¿Cuál es la diferencia entre pintura al óleo y pintura a la acuarela?

La pintura al óleo se originó por primera vez en Europa. Fue inventada por los holandeses alrededor del siglo XV. El aceite de linaza se usaba para mezclar pigmentos y pintar sobre telas o tablas tratadas. Debido a que las pinturas al óleo no cambian de color después del secado. se utilizan ampliamente en diversas formas. La combinación de colores no se ensucia y los pintores pueden pintar colores ricos y realistas. Las pinturas al óleo son opacas y tienen un fuerte poder cubriente, por lo que al pintar, se pueden cubrir capa por capa de oscuro a claro para crear un efecto tridimensional en la pintura. La pintura al óleo es adecuada para crear obras maestras épicas a gran escala. Se ha convertido en el principal método de pintura en la historia de la pintura occidental. Las pinturas occidentales existentes son principalmente pinturas al óleo. La mayoría de las obras murales también se realizan utilizando pinturas al óleo y métodos creativos. A finales del siglo XIX, debido al desarrollo de la ciencia y la tecnología, se utilizaron muchos materiales nuevos en el campo de la pintura al óleo, como pinturas acrílicas, pinturas, etc.

La pintura al óleo es un tipo de pintura realizada sobre lino, cartón o tablas de madera mezclando pigmentos con óleos fáciles (aceite de linaza, aceite de amapola, aceite de nuez, etc.). Los diluyentes que se utilizan al pintar son trementina para fortalecer el cabello y aceite de linaza seco. El pigmento adherido al cuadro tiene una gran dureza y puede mantener su brillo durante mucho tiempo después de que el cuadro se seque. La pintura al óleo es el tipo principal de pintura occidental.

El desarrollo de la pintura al óleo

Las condiciones históricas en las primeras etapas del desarrollo de la pintura al óleo establecieron la tendencia realista de la pintura al óleo clásica. Durante el Renacimiento europeo del siglo XV, el pensamiento humanista se basaba en la crítica de la religión y tenía la exigencia positiva de prestar atención a la realidad social. Para deshacerse gradualmente de la creación única de clásicos cristianos, muchos pintores famosos comenzaron a pintar. Los personajes de la vida en ese momento. La observación y la representación directa de paisajes, objetos, etc. hacen que las obras de temática religiosa contengan elementos realistas y seculares obvios. Algunos pintores representan completamente las escenas reales de la vida real. Los pintores del Renacimiento heredaron los conceptos artísticos de Grecia y Roma, es decir, no solo se enfocaban en describir un determinado evento o hecho en sus obras, sino que también revelaban las causas y consecuencias del evento o hecho, formando así una técnica artística que se enfocaba en concebir tramas típicas y dar forma a imágenes típicas. Al mismo tiempo, el pintor también exploró la aplicación de la anatomía, la perspectiva en la pintura y el papel de la distribución de la luz y la oscuridad en la imagen, formando principios científicos del modelado.

El uso de la anatomía humana hace que las figuras en las pinturas tengan proporciones, formas y relaciones estructurales que son tan precisas como la realidad; el establecimiento de una perspectiva enfocada permite que las pinturas formen una ilusión de profundidad espacial a través de la composición, y los personajes de las pinturas son La escena tiene la misma experiencia visual instantánea direccional que en la realidad; el método del claroscuro unifica los objetos en la pintura bajo la luz de una fuente de luz principal, formando una jerarquía clara de cerca a lejos. El tema artístico del humanismo y la búsqueda de conceptos de modelado realistas no se pueden perfeccionar en otros tipos de pintura debido a las limitaciones de los materiales de las herramientas, y las propiedades materiales de las herramientas de pintura al óleo son adecuadas para encarnar plenamente ambos. Como resultado, las pinturas al óleo clásicas adquieren apariencias muy realistas que se han producido durante un largo período de tiempo.

La pintura al óleo clásica en su conjunto es el resultado de la aplicación simultánea y exhaustiva de varios factores en el lenguaje pictórico. Sin embargo, sobre esta base, artistas de diferentes países y diferentes épocas prestaron especial atención a uno o más. varios factores, formando diferentes estilos. Los pintores italianos durante el Renacimiento prestaron más atención al uso del claroscuro. Las partes oscuras de la escena en la pintura estaban envueltas uniformemente en sombras, y el límite entre la luz y la oscuridad mostraba una transición suave, creando un efecto concentrado y fluido. La "Madonna de las Rocas" de L. Leonardo da Vinci es un representante de este estilo. Los pintores holandeses de la misma época representaron claramente cada detalle del paisaje en la pintura. La diferencia entre los paisajes fue la diferencia de color más que la transición entre la luz y la oscuridad. El retablo de tres hojas de R. Camping "Notificación de la Concepción" fue presentado meticulosamente. Todo en interior y exterior. Tiziano en Italia fue el primer pintor que prestó especial atención a la expresividad del color en las pinturas al óleo. Pintó sobre un fondo oscuro y, a menudo, utilizó colores brillantes con brillo similar y tonos ligeramente diferentes para crear un hermoso tono dorado. A veces es grueso y a veces fino, combina orgánicamente color y forma, creando un efecto de textura.

El siglo XVII fue un período de rápido desarrollo de la pintura al óleo clásica europea. Pintores de diferentes regiones y países llevaron a cabo diferentes exploraciones en profundidad en el lenguaje de la pintura al óleo en función de sus orígenes sociales y temperamentos nacionales. Los tipos de pinturas al óleo fueron Los temas se dividen en pinturas históricas, pinturas de historias religiosas, retratos de grupo, retratos individuales, pinturas de paisajes, pinturas de bodegones, pinturas de género, etc. Las técnicas de pintura al óleo también se han enriquecido cada vez más y se han formado escuelas en varios países y regiones.

Algunas pinturas al óleo del siglo XVII enfatizaron la sensación de luz de las pinturas al óleo, utilizando el contraste de colores cálidos y fríos, el contraste de intensidad de luz y oscuridad, y el contraste de espesor y espesor para crear una sensación. de luz, formando una atmósfera dramática en la imagen.

El pintor italiano Caravaggio rompió el efecto de luz ordenado y armonioso de sus pinturas al óleo anteriores. Reforzó el contraste entre la luz y la oscuridad en la imagen, a menudo utilizando grandes áreas oscuras en el plano de fondo para resaltar las figuras brillantes en el primer plano, haciendo personas. Siento que la luz del cuadro es deslumbrante. El pintor español El Greco trató el paisaje bajo luces y sombras moteadas. No utilizó los dos aspectos de la luz y la oscuridad, sino que la distribución intermitente de la luz y la oscuridad también formó cambios continuos intermitentes, utilizando su pincelada. Los colores son dignos y se infiltran entre sí durante la extrusión. Las imágenes dan a la gente un efecto confuso, y algunas incluso están llenas de una atmósfera de misterio e inquietud. El pintor holandés Rembrandt también utilizó el sentido de la luz en sus cuadros como medio para expresar el estado mental de las personas. En una gran cantidad de retratos que realizó, los personajes aparecen envueltos en grandes zonas de oscuridad, quedando únicamente los rostros, las manos, etc. expresar expresiones. Las partes importantes muestran un brillo vívido. Usó colores tranquilos para aplicar múltiples capas delgadas en las áreas oscuras para hacerlas parecer más profundas, mientras pintaba las áreas brillantes usando capas gruesas de pintura y una técnica de color de pila de cuchillos para crear una sensación de volumen pesado.

Al mismo tiempo, muchos pintores también se centraron en explorar el uso de la pincelada. Las pinceladas son rastros del movimiento de un pincel al óleo con pigmento sobre el lienzo. En las primeras pinturas al óleo, el grosor de la capa de pintura en cada parte de toda la pintura era relativamente consistente y las pinceladas se aplicaban uniformemente, casi sin pinceladas visibles. . Los pintores del siglo XVII notaron que el movimiento de las pinceladas estaba impulsado por el estado de ánimo y el ritmo emocional durante la creación. Al pintar, los pintores pueden producir emociones que controlan el movimiento de las pinceladas: la ligereza, el peso, la lentitud, la urgencia y la dirección del movimiento. Las pinceladas no solo hacen que la imagen que se crea muestre viveza, sino que las pinceladas en sí mismas también tienen expresión artística.

El pintor flamenco P.P. Rubens utilizó pinceles grandes bañados en colores finos y brillantes para pintar en muchas obras de gran formato. Utilizó el pincel según la forma de los personajes, dejando líneas libres y desenfrenadas, en su mayoría curvas. Las pinceladas crean fuertes movimientos del cuerpo y conflictos dramáticos de la trama. El pintor holandés F. Hals utiliza pinceladas ligeras y flexibles para representar retratos, dándoles una sensación de viveza que conserva el espíritu de los personajes, complementando su tendencia a expresar personajes heroicos y optimistas. Otro pintor holandés, J. Vermeer, es bueno retratando figuras de interior con pinceladas finas y redondas que parecen perlas, dando al cuadro una atmósfera tranquila y cálida. El desarrollo de la pintura al óleo tuvo nuevas tendencias en el siglo XIX, principalmente el cambio de colores de la pintura al óleo. El pintor británico J. Constable fue el primero en utilizar directamente pinturas al óleo para dibujar al aire libre y obtener una rica experiencia de color. Utilizó pequeñas pinceladas para yuxtaponer colores en áreas locales y mezclarlos en bloques de colores más brillantes. La imagen es más brillante que el clásico marrón. tonos.muchos. El principio de complementariedad de los colores (el principio de que los colores en los dos polos de la rueda cromática pueden realzar el brillo y la intensidad de cada uno cuando se yuxtaponen) fue reconocido científicamente más tarde, pero Constable obtuvo el principio de colores complementarios de forma perceptiva basándose en su observación de la naturaleza. , y en Parcialmente utilizado en la práctica. Sus obras inspiraron al pintor francés E. Delacroix. Delacroix utilizó ideas románticas para dominar sus creaciones y creó grandes pinturas temáticas basadas en acontecimientos históricos de esa época. Aplicó más la relación de color complementario a la expresión cromática de la creación y utilizó pinceladas activas para formar contrastes de color en muchas partes de la imagen, realzando el brillo y la magnificencia de los colores, formando un estilo que conmocionó al mundo de la pintura en ese momento. Muchos pintores de la Escuela de Barbizon en Francia dibujaron paisajes bajo diferentes condiciones climáticas naturales. Reconocieron la relación entre el color de la fuente de luz, el color inherente y el color ambiental de la escena, y se dieron cuenta de que el tono del color puede reflejar el tiempo, el entorno, la atmósfera y las luces. el tema artístico. , que constituye el gran significado de la concepción artística y el estado de ánimo del cuadro. Sus numerosas creaciones paisajísticas representan atmósferas cromáticas específicas, como el viento, la lluvia, la mañana y el atardecer en la naturaleza. Sobre esta base, los pintores impresionistas franceses hicieron contribuciones innovadoras en el uso del color. Absorbieron los logros de la óptica y la química del teñido, y resolvieron los problemas de color de las pinturas al óleo con el principio de mezcla de colores y luces. Pintores como C. Monet y A. Sisley capturaron la impresión instantánea de color dada por los cambios de luz en la superficie de una escena al aire libre y yuxtapusieron colores contrastantes con pinceladas finas y gruesas. Se dieron cuenta de que las partes oscuras o las sombras no son cambios. en tonos de negro, cambió el método tradicional de pintar partes oscuras con un solo color armonizado y también usó puntos de color para yuxtaponer partes oscuras y partes sombreadas. Debido al efecto de la fisiología visual, los puntos de color yuxtapuestos aparecen como bloques de color transparentes con una tendencia al frío y al calor desde cierta distancia, formando una transición sutil. El impresionismo diluyó el volumen del paisaje y fortaleció el factor color. Ya no dependía de la luz, las sombras y las líneas para formar una sensación de distancia espacial, sino que se basaba en el principio de reflexión de la luz del color, utilizando colores fríos y cálidos para formar el espacio. . Las obras impresionistas eran brillantes y vívidas sin precedentes, lo que demostraba que el color tenía un poder tanto integral como puramente expresivo.

En el siglo XIX, la pintura al óleo europea surgió como una escuela con propuestas artísticas claras, aunque se reflejaba principalmente en la temática y el contenido artístico, las técnicas de la pintura al óleo también tenían características propias. Por ejemplo, el neoclasicismo se centra en el rigor y la solidez del modelado de objetos en las pinturas al óleo, lo que está en consonancia con las reglas de modelado de la tradición clásica. El romanticismo se centra en el tema de la tragedia y se esfuerza por crear una sensación de tensión en la trama; el color, los factores de la pincelada y las líneas en movimiento en la composición; Los Prefaelitas se centraron en la expresión de las emociones psicológicas de los personajes de las pinturas. La mayoría de las pinturas utilizaron tonos azules, morados y verdes para crear una concepción artística sentimental y tranquila... Aunque la apariencia de las pinturas al óleo modernas ha sido relativamente rica, todas tienen las características generales del realismo. Todas se expresan de la siguiente manera: una pintura al óleo es una unidad de formas artísticas. El tono principal de color unifica los colores de cada parte. los colores locales son Los degradados de transición forman una relación armoniosa entre sí, y no hay bloques de color aislados, las pinceladas se utilizan básicamente para dar forma a la imagen, el grado de exposición es limitado y están unificados en una. cierta tendencia ordenada, ya sea larga o corta. Los objetos representados se unifican en la composición del foco central, formando un efecto isomórfico al campo de visión real;

Desde finales del siglo XIX, la pintura al óleo occidental ha experimentado cambios fundamentales. Las funciones artísticas relativamente estrechas y las técnicas realistas integradas de la pintura al óleo tradicional han alcanzado un alto grado de saturación en sus propios sistemas y, por lo tanto, tienden a desintegrarse en medio de cambios en los conceptos filosóficos y artísticos. La pintura al óleo ya no sigue el principio de imitar y reproducir la naturaleza. La imagen artística de la pintura al óleo construida libremente por el artista se considera la nueva realidad. Los artistas ya no representan la naturaleza fielmente a través de la pintura al óleo, sino que utilizan la pintura al óleo como medio para expresar su propio mundo espiritual y emocional, construyendo obras a través de la imaginación, la fantasía y otros métodos. Tres pintores posteriores a los impresionistas fueron los primeros en abandonar el modo tradicional de pintar al óleo. V. Van Gogh utilizó pinceladas rápidas y desenfrenadas para llenar los colores gruesos y brillantes con una fuerte sensación de fuerza, expresando su inquietud emocional interior. P. Gauguin utiliza colores y formas simbólicas para componer el cuadro. El espacio de la obra es contrario a la forma tradicional y tiene una atmósfera misteriosa y no descriptiva. P. Cezanne exploró el uso de formas geométricas para formar imágenes artísticas, creando una imagen que es un mundo rico en su propio orden. Sus obras se convirtieron en símbolos de los dramáticos cambios en la apariencia de la pintura al óleo.

En la pintura al óleo del siglo XX, diferentes conceptos artísticos formaron diferentes escuelas y restringieron la forma de arte para mostrar diversas tendencias. Ciertos factores en las técnicas tradicionales de pintura al óleo a menudo se fortalecen como expresión formal de conceptos artísticos. hasta el extremo, se valora mucho el lenguaje formal de la pintura al óleo. Por ejemplo: el cubismo, que ignora el color y se centra principalmente en la construcción libre de formas; el fauvismo, que se centra en el efecto equilibrado en un estado fuerte del color; el expresionismo, que expresa una psicología distorsionada mediante el uso desordenado de colores y pinceladas; con puntos, líneas y superficies de color El abstraccionismo de la pintura y el expresionismo abstracto de arrojar, salpicar y gotear pintura al azar sobre el lienzo. En los últimos cien años, ha habido muchas escuelas de pintura al óleo moderna en Occidente, y han cambiado una tras otra, siempre que se utilicen herramientas y materiales de pintura al óleo como medio de modelado, los artistas pueden crear cualquier apariencia de pintura al óleo. Con la continua expansión de los conceptos artísticos, los materiales de la pintura al óleo se han combinado con otros materiales, dando como resultado un arte integral que no pertenece a un tipo de pintura específico. Por lo tanto, la pintura al óleo también ha tendido a perder su estatus como tipo de pintura importante en el mundo. Oeste.

Materiales y herramientas

Utiliza aceite vegetal transparente para mezclar pigmentos y crear imágenes artísticas sobre tela, papel, tablas de madera y otros materiales que se hayan utilizado como base. Se originó y desarrolló en Europa y se convirtió en un género pictórico importante en todo el mundo en los tiempos modernos. La pintura al temple, que apareció en la pintura europea antes del siglo XV, fue la predecesora de la pintura al óleo. Mientras usaban pintura al temple, muchos pintores continuaron buscando combinaciones más ideales. Generalmente se cree que los pintores holandeses hermanos Van Eyck de principios del siglo XV fueron los fundadores de las técnicas de pintura al óleo. Basándose en los intentos de sus predecesores de disolver pigmentos con aceite, utilizaron aceite de linaza y aceite de nuez como agentes mezcladores para pintar, lo que resultó en pinceladas suaves al pintar. La pintura tardó un tiempo moderado en secarse sobre la pintura, lo que la hizo. Es fácil de cubrir y modificar varias veces durante el proceso de pintura, formando niveles de color ricos y brillo, los pigmentos tienen una fuerte adherencia después del secado y no son fáciles de pelar ni decolorar. Utilizaron nuevos materiales de pintura al óleo para crear obras, lo que fue muy influyente en el mundo de la pintura en ese momento. La tecnología de la pintura al óleo pronto se extendió a otros países de Europa occidental, especialmente a Venecia, Italia, donde se desarrolló rápidamente.

Los principales materiales y herramientas para la pintura al óleo incluyen pintura, pinceles, cuchillos de dibujo, lienzos, barnices, marcos exteriores, etc.

① Los pigmentos se dividen en dos categorías: minerales y de síntesis química. Los pigmentos iniciales eran en su mayoría pigmentos minerales, que se molían a mano hasta obtener un polvo fino y luego se mezclaban antes de pintar. En los tiempos modernos, las fábricas los producen en lotes y los colocan en tubos de estaño, y los tipos de pigmentos también están aumentando.

El rendimiento de los pigmentos está relacionado con los componentes químicos que contienen. Al mezclar colores, las reacciones químicas pueden provocar reacciones adversas entre algunos pigmentos. Por lo tanto, dominar las propiedades de los pigmentos te ayudará a dar rienda suelta a tus habilidades para pintar al óleo y hacer que los colores de tus obras permanezcan sin cambios durante mucho tiempo.

② Los pinceles están hechos de pelo de animal con una elasticidad moderada y vienen en formas redondas con bordes afilados, planas con bordes planos, planas con bordes cortos y en forma de abanico.

③ La espátula para pintar, también conocida como espátula, está hecha de láminas de acero delgadas y elásticas. Hay formas puntiagudas y redondas. Se usa para mezclar pintura de manera uniforme en la paleta. Con un cuchillo en lugar de un bolígrafo, puedes pintar directamente con el cuchillo o formar parcialmente capas de pintura y textura en el lienzo para aumentar tu poder expresivo.

④ El lienzo, un lienzo estándar, se fabrica tensando lino o lienzo sobre un marco interior de madera, luego mezclando pegamento o aceite con polvo blanco y pintándolo sobre la superficie de la tela. Generalmente, se convierte en una base que no absorbe aceite y tiene un cierto efecto de textura, o se puede convertir en una base semi-absorbente de aceite o completamente absorbente de aceite según las necesidades creativas. El grosor del patrón de tela depende del tamaño de la pintura y también se selecciona en función de las necesidades del efecto de la pintura. Algunos pintores utilizan lienzos que han sido pintados con un color de fondo, que puede formar fácilmente un tono unificado de la imagen, y el color de fondo puede revelarse sin darse cuenta al pintar. Después de la imprimación, en lugar de lienzo también se puede utilizar madera o cartón que no absorba aceite.

⑤ El barniz generalmente se aplica después de completar y secar la pintura al óleo para mantener el brillo de la imagen y evitar la erosión del aire y la acumulación de suciedad.

⑥ Marco exterior. Una pintura al óleo completa incluye un marco exterior, especialmente una pintura al óleo muy realista. El marco exterior forma el límite del campo de visión de la obra del espectador, haciendo que la imagen parezca completa y concentrada. La imagen del objeto se desarrolla en profundidad en la percepción del espectador. El grosor y tamaño del marco dependen del contenido de la obra. Los marcos exteriores de las pinturas al óleo clásicas están hechos en su mayoría de madera y yeso, mientras que los marcos exteriores de las pinturas al óleo modernas están hechos en su mayoría de materiales metálicos como la aleación de aluminio.

Técnicas de pintura al óleo

Las limitaciones de las herramientas y materiales de la pintura al óleo conducen a la complejidad de las técnicas de pintura al óleo. A lo largo de los siglos, los artistas han creado una variedad de técnicas de pintura al óleo en la práctica para resaltar todo el efecto expresivo de los materiales de pintura al óleo. Las principales técnicas de pintura al óleo son:

① Método de coloración transparente, es decir, el uso de pigmentos que no agregan blanco sino que solo se diluyen con una mezcla de aceite para crear representaciones de múltiples capas. La siguiente capa de color debe pintarse después de que cada capa esté completamente seca. Dado que el color de cada capa es más fino, el color de la capa inferior puede revelarse vagamente, formando un cambio sutil de tono con el color de la capa superior. Por ejemplo, aplicar un azul constante sobre una capa de color rojo oscuro producirá un rico efecto de azul a púrpura, es decir, frío pero cálido. Este es a menudo un tono que no se puede resaltar en la paleta. Este método de pintura es adecuado para expresar la textura y el grosor de los objetos. Puede representar de manera especialmente vívida los delicados cambios de color de la piel de los personajes, haciendo que la gente sienta que la sangre fluye debajo de la piel. Sus desventajas son que la gama de colores es estrecha, el proceso de producción es meticuloso, lleva mucho tiempo completar la obra y no es fácil expresar las emociones inmediatas de creación artística del artista.

② Método de coloración opaca, también llamado método de coloración multinivel. Al pintar, primero use un solo color para dibujar la apariencia general del cuerpo y luego use varias capas de color para darle forma. Las partes oscuras a menudo se pintan más finas, mientras que los tonos medios y las partes brillantes se pintan de manera espesa capa por capa. cubriéndolos o dejándolos formando un bloque de color contrastante. Los diferentes espesores revelan el rico encanto y la textura de los colores. No existe una distinción estricta entre los dos métodos de pintura, transparente y opaco, y los pintores suelen utilizar ambos en una sola pintura. Al expresar objetos en partes oscuras o sombras, el método de superposición transparente puede producir una sensación estable y profunda de volumen y espacio; el método de superposición opaca puede dar forma fácilmente a formas fuera de las partes oscuras y aumentar la saturación de color de la imagen. La mayoría de los pintores anteriores al siglo XIX utilizaban estos dos métodos de pintura. La producción de las obras generalmente llevaba mucho tiempo. Algunos pintaban una capa y la dejaban durante mucho tiempo, esperando que la capa de color se secara por completo antes de pintar.

③ Método de coloración opaca de una sola vez, también llamado método de coloración directa. Es decir, después de dibujar el contorno del objeto en el lienzo, los colores se colocan según la sensación de color del objeto o la concepción del color de la imagen. Básicamente, la pintura se completa al mismo tiempo. Se raspa con una espátula y luego se continúa coloreando. En este método de pintura, la pintura utilizada en cada trazo es relativamente espesa, la saturación del color es alta y las pinceladas son más claras, lo que facilita expresar los sentimientos vívidos al pintar. Muchos pintores después de mediados del siglo XIX adoptaron principalmente este método de pintura. Para lograr el efecto de una capa de color completo después de una coloración, es necesario prestar atención a la aplicación de pinceladas, es decir, el método de recubrimiento. Los métodos de recubrimiento comúnmente utilizados se dividen en recubrimiento plano, recubrimiento suelto y recubrimiento grueso. .

La pintura plana consiste en utilizar trazos uniformes y de fuerza unidireccional para pintar una gran área de color, que es adecuada para dar forma a formas estáticas en una composición estable y suelta, se refiere al uso del pincel de acuerdo con la tendencia de giro natural; la forma pintada y los trazos son relativamente sueltos y flexibles; el empaste es una gruesa pila de pintura en su totalidad o en parte, que a veces forma capas de color o bloques de color de hasta varios milímetros, lo que hace que la pintura muestre el interés de la textura y fortalece la imagen.

Como lenguaje artístico, la pintura al óleo incluye muchos factores de modelado como el color, la luz y la sombra, las líneas, la textura, las pinceladas, la textura, la percepción de la luz, el espacio, la composición, etc. El papel de las técnicas de pintura al óleo es Para integrar varios factores de modelado, ya sea localmente o centrándose en un solo elemento, las propiedades de los materiales de pintura al óleo brindan plenamente la posibilidad de utilizar técnicas de pintura al óleo en un plano bidimensional. El proceso de producción de pintura al óleo es un proceso creativo en el que el artista controla consciente y hábilmente los materiales de pintura al óleo, selecciona y utiliza técnicas que pueden expresar ideas artísticas y formar imágenes artísticas. Las pinturas al óleo no sólo expresan el contenido ideológico dado por el artista, sino que también demuestran el lenguaje único de la pintura al óleo. El proceso de desarrollo de la pintura al óleo ha pasado por varios períodos: las pinturas al óleo clásicas, modernas y modernas están controladas por el. Ideas y técnicas artísticas de la época, mostrando una mirada diferente.

Técnicas y métodos de pintura

Frustración

La frustración es un método de colorear con la raíz del pincel al óleo. Después de presionar el bolígrafo por un tiempo, frustra y. luego levántelo, como Los trazos de caligrafía son vigorosos y fuertes. La diferencia de color entre la punta y la base del bolígrafo, así como el diferente peso y dirección del bolígrafo, pueden producir una variedad de cambios e intereses.

Embalaje

La técnica de sumergir un pincel ancho para óleo o un bolígrafo en forma de abanico en el color y luego golpear ligeramente la pintura se llama pai. El disparo puede producir una cierta textura ondulada, que no es ni muy obvia ni demasiado simple. También puede procesar pinceladas o colores que originalmente eran demasiado fuertes para debilitarlos.

Amasar

Amasar se refiere al método de combinar directamente dos o varios colores diferentes en la imagen con un bolígrafo. Después de combinar los colores, se producirán cambios mezclados naturales, obteniendo cambios sutiles y suaves. Los colores brillantes y los contrastes claros y oscuros también pueden influir en la transición.

Línea

Línea se refiere a la línea dibujada con un bolígrafo. Los contornos de la pintura al óleo generalmente usan hilos puntiagudos suaves, pero en diferentes estilos, cabeza redonda, forma correcta y antigua. El bolígrafo plano puede. También dibuja líneas gruesas similares al centro fuerte de un libro. Tanto las pinturas orientales como las occidentales utilizan el modelado de líneas al principio. Las primeras pinturas al óleo suelen comenzar con contornos de líneas precisos y rigurosos. En la técnica del temple, la disposición de las líneas es el principal medio para formar luces y sombras. Sólo más tarde las pinturas al óleo occidentales evolucionaron para centrarse en la luz, las sombras y las cabezas del cuerpo, pero a pesar de esto, el elemento de la línea central de las pinturas al óleo nunca ha desaparecido. Esbelta y atrevida. El uso de varias líneas, limpias o casuales, así como el entrelazado y superposición repetidos, enriquece el lenguaje de la pintura al óleo, y el procesamiento de bordes de diferentes formas es aún más importante. El uso de líneas en las pinturas orientales también ha influido en los estilos de muchos maestros occidentales modernos, como Matisse, Van Gogh, Picasso, Miro y Klee, etc., todos ellos maestros en el uso de líneas.

Barrido

El barrido se utiliza a menudo para conectar dos bloques de color adyacentes para hacerlos menos rígidos. Esto se puede lograr barriendo ligeramente con un bolígrafo limpio en forma de abanico mientras el color aún está. mojado. También puedes usar un bolígrafo para aplicar otro color encima del color subyacente para crear un efecto de color suelto, pero no graso, de arriba a abajo.

Estampado

Se refiere a utilizar un pincel de cerdas duras humedecido en color y luego estampar la pintura verticalmente sobre el cuadro con la cabeza del pincel. El método de pisar fuerte no se usa con mucha frecuencia y generalmente solo se usa cuando el área local requiere una textura especial.

Material en emulsión

El material en emulsión es un excelente material tradicional con una larga historia y ha ganado un nuevo desarrollo en los tiempos modernos. Los materiales tipo emulsión son materiales híbridos que contienen componentes a base de agua y de aceite, y tienen las ventajas de ambos. A la serie de emulsiones pertenecen diversos materiales de pintura al temple, como temple, pintura de queso y ceras. Los materiales en emulsión se pueden diluir con agua y secar rápidamente, de manera similar a los materiales a base de agua, se pueden usar como recubrimientos gruesos opacos, son insolubles en agua después del secado y tienen las ventajas de los materiales aceitosos. Varios pigmentos sintéticos acrílicos y vinílicos modernos no solo conservan las características de los materiales en emulsión tradicionales, sino que también tienen las ventajas de los materiales aceitosos y tienen efectos que no pueden ser reemplazados por otros materiales. Son materiales nuevos con grandes perspectivas de desarrollo.

Materiales a base de óleo

El principal tipo de pintura que utiliza materiales a base de óleo y resinas naturales como soporte pictórico es la pintura al óleo, que evolucionó a partir de materiales de tipo emulsión como la témpera tradicional. y claras de huevo rellenas. Los materiales a base de aceite se caracterizan por su secado lento, su brillo y la capacidad de aplicar capas gruesas y repetibles. Los materiales a base de aceite tienen un fuerte poder expresivo y ricos efectos técnicos. Se puede decir que casi abarca las características técnicas de todos los demás materiales y tipos de pintura.

Las características de los materiales aceitosos permiten una representación profunda y sutil de la forma de los objetos, y pueden expresar relaciones de color ricas y realistas de los objetos, cumpliendo así con el deseo de la gente de reproducir la realidad visual desde el siglo XIV y promoviendo el desarrollo de la pintura occidental. hacia el realismo. Desde su nacimiento, la pintura al óleo ha ocupado una posición dominante en el mundo de la pintura occidental y se ha desarrollado en todo el mundo, lo que también demuestra la superioridad de los materiales a base de óleo. La transición de materiales a base de agua a materiales a base de aceite es un largo proceso de transformación que ha durado casi miles de años y supone un gran avance en las técnicas de los materiales pictóricos e incluso en la historia del arte. El uso de óleo y resina es una de las características importantes que distinguen los materiales y técnicas de pintura occidentales de los materiales y técnicas de pintura orientales.

Tirar

Tirar se refiere a la necesidad de dibujar líneas fuertes y bordes de objetos en pinturas al óleo, como espadas o los lados de un vidrio. En este caso, puedes utilizar un dibujo. cuchillo para ajustar el color Utilice el lado de la hoja del cuchillo para dibujar líneas de color o planos de color en la pintura. Las formas dibujadas con el cuchillo son sólidas y definidas, lo que es difícil de lograr con un pincel u otros métodos.

Frotar

Frotar consiste en colocar el pincel en posición horizontal y frotar la pintura con la panza del pincel. Habitualmente al limpiar se utiliza menos color y se aplica sobre una zona amplia. Puede formar pinceladas menos obvias, también es un método común para establecer el color base. Usar trazos sobre el fondo seco o la textura ondulada puede crear un efecto blanqueador similar a la pintura tradicional china, haciendo que la textura subyacente sea más obvia.

俑

Usando la parte inferior de un cuchillo para presionar suavemente la capa de color húmeda y luego levantarla, la superficie de color producirá una textura especial. En algunos lugares donde es necesario representar una textura especial, se puede utilizar la técnica de supresión para lograr el efecto deseado.

Materiales a base de agua

Los primeros pigmentos utilizados por el ser humano fueron principalmente materiales solubles en agua. En las primeras pinturas, era muy natural utilizar sustancias naturales como agua, goma o pegamento animal como diluyentes y aglutinantes para las pinturas. Son fáciles de obtener y de usar. Esto es común en las primeras pinturas orientales y occidentales. Los pigmentos de acuarela y gouache actuales son todos medios a base de agua. Sus técnicas de expresión son libres y suaves, y pueden producir efectos de luz y transparencia. También son los principales tipos de materiales para pinturas orientales como las pinturas chinas y japonesas.

Materiales para pintar al óleo

Los materiales para pintar al óleo se pueden dividir en tres categorías: materiales base, pinturas al óleo y materiales medios. El material base se refiere al material de soporte y al revestimiento base que soporta la capa de pintura. La pintura al óleo es el material principal que expresa directamente los efectos de color y textura de la pintura al pintar. Los materiales medios son diversos diluyentes, aglutinantes y abrillantadores que se utilizan para ajustar las propiedades de los pigmentos y combinarlos con los materiales base.

El método de albañilería consiste en utilizar un cuchillo en lugar de un pincel para aplicar color al lienzo como un albañil usa una llana para anillar el yeso, dejando marcas directas del cuchillo. El método de albañilería puede tener diferentes espesores y cambios de espesor, y el tamaño y la forma del cuchillo y la dirección de uso del cuchillo también producirán ricos contrastes. Utilice una espátula para mezclar diferentes colores sin mezclarlos excesivamente. Deje que se mezclen naturalmente en la pintura para crear relaciones de color sutiles. Las capas de color que tienen demasiadas ondulaciones también se pueden nivelar con ladrillos. Si el método de albañilería se usa correctamente, tendrá una fuerte sensación de dar forma

Scribe

Scribe se refiere al uso de la hoja de un cuchillo de pintura para tallar líneas y formas negativas en el color húmedo A veces puede revelar el color subyacente. Diferentes espátulas pueden producir diferentes tonos y espesores, y los trazos del pincel y la técnica afilada de la espátula pueden producir cambios de textura ondulantes en la superficie de color de puntos, líneas y superficies.

Punto

El método de puntear comienza desde el punto, y todas las técnicas de escritura comienzan desde el punto. Ya en la técnica clásica de la tempera, el puntillismo es una técnica importante para expresar niveles. Las pinceladas de puntos también se utilizan en las obras de Vermeer para expresar el parpadeo de la luz y la textura de los objetos. El puntillismo se convirtió en una de las características básicas del impresionismo, pero el puntillismo de Monet, Renoir y Pissarro tuvo cada uno cambios y personalidades diferentes. El neoimpresionismo llegó al extremo y utilizó mecánicamente los puntos como única pincelada. En las pinturas al óleo realistas modernas, la densidad de los puntos también se utiliza para crear niveles de luz y oscuridad, lo que puede crear una transición definida pero no rígida. El método de puntos puede producir ricos contrastes cuando se combina con líneas y superficies en un método de pintura integral. Los pinceles al óleo de diferentes formas y texturas pueden producir diferentes trazos en forma de puntos, que pueden desempeñar un papel único en la expresión de la textura de ciertos objetos.

Raspado

El raspado es el uso básico de un cuchillo para pintar al óleo. El método de raspado consiste generalmente en utilizar la cuchilla para raspar las partes insatisfactorias de la pintura. cuchillo para raspar detalles innecesarios o debilitar la relación que es demasiado fuerte y relajar la relación tensa en la imagen.

Para trabajos de larga duración, al final del día, a menudo es necesario raspar el color de la parte pintada con un cuchillo para secarla a tiempo y luego continuar pintando al día siguiente. Después de que el color se seque, también puedes usar una espátula o una navaja para suavizar las áreas irregulares. También puedes raspar la capa de color húmeda con un cuchillo para exponer el color base y revelar varias texturas.

Pintura

Si el puntillismo y el delineado son los medios para formar puntos y líneas en las pinturas al óleo, entonces la pintura es el método principal para formar el cuerpo de las pinturas al óleo, es decir, la superficie. . Los métodos de pintura incluyen revestimiento plano, revestimiento grueso, revestimiento fino, etc. El método del puntillismo impresionista también se denomina revestimiento suelto. La pintura plana es el método principal para pintar grandes áreas de color, e incluso la pintura plana también es una técnica común para la pintura al óleo decorativa. El empaste es una de las principales características de la pintura al óleo que la distingue de otros tipos de pintura. Puede hacer que la pintura tenga cierto espesor y dejar trazos evidentes para formar textura. Usar un cuchillo de pintura para raspar pintura extremadamente espesa o exprimir la pintura directamente sobre el lienzo se puede llamar revestimiento de pelo. Bo Xu consiste en diluir el color con aceite y luego aplicarlo en una capa fina sobre la pintura, lo que puede producir un efecto transparente o translúcido. La pintura dispersa utiliza un bolígrafo flexible y vívido. El método de aplicación combinado con amasar y barrer también se denomina aplicación de difuminado.

Péndulo

Poner pintura directamente sobre el lienzo sin realizar más cambios se llama péndulo es también una de las técnicas básicas de pincelada de la pintura al óleo. El método del péndulo se utiliza a menudo al principio y al final de la pintura al óleo. Utiliza colores más precisos y pinceladas precisas para encontrar la relación entre el color y la forma. A menudo, sólo unos pocos trazos en puntos clave pueden cambiar la imagen. Debería tener una imagen clara antes de comenzar. Funcionó. Frotar consiste en colocar el pincel en posición horizontal y usar la parte inferior del pincel para frotar la pintura. Por lo general, al limpiar, use menos color y aplíquelo sobre un área grande, lo que puede formar pinceladas menos obvias. estableciendo el color base. Usar trazos sobre el fondo seco o la textura ondulada puede crear un efecto blanqueador similar a la pintura tradicional china, haciendo que la textura subyacente sea más obvia.

La “pintura con acuarela”, como su nombre indica, es un método de pintura utilizando agua como medio para mezclar pigmentos. Tiene dos características básicas: una es la transparencia de la propia pintura; la otra es la fluidez del agua durante el proceso de pintura. Esto hace que la pintura con acuarela se diferencie de otros tipos de pintura en términos de apariencia y técnicas creativas. La transparencia del pigmento confiere a las acuarelas un efecto de superficie clara, mientras que la fluidez del agua crea una atmósfera goteante, natural y libre.

Origen y proceso de desarrollo:

El ser humano lleva 3.500 años escribiendo e ilustrando libros. Inicialmente, la gente descubrió una planta fibrosa llamada papiro a lo largo del río Nilo en Egipto. Su corteza de tallo podía usarse para escribir y dibujar, y para hacer pergaminos sobre ciencia, historia, brujería y religión. Otro uso importante de estos pergaminos era como entierro, acompañando al difunto al otro mundo, y las palabras que contenían les ayudaban a explicar los hechos de su vida a Osiris, el dios del inframundo. Las imágenes del pergamino se denominaron más tarde pinturas en miniatura y todas estaban pintadas en colores transparentes. El amarillo terroso y el ocre se toman del suelo; el rojo se toma de los minerales de cinabrio; la azurita es azul, el verde piedra es verde, el caqui es amarillo y la goma laca es naranja, el negro está hecho de carbón de sauce y el blanco está hecho de tiza. Estos colorantes se mezclan con goma arábiga y clara de huevo y luego se diluyen con agua antes de su uso. Eso es acuarela en pocas palabras.

Mil años después, alrededor del 170 a.C., el rey Eumenes II de Pérgamo fue el primero en utilizar el pergamino. Este nuevo material de escritura se fabricó tratando la piel de oveja con cal, cortando la lana y luego suavizándola con piedra pómez. Estas pieles de oveja se encuadernaron en pequeños libros, llamados manuscritos, y luego se encuadernaron en volúmenes para convertirse en clásicos de la piel de oveja transmitidos a las generaciones futuras. Desde entonces, los manuscritos se escriben sobre pergamino.

En el siglo IX d.C., la mayoría de las pinturas en miniatura, ya sea en Grecia, Roma, Siria o Bizancio, estaban pintadas con una acuarela opaca mezclada con blanco de plomo. En esta época, era la dinastía carolingia de Carlomagno. Carlomagno puso gran énfasis en la creación de manuscritos y convocó a muchos grandes pintores que alternaban entre acuarelas transparentes y opacas. Este uso mixto continuó hasta finales de la Edad Media e incluso hasta el Renacimiento, cuando la acuarela se usaba comúnmente en la pintura en miniatura. De hecho, estos son los prototipos de la pintura con acuarela.

El alcance de la pintura con acuarela se puede extender a los pergaminos de los antiguos egipcios, las exóticas pinturas en miniatura de los persas y las ilustraciones de los manuscritos bíblicos medievales europeos, así como a las telas tradicionales chinas en las ruinas del pueblo Gu. tumbas en los suburbios orientales de Luoyang en la antigua mi patria. Los restos de cortinas pintadas de calidad se remontan incluso a las pinturas rupestres de Altamira y Lascauxl en tiempos prehistóricos.

Aunque muchos humanos antiguos usaban pinturas y resinas mezcladas con agua como herramientas para registrar los asuntos triviales de sus vidas y transmitir su civilización social, con el paso del tiempo y la acumulación de conocimientos, el auge de la pintura con acuarela en Europa en el siglo XVIII. y el siglo XIX, especialmente en Gran Bretaña Los fructíferos logros creados por los esfuerzos de muchos acuarelistas, desde entonces, la pintura con acuarela se ha vuelto gradualmente más perfecta. A finales del siglo XIX se desarrolló la pintura con acuarela