura es uno de los representantes de la pintura romántica.

Se trata de un óleo creado por el pintor francés Eugène Delacroix para conmemorar la Revolución Francesa de Julio de 1830. La pintura se exhibió oficialmente por primera vez en el Salón de París en 1831 y fue recogida por el Museo del Louvre en 1874. La escena de los combates callejeros en el momento crítico de la victoria de la Revolución de Julio se muestra en la pintura. Combina hábilmente la pincelada a mano alzada y el realismo de una manera romántica, utilizando colores ricos y ardientes y claroscuros, una composición llena de impulso y pinceladas desenfrenadas. , y compacto La estructura muestra el creciente entusiasmo de los revolucionarios y elogia la Revolución de Julio en la que los trabajadores, la pequeña burguesía y los intelectuales fueron los principales participantes. La obra se ha convertido en un símbolo del espíritu nacional francés.

Se trata de un cuadro gigante "documental". A principios del siglo XIX, el Almirantazgo francés nombró a Chaumaret, un hombre que no sabía nada de navegación, capitán del barco oceánico "Medusa". Este barco gigante encalló y se hundió mientras navegaba hacia África a través del estrecho de Brown. Había gente poderosa a bordo. Todas las personas huyeron en pequeñas embarcaciones, dejando atrás a más de 150 pasajeros y miembros de la tripulación. Sólo 15 personas sobrevivieron y 2 personas murieron después de desembarcar. Este naufragio provocó un gran descontento entre los franceses. El pintor Géricault, que tenía sentido de la justicia, creó este cuadro mundialmente famoso "La balsa de la Medusa" basándose en este incidente real. La pintura representa el momento tenso en el que las víctimas gritan pidiendo ayuda, gritando pidiendo botes salvavidas a lo lejos. El artista pintó deliberadamente una vela en el fondo, con el viento en contra empujando la balsa hacia atrás. Esto creó una tensión entre el anhelo de las víctimas por el bote salvavidas y la realidad de que el viento en contra empujaba gradualmente la balsa hacia atrás. Esta pintura es un cuadro enorme, con una estructura magnífica y un impulso majestuoso. La trama es apasionante, el concepto es audaz y dramático, la composición es rigurosa y llena de ritmo, y las emociones humanas en la pintura son profundas. La forma del cuerpo es sólida y poderosa, el contraste entre luces y sombras es fuerte y todo el tono es lúgubre y lúgubre, mostrando el impactante poder de la tragedia. La aparición de esta obra maestra abrió el camino artístico del romanticismo. En noviembre de 1842, pocos meses después de la muerte del pintor, el cuadro fue adquirido por el Museo del Louvre. Géricault murió joven, sucumbiendo a una enfermedad a la edad de 33 años, sin saber nunca que su pintura se convertiría en una de las obras maestras más famosas del Louvre.

La Masacre en la Isla de Quíos Delacroix

La Masacre en la Isla de Quíos es un óleo creado por el pintor Delacroix en 1824. Esta pintura al óleo narra la trágica experiencia del pueblo griego en una guerra contra la opresión de los turcos. Después de su exhibición, causó conmoción en el mundo occidental. Esta pintura demostró el énfasis de Delacroix en los temas históricos. Las líneas y la composición de esta pintura al óleo son muy estrictas, pero el artista utilizó técnicas audaces y novedosas para expresar los colores bajo la luz y la atmósfera.

Como muchas de las obras del artista, este cuadro se compone de tres partes; el primer plano es un grupo de heridos y cautivos, apareciendo sobre un fondo claro y oscuro es la llanura donde tuvo lugar la guerra; lugar La tercera parte es el cielo, que ocupa un tercio de toda la imagen y está cubierto casi en su totalidad por nubes de humo amarillo.

En esta pintura, el artista utilizó las habituales técnicas simbólicas románticas para centrarse en los inhumanos desastres impuestos al pueblo griego por los brutales invasores turcos.

Un mártir cristiano que se ahogó en el río Tíber durante el reinado de (emperador romano) Diocleciano

Eugène Delacroix

Gleaner

Miller Pintor francés

El pintor francés Millet creó un modelo inigualable de agricultores. Los agricultores en sus cuadros tienen una belleza sencilla, amable, honesta e ingenua. Siempre huele a tierra. En 1857, cuando el pintor tenía 43 años, completó "Las espigadoras". En el campo, después de la cosecha, tres campesinas pobres recogían las espigas de trigo esparcidas en el campo de trigo. No hay escenas complicadas ni demasiados detalles en la pintura. Es muy simple y se puede entender de un vistazo. Las tres campesinas parecían exhaustas, buscando las espigas perdidas en la tierra abrasada por el sol abrasador de pleno verano. El sudor de su arduo trabajo había empapado sus ropas toscas. El fondo de la imagen es un montón de trigo en forma de colina. El propietario a caballo supervisa el trabajo de los agricultores. La perspectiva de la cosecha y las tres campesinas en primer plano. Esto implica que en un año de buena cosecha, los agricultores todavía no tienen comida ni ropa. Los principales problemas sociales y los duros antagonismos de clases son profundamente revelados por el pintor en este cuadro con imágenes específicas. Los críticos burgueses se basaron en su sensibilidad para emitir juicios políticos: "En el cuadro hay protestas de los agricultores".

La boda en Ghana

Pintor italiano veronés

Esta pintura es la obra maestra de Veronés y muestra la escena de Cristo asistiendo a un banquete de bodas en la ciudad de Caná. La pintura es muy grande, de unos 70 metros cuadrados, ocupa toda una pared del Louvre. Hay 132 personajes en la pintura y tardó un año y tres meses en completarse. La historia cuenta que Jesús, Santa María y los apóstoles se encontraron con un hombre de negocios que estaba celebrando un banquete de bodas en Ghana junto al río Jordán. El dueño los invitó a asistir juntos a la boda. En el centro del cuadro están Jesús y la Virgen María. Los recién casados ​​están al final de la mesa en la esquina inferior izquierda del cuadro. Todos beben alegremente. El sirviente informa que se acabó el vino, entonces Jesús pide el vino al comerciante. La jarra se llena con agua y luego pide a todos que la prueben. Se convirtió en vino fragante. Resultó ser el espíritu de Jesús. El pintor incluyó en el cuadro a la Reina de Inglaterra, Tiziano, Tintoretto y a él mismo. Se dice que después de que Veronese llegó a Venecia, descubrió que la gente aquí no buscaba la piedad religiosa, sino el disfrute de la vida, por lo que estaba muy interesado en poner estas vidas seculares en la pantalla.

La Virgen en el Jardín

Rafael Pintor Italiano

Las obras de arte de Rafael son elegantes, armoniosas, hermosas y atractivas Hubo una época en la que interviene. Creando esta pintura. Datos curiosos. Un día, Rafael caminaba por el jardín y vio a una hermosa niña podando ramas entre las flores. El artista se sintió atraído por su encantadora imagen e inmediatamente dibujó rápidamente la imagen de la niña. Pronto, utilizó a la niña como modelo para crear este famoso cuadro. Debido a que esta niña es la hija del jardinero, este cuadro también se llama "La hermosa hija del jardinero". Esta "Madonna en el jardín" tiene la expresión más distintiva y puede considerarse como la mejor estatua de la Virgen de Rafael.

Retrato de cuerpo entero de Madame de Pompadour

Pintor francés de Latour

Esta es una rara pintura al pastel en exhibición permanente en el Louvre, eche un vistazo. Sabía que era una pintura rara y famosa. Este cuadro representa a una dama sentada a una mesa con una partitura en las manos. Los grabados en cobre y las carpetas de grabados a sus pies indican su talento en el arte. Lo más importante son los libros de las estanterías. El contenido se puede ver en el lomo del libro: la fila de la izquierda es "El pastor fiel", un poema pastoral publicado por el poeta italiano Guarini en 1590, que desencadenó una tendencia de anhelo de alegría pastoral rural en el siglo XVIII. , y recibió especial atención de Madame de Pompadour como obra de teatro. El siguiente es "El huérfano de China", un poema épico escrito por Voltaire en 1723 que influyó en toda Francia. Celebra a Enrique IV, el fundador de la Francia moderna, y su filosofía y conceptos de política nacional que fueron bautizados por las ideas de la Ilustración.

El siguiente es "El espíritu de las leyes" de Montesquieu, que elogia la democracia y los sistemas políticos, habla sobre el espíritu de la ley, la necesidad de la constitución y los derechos individuales basados ​​​​en el libre desarrollo de las personas. La aparición del libro en manos de Madame de Pompadour, la amante del rey, es particularmente notable porque también fue condenado rotundamente por la Sorbona de París y prohibido por la iglesia en ese momento. El último libro en el estante es la cuarta edición de la Enciclopedia de 1754. Cuando el libro se publicó por primera vez en 1752, estaba en crisis y no pudo ser reimpreso. Sobrevivió sólo con la ayuda de Madame de Pompadour. Todo demuestra que Madame de Pompadour poseía y leía estos libros, que apoyaban y defendían las ideas liberales perseguidas por la Ilustración. En 1764, al enterarse de la muerte de la marquesa de Pompadour, Voltaire le escribió a Diderot: "Ella es una de nosotros".

El tramposo del as de diamantes

Pintor francés Latour

Las cuatro personas del cuadro están sentadas alrededor de una mesa jugando a las cartas. El tiempo pareció congelarse. El joven disfrazado de la derecha está comprobando las cartas que tiene en la mano. Es independiente de los otros tres personajes. Se puede ver en sus ojos que los otros tres están conspirando juntos, pero aún no lo sabe. Ligeramente alejada del centro de la imagen hay una prostituta que lleva exquisitos accesorios para el cabello y deja al descubierto su pecho y sus hombros. Sus ojos y gestos apuntan hacia el lado izquierdo de la imagen. Había otro jugador allí. El hombre en las sombras sacó tranquilamente un As de Diamantes escondido en su cintura. Esta es la persona a la que se refiere el título del cuadro: el tramposo. Entre el tramposo y la mujer promiscua había una criada sosteniendo una copa de vino. La situación en el cuadro es clara a simple vista: un joven que juega a las cartas se siente atraído por la mujer promiscua que seguramente ganará. Está ebrio y pronto será defraudado con todo su dinero por el hombre de la izquierda. El tema de esta obra está basado en "El tramposo de cartas" de Caravaggio, famoso pintor italiano de finales del siglo XVI. Latour también creó otra versión anterior del mismo tema, con detalles ligeramente diferentes, llamada "El tramposo de la flor A", que se encuentra en el Museo de Arte de Kimberley en Fort Worth, Estados Unidos.

Retrato del pintor y su hija

Viry Le Brun, pintor francés

"El pintor y su hija" es la obra maestra más destacada de la autora y su más obra famosa. El atuendo de la pintora es sencillo y elegante, digno y hermoso, con ojos tiernos y afectuosos. Estaba sentada inclinada, muy chic y elegante, con los brazos alrededor del rostro de su hija. La hija es inocente y linda. Acerca su rostro a su madre y abraza su cuello, luciendo infinitamente encantadora. La obra representa de manera muy conmovedora el amor entre madre e hija y el afecto entre padres e hijos, y también expresa la propia gentileza y sentimentalismo del pintor. La composición adopta un triángulo estable y bien proporcionado, los colores son elegantes y armoniosos, las líneas elegantes y concisas y el fondo sin láminas resalta el tema. Este cuadro fue pintado en 1789, cuando la artista tenía 34 años y su hija 9 años.

El mercader de dinero y su esposa

El pintor belga Maxis

Este cuadro es la obra maestra del autor. El mercader de dinero del cuadro es el dueño de una tienda de dinero. Estaba pesando oro y plata con sus manos, luciendo muy concentrado. Su esposa estaba hojeando el libro de oraciones, que estaba pintado con imágenes de la Virgen y el Niño (lo que refleja que los negocios seculares y las creencias religiosas coexistían). Sin embargo, la piedad religiosa no puede rivalizar con la tentación secular. Los ojos de su esposa no están fijos en el libro de oraciones, sino entrecerrados ante las actividades de su marido. Esta es una muestra sutil de un aspecto de la vida interior de la burguesía de aquella época. Lo que llama especialmente la atención es que en el primer plano del cuadro hay un espejo convexo colocado sobre la mesa. El espejo reflejaba ventanas rectangulares, calles, casas y árboles, al mismo tiempo que pintaba la propia imagen de Mathis. El uso de espejos convexos para ampliar la escena fuera de la pintura también se utilizó en las pinturas de Van Eyck. Esto probablemente se debió a que la gente en ese momento estaba muy interesada en este nuevo logro en la tecnología óptica, por lo que el pintor lo usó deliberadamente para atraer el gusto de la gente. . ¡Así se dibuja! Se trata de una pintura típica de género, que los historiadores consideran una obra maestra que fue pionera en la representación de la vida cotidiana en el arte moderno. Aunque antes de Mathis, Van Eyck había pintado "Arnolfini y su esposa", que también era una pintura de género, su género no era lo suficientemente fuerte, razón por la cual la pintura de Mathis tiene un estatus tan importante.

Lacemaker

Vermeer, pintor holandés

Este cuadro "Lacemaker" es la obra maestra de Vermeer, que describe a una mujer tejiendo encajes de una manera poética. La concentrada y pacífica. La expresión de la trabajadora brinda a la gente un hermoso disfrute con un tono lírico. La diferencia entre Vermeer y sus contemporáneos es que él utilizaba una sensibilidad extrema e incluso temblorosa para expresar la luz, y le gustaba utilizar el azul y el amarillo limón para formar tonos muy armoniosos. La especial sensación de luz en sus obras se consigue gracias a una nueva técnica. Esta técnica se basa en parte en la experimentación óptica, pero principalmente en la observación y la intuición de las sutiles oscilaciones del color. Su método para capturar la luz del color es bastante único, utilizando pequeños reflejos parecidos a perlas para formar el contorno de los objetos. Las distancias focales en sus obras están distribuidas uniformemente, por lo que parecen tranquilas y objetivas.

El rapto de las sabinas

Pintor francés Poussin

Este cuadro es una obra representativa del estilo barroco de Poussin. Describe que los romanos necesitaban muchas mujeres jóvenes debido a la nueva ciudad de Roma, pero las ciudades vecinas no estaban dispuestas a casar a las niñas con los romanos. Los líderes de los romanos decidieron ser inteligentes e invitaron a los sabinos vecinos a asistir al evento. Los sabinos acudieron con sus familias a participar, el líder romano levantó su manto a modo de señal, y cada soldado arrebató a una muchacha dejando ilesos a los demás sabinos y dejándolos escapar. En el siglo XV, este tema se utilizó sólo como pintura decorativa educativa en faroles de boda. En los siglos XVI y XVII, se utilizó para expresar heroísmo, patriotismo y decisión. Cualquier acción fuerte o incluso la más brutal y bárbara está permitida siempre que pueda salvaguardar el futuro de la nación. El líder romano representado en la pintura no es exactamente un oficial que da señales, sino un ejecutante de una solemne misión religiosa. Vestido con una túnica roja, se encontraba majestuoso entre las columnas de Tanah Lot. Poussin pintó dos cuadros sobre este tema. El cuadro recopilado en el Louvre (abajo) es relativamente desordenado y el propio Poussin no estaba satisfecho con él. La otra pintura (arriba) también fue pintada en 1637, de 159 x 206 cm, y está recogida en el Museo Metropolitano de América. La imagen es relativamente sencilla. La diferencia entre este cuadro y el cuadro de David de la historia entre los romanos y los sabinos es que este es el escenario del robo, mientras que David pintó la guerra un año después.

El Museo Metropolitano de Arte

(Museo Metropolitano de Arte)

Es el museo de arte más grande de Estados Unidos

también es un museo de fama mundial

El museo tiene una superficie de 130.000 metros cuadrados

Es lo mismo que la Ciudad Prohibida en Beijing, China, el Museo Británico en Londres , Inglaterra

El Louvre en París, Francia

El Museo del Hermitage en San Petersburgo, Rusia es igualmente famoso

Uno de los cinco museos más grandes del mundo

El museo tiene una colección de 3 millones de objetos expuestos

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Pintura de mujer joven

Marie-Denise Villers

（ Marie-Denise Villers 1774-1821)

Pintora francesa

Emmanuel Leutze

Emanuel Leutze (1816-1868)

Alemán- Pintor estadounidense

Marceau Madame Lear y su hija

Jean Marc Nattier

(Jean Marc Nattier, 1685-1766)

Pintor francés

Huevos rotos

Jean Baptiste Greuze

（Jean Baptiste Greuze, 1725-1805）

Lotes, Francia Coco Pintor

Usando un huevo roto como metáfora de una joven que pierde su virginidad

Batalla de Friedland

Jean-Louis Ernest Masononi

Jean-Louis -Ernest Meissonier 1815-1891

Pintor autodidacta en Francia

Esta pintura "1807, Friedland" representa escenas de una de las campañas de Napoleón en Rusia.

Girasoles

Claude Monet

（Claude Monet 1840-1926)

El pintor francés más importante

Una de las representantes y fundadoras del impresionismo

Susan es comparable a la musa

Samuel Morse

(Samuel Finley Breese Morse, 1791-1872)

Es un reconocido pintor estadounidense

También inventó el telégrafo y el código telegráfico

Diana y Cupido

Pompeo Batoni

(Pompeo Batoni)

Famoso pintor italiano

Conocido como el "pintor de Roma en el siglo XVIII" Príncipe"

Sra. Guinou leyendo

Vincent van Gogh

(Vincent van Gogh, 1853-1890)

Figura representativa del postimpresionismo

Sra. White

George Peter Alexander Healy

（george peter alexander healy 1813 - 1894）

Pintor estadounidense

No son muchas las obras del pintor que se pueden visto en la actualidad, pero esta obra es suficiente para demostrar la habilidad artística del artista.

La niña pescadora

También conocida como "Graziella"

Jules Joseph Lefebvre

（Jules Joseph Lefebvre 1836-1911)

Pintora, educadora y teórica francesa

En este cuadro, se representa a Graziela reparando una red de pesca, con los ojos mirando a lo lejos por encima del hombro, donde hay un Monte Vesubio a punto de explotar.

Pajares en otoño

Jean Francois Millet

[Jean Francois Millet 1814-1875]

19 El pintor realista más destacado de Francia en el siglo XX famoso por su representación de temas campesinos

El pintor más querido de la historia de la pintura francesa moderna

También es un pintor representativo de la Escuela Francesa de Barbizon

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Ciprés en un campo de trigo

Vincent van Gogh

(Vincent van Gogh, 1853-1890)

Representante del postimpresionismo

Lavoisier y su esposa

Jacques Louis David

(Jacques Louis David)

Agosto 1748 30 - diciembre 9, 1825)

También traducido como Davide, el líder del arte neoclásico francés

Un bailarín practicando en la barra

Edgar Degas

(Edgar Degas 1834-1917)

Famoso pintor francés

Esta pintura está realizada en técnica mixta sobre lienzo. En el lado izquierdo de la pintura, hay una regadera que se usa para rociar agua para evitar el polvo. Es un recipiente común en las salas de ensayo de ballet; la regadera es también el "juego de palabras visual" de Degas, y su forma parece imitar a la bailarina de la derecha.

Mrs. , artista estadounidense

También conocida como "Madame Gorut", fue su obra más controvertida en su momento y actualmente es considerada una de sus mejores obras. Le llevó un año completar la pintura. En la versión original del cuadro, la dama está pintada con polvo blanco y viste un vestido escotado, levantando la cabeza con altivez. Los hombros rosados ​​expuestos hacen que la pintura parezca más atrevida y sexy. El cuadro sacudió el Salón de París cuando se exhibió en 1884, provocando un escándalo. Sargent no tuvo más remedio que abandonar París y trasladarse a Londres. Llegó a los Estados Unidos en 1876 y se convirtió en ciudadano estadounidense. También permaneció en Gran Bretaña, Francia, Alemania, Italia y otros países durante mucho tiempo para dedicarse a la creación. Pintó principalmente retratos de la clase alta y la reputación de sus obras aumentó gradualmente, incluidos retratos de Theodore Roosevelt y John Rockefeller. Un año después de la muerte de Madame Gautreau, en 1916, Sargent vendió "Madame X" al Metropolitan. Nunca debió imaginar que ella, olvidada durante mucho tiempo por el público, viviría para siempre.

Catedral de Salisbury vista desde el Jardín del Obispo

John Constable

(John Constable, 1776-1837)

Uno de los representantes pintores del paisaje británico

La cena del ciego

Pablo Picasso

(Pablo Picasso, 1881-1973)

Famoso pintor español

Pygmalion y Galatea

Jean Leon Gérôme

(Jean leon Gerome 1824-1904)

Famoso pintor y escultor académico francés en el siglo XIX

En apariencia es el sucesor del neoclasicismo

De hecho, era un entusiasta del romanticismo

La masacre de civiles inocentes

François Joseph Navez

(François Joseph Navez 1787-1869)

Pintor belga, alumno de David

Salomé

Henri Regnault

(Henri Regnault, 1843– 1871)

Pintor francés

Regnet murió en la guerra franco-prusiana en 1871

Esta es una pintura que representa una historia bíblica.

Según la historia bíblica: Juan Bautista ofendió a la madre de Salomé y fue encarcelado por el padrastro de Salomé, pero no se atrevió a matarlo por temor a la indignación pública. Salomé bailó delante de todos en la fiesta de cumpleaños de su padrastro, pero le pidió a su padrastro que le jurara que accedería a su pedido. Después de que Salomé terminó de bailar, dijo: "Por favor, pon la cabeza de John en un plato y tráemela". El padrastro no tuvo más remedio que enviar a alguien a decapitar a John en prisión, poner su cabeza en un plato y llevársela a Salomé. Lomé.

Siéntate y espera a las tres

Henri Matisse

(Henri Matisse, 1869-1954)

Famoso pintor francés

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Las pinturas de Matisse utilizan colores simples y fuertes como el rojo, el azul, el amarillo y el verde para expresar la esencia natural de objetos simples, representan los sentimientos internos sinceros y los efectos decorativos, y persiguen una imagen inocente y infantilismo primitivo. El cuadro es rico en decoración y persigue una sensación de equilibrio, pureza y tranquilidad. Esta pintura "La sesión de las tres en punto" se refiere a lo que se llama sentarse y esperar a las tres en punto. No importa qué estás esperando o a quién estás esperando. Lo importante es la atmósfera espiritual que se genera. por la pintura exquisita y elegante, que hace que la gente entre en un estado de paz y agradable y un sentimiento poético El estado de ánimo ideal.

Princesa Brogli

Jean Auguste Dominique Ingres

(Jean Auguste Dominique Ingres, 1780-1867)

El último representante de los franceses escuela neoclásica

Comerciantes de pieles de Missouri río abajo

George Clayber Bingham

(George Caleb Bingham 1811-1879)

Siglo XIX Pintor occidental estadounidense

Pensador

Thomas Cowpsthwaite Akins

(Thomas Cowperthwaite Eakins 1844-1916)

Pintor, fotógrafo y escultor realista estadounidense y educador artístico,

conocido como el padre de la pintura estadounidense Padre

La tempestad

Pierre-Auguste Cot

(Pierre Auguste Cot , 1837-1883)

Un famoso pintor del arte "académico" o "neoclásico" francés

El contraste de luz y color en la imagen y el poder estético de cada uno son una rasgo importante de la estética del arte del siglo XIX. En la imagen de la obra, el fondo es oscuro y el primer plano es brillante; el color del personaje masculino es oscuro y el color del personaje femenino es brillante. Las líneas ásperas de la fuerza del cuerpo masculino y las líneas suaves y delgadas de la fuerza del cuerpo femenino contrastan marcadamente y se realzan entre sí en luz y color. Antes de la corte, hubo muchas obras de arte basadas en "Dafnis y Cloe", la mayoría de las cuales elogiaban el amor y el sexo. La obra de la corte "La Tempestad" captura el momento en que Dafnis y Cloe escapan en medio de la tormenta, expresa la belleza del diferente poder sexual de hombres y mujeres, y exalta el amor puro y el anhelo de libertad, tanto en el ámbito artístico como en el de Medios artísticos, en comparación con trabajos anteriores, todos están en un nivel superior.

Maquillaje

Raimundo de Madrazo y Garreta

(Raimundo de Madrazo y Garreta 1841-1920)

Pintor español

Un sombrero nuevo

Francis William Edmonds

(Francis William Edmonds, 1806-1863)

Pintor estadounidense

Noble del campo Lady

Gustave Courbet

（Gustave Courbet 1819-1877）

Famoso pintor francés, maestro del realismo

Cattle Crossing

Jules Dupre

(Jules Dupre, 1811-89)

Famoso pintor francés de la Escuela de Barbizon

Primera figura representativa de la Escuela de Barbizon

Cristo durmiendo en la tormenta

Eugène Delacroix

(Eugene Delacroix, 1798-1863)

Famoso pintor francés

Esta pintura "Cristo dormido durante la tempestad" "Cada elemento de "Toca el corazón de las personas. Olas rugientes, nubes oscuras en el cielo cuando llega una tormenta, velas rotas por fuertes vientos, y el salvador Jesús durmiendo profundamente en la naturaleza embravecida: estos también son temas importantes que se expresarán en la obra. Esta es una historia del Nuevo Testamento: Cuando Cristo fue despertado por sus discípulos asustados, los reprendió severamente por no tener fe en la providencia de Dios. Significa que mientras yo esté aquí, ¿a qué le tienes miedo? Delacroix creó religiosamente 14 versiones diferentes de esta historia. En sus primeras obras el mar ocupa un espacio mayor, pero en sus obras posteriores, como se muestra en esta obra, el barco sacudido por la tormenta ocupa una posición más importante.

Mujer leyendo

Camille Corot

（Jean-Baptiste Camille Cont 1796-1875）

Destacado paisajista francés

Cantante español

Edouard Manet

（Edouard Manet 1832-1883)

Pintor francés

Uno de los fundadores del siglo XIX Impresionismo del siglo

Flores de primavera, manzanas y peras

Henri Fontaine Latour

(Henri Fantin Latour 1836-1904)

Pintor francés

Dos chicas al piano

Renoir

(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)

Pintor francés, uno de los líderes del el movimiento impresionista

En este cuadro, dos niñas inocentes leen atentamente las partituras colocadas en el piano, una está sentada y mirando hacia arriba, y la otra está de pie a su lado, con una mano en la silla. La composición es exquisita, los colores son extremadamente suaves y hermosos, las líneas son suaves y toda la imagen está llena de una atmósfera dulce e inocente.