Solicitando una reseña o apreciación de las óperas "Carmen" y "Rigoletto"

Apreciación de la ópera "Carmen" [Resumen] "Carmen" es una obra con excelente creatividad musical y efectos dramáticos. Es una ópera que resume de manera verdaderamente integral el arte lírico del siglo XIX, y así es. también una obra muy popular en el mundo. Una ópera con un lugar muy importante en la historia del arte. El artículo explica las características musicales de la ópera "Carmen" a través del análisis de Bicai y sus obras.

[Palabras clave] Ópera La música de Carmen de Bizet

La obra representativa del compositor Bizet: la ópera "Carmen" es popular desde hace más de cien años. es la obra más popular y duradera en el escenario de la ópera mundial. Como destacado compositor francés, Bizet fue el sucesor del fin del romanticismo y el surgimiento del realismo. Nietzsche lo llamó una vez el "Sol del Mediterráneo" y fue muy elogiado por Liszt.

(1) Introducción al contenido

La ópera en cuatro actos "Carmen" es una obra del mismo nombre de Melak y Allévi basado en Mérimée Adaptado de la novela. Esta ópera es una de las más famosas del mundo y el mayor logro de la ópera francesa del siglo XIX. Con su lenguaje musical vívido y distintivo, sus ricas e ingeniosas técnicas de orquestación armónica y su fuerte y conmovedor desarrollo dramático, expresa vívidamente el tema de la obra. "Carmen" es una vívida pieza de literatura musical. Utiliza la música para retratar vívidamente personajes con diferentes personalidades y se centra en el carácter apasionado y amante de la libertad de Carmen. La música de "Carmen" siempre coincide estrechamente con la acción escénica y no hay una escena musical estática en el medio. Marchas, arias, bailes, etc. aparecen alternativamente en la obra. La música es cordial y suave, con las características de la ardiente música española. Toda esta música se combina a través de una lógica dramática rigurosa, compacta y concisa, que expresa la vida real, convirtiéndola en una gran obra, a la vez elegante y popular, y con un profundo contenido ideológico. Esta ópera también contiene muchas de las selecciones más comunes en los conciertos, las más famosas son la Obertura y la "Habanera", arias importantes como "Aria de Miura", "Canción de las Flores" y "Canción del Matador", etc. A continuación se presentan las partes más apasionantes de la literatura operística. Esta ópera tiene un importante significado social y práctico Al retratar el carácter independiente y desinhibido de la heroína Carmen, Bizet reflejó fuertemente la idea burguesa de la liberación individual, elogió con entusiasmo la libertad y reflejó su firme creencia en toda la vida.

(2) Análisis de la obra

Aunque "Carmen" describe la tragedia del amor, el deseo, los celos y el odio, Pero debido a que hay muchos diálogos en la obra, su género es una ópera cómica. Se puede ver que la diferencia entre óperas y óperas cómicas en ese momento no se basaba en el contenido, sino en cuestiones puramente técnicas. La mayor ventaja de Bizet, y también su singularidad más profunda, es el uso de tres elementos diferentes: elementos folclóricos, elementos de comedia y elementos trágicos, y integró con éxito los tres en uno, por lo que la coherencia de la obra son las primeras características llamativas. Luego, el elemento trágico domina gradualmente toda la ópera y finalmente anexa los otros dos elementos. Desde el comienzo de la obertura, este tema distintivo predice el destino de Carmen.

La melodía de "Carmen" es compacta, el ritmo es enérgico y las descripciones de los personajes son realistas y delicadas, lo que da como resultado muchos clímax dramáticos, revelando así profundamente la tragedia de la obra. Las armonías de Bizet también son muy imaginativas y su rango vocal es muy amplio, y puede expresar muy bien las nerviosas y excitantes emociones trágicas de Carmen. La estructura sonora de esta obra también es muy completa, y su riqueza proviene del exquisito material contrapuntístico en la orquestación y el acompañamiento. La obertura de la ópera está en clave de La mayor, en compás 42, en forma de rondó. Luego cambia repentinamente de La mayor a Fa mayor, destacando el coro de "La Canción del Matador" en la segunda escena. En los últimos 27 compases de la obertura corta, el autor presenta a Carmen, usando uno de ella con una segunda aumentada. . El tema de las características del intervalo para fortalecer la impresión que la audiencia tiene sobre ella. A medida que el intervalo de segunda aumentada se vuelve cada vez más claramente parte del acorde de séptima disminuida, este acorde de séptima disminuida a menudo se asocia con algo siniestro en la obra. La obertura termina con un acorde de séptima disminuida en ff duplicado.

Toda la obertura se basa en imágenes de marcado contraste, utilizando música hermosa, compacta y fascinante para expresar el contenido principal de la ópera y utilizando el efecto del claroscuro para expresar completamente el contenido de la ópera. La obertura de esta obra suele tocarse sola en los conciertos. Cuando llegaron los soldados para su turno en el primer acto, un grupo de niños imitó los pasos de los soldados para despejar el camino. Los niños cantaron la marcha de flauta y tambores "Estamos juntos con los soldados" en un enérgico compás de 2/4, en clave de re menor. En esta escena se crea la imagen apasionada, desenfrenada y encantadora de la gitana Carmen. Entonces aparece la famosa aria de la protagonista Carmen "El amor es como un pájaro libre". Se trata de una melodía profundamente arraigada que demuestra plenamente el encanto audaz, desenfrenado y misterioso de Carmen. Después de que arrestaron a Carmen, el teniente dragón Suniha la interrogó personalmente, pero ella tarareó casualmente una canción. Esta canción mostraba vívidamente el carácter bohemio de Carmen y retrataba vívidamente a una Carmen apasionada y sexy. En esta misma escena, cuando Carmen está seduciendo a Don Houser, canta otra famosa aria, "Por las murallas de la Ciudad Vieja de Sevilla". Es una encantadora pieza de ritmo de danza española, con una melodía apasionada y un tanto salvaje. Retrata además la sencillez y el vigor del carácter de Carmen.

También es muy famoso el intermezzo entre el primer y segundo acto, seleccionado del aria "Dragona de Alcalá" de Don Hauser en el segundo acto. El fagot toca un Allegro moderado. melodía. En el segundo acto vemos a Bizet dar un gran paso adelante como compositor de teatro musical. Puede utilizar música adecuada para expresar cada cambio sutil en sus movimientos.

(3) Funciones musicales

1. La combinación perfecta de música y teatro.

El tema de "Carmen" va del amor a la destrucción, la trama se desarrolla rápida y profundamente, y la letra es concisa y compacta. En su creación musical, Bizet se esforzó por encarnar el principio del realismo y mostró la colorida vida social con ricas melodías de diferentes personajes. En particular, retrató con éxito la ternura, la franqueza, el entusiasmo, la crueldad, la tentación, la arrogancia, la disipación, la astucia y otras múltiples de Carmen. -personajes facetados crearon múltiples imágenes artísticas distintivas, realistas y deslumbrantes como Carmen, José y Matador, creando una atmósfera dramática con fuerte contraste y conflicto, logrando un efecto dramático impactante. "The Card Trio" en el tercer acto es la escena más emocionante y la canción más emocionante de toda la obra. La música y la trama del conjunto se combinan a la perfección, dando a la gente un presagio siniestro. En "Carmen", Bizet también adoptó el método estructural de arreglo musical dividido, utilizó con flexibilidad el motivo principal y logró coherencia y unidad en la tonalidad, de modo que la música promovió la profundización y el desarrollo de la trama.

2. Fuerte color de la música nacional.

La música de "Carmen" es apasionada, salvaje y encantadora, incluyendo "Danza Habanesa", "Danza Segedia", "Danza Aragón", "Canción Gitana" y muchas otras. La melodía popular tiene clímax y es emocionante.

En aquella época, Bizet estaba influenciado por diferentes costumbres en Francia. Había muchas diferencias entre su novela Carmen y la original de Mérimée. Los personajes de ópera que retrató siempre estuvieron estrechamente relacionados con la imitación de los estilos nacionales locales. . En cuanto a la interpretación de personajes, utilizó tonos y ritmos de puro estilo español para retratar a la protagonista, una gitana apasionada, franca, amante de la libertad y atrevida. También diseñó la "Habanera" especialmente para Carmen, destacando el ritmo de castañuela. "Danza Sagedia" o la alegre "Canción Gitana", y cada vez que aparece Carmen, ya sea en diálogo o a dúo con la compañera de José, son una serie de fragmentos que recogen características nacionales.

Una parte importante de la ópera también discurre por el típico "matador" español y las canciones estilísticas correspondientes. Esto hace que las situaciones operísticas sean más realistas y los tonos más intensos y coloridos. Lo que tenemos aquí es un drama musical con un poder único, una fuerte autenticidad dramática y un sentimentalismo suave y gentil en sus partes líricas. Aquí no hay nada artificial, todo se expresa con fuerza y ​​naturalidad.

La música es compacta y cordial, con un temperamento sureño fogoso y sumamente atractiva.

En resumen, las reformas de Bizet hicieron que la ópera francesa fuera más poderosa, entusiasta y dramática, y también ocupó una posición importante en el arte escénico mundial. En particular, fue capaz de representar el bien, el mal y los conflictos de la naturaleza humana de manera realista y apropiada, y fue muy influyente en las generaciones posteriores de realistas. La áspera belleza natural de "Carmen" está llena de fuertes características folklóricas, y la música apasionada, desenfrenada y única tiene un gran atractivo. "Carmen" no sólo tuvo un profundo impacto en la ópera francesa, sino que también promovió directamente el surgimiento de la ópera realista a finales del siglo XIX.

Referencias:

[1] Zhou Shibin. Apreciación de la música clásica china y extranjera [M Beijing: Beijing Xueyuan Press, 1993.

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[2] Liu Xincong, Liu Zhengfu. Historia de la música vocal europea [M]. Beijing: China Youth Publishing House, 1999.

[3] Yang Minwang. (Parte Europea y Americana) [M]. Shanghai: Shanghai Music Publishing House, 1991.

[4] Guión de análisis musical y selección de ópera extranjera Carmen [M Beijing: People's Music Publishing House, 1983]. .

Música y La combinación perfecta de drama

Resumen: Verdi fue uno de los más grandes compositores de ópera del siglo XIX y era conocido como el "Rey de la Ópera Italiana". La ópera "Rigoletto" es una obra maestra del período medio de la creación de Verdi. Su música tiene un poder fuerte y conmovedor. Con esta ópera demostró una vez más la idea de que "la ópera es un drama desarrollado con música" y se ha convertido en una obra maestra. ópera muy interpretada.

Palabras clave: Dúo "Rigoletto" de Verdi

Giuseppe Verdi (Giuseppe Verdi, 1813-1901), ópera italiana El maestro de todas las cosas. Compuso 26 óperas a lo largo de su vida. Su creación operística se divide en tres etapas: la primera etapa fue en la década de 1840, cuando Italia estaba en la ola revolucionaria para deshacerse del dominio austriaco "La batalla de Leninoa" y "La batalla de Leninoa" inspiró al pueblo a luchar. por eso fue llamado el "Maestro de la Música de la Revolución Italiana"; la segunda etapa fue de los años 1950 a los años 1960, con "Rigoletto", "La Traviata" y "Trovatore"; "La Mascarada" marca el cambio en las óperas de Verdi de expresar el logros de figuras históricas a la vida real y fuertes conflictos humanos. Estas obras establecieron el estatus de Verdi como maestro de ópera, desde la década de 1970 hasta la muerte de Verdi. Durante este período, Verdi creó la obra maestra "Aida" y en sus últimos años creó "Otelo" y "Falstaff" basadas en las obras de Shakespeare. La creación de Verdi representa la historia del desarrollo de la ópera italiana en la segunda mitad del siglo XIX, pero la razón por la que este compositor se hizo famoso se debe principalmente a la realización de "Rigoletto", que marcó el comienzo del desarrollo de la ópera de Verdi. Reformador de la ópera comparable a Wagner. En términos de creación, "Rigoletto" ya no utiliza recitativos aburridos, sino que canta con una música orquestal coherente. Puede representar de manera especialmente vívida los deseos y el mundo interior de los personajes de la obra. La música tiene un fuerte poder conmovedor.

La sinopsis de la historia de "Rigoletto"

"Rigoletto" escrita por el compositor italiano Verdi y el libretista Piavi está basada en la novela prohibida del gran escritor francés Hugo "Drama romántico". El regocijo del rey". "Rigoletto" es una obra maestra del período intermedio de creación de Verdi. Empujó a Rigoletto y Gilda, dos personajes comunes y corrientes que vivían en la base de la sociedad, al centro del escenario de la ópera. Mostró una profunda simpatía por su desgracia y los ridiculizó y criticó. clase dirigente feudal. Esta ópera fue creada especialmente por el compositor para la Ópera de Venecia y se completó y estrenó en 1851.

La historia tiene lugar en Mantua en el siglo XVI. El afable y lujurioso duque es un aventurero cazador de sexo que disfruta jugando con mujeres; el deforme y lisiado Rigoletto es un ayudante profesional del duque. bufón y a menudo se burlaba de los cortesanos para quienes el duque había seducido a sus esposas e hijas.

El hecho de que fuera engañada, devastada y finalmente destruida sin piedad expuso la hipocresía del amor y la naturaleza asesina de los gobernantes feudales.

El encanto musical de "Rigoletto"

"¡Hija! —¡Ah, papá! "Debido a que la" maldición "de Monterone entra y sale de la mente de Rigoletto, atormentándolo, le preocupa el castigo para su hija. En el Acto 1, Escena 2, Parte 7, Rigoletto entró preocupado a la casa, y su hija Gilda corrió rápidamente a saludarlo y se arrojó en los brazos de su padre. La alegría y la emoción cuando padre e hija se encuentran se expresan plenamente en el dúo entre Rigoletto y Gilda. Rigoletto utiliza una dulce melodía para contar con sinceridad que su hija es su único consuelo. En este momento, Rigoletto ha ido cambiando poco a poco en la mente del público. Ya no es tan odioso, sino que se ha convertido en la imagen de un padre amoroso.

Este es un dúo lírico típico. La primera parte es una trilogía única reproducible. La música entra con un ritmo sincopado, y luego la octava nota salta y desciende con vibrato. La imagen musical expresa juventud y vitalidad, y la textura armónica utiliza el acorde dominante de do mayor. Colores musicales brillantes y aireados que presagian la apariencia de Gilda. La melodía profunda y larga de Ligoletto es el tono central. Su melodía se desarrolla completa y continuamente en el coro. Tiene una fuerte habilidad para el canto y un carácter tonal bastante distintivo, mientras que la melodía de la voz de Gilda tiene claramente las huellas del desarrollo derivado de. el tono es muy decorativo y débil en independencia. "¡Querida hija!" "¡Papá!" "¡Poder abrazarte fuerte es mi mayor alegría, eres mi alma!", cantaron los dos. . A esto le sigue la sección de recitativo y conexión de los dolorosos recuerdos del pasado de Rigoletto. En este momento, los elementos musicales del tema de la ópera "maldición" y el patrón rítmico de doble punto aparecen nuevamente, haciendo que el color trágico del personaje parezca más intenso.

La segunda parte es un dúo entre ambos. El tema del aria del dúo aparece primero dos veces en su totalidad, lo que permite al público escuchar claramente el contenido y las emociones expresadas por cada uno de ellos. Luego, se utiliza el canon para imitar el ritmo para formar un formato de preguntas y respuestas, y luego el. Se combinan dos voces. Las voces se entrelazan y la música finaliza con una despedida. "Ah, esta flor que te confié es gentil, hermosa, casta e impecable. Debes cuidarla especialmente". "Ah, qué cariñosa y cariñosa. No tienes que preocuparte por mí, papá". Dúo más complicado. Se revela otro aspecto del carácter del feo bufón de Rigoletto: su profundo cuidado y amor por su hija.

Gilda, que estaba enamorada, expresó su depresión interior a la niñera a través de la canción "El amor es el sol del alma". Al ver que había llegado el momento, el Duque se acercó y le guiñó un ojo a la niñera para que la dejara ir, y luego se arrodilló ante Gilda para declararle su amor. Gilda reconoció que el joven audaz frente a ella era el que soñaba encontrar en la iglesia, y los dos cantaron un dúo de amor.

El aria comienza con la escena en la que el Duque expresa su amor por Gilda, comenzando con la tonalidad de si bemol mayor y en compás de 3/8. Primero, el Duque expresó su falso amor a Gilda con una hermosa melodía, cantando el tema A: "El amor es el sol y la vida del alma, que hace que nuestros corazones estén siempre llenos de pasión. Toda gloria y poder no pueden hacerme tentar, si hay "Por amor, hasta los ángeles nos envidian". La voz del Duque expresó su amor "hipócrita" hacia Gilda con un ritmo oscilante de tres tiempos y un estilo de canción popular muy cantada, mostrando su emoción apasionada y ardiente. , revelando un estilo romántico y elegante. y temperamento frívolo, que retrata de manera muy precisa y vívida la dramática imagen del duque de ser cínico con respecto a las mujeres y el amor. La melodía de Gilda citó el material de la melodía del Duque y cantó el tema B: "¡Ah, este es el sonido que escuché en mi sueño, qué amable y tierno es!" Luego las dos partes usaron polifonía contrastante para perfeccionar. ¡Entrelazada, la melodía del Duque es! el cambio y desarrollo del tema; la voz de Gilda expresa el mundo interior tierno, apasionado, apasionado y extático del primer amor de Gilda con un cambio continuo y progresivo de tono de la melodía.

Luego, el dúo del Duque y Gilda que se despidieron después de expresar su amor mutuo usó técnicas de imitación canónicas para cantar el tema C. Luego las dos partes se superpusieron y usaron la técnica de polifonía paralela de dos partes de tercer y sexto grado, y continuaron dividiéndose. y se desarrolla. Muestra que los sentimientos de las dos personas son consistentes en este momento. Al final, el acorde principal se alterna con el acorde dominante y finalmente cae en el acorde principal de re bemol mayor. Después de que los dos juraron amarse, el duque se fue apresuradamente con la niñera. En este dúo, la inocencia y la ternura de Gilda contrastan con el frívolo, hipócrita y romántico Duque. Es la inocencia de Gilda y su fantasía y pasión poética por el amor lo que provocó su trágico destino.

Los duetos que configuran la imagen de los personajes trágicos de "Rigoletto"

Hay muchos duetos sinceros y profundos en "Rigoletto" que favorecen el desarrollo de la trama, especialmente en El tercer acto es aún más popular. El conflicto emocional expresado en el dúo es el principal motor de la tragedia. La relación familiar entre Rigoletto y Gilda y el odio entre él y el duque y los ministros se completan en su mayor parte a través de duetos. En particular, los cuatro dúos de los protagonistas Rigoletto y Gilda forman el contexto del desarrollo contradictorio de la ópera, que gradualmente conduce al clímax del drama.

El primer dúo aparece en el Acto 1, Escena 2. El conmovedor dúo lírico entre Rigoletto y el padre y la hija de Gilda no solo muestra la sencillez, la bondad de Gilda y, lo que es más importante, el otro lado del personaje de este feo bufón es mostró al público por primera vez: su profundo amor por su hija. Sin embargo, es este fuerte amor paternal el que en realidad agrava el trágico destino del protagonista Rigoletto y proporciona un importante presagio y preparación para el clímax final de la muerte y separación del padre y la hija. La segunda repetición ocurre cuando Gilda le describe a su padre la historia del secuestro de ella y el duque. El odio vuelve a surgir en el corazón de Rigoletto. Un dúo con un rico estilo de marcha expresa la determinación de Rigoletto de vengarse. Esto promueve enormemente el desarrollo de la tragedia y juega un papel de refuerzo en el clímax de la tragedia. Pero Gilda, que es inocente, amable y obsesionada con el amor, convence a su padre para que abandone la idea de venganza, pero Rigoletto la rechaza. Este es el primer desacuerdo indirecto entre padre e hija, y sienta las bases para el posterior de Gilda. sacrificio por amor. El tercer dúo aparece en el tercer acto cuando el Duque y Magdalena están en la casa, y Gilda y Rigoletto afuera, formando dos cuartetos cantados con diferentes emociones. El duque, que no conocía la historia interna, le contó a Maddalena sobre su falso amor. Gilda estaba decepcionada y Rigoletto hizo un enojado voto de venganza. Esta atmósfera aparentemente relajada contiene elementos de tensión y hace los preparativos necesarios para el trágico clímax final. Cuando la trama avanza a la última escena: la separación de padre e hija. En este momento se juntaron varios conflictos dramáticos que alcanzaron su clímax. El compositor utilizó un dúo de padre e hija para llevar la tragedia al clímax final, de modo que también se completó la imagen del personaje trágico de Rigoletto.

En la ópera "Rigoletto", estos arreglos del dúo hacen que la trama del drama se desarrolle de forma lógica y el trágico destino de Rigoletto pueda elaborarse y desarrollarse en detalle. Es precisamente gracias a estos encantos únicos. El coro hace que el encanto artístico de esta ópera sea sincero y perfecto, convirtiéndola en una de las óperas más populares del mundo. Después de ver la ópera, Hugo dijo emocionado: "En un drama, es imposible que cuatro personajes diferentes expresen cuatro emociones diferentes al mismo tiempo, y el cuarteto de Verdi demuestra que sólo la ópera puede hacer esto. Con esta ópera, Verdi una vez". demostró una vez más la idea de que "la ópera es un drama desarrollado con música", haciendo de "Rigoletto" una obra maestra que nunca ha perdido su encanto.

Referencias:

[1] Ju Qihong Presentación contemporánea de la belleza integral de la ópera [M Beijing: Central Conservatory of Music Press, 2006].

[2] Qian Yuan, Lin Hua. Introducción a la ópera[M]. Shanghai: Shanghai Music Publishing House, 2003.

[3] Zhu Dejiu. "Rigoletto" Argumento y música [J]. Music Lovers, 1981, (02).

[4] Análisis preliminar de la imagen del personaje trágico Rigoletto en la ópera "Rigoletto" [D].

[5] Ju Qihong. El maestro Verdi y la ópera china - Conmemoración del centenario de la muerte de Verdi [J].