Película independiente
El cine independiente se originó en Estados Unidos en la década de 1960. Al principio, eran sólo una rebelión contra el sistema de producción de Hollywood. Sin embargo, con el desarrollo de la industria cinematográfica, las películas independientes ya no pueden distinguirse sólo por su sistema de producción. Hoy en día, las películas independientes se parecen más a las "películas de autor" y muestran algunas características inherentes en la forma y el núcleo espiritual. No importa si los productores los integran en el sistema de la industria cinematográfica. En otras palabras, las llamadas "películas independientes" deberían examinarse más desde sus características artísticas e ideológicas. En cuanto al sistema de producción, es sólo un indicador de referencia. Si una película puede crearse según el libre albedrío del artista desde el principio, y el productor solo aparece como inversor y no interfiere con el contenido específico de la película, entonces no importa si "El León" de MGM se agrega a el título de la película" o "Snow Mountain" de Paramount no afectará su condición de película independiente.
Hoy en día, el cine independiente se ha convertido en un concepto ampliamente aceptado. De hecho, existen las llamadas "películas independientes" en varios países del mundo. En términos generales, siempre que la película se cree fuera del sistema cinematográfico principal (comercial/oficial) del país, puede clasificarse como una película independiente. Esto también resulta en la calidad desigual de las películas independientes. Dependiendo del creador individual, puede ser una excelente obra de arte o una basura de mala calidad. Pero, relativamente hablando, la región donde las películas independientes están más desarrolladas y han logrado mayor éxito es Estados Unidos, donde las películas comerciales están más desarrolladas. Por lo tanto, tomando como ejemplo las películas independientes estadounidenses, podemos tener una comprensión relativamente completa y profunda de las películas independientes. Por supuesto, desde una perspectiva puramente conceptual, los documentales y las películas animadas pueden contar como películas independientes, pero en la práctica, las películas independientes generalmente se refieren sólo a películas dramáticas. Aquí también nos referimos a "películas independientes" en el sentido de películas de teatro.
Almas diversas
Estados Unidos es una sociedad diversa, donde diversas culturas, ideas y valores pueden encontrar su lugar. Esta es también una razón importante para el surgimiento interminable de lo estadounidense. películas independientes. Por supuesto, todavía existen voces "autorizadas" de la corriente principal, pero para los artistas apasionados por el cine independiente, esas voces son simplemente "tonterías". Lo único que tienen que hacer es hacer oír su voz. Para las películas independientes, no es lo que dices, sino lo que dices.
Esta forma cultural abierta y diversa también conduce directamente a la apertura y diversidad de las películas independientes estadounidenses. Básicamente, no existen restricciones sobre el tema de las películas independientes estadounidenses. La política, la violencia, la pornografía, la ciencia ficción, el crimen e incluso los sueños inexplicables pueden convertirse en temas de películas independientes. Como resultado, es difícil cubrir películas independientes en un género específico; esas clasificaciones de género generalmente solo son válidas para películas comerciales de Hollywood.
Las diversas características del cine independiente pueden ser confirmadas incluso por sus creadores. Si miras detenidamente, encontrarás que los directores de cine independientes a menudo provienen de diferentes razas, clases y regiones, y cada uno tiene sus propias áreas temáticas en las que son mejores. Estos campos se entrelazan para formar el complejo panorama del cine independiente estadounidense. Por ejemplo, John Cassavetes, el "padre del cine independiente estadounidense", nació en una familia de inmigrantes griegos. Los griegos valoraban los conceptos y las relaciones familiares, lo que naturalmente influyó en las creaciones de Cassaveti. Por ello, en sus obras podemos ver claramente su minuciosa observación e interrogatorio de las familias americanas, que recorre las obras de Cassavetes. Es esta reflexión sobre la familia y las diversas relaciones que trae consigo la que llega profundamente al corazón de los personajes. El famoso Woody Allen nació en una familia de intelectuales judíos en Brooklyn, Nueva York.
Este ambiente familiar confiere a la obra de Woody Allen un auténtico aire intelectual. Por tanto, podemos ver que siempre está criticando. Desde Annie Hall hasta Melinda y Melinda, el sentido de responsabilidad intelectual de Woody Allen no se ha desvanecido en absoluto. Spike Lee, también un conocido director que también nació en Nueva York, viene desde una perspectiva completamente diferente. Debido a su color de piel, la raza se ha convertido en un hilo temático persistente en las películas de Spike Lee, y el trasfondo de una familia civil le da a las películas de Spike Lee una sensación callejera. La superposición de las dos hace que el estilo cinematográfico de Spike Lee sea muy diferente del de Woody Allen, y ambas son películas ambientadas en la ciudad de Nueva York, pero a los ojos de estos dos artistas, son mundos aparte. Su padre es húngaro y su madre es iraní, lo que hace que las películas de Jia sean más "exóticas". Claramente, la forma de pensar no cristiana contenida en las obras de Jia está relacionada con sus antecedentes familiares, especialmente su madre iraní. La turbulenta vida infantil de David Lynch y su experiencia de vida en los barrios marginales de Filadelfia siempre hacen que sus obras estén llenas de colores oscuros, llenas de miedo a la corrupción y la violencia, que es completamente diferente al estilo de otros directores, conocido como "Lynn".
Incluso sobre el mismo tipo de tema, diferentes directores independientes a menudo tienen diferentes perspectivas y opiniones. Tomemos como ejemplo el sexo. En "Sex" de Woody Allen, una farsa sin sentido deconstruye el modelo tradicional de sexo y los chistes reemplazan las discusiones serias. Para llevar esta farsa hasta el final, Woody Allen incluso interpretó el papel de un esperma parlanchina (Dios, sólo este tipo puede pensar en eso), en Soderbergh el sexo se ha convertido en un símbolo de la crisis espiritual de la gente contemporánea; Así, en Sexo, mentiras y cintas de vídeo, el sexo está retorcido de una manera que sólo pone a la gente ansiosa, pero nunca tan alegre y divertida como Woody Allen. En "Tres camas en una cama" de Greg Aglac, el sexo se ha convertido en una forma eficaz para que los jóvenes se muestren y expresen su individualidad. No es pesado ni divertido, y ni siquiera tiene un patrón de existencia, lo que casi conduce a una especie de "nihilismo sexual" en el cortometraje independiente de Richard Cohen, todo sexo es formas anormales y deformadas de autoexpresión, completamente decadentes; y decadente... En resumen, todos los directores de cine independientes tienen sus propios estilos y temas, y esta mirada diversa se combina para convertirse en el panorama general de las películas independientes.
Por supuesto, a pesar de la diversidad, todavía hay un centro relativo. Geográficamente, el centro del cine independiente estadounidense está en Nueva York, lo que puede resultar irónico: Nueva York es el centro económico de Estados Unidos e incluso del mundo, y el lugar con el ambiente de negocios más fuerte. ¿Cómo podría generar películas independientes anticomerciales? Las razones principales son las siguientes: En primer lugar, desde una perspectiva cultural, Hollywood pertenece al círculo cultural del Pacífico en la costa oeste, mientras que Nueva York pertenece al círculo cultural del Atlántico en la costa este. Las diferencias culturales entre los dos lugares han sentado las bases culturales para la prosperidad del cine independiente en Nueva York; en segundo lugar, desde un punto de vista económico, aunque Nueva York tiene una economía desarrollada, el centro de la industria cinematográfica es Hollywood. no puede ni puede establecer un sistema cinematográfico comercial, que también proporcione a las películas independientes un espacio reservado para la supervivencia. Además, como ciudad enorme, el consumo cultural de Nueva York es diverso y de múltiples capas; Una sola película comercial de Hollywood no puede satisfacer los múltiples gustos de "The New Yorker", y la aparición de películas independientes simplemente llena este vacío. Sin embargo, con el crecimiento de las películas independientes en los últimos años, la posición central de Nueva York ha comenzado a tambalearse. Creo que en los próximos años el cine independiente estadounidense debería desarrollar una tendencia de fragmentación sin centro.
Humor negro
El humor negro en las películas independientes estadounidenses es más bien una especie de humor trágico, que se utiliza como sustento espiritual para las personas marginadas y de clase baja. El efecto emocional que provoca este tipo de humor es la lástima por uno mismo o la burla de esos hipócritas "grandes". El principal representante de este último es Woody Allen, un director de cine intelectual independiente que se especializa en comedias exageradas e irónicas, la mayoría de las cuales subvierten la tradición y la autoridad, especialmente en sus primeras obras, como "Banana", "Sex Collection". " y "Los idiotas crean problemas en la ciudad de las ciencias", que son sátiras y parodias de películas políticas, eróticas y de ciencia ficción de Hollywood. Sin embargo, estas burlas y parodias no son de ninguna manera bromas baratas y sin valor, pero siempre invitan a la reflexión y hacen que la gente se sienta un poco triste después de reír. En las obras intermedias y posteriores de Woody Allen, este tipo de humor negro se ha desarrollado mucho. Ya no se trata sólo de Hollywood, se trata de la sociedad en su conjunto y de la humanidad misma.
Por ejemplo, en "Stardust, Everybody Says I Love You" y "Bullets Over Broadway", conceptos profundamente arraigados de humanidad, amor, violencia y felicidad han reemplazado a Hollywood como objetivo de Woody Allen. Aunque suene un poco misterioso, las excelentes habilidades cómicas de Woody Allen siempre pueden deshacerse de cargas inesperadas y hacer reír al público. Incluso en "Stardust", la película más oscura considerada obra de Bergman, el autodesprecio de Woody Allen es evidente. En esta película, imitó tanto las técnicas de los maestros del cine artístico europeo que los críticos la ridiculizaron como "9 1/2" de Woody Allen, pero Woody Allen no solo aceptó esta evaluación, sino que la consideró propia con tranquilidad. . Por supuesto, la sátira de Hollywood es un tema que Woody Allen nunca olvidará. El más representativo es "La rosa púrpura de El Cairo", que satiriza y confronta amargamente las ilusiones creadas por la industria cinematográfica de Hollywood. Existe un gran contraste entre el mundo real de la película y el mundo cinematográfico, que también es fuente de varios trucos y bromas en la película. Se trata sin duda de un contraste entre la vida real y la vida exagerada y blanqueada de las películas, lo que plantea una feroz objeción a la industria cinematográfica. El trasfondo histórico de la Gran Depresión es también una condición importante utilizada por Woody Allen para enfatizar deliberadamente el contraste entre el interior y el exterior de la pantalla. Se trata de una de las obras más importantes de Woody, y sus reflexiones sobre el propio cine le han conferido un encanto único que la ha hecho inmortal a lo largo de los años.
Para decirlo más claramente, burlarse de la gente pequeña es una técnica común utilizada por la mayoría de los directores de cine independientes. Por ejemplo, los hermanos Coen son los mejores entre ellos. Este tipo de humor negro gentil, humilde y un poco extraño se ha convertido en el sello distintivo de las obras de los hermanos Coen desde que ingresaron a la industria cinematográfica con "Hot Blood". En particular, "Blood Simple" es una película histórica en la historia del cine independiente. Sus características básicas en contenido y forma influyeron en muchas películas estadounidenses posteriores, especialmente en la gran cantidad de películas independientes que aparecieron después de la década de 1990, y se convirtieron en tendencia casi una década después. Sin embargo, "Hot Blooded Simple" fue sólo el primer grito de los hermanos Coen. Unos años más tarde, "Barton Fink" hizo que los hermanos Coen fueran verdaderamente famosos a nivel internacional. Al mismo tiempo, en esta obra también maduró el humor negro de los dos hermanos. Al igual que Woody Allen, Barton Fink está imbuido de la visión sarcástica de los hermanos Coen sobre Hollywood, lo que puede ser un reflejo de las emociones personales de los hermanos después de que "Hot Simple" se hiciera famoso. Para esos magnates de Hollywood, el jefe de la compañía cinematográfica, Barton Fink, es su representante típico. Una actitud orientada al dinero que le permite arrodillarse y besar los pies de los guionistas o echar a empleados no cualificados es inhumana. Por supuesto, el llamado arte cinematográfico no estaba dentro de su ámbito de consideración. Más tarde, "El agente de Hudson", "Fargo" y "El dedo gordo" heredaron el estilo de humor negro de "Barton Fink". Con este tipo de humor negro, los hermanos Coen no sólo extendieron sus pensamientos sobre el dinero y el arte en sus películas, sino que también las convirtieron en un éxito comercial inesperado. 2000, hombre, ¿dónde estabas? Se convirtió en un hito más en el proceso creativo de los hermanos Coen después de Barton Fink. Esta película sobre tres ladrones tontos que huyen está basada en realidad en el poema épico La Odisea. En esta historia, los hermanos Coen discuten metafóricamente la historia y la política estadounidenses y rastrean los cambios históricos en la política democrática, la religión y la mentalidad de la gente de Estados Unidos en la década de 1930. En este sentido, la película se puede llamar épica y se lo merece. Por ejemplo, al final de la película, el humor negro de los hermanos Coen dio al trágico final de la película un final cómico: una inundación caída del cielo rescató a tres ladrones que estaban a punto de ser ejecutados. Parece que los hermanos Coen no sólo se burlan de los jefes de Hollywood, sino también de los jefes de la Biblia.
El mismo ejemplo es Quentin Tarantino. El genio del cine estadounidense obsesionado con el kung fu chino también es famoso por su estilo de humor negro. Desde su famosa obra "Reservoir Dogs", este tema satírico y satírico de los gánsteres, el crimen y la violencia se ha convertido en la firma única de Tarantino. En la ficción pulp, todos los miembros de las pandillas son retratados como sucios, estúpidos y carentes de la capacidad de pensar con claridad. A menudo fanfarronean delante de los débiles, pero cuando se encuentran con un personaje más poderoso que ellos, se sentirán abrumados e incluso estarán dispuestos a aceptar insultos personales y físicos para salir del problema. Están llenos de payasos que hacen reír a la gente. En el reciente trabajo de Quentin Quentin "Kill Bill", esta "estética de la violencia negra" se ha desarrollado al extremo. La heroína ejerce la ciudad montañosa y es más fácil matar a una persona que pisar una hormiga.
¡Esta escena es probablemente la burla de Quentin sobre el abuso del kung fu chino por parte de Hollywood!
Este tipo de humor negro también es común en las obras de Jim Jarmusch. Por ejemplo, en su "Perro Negro", el protagonista de la película es un americano negro que es un asesino al estilo samurái japonés, pero Jia encontró a un hombre grande y gordo para desempeñar el papel. Ver a este amigo negro de cientos de libras interpretar a Yamashiro en la pantalla es divertido en sí mismo, pero no es suficiente. Jia también le pidió al asesino que contactara a su maestro mediante "palomas voladoras entregando mensajes", además de música hip-hop. Además de "Ghost Dog", "Ghost in Paradise", "Mystery Train", "¿Has visto el color de la muerte" e incluso la reciente "Broken Flower", si los pruebas con atención, encontrarás que hay Muchas escenas de humor negro. Aunque las películas de Jia siempre han sido conocidas por ser frías, extrañas e incompatibles con la cultura estadounidense, el humor negro que contienen es verdaderamente estadounidense.
El representante más típico del cine de humor negro en el cine independiente americano es "Clerks" de Kevin Smith. Esta producción independiente que sólo costó 27.000 dólares es suficiente para avergonzar a 65.438+0.994 e incluso a toda la comedia de Hollywood de los 90. La historia es sencilla. Los protagonistas son dos dependientes de tienda corrientes. No ocurrió nada trascendental en sus vidas, pero el ingenio del director permitió a los dos protagonistas vivir una serie de anécdotas aparentemente absurdas pero razonables: abrir una tienda sin negocio; cerrarla para jugar al golf pero hacer el ridículo; , incluso el ataúd volcado... la historia de esta película tiene lugar el mismo día. Aunque no están directamente relacionados, se explican detalladamente. La capacidad del director para escribir y contar historias es realmente admirable. La historia no tiene nada de especial, pero está llena de una profunda filosofía. En esta serie de cuentos, la comunicación entre personas se refleja constantemente y finalmente revela una verdad aparentemente simple pero a menudo pasada por alto: sea amable con sus familiares y amigos, y nunca lo olvide. Clerks debe gran parte de su éxito a su brillante diálogo. Kevin Smith es imaginativo, no rehuye la carne y el pescado y capta firmemente los gustos de los jóvenes.
Además, en las películas independientes, suele haber uno o varios personajes cómicos talentosos para llevar el humor negro a lo largo de la película. Por ejemplo, Tom Cruise en "Magnolia", Dustin Hoffman en "I Love Huckabee", Samuel L. Jackson en "Do What You Gotta Do", etc. Los escenarios de estos personajes añaden un toque de color a la película, que de otro modo sería seria, haciéndolos parecer insignificantes. De hecho, es una estructura general que conecta el pasado y el futuro, y también tiene mucho espacio para la expresión. Así que también es un placer disfrutar de estos personajes y ver a sus actores realizar grandes actuaciones.
Libertad, rebelión y violencia
Para el cine independiente, la libertad debería ser su elemento central. La libertad aquí se refiere no sólo a la libertad de las trabas comerciales, sino también a la libertad de expresar los propios pensamientos. En este sentido, el llamado "cine independiente" es en realidad "cine libre". Por supuesto, la libertad también significa romper las cadenas, y romper las cadenas significa rebelarse contra las cadenas existentes. De esta manera, la connotación espiritual única de las películas independientes es esta "rebelión libre".
Por lo tanto, encontraremos que en muchas películas independientes, los protagonistas son incompatibles con el sistema social existente, y muchas veces utilizan el cinismo y el desenfreno como forma de resistencia. Tomemos como ejemplo Wild at Heart de David Lynch. Los protagonistas de la película son un hombre y una mujer. Para romper con la conspiración y la resistencia mundanas, nunca se dan por vencidos y no dudan en utilizar diversos métodos sensacionales. En esta película, Lynch utiliza escenas surrealistas de violencia sangrienta y fantasía erótica para expresar el estado mental ansioso y deprimido de la gente moderna. Está llena de psicoanálisis freudiano y de colores extraños, pero también revela de vez en cuando una pasión romántica. que es un tipo muy diferente de obsesión amorosa. "Wild at Heart" es también una típica road movie y rock movie. El estado más común del protagonista es conducir por la autopista, presentándose ante el mundo como un cantante de rock rebelde. La posterior "Lost Highway" puede considerarse básicamente como una continuación de "Wild at Heart". El estilo, las características, las técnicas de imagen e incluso el protagonista (Nicolas Cage) de la película no han cambiado. Sólo que esta vez, las presiones mundanas abstractas y conceptuales de Wild My Heart se cristalizan en una serie de videos reveladores. Esta es una película experimental y de pesadilla que describe la psicología oscura, extraña y caótica de los personajes. También es la más extraña e incomprensible de las películas de Lynch.
Vale la pena señalar que, además de la rebelión del protagonista, este tipo de revelación desnuda que va directo al corazón del personaje es en realidad una especie de rebelión en las películas independientes. El artista libera el corazón del personaje a través de esta forma, que en realidad es una rebelión contra la falsa "Fábrica de Sueños" de Hollywood. Esto es común en las películas independientes, pero es más obvio y extremo aquí con David Lynch.
Pero comparado con Oliver Stone, David Lynch es mucho más amable. Al menos los violentos y brutales asesinos natos no se encuentran por ningún lado en "Wild at Heart" y "Lost Road". "Natural Born Killers" puede ser la película independiente estadounidense más violenta de los años 90. En esta película, Oliver Stone rompió todas las reglas e incluso ignoró la experiencia visual del público, llevando al extremo la estimulación sensorial de la violencia. Esto no es sólo una sátira de Hollywood, sino también un completo contraataque al lado oscuro de la sociedad y la cultura estadounidenses. Sin embargo, este contraataque es desesperado. En comparación con la sociedad, el poder de los individuos es siempre muy pequeño y los protagonistas sólo pueden expresar su ira y resistencia matando o incluso matando a personas inocentes. Por supuesto, la violenta Hiiragi no está absolutamente embellecida incondicionalmente. Cuando el protagonista mata a un viejo indio amable, la actitud de la película toma un giro decidido hacia menospreciarlo, en marcado contraste con la representación heroica del héroe en la escena del motín en la prisión.
La violencia pura, sin adornos y cruda de "Natural Born Killers" es similar a las películas de gánsteres de Quentin Tarantino. En las pocas obras de Quentin, la violencia también se ha convertido en una poderosa pista a lo largo de la película. Quentin, especialmente "Kill Bill", no puso mucho esfuerzo en la narrativa, pero describió la violencia misma en detalle, dándole incluso un poco de color poético. Esta estética de violencia extrema tiene un significado mucho más cómodo que el de Asesinos natos, pero no es diferente en términos de efecto ideográfico.
También vale la pena mencionar que la película independiente "Fotografiando a Andy Warhol", filmada por la directora Mary Harron en 1996, se basó en hechos reales y utilizó básicamente bocetos. Una narración simple y verdadera del incidente, con calma. nos presenta la trágica vida de una feminista. Para Andy Warhol, una figura fundamental en la historia del arte popular, la película no tiene una descripción muy positiva, sino que se centra en el asesinato de Vermeli y se centra en la motivación interna de Vermeli, una pionera del feminismo. puesto en primer plano. Vermeli no fue una pionera feminista consciente de sí misma. Su resistencia proviene más de su experiencia personal, y precisamente porque esta resistencia emocional proviene de un impulso profundo, tiene un impacto más fuerte y violento. Como estudiante universitario, la mendicidad y la prostitución de Vimili en las calles eran en sí mismas una rebelión contra el sistema. En este sentido, la violencia en "Disparando a Andy Warhol" no es la violencia que Vermilion inflige a Andy Warhol, sino la violencia que la sociedad estadounidense inflige a Vermilion. Como representante del cine feminista, "Fotografiar a Andy Warhol" expresa las acusaciones y la resistencia de las mujeres estadounidenses modernas a la sociedad patriarcal, lo que significa el resurgimiento de la conciencia femenina a finales del siglo pasado. En este sentido, "Shooting Andy Warhol" puede verse como una obra rebelde incluso entre las películas independientes, porque el patriarcado al que la película resiste y denuncia no sólo se encuentra en las películas convencionales de Hollywood. Es común, incluso en las películas independientes. El éxito de fotografiar a Andy Warhol también inspiró a los recién llegados. Poco después, películas feministas como Boys Don't Cry, The Devil, Million Dollar Baby y otras. Aparecieron en la pantalla grande uno tras otro y lograron un gran éxito.
Por supuesto, la violencia no es el único medio de resistencia. A veces, la gentileza es también una pistola silenciosa. Por ejemplo, en la película independiente "Buffalo 1966", escrita, dirigida, interpretada y cantada por Vincent Gallo, casi no hay escenas de violencia. Toda la película solo nos cuenta la historia de un niño deprimido que regresa a casa en una atmósfera discreta y triste, complementada con un débil sonido de piano, canciones populares sentimentales y una banda sonora de claqué. Sin embargo, en esta atmósfera aparentemente cálida, la indiferencia y la alienación de las relaciones interpersonales de las familias estadounidenses quedan plenamente expuestas. Lo que más me impresionó fue la escena en la que el protagonista, sus padres y su novia comían en la misma mesa. La cámara muestra deliberadamente sólo una cuarta parte de las personas sentadas a la mesa, y luego la siguiente persona habla demasiado. Aquí se muestra vívidamente la incomodidad de una familia sin comunicación ni emociones.
En este sencillo corte, el público puede sentir fuertemente la existencia de una especie de "violencia fría". La llamada "hay incluso más instrucciones en el silencio que en los sonidos". Sencillo y mudo, el protagonista ha hecho su declaración rebelde.
Al igual que Buffalo 66, "Do What You Should Do" de Spike Lee también utiliza la expresión "violencia fría". Esta es una película sobre la raza. El agudo antagonismo entre blancos y negros es evidente desde el principio de la película. Sin embargo, a diferencia de otras películas callejeras, "Spike Lee" no permite que este enfrentamiento se convierta rápidamente en un fuerte conflicto físico, sino que lo oculta, transforma la violencia en un montón de fragmentos de imágenes e intenta prolongarla tanto como sea posible. El momento del evento, formando así una fuerte tensión dramática, permitiendo al público participar del evento de manera inconsciente durante el proceso de visualización. En Do What You Gotta do de Spike Lee, la resistencia violenta sigue una progresión clara. Hierve como una rana en agua tibia, culminando en un clímax moderado. No es ni tan cálido como Buffalo '66 ni tan violento como Natural Born Killers. Se puede decir que la creación de Spike Lee es única. En sus manos, la violencia es justa, rebelde y libre.
El dolor del pensamiento
No es en absoluto un lobo misterioso con una gran cola. La razón por la que utilizamos palabras tan amargas como "el dolor del pensamiento" es en realidad porque no podemos encontrar una forma de expresión más apropiada. Los judíos decían: "Dios se ríe cuando los humanos piensan", pero todavía hay un grupo de personas que están obsesionadas con la caña del pensamiento. En lo que respecta al cine americano, no existen grupos como "películas artísticas" y "películas poéticas". Las funciones ideológicas y artísticas de las películas las desempeñan principalmente películas independientes. Por supuesto, no estoy diciendo que las películas convencionales no tengan funciones ideológicas y artísticas, pero en comparación con la estimulación sensorial pura de la mayoría de las películas comerciales, las películas independientes tienen un temperamento mucho más fuerte en este sentido.
Además, a diferencia de las películas artísticas en Europa y otras partes del mundo, las películas independientes estadounidenses están arraigadas en el suelo cultural del Occidente contemporáneo y están acostumbradas a reflejar directamente los problemas existentes de las personas. Este tipo de exploración profunda de la naturaleza humana y las ansiedades existenciales del presente es común en las películas independientes estadounidenses, independientemente del tema y el género de la película.
Tomemos como ejemplo Lone Star de John Sayles. La película adopta la temática de una película policial e incorpora elementos comúnmente utilizados en películas comerciales como suspenso, western y terror. Al principio, realmente hizo que la gente pensara que se trataba de una película comercial ordinaria, pero a medida que avanzaba, emergió gradualmente el temperamento de una película independiente. La narración de la historia trae un misterio tras otro a la audiencia a medida que los misterios se resuelven uno tras otro, la verdad del asunto emerge gradualmente. En el proceso, la película reflexiona profundamente sobre el papel de la política en la sociedad estadounidense contemporánea y su impacto en la gente común y corriente. Se puede decir que "Lone Star" es esencialmente una película política seria disfrazada de película de gánsteres.
Del mismo modo, "Summer of Sam" de Spike Lee también es una película independiente con una temática criminal. También en esta película, la historia es causada por un asesinato y está impulsada por el asesinato como refuerzo de la trama. El protagonista de la película está involucrado en la agitación provocada por el asesinato, pero la atención no se centra en el asesinato en sí, sino en el asesinato y las relaciones entre las personas. A medida que avanza la trama, el asesinato finalmente queda completamente oscurecido como trasfondo. Lo que Spike Lee quiere contarnos no es de ninguna manera una historia de razonamiento criminal, sino una cuestión ética donde la familia, la amistad, la traición y la lealtad se entrelazan ante la crisis. En "El verano de Sam", este doloroso reflejo se puede sentir claramente. De hecho, el propio Spike Lee no tiene una respuesta. Simplemente nos señaló algunas posibilidades. Me temo que corresponde al público pensar qué hacer.
Summer of Sam es similar a Elefante de Gus Van Sant. En "Elephant", Gus Van Sant también contó esta historia con un lenguaje frío. Si bien toda la película se centra en un tiroteo en una escuela, no hay muchas escenas que representen directamente el evento. Al igual que Spike Lee, Gus Van Sant lleva al público a pensar por sí mismo. Lo único que hizo fue restaurar la escena original del evento de la manera más realista posible.
Cabe mencionar que "Far from Las Vegas" de Mike Figgis es una película independiente llena de sentimentalismo, que lleva al público al escenario del director desde el principio. Cuando lo ves fuera de Las Vegas, nunca sientes la falsa emoción de una fábrica de sueños de Hollywood, sino un dolor real.
Figgis nos organiza una historia de amor entre una prostituta y un alcohólico, pero en la película ni a la prostituta ni al alcohólico les falta humanidad. Al contrario, lo que sentimos es la represión y contención de toda la sociedad sobre los dos protagonistas. Aquí, las prostitutas y los borrachos son en realidad sólo metáforas de la identidad. Lo que el director realmente quiere expresar es la ansiedad por la situación actual de la vida de las personas.
"Magnolia" de Paul Thomas Anderson no se limita sólo a Las Vegas. En "Magnolia", el director nos presenta una imagen de gente contemporánea llena de miedo, ansiedad y decadencia. En más de tres horas, Anderson conectó inteligentemente nueve eventos que se desarrollaron en paralelo durante las 24 horas del día, centrándose en padres e hijos, la ira y el perdón, el mundo ilusorio de la televisión y la vida real, las expectativas y las pérdidas, las oportunidades y Missing es el comienzo. punto, mostrando realmente la confusión y la lucha de la gente. Esta expresión moderna de "Magnolia" es completamente diferente de las películas comerciales de Hollywood.
Una escuela modernista más típica es la de Kafka de Soderbergh. Esta película, protagonizada por el famoso escritor Kafka, no tiene nada que ver con el propio Kafka. Soderbergh reescribió la historia de un thriller político y Kafka fue sólo uno de los ideogramas que tomó prestado. Toda la película tiene una estructura compacta y un ritmo claro, mostrándonos claramente un mundo interior paranoico, confuso y frenético. Para poder adaptar la historia de Kafka hasta tal punto, las habilidades coreográficas de Soderbergh son realmente asombrosas.
En este momento, hay una película que tengo que mencionar. Esa es “¿Has visto el color de la muerte?” de Jim Jarmusch. A diferencia de otras películas independientes, esta película está ambientada en los Estados Unidos a finales del siglo XIX y cuenta la historia de la fuga de un joven inocente. En el proceso de escapar, la trama se vuelve cada vez más surrealista y los corazones de los personajes se vuelven cada vez más increíbles. La película utiliza las escenas y la atmósfera utilizadas en las películas occidentales. Las exquisitas imágenes en blanco y negro reproducen perfectamente el Occidente original y desolado y también purifican el pensamiento espiritual de la película. Hay una sensación apocalíptica redentora en la película cuando el protagonista finalmente yace en el barco, resignado a su muerte. Viste la muerte