¿Es la belleza el estándar para la apreciación del arte?
¿Es la belleza el estándar para la apreciación del arte? Belleza artística y belleza formal
1. Análisis de materiales didácticos
(1) Objetivos de enseñanza
¿Qué aprecia exactamente la apreciación del arte? Esta es una pregunta práctica y poco clara para la gente corriente. A partir de esta lección, entraremos en la etapa de aprendizaje de conocimientos profesionales de apreciación del arte. Lo primero que encontramos en esta lección es la belleza artística y la belleza formal de las obras de arte, que son cruciales para apreciar las obras de arte. Por lo tanto, el objetivo docente de este curso es que los estudiantes comprendan: 1. Qué es la belleza artística y la belleza formal de las obras de arte 2. Los principios básicos de la belleza artística y la belleza formal de las obras de arte y sus principales expresiones en las obras.
(2) Estructura del contenido
Este curso incluye principalmente tres partes.
La primera parte está basada en la obra "Omiel" del escultor francés Rodin, que propone que la belleza artística de las obras de arte es la belleza propia del arte, con el fin de cambiar el concepto estético que tiene la persona promedio de "lo bello". " o "guapo" . Debido a que este concepto de la gente común está profundamente arraigado, no sólo afecta la comprensión de la belleza por parte de la gente, sino que también dificulta la apreciación de las obras de arte. Esto enfatiza que las obras de arte son una segunda naturaleza creada por artistas que son diferentes de la vida real.
La segunda parte "¿Qué es la belleza artística? ¿Cuáles son sus manifestaciones?" va seguida de una explicación de la "belleza artística" y sus manifestaciones. Esto implica el concepto de "imagen artística". Puede consultar la explicación del concepto de "imagen artística" en la Lección 3. Sin embargo, la "imagen artística" o "imagen artística" mencionada en esta lección ya no se refiere a una imagen específica en un tipo de arte específico, ni a imágenes identificables como personajes, entornos, accesorios, etc. en el arte figurativo. pero incluye La imagen del "arte" creada por obras de arte que incluyen los tres tipos de arte es la encarnación de la imagen general de la obra de arte, es decir, existe en toda la obra de arte. La belleza artística de las obras de arte existe en esta imagen artística general.
La tercera parte "¿Qué es la belleza formal? ¿Cómo entender y captar la belleza formal?" parte del trabajo "Ambición" de Pan Tianshou para explicar qué es la belleza formal, señalando que la belleza artística y la belleza formal de Las obras de arte son mutuamente inclusivas, penetrantes e independientes entre sí. Aquí primero explicamos brevemente qué es “forma”, y luego explicamos en detalle los tres aspectos principales que constituyen la forma: 1. Los elementos lingüísticos del arte (puntos, líneas, superficies, colores) y los cambios morfológicos que forman; 2. El lenguaje; medios (luz y sombra, espacio, perspectiva, composición, textura) y la imagen estética que constituyen 3. Reglas del lenguaje (cambio y unidad, contraste y armonía, simetría y equilibrio, proporción y escala, ritmo y ritmo, etc.) y la imagen estética constituyen relación. La belleza formal de las obras de arte proviene principalmente de esto.
(3) Puntos clave y dificultades de la enseñanza
Aprender y dominar la belleza artística y la belleza formal de las obras de arte es una señal de que la apreciación del arte ha entrado en el nivel profesional, lo que significa que los estudiantes pueden dejar de distinguir únicamente "El estado natural de "bello" y "no bello" entra en una etapa estética superior como el comienzo de "cultivar un ojo estético". Por lo tanto, el enfoque de esta lección es explicar que la belleza artística y la belleza formal de las obras de arte no son del todo un reflejo directo de la realidad, ni son lo mismo que la gente generalmente llama "bello" o "bueno", sino son creados por artistas con la ayuda del arte. Los lenguajes, métodos y reglas específicos crean la belleza del arte en sí, y esta belleza es diversa. Es decir, los diferentes tipos de obras de arte tienen una belleza artística y una belleza formal muy diferentes debido a los diferentes lenguajes. , materiales, métodos utilizados por los artistas, etc. Es divertido. Para ilustrar este punto, aquí debemos centrarnos en los dos aspectos de los elementos del lenguaje artístico y las reglas del lenguaje, porque la belleza artística y la belleza formal de las obras de arte se logran principalmente a través de ellos.
La dificultad para impartir este curso radica principalmente en el hecho de que la belleza artística y la belleza formal de las obras de arte son tanto concretas como abstractas. En otras palabras, la belleza artística y la belleza formal de las obras de arte se pueden dominar mediante el aprendizaje de conocimientos, pero en gran medida es puramente una cuestión de sentimiento personal. Al mismo tiempo, este curso también involucrará una gran cantidad de conceptos abstractos, lo que también agregará mucha dificultad a la enseñanza de este curso.
Cuanto más real y creíble es la fealdad, mayor es su significado práctico. Rodin utilizó sus imágenes físicas extremadamente feas para expresar el pecado, la depravación, el dolor y la desesperación de la gente contemporánea, así como las críticas, la simpatía y los elogios del autor hacia la gente contemporánea.
Las carreras de caballos en Epsem (óleo, 92 cm × 122,5 cm, 1821, recogido por el Louvre de París) Géricault (Francia)
Géricault (Jean Louis) Theodore Gericault ( 1791-1824) nació en Rouen en el seno de una familia de abogados y se mudó a París con su familia cuando era joven. Géricault entró en el estudio de Grand cuando tenía 19 años y Grand pensó que tenía un talento extraordinario. Los primeros trabajos de Géricault ya demostraban su generosidad y entusiasmo. Como le encantaba montar a caballo desde niño, más tarde se convirtió en un experto en pintar caballos. Cuando viajó a Italia en 1816-1817, quedó fascinado por las obras de Miguel Ángel y de los pintores barrocos italianos. Después de su llegada a Roma, Géricault no se sumergió en el museo de arte, sino que descubrió su vida en la calle: en la Piazza del Popolo se celebraba el Carnaval romano anual y un grupo de jinetes a pelo se preparaban para competir. jóvenes agricultores. La multitud rugiente apenas logró abrir un paso muy estrecho, permitiendo a los espectadores subir a las casas e iglesias y animar a los jinetes. Este torbellino de multitudes apasionantes y grandes acontecimientos despertó el interés del pintor. Géricault realizó in situ numerosos bocetos relacionados con los caballos. Este cuadro "Las carreras de caballos en Epsem" refleja su tendencia durante este período y fue completado durante la visita de Géricault a Inglaterra (1820-1822). Tomó los temas que obtuvo de Italia y los obtuvo a través de viajes e inspecciones al extranjero, y formuló este trabajo con el tema de las carreras de caballos. Desde una perspectiva histórica, el viaje de Géricault a Inglaterra es de gran importancia, porque una serie de creaciones posteriores con los caballos como tema se establecieron después de su regreso de Inglaterra. Géricault murió a causa de las heridas sufridas en la caída accidental de un caballo en 1824, a la edad de 33 años.
Como pionero del romanticismo, Géricault dio un paso crucial hacia el romanticismo y las tendencias modernas. Tomó la iniciativa al lanzar un ataque general a la tradición renacentista. Esto es lo que ha continuado desde finales del Renacimiento. La representación de la realidad visual siempre ha colocado al artista en una posición bastante pasiva. A partir del romanticismo (e incluso incluyendo algunas exploraciones extremas del neoclasicismo), la individualización del arte, el estatus activo de los artistas y la expresión del valor del arte mismo han ido adquiriendo una importancia dominante, y la realidad sólo se ha convertido en una referencia para los independientes. desarrollo del arte y los artistas, el significado del arte excede el significado de la realidad, o la visión del artista de la realidad ha cambiado. Aquí Géricault no reproduce lo que ve, sino que expresa lo que ve emocionalmente, lo que representa las características del romanticismo.
Xiongshi (Pintura China) Pan Tianshou
Pan Tianshou (1897-1971), anteriormente conocido como Tianshou, con el nombre de cortesía Dayi, y su apodo es Shou Zhe En su posterior. Durante años, a menudo se desempeñó como Yi Zhe y Lei Po Toufeng Shou. El autor, originario de Guanzhuang, condado de Ninghai, provincia de Zhejiang, es uno de los pintores y educadores de arte chinos más destacados de la China moderna. Pan Tianshou fue admitido en la Primera Universidad Normal de Zhejiang en 1915 y fue alumno de Li Shutong y Jing Xiangyi. En 1923, se desempeñó como profesor en la Escuela Técnica de Mujeres de Shanghai de la República de China y en el Departamento de Pintura China de la Academia de Bellas Artes de Shanghai. Comenzó a estudiar pintura china y tuvo estrechos contactos con Wu Changshuo, a quien elogió. En 1928, Lin Fengmian lo nombró director y profesor del Departamento de Pintura China de la Academia Nacional de Arte de West Lake. Después de 1944, se convirtió en director. Pan Tianshou se especializa en flores y pájaros a mano alzada, así como en pinturas de paisajes y figuras. También es bueno en caligrafía, corte de sellos, especialmente "pintura con los dedos". También realiza investigaciones en profundidad y conocimientos únicos sobre la historia y la teoría de la pintura china. Sus pinturas de flores y pájaros son únicas y únicas, y persiguen un estilo majestuoso y majestuoso independientemente de la composición o la pincelada. Esto no es solo un retrato de su carácter íntegro y obstinado, sino también un reflejo de la personalidad colectiva de la China moderna. Esta pintura "Ambición" es una de sus obras maestras, que refleja las características artísticas de Pan Tianshou de perseguir la extrañeza, la pendiente y la estabilidad en medio del peligro en la composición y el procesamiento del tema. Es precisamente por los destacados logros artísticos de Pan Tianshou que se le conoce como los "Cuatro Maestros Modernos" junto con Wu Changshuo, Qi Baishi y Huang Binhong.
Nieve de primavera (pintura china, 69,5 cm × 138 cm, 1984) Wu Guanzhong
"Nieve de primavera" refleja la búsqueda artística constante de Wu Guanzhong, pero entre sus obras similares, esta pintura es Uno más lírico. A pesar del gran tamaño de esta pintura, todavía da la impresión de haber sido terminada de una sola vez. Parecía haber solo unas pocas áreas grandes de tinta en la imagen, con puntos y líneas de tinta en el medio, y algo de color usado en algunos lugares, pero extrañamente, una majestuosa y hermosa montaña cubierta de nieve apareció frente a nosotros. El autor utiliza elementos del lenguaje como puntos, líneas y planos de manera hábil y flexible, dando pleno juego a las características del lenguaje de la pintura china, reflejando la belleza formal y artística de la pintura china y brindando a las personas disfrute artístico.
El Viejo Rey (óleo, 76,8 cm × 54 cm, 1916-1917, recopilado por la Carnegie Institution de Pittsburgh) Rouault (Francia)
Georges Rouault (1871-1958) Nace En una familia de carpinteros, fue originalmente alumno del pintor simbolista francés Moreau. Tras la muerte de Moreau, fue nombrado director del museo que exhibía sus obras y compartió las mismas aspiraciones con los pintores fauvistas.
Las obras de Rouuault están llenas de sentimientos religiosos. Odiaba la corrupción moral de la sociedad francesa. Cuando visitaba con frecuencia el Tribunal de Distrito de París, veía a algunas "personas que habían perdido el favor de Dios", añadió. más a sus pinturas. Representa imágenes de prostitutas lujuriosas, gánsteres arrestados y jueces despiadados.
Este cuadro “El Viejo Rey” refleja las características de las pinturas de vidrieras. El color es muy denso y el contorno es negro, lo que refleja la belleza artística única y la belleza formal de la pintura al óleo. El perfil del viejo rey parece muy triste, no como un rey, sino como una encarnación del sufrimiento, similar al crucifijo de Cristo. Esta pintura fue creada alrededor de 1916-1917. Durante las dos guerras mundiales, Rouault revisó repetidamente esta pintura para expresar la simpatía del artista por el pueblo que sufría. Escribió en sus memorias: "Soy el amigo silencioso de la gente que sufre en el páramo. Soy la hiedra del sufrimiento eterno, que trepa por este muro abandonado. Dentro del muro están los pecados y crímenes escondidos por los rebeldes. Buenas obras
Homenaje a la Plaza (óleo, 120,7 cm × 120,7 cm, 1959, Museo Guggenheim, Nueva York). Estados Unidos)
Joseph Albers (1988-1976) nació en Botrop, Alemania. Ingresó como estudiante en la Escuela Bauhaus a la edad de 32 años y luego permaneció en la escuela para enseñar. Cuando Hitler cerró la Bauhaus en 1933, fue uno de los primeros profesores de la escuela en emigrar a los Estados Unidos. En Estados Unidos, se convirtió en una de las figuras más influyentes en la promoción de la revolución del diseño de la Bauhaus y de nuevos conceptos en los métodos de diseño. El famoso Black Mountain College que abrió en Carolina del Norte se convirtió en el principal lugar de difusión de sus ideas, y también se convirtió en una base para que los artistas de vanguardia estadounidenses se reunieran y obtuvieran inspiración.
Los detallados estudios teóricos y prácticos de Albers sobre la estructura de la percepción del color se difundieron a través de sus enseñanzas y obras y tuvieron una importante influencia en el arte abstracto estadounidense. De 1950 a 1960, dejó Black Mountain College y llegó a la Universidad de Yale para convertirse en presidente del Departamento de Arquitectura y Diseño. Durante este período inició su famosa serie de óleos y cuadros cuadrados, todos ellos denominados "Homenaje a la Plaza". Este grupo de obras lo lleva a una serie de cimas en su exploración de la reducción abstracta y la ilusión óptica. De hecho, mucho antes que Vasarely y el Grupo de Exploración de las Artes Visuales de París, Albers ya había creado una especie de pintura perceptual cinética, que transformó el constructivismo de la Bauhaus en un arte más dinámico. La serie "Homenaje a los cuadrados" que comenzó en 1959 lo vio repetir casi pictóricamente un tema que había comenzado antes, aunque de manera menos explícita, que era la superposición de cuadrados en diferentes tonos y proporciones y en diferentes variaciones de color, que atraen una atención sin precedentes. a la psicología personal y al rico contenido emocional enterrado en experiencias visuales complejas.
La Ronda de Noche (óleo, 365 cm × 438 cm, 1642, recogida en el Museo de Bellas Artes de Ámsterdam) Rembrandt (Países Bajos)
Rembrandt (1606-1669) es un gran El pintor holandés no sólo es un destacado pintor al óleo, sino también un famoso artista del grabado.
Tiene profundos logros en retratos, pintura de género, pintura de paisajes, etc., lo que le permite disfrutar de un alto estatus en la historia del arte.
Rembrandt nació en una familia de molineros en Leiden. Recibió una buena educación y fue a la universidad, pero pronto dejó la escuela para estudiar pintura. A la edad de 21 años, dominaba las habilidades básicas de la pintura al óleo y el grabado y comenzó a formar su propio estilo. Abrió un estudio en su ciudad natal y aceptó encargos. En 1631, abandonó su ciudad natal y se instaló en Ámsterdam, la ciudad más grande de los Países Bajos, y pronto se convirtió en un famoso retratista local. En 1634, su amada esposa murió de enfermedad. Más tarde, Rembrandt se casó con una criada, lo que provocó un gran descontento entre sus familiares, que difamaron su reputación y se apoderaron de sus propiedades. Pero Rembrandt no se detuvo en el arte, al contrario, los vaivenes de la vida le hicieron observar y comprender más profundamente la sociedad, y su visión artística se hizo más amplia, lo que hizo que su arte alcanzara la cima. Después de completar la famosa obra maestra "Director del Sindicato de la Industria Paño" en sus últimos años, su madrastra y su único hijo fallecieron uno tras otro. El 4 de octubre de 1669, este destacado pintor holandés finalmente falleció en extrema pobreza. Aunque sus únicas reliquias fueron herramientas de pintura y ropas raídas, dejó a la humanidad un gran número de patrimonio artístico valiosísimo (600 óleos, 1.300 grabados y unos 2.000 dibujos y bocetos).
Las pinturas de retratos representan una gran proporción del gran número de obras de Rembrandt. Sólo sus autorretratos, el número total de los conservados se estima entre 60 y 100. Su estilo pictórico se muestra de manera destacada en el uso principal de la luz para dar forma al cuerpo, expresar el espacio y resaltar puntos clave. La imagen tiene un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad, una combinación de capas ricas y reales que las generaciones posteriores lo llaman. El método de pintura de claroscuro de Rembrandt.
"La ronda de noche" es una obra maestra importante del período creativo de Rembrandt. Se trata de un retrato grupal realizado a medida en el cuartel general de la milicia en Ámsterdam, capital de Países Bajos. Respecto a esta obra, en el pasado circuló un rumor de que cuando el personalizador de esta pintura vio la obra terminada, quedó muy insatisfecho porque solo unos pocos personajes principales estaban resaltados en la pintura y muchas personas estaban pintadas en posiciones que no eran llamativas. Bastante le pidieron al pintor que modificara el cuadro, pero Rembrandt se negó. La persona que encargó la pintura demandó al tribunal por esto, pero Rembrandt perdió el caso y a partir de entonces se convirtió en un pintor impopular. Su pobre vida en la segunda mitad de su vida también está relacionada con el cuadro "La Ronda de Noche". En las últimas décadas, investigaciones realizadas por expertos de muchos países han demostrado que la afirmación anterior no es confiable. Fue creada por algunos biógrafos después de la muerte de Rembrandt para exagerar que los llamados genios a menudo no eran comprendidos por otros durante su vida. De hecho, el personalizador finalmente aceptó el cuadro "La ronda de noche" y Rembrandt también recibió el pago acordado previamente.
En cualquier caso, desde la perspectiva de la obra en sí, este grupo de retratos resulta muy creativo. El artista utilizó una técnica de expresión cercana al efecto de una escena dramática, ordenando una trama en la que un grupo de milicianos recibía la orden de prepararse para reunirse y partir para cumplir una misión, y trataba a estos milicianos de forma rítmica. Nin Kok, el líder de la milicia, está reuniendo a sus tropas, por lo que ocupa una posición destacada en la imagen y parece caminar hacia el público mientras habla con sus hombres. Algunos de los otros milicianos tocaban tambores, algunos portaban banderas, algunos limpiaban cañones de armas y algunos levantaban lanzas. Mostraron diversos comportamientos y expresiones, pero todos estaban unificados en la trama de prepararse para reunirse y partir. Toda la imagen tiene un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad, pero también tiene muchas capas, formando una composición combativa que encarna plenamente el estilo artístico único de Rembrandt. Cabe señalar que esta pintura fue pintada originalmente durante el día. Debido a la gruesa capa de barniz aplicada a esta pintura por generaciones posteriores, así como a la erosión a largo plazo y la contaminación del aire, la pintura se volvió más oscura y parecía una pintura. escena nocturna. Desde aproximadamente 1800, el título de la pintura ha sido tergiversado como "La ronda de noche".
Forma de continuidad en el espacio (escultura, altura 110,5 cm, 1913, Museo de Arte Moderno, Nueva York) Boccioni (Italia)
Umberto Boccioni (1882-1916) fue un pozo Artista leído y talentoso, importante teórico y alma del futurismo. Los dos manifiestos del futurismo: "Manifiesto sobre técnicas de pintura futurista" y "Manifiesto sobre escultura" fueron escritos por él.
Abogó por que los artistas deberían participar activamente en la civilización científica y tecnológica moderna, esforzarse por expresar estos logros en el arte y alentó a los artistas a capturar el movimiento, la vida y la velocidad de la vida moderna. En la mente de Boccioni, la expresión del movimiento es la cuestión primordial en el arte, por lo que sus obras siempre están llenas de movimiento. Boccioni fue el artista más talentoso de los futuristas, pero lamentablemente no se desarrolló plenamente en el arte. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, se alistó voluntariamente en el ejército. En 1916 murió en el frente italiano en la flor de la vida. edad de 34 años.
Boccioni se esforzó por expresar el proceso de movimiento en la escultura "Forma de continuidad en el espacio", es decir, introducir el factor tiempo en el arte plástico. Por ello creó esta obra escultórica. Este es un retrato de cuerpo entero de una persona que se mueve rápidamente, pero esta imagen no tiene rasgos faciales ni brazos. El artista conectó cada paso del movimiento de la persona para crear una nueva imagen mecánica moderna llena de movimiento. Tiene las características de la pincelada a mano alzada. Aunque no tiene rasgos faciales ni manos completos, y no es un cuerpo humano real, aún podemos sentir una especie de poder y velocidad por su dinámica. Lo que crea en la visión humana es rápido. Movimiento. Impresión de los personajes.
Diseño espacial Rietveite (Países Bajos)
En los Países Bajos, a principios del siglo XX, el movimiento De Stijl respondió al estilo artístico elegante y escultórico de la Escuela de Amsterdam, centrándose únicamente sobre la objetividad del arte, se negaron a utilizar la forma natural de los objetos y, en cambio, probaron un lenguaje artístico abstracto compuesto de líneas rectas, tres colores primarios y negro, blanco y gris. Mondrian fue uno de los miembros fundadores del grupo De Stijl y logró un modesto reconocimiento por sus pinturas. Arquitectónicamente, las líneas rectas y los planos se cruzan entre sí, recordándonos que la arquitectura representa la continuidad del espacio en lugar de límites cerrados.
El edificio que expresa más claramente las características de De Stijl fue diseñado por Rietveit (1888-1964) en 1924 junto con su clienta, la interiorista Sra. Slauder. Una casa en Utreb. Situado en un campo abierto en las afueras de la ciudad, el edificio es como un pequeño cuadro tridimensional de Mondrian, más mobiliario que edificio habitable. La forma arquitectónica se expresa claramente pero el enfoque es ligero. Cada parte se compone de superficies y líneas, que parecen vagas y esquivas, haciendo del edificio en sí una experiencia de espacio.
El Portador de Lanza (escultura, altura 198 cm, siglo V a. C., copia de época romana, colección del Museo Arqueológico de Nápoles) Peleucletos (Grecia)
Beleucus Cleitos fue uno de los Escultores más famosos de la antigua Grecia en el siglo V a.C. Era bueno representando las imágenes de jóvenes deportistas. Los materiales que utilizaba eran todos de bronce. Se dice que también escribió un libro sobre las proporciones del cuerpo humano, "Estilo Francés". Lamentablemente, ninguna de sus obras originales existe. El "portador de la lanza" aquí es retratado como un joven guerrero fuerte y enérgico, lo que refleja la admiración de los antiguos griegos por los guerreros que defendieron valientemente el país después de su victoria en la guerra greco-persa. Al mismo tiempo, también es una verificación del estudio a largo plazo realizado por el autor sobre las proporciones del cuerpo humano. Creía que la proporción ideal del cuerpo humano es 1:7, es decir, la proporción entre la cabeza y todo el cuerpo es 1:7, la proporción entre la parte superior e inferior del cuerpo dividida por el centro de gravedad cerca del ombligo es el valor aproximado de la sección áurea, 5:8, y la línea vertical del centro de gravedad del cuerpo cae por encima del pie derecho. Toda la estatua forma una composición unificada con movimientos equilibrados, pareciendo extremadamente perfecta y armoniosa.
Afrodita de Milos (escultura, altura 202 cm, siglo I a.C., colección del Museo del Louvre en París, antigua Grecia)
Esta escultura fue descubierta en el mar Egeo Las estatuas en Las cuevas de Melos son del período helenístico. El nombre romano de Afrodita era Venus. Esta diosa de la belleza y el amor se ha convertido en la representante y encarnación de toda la belleza femenina en la mitología griega y romana. Desde la aparición del famoso escultor Praxita en el siglo IV a. C., innumerables escultores han elogiado con entusiasmo a esta diosa que encarna la ternura femenina, la belleza y la eterna juventud en varios desnudos femeninos. Sin embargo, la estatua de la diosa desnuda que ha dejado la impresión más profunda en la gente hasta ahora, haciéndola sentir muy amigable, hermosa, grácil, solemne y elegante, es la Afrodita de Milos.
Aunque le faltaban los brazos, su cuerpo realista y anatómicamente impecable todavía daba a la gente una sensación de completa belleza, hasta el punto de que las copias de muchos escultores que restauraron sus brazos en generaciones posteriores quedaron eclipsadas por los originales. Esta estatua se puede admirar desde todos los lados, no importa desde qué ángulo se mire, tiene una especie de belleza unificada y variada. El rostro de la diosa tiene los rasgos típicos de las mujeres griegas: nariz recta, rostro ovalado, frente estrecha y mentón regordete. Esto simplemente muestra que los dioses griegos fueron creados por los griegos a su propia imagen. Sus ojos tranquilos y confiados y sus labios levemente sonrientes dan a las personas una sensación de reserva y sabiduría, sin ningún aire artificial de delicadeza, delicadeza o autocompasión. Ella hizo comprender la estética de los griegos hace más de dos mil años: la lucha por la unidad de la belleza exterior y la belleza espiritual. Un cuerpo regordete y una apariencia erguida y generosa reflejan juventud, aptitud y vitalidad abundante, así como educación interior y virtud. Todo ello depende de la sencillez y sencillez del escultor más que perseguir la delicadeza, pero al mismo tiempo mostrar los ricos cambios y la belleza implícita en la dinámica del cuerpo humano.
(2) Glosario de términos
Leyes y leyes de la belleza
En cierto sentido, las leyes y las leyes son consistentes, porque las leyes encarnan la belleza de las cosas. La regularidad, y la regularidad se presenta a través de leyes. La comprensión y resumen de las leyes y reglas de la belleza comenzó en la antigua Grecia, en ese momento se reflejó principalmente en la arquitectura y la escultura, y luego se expandió gradualmente a la pintura, formando las normas básicas para que las artes plásticas produjeran belleza artística y belleza formal. . En la antigua Grecia, las leyes del arte tenían tres características: (1) Se consideraba la forma de arte más perfecta y la garantía para lograr un arte perfecto (2) Se materializaba en forma de proporción y podía medirse en cantidades específicas; Rendimiento, como la proporción entre varias partes de las cosas y la proporción áurea; (3) Es flexible y se puede ajustar adecuadamente con los cambios en la estética y las necesidades visuales de las personas, pero solo hay un espacio relativo. Esta investigación proporciona una base y un medio importantes para que las artes plásticas creen su propia belleza artística y belleza formal. Los artistas pueden crear imágenes hermosas que se ajusten a la experiencia visual de las personas basándose en dichas leyes y reglas de belleza. En otras palabras, las leyes y leyes de la belleza se crean de acuerdo con las proporciones de la naturaleza y los seres humanos, y son una expresión artística de la naturaleza. Ésta es la universalidad de estas leyes y leyes. Entre ellos, la gente ha resumido reglas como cambio y unidad, contraste y armonía, simetría y equilibrio, proporción y escala, ritmo y ritmo.
Valor estético
Es decir, los atributos de valor de los objetos estéticos que pueden satisfacer las necesidades estéticas de las personas y provocar sentimientos estéticos. El valor estético se basa en la relación práctica entre las personas y los objetos. En virtud de la ley de la belleza, el poder esencial de las personas se objetiva, es decir, la propia existencia y el valor se confirman en el objeto y se obtiene el autodisfrute. Sin embargo, el concepto de valor estético se va formando paulatinamente en el proceso de desarrollo histórico, por lo que está sujeto a las características de la época, clase y nacionalidad, es decir, existen diferencias en los conceptos de valor estético en diferentes épocas, clases. y nacionalidades, por lo tanto, en la comprensión de la belleza, la diferencia está en la imaginación y la expectativa.
Cambio y Unidad
La forma avanzada de la ley de la belleza formal también se llama unidad en la diversidad y armonía. Desde la uniformidad, la simetría y el equilibrio hasta la diversidad y la unidad, es similar al hecho de que dos cosas dan lugar a una cosa, dos cosas dan lugar a tres cosas y tres cosas dan lugar a todas las cosas. La unidad del cambio encarna la ley de la unidad de los opuestos en la vida y la naturaleza. El universo entero es un todo armonioso de diversidad y unidad. "Cambio" o "diversidad" refleja la amplia variedad de personalidades de cada cosa, y "unidad" refleja la unidad o conexión general de cada cosa. La unidad en la diversidad es una característica de las cosas objetivas mismas. La forma de las cosas en sí tiene las características de tamaño, cuadrado y círculo, altura, longitud, rectitud e inclinación; la cualidad tiene las características de dureza y suavidad, espesor, resistencia, humedad y ligereza; el potencial tiene las características de velocidad; , movimiento y quietud, reunión y dispersión, altibajos, avance y retroceso, altibajos. Estos factores opuestos se unifican en cosas específicas y forman armonía. La formación de leyes diversas y unificadas es igual que cuando el ser humano crea libremente un producto complejo, que requiere la combinación orgánica de múltiples factores, ni desordenado ni monótono. La unidad de la diversidad hace que la gente se sienta rica y sencilla, vivaz y ordenada. Esta ley básica incluye factores como la simetría, el equilibrio, el contraste, la armonía, el ritmo y la proporción.
Por lo tanto, la "unidad de cambio" o la "unidad de diversidad" generalmente se consideran la ley básica de la belleza formal.
Proporción
La relación dimensional entre las distintas partes de la forma. Existen proporciones entre partes y partes, entre partes y el todo, entre las direcciones longitudinal y transversal del todo, y los cambios de tamaño y cantidad. La proporción existe en cambios moderados en tamaño y cantidad. Los cambios dimensionales moderados en cantidad pueden producir un atractivo estético; por ejemplo, la "proporción áurea" es más típica.