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1. La formación y desarrollo de las narrativas cinematográficas clásicas de Hollywood
Hay varias formas de definir "Hollywood": la más amplia se refiere a la industria cinematográfica estadounidense, que incluye diferentes ciudades, diferentes grandes. empresas de producción y distribución de películas a escala; "Hollywood" en un sentido estricto se refiere a las empresas "Seven Big Steel" (comúnmente conocidas como "estudios convencionales", incluidas Time Warner, Disney, Fox, Paramount, Universal, Columbia y MGM) El concepto geográfico de "Hollywood" se refiere a una ciudad en la gran ciudad de Los Ángeles. Hay un enorme "Hollywoodland" (Hollywoodland) en la ladera, pero sólo un estudio de cine convencional, Paramount, está ubicado en la ciudad.
Mirando las coordenadas temporales, "Hollywood" comenzó alrededor de 1904, y la forma narrativa (película dramática) se convirtió en la forma más destacada e importante de la industria cinematográfica. En ese momento, Hollywood comenzó a convertirse en una fuerza poderosa en la industria cinematográfica mundial. 1908-1927 es la etapa de desarrollo de las películas clásicas de Hollywood. Alrededor de 1910, muchas compañías cinematográficas comenzaron a mudarse a un pequeño pueblo de Los Ángeles, California, y Hollywood se convirtió en el principal lugar de reunión de las compañías cinematográficas. En los diez años transcurridos hasta 1920, muchas pequeñas empresas se fusionaron gradualmente en algunas grandes empresas. En los estudios de este sistema de producción en masa, las películas estadounidenses comenzaron a formar una producción cinematográfica completamente inclinada a la forma narrativa. Edwin Bott, director de Edison Company, fue el primer director en utilizar los principios de coherencia y desarrollo narrativo para hacer películas (en comparación con las primeras películas de comedia de vodevil, que eran películas narrativas preclásicas). La película de Bout "La vida de un bombero americano" (1903), en la que vemos a una madre y su hijo siendo rescatados por los bomberos dos veces, una desde el interior de la casa y otra desde el exterior. Aunque la película utilizó algunos elementos narrativos clásicos importantes (como la premonición de un incendio por parte de un bombero y una serie de planos de camiones de bomberos dirigiéndose al lugar con sirenas), Bout no se dio cuenta en ese momento de cómo utilizar los dos planos. para transmitir una historia completa y una trama a la audiencia.
La otra película de Butter, "El gran robo del tren" (1903), puede considerarse el prototipo de las películas clásicas de Hollywood. El desarrollo de la trama ya tiene pistas claras en tiempo, espacio y lógica. Desde el inicio del robo hasta la aniquilación final de los ladrones, el público puede ver claramente el desarrollo paso a paso.
Las películas del director de Hollywood Griffith "El nacimiento de una nación" (1915) y "Partido contra la diversidad" (1916) fueron innovadoras en su lenguaje narrativo, permitiendo que las películas compitieran con la música, el drama, las novelas y otras categorías. El significado trascendental de estar juntos en las filas de las obras de arte. Ambas películas han dividido una escena en varios planos, entrelazando planos generales y primeros planos, y él ha dotado a estas técnicas de un fuerte motivo o razón. En cuanto al procesamiento de la trama, ya no se trata de una simple explicación de la operación de rescate entre el salvador y la víctima, sino del clásico "rescate de última hora" que se ha llevado a cabo. Griffith transformó los elementos básicos de la sintaxis de edición en un lenguaje preciso y poderoso, que los estudiosos del cine denominan "edición clásica". La edición clásica utiliza la edición para mejorar el efecto dramático en lugar de lograr un propósito puramente superficial. Y dividir la acción en una serie de planos, seleccionar y organizar cuidadosamente planos generales, planos medios y planos cercanos, y cambiar constantemente la perspectiva del público son continuidad subjetiva, es decir, las asociaciones contenidas en los planos conectados. Para usar una metáfora, en los primeros tiempos los coches ya tenían cuatro ruedas delanteras y traseras, un volante, un puesto de conducción y otros elementos que son básicamente indispensables para los coches actuales. Las películas de Griffith son cuatro ruedas y un volante para la narrativa cinematográfica, especialmente la narrativa de las películas clásicas de Hollywood.
A finales del cine mudo, es decir, finales de los años 1920, las películas clásicas de Hollywood habían desarrollado un formato bastante complejo. La aparición de nuevas tecnologías cinematográficas como el sonido y el color también tuvo un impacto significativo en la narrativa. de las películas clásicas de Hollywood. Las películas de Hollywood con narrativas clásicas alcanzaron su apogeo en las décadas de 1930 y 1940, y pronto se hicieron populares en todo el mundo. Después de experimentar una larga depresión en las décadas de 1960 y 1970, la industria cinematográfica de Hollywood completó su transformación en el Nuevo Hollywood y marcó el comienzo de otro período de prosperidad.
Ha surgido un grupo de jóvenes directores conocidos como "movie boys" que están llenos de admiración por la tradición narrativa clásica de Hollywood. Siguen el estilo clásico del género cinematográfico pero añaden muchos toques personales. El uso de alta tecnología también ha enriquecido los métodos narrativos de las películas de Hollywood. Francisco Coppola, "El Padrino" (1972); George Lucas, "Star Wars" (1977); Steven Spielberg, "Tiburón" (1975); Martin Scorsese, "Rent", "Car Driver" (1976), etc. de este período. Vale la pena mencionar que Martin Scorsese es un miembro típico de la generación que creció viendo películas de Hollywood. Al mismo tiempo, puede sobrevivir en la industria cinematográfica estadounidense bajo el dominio de Hollywood. Aplica hábilmente técnicas narrativas cinematográficas clásicas de Hollywood a sus obras y cuenta una tras otra "buenas historias" de las películas clásicas de Hollywood. Al mismo tiempo, incorpora ideas y pensamientos en las historias. Primero hay una historia que satisface al público, y luego el público considera aceptar las ideas que el director quiere expresar, es decir, desde la sensibilidad hasta la racionalidad, la narración siempre ha sido su arma poderosa para transmitir sentimientos y pensamientos. La película de Scorsese también utiliza muchas técnicas nuevas y audaces, una gran cantidad de cortes de salto, fotogramas congelados repentinos y muchas acrobacias audaces, que no se encuentran en el Hollywood tradicional. Sin embargo, estas técnicas se basan en la cognición de la audiencia y tienen lo que Bazin llama "lógica", por lo que aún mantienen la ilusión de la audiencia. A diferencia de muchos directores europeos, sus películas siguen siendo desde la perspectiva del público. Ha encontrado un buen equilibrio entre la perspectiva del público y la del director. Niegan esas narrativas "ocultas" y los principios clásicos "pasivos" de ver películas, y promueven fuertemente la creación artística personalizada. Quizás la exploración de Scorsese sea la dirección del desarrollo de las películas contemporáneas y el futuro de las películas clásicas de Hollywood.
El libro "Historia del cine: teoría y práctica", escrito en coautoría por Robert Allen y Douglas Gomery, los famosos expertos en investigación de la historia del cine estadounidense, señaló: "El estilo cinematográfico que ha dominado Occidente desde este siglo es Llamado estilo narrativo clásico de Hollywood. Este término se refiere a un paradigma organizativo específico de elementos cinematográficos cuya función general es contar un tipo específico de historia de una manera específica. La narrativa cinematográfica clásica de Hollywood consiste en una cadena continua de causas y efectos. o necesidades de un personaje La solución habitual es satisfacer esos deseos o necesidades específicas... La importancia histórica del estilo clásico de Hollywood es que, a finales de la década de 1920, el estilo de Hollywood se había convertido en el estilo exclusivo de creación cinematográfica narrativa para la mayoría de las personas. Otros estilos son eclipsados por el estilo de Hollywood y son juzgados según los estándares establecidos por el estilo de Hollywood. Para los historiadores del cine, el estilo de Hollywood proporciona un estándar históricamente definible, un marco de referencia estético contra el cual se evaluarán otros estilos. dentro del cual se posicionarán las películas y sus creadores.
Evidentemente, el cine clásico de Hollywood “toda la función es contar un tipo específico de historia de una manera específica. "Y esta "forma específica" es el estilo dramático que fue popular en las décadas de 1930 y 1940, y que luego formó el tipo único de películas en el apogeo de Hollywood, permitiendo que las películas de Hollywood se clasificaran en "tipos específicos". Por lo tanto, las películas clásicas de Hollywood fueron alguna vez también llamadas "películas dramáticas"
2 Estrategias de estructura narrativa de las películas clásicas de Hollywood
El drama occidental ha estado contando historias en el escenario durante miles de años, ya en el siglo XIX. Los dramas griegos antiguos ya han comenzado a formar una estructura dramática completa de cinco actos (Preludio, Introducción, Desarrollo, Resolución y Epílogo). Las películas clásicas de Hollywood utilizan este estilo estructural para contar historias de manera muy "autoritaria". Por supuesto, el drama estructura los guiones de acuerdo con la ley del conflicto, y aunque también es aplicable a la estructura de los dramas cinematográficos, "las películas deben prestar atención a algunas condiciones especiales importantes al aplicar esta ley".
"(Lawson, teórico del cine y el drama estadounidense)
En la estructura narrativa clásica de Hollywood, también hay una sinfonía con obertura, tema, variaciones del primer tema, variaciones del segundo tema, recurrencia del tema y epílogo. Este artículo analizará No da más detalles sobre la "estructura sinfónica de la película" que sigue el modelo
1. La obertura y el epílogo se realizaron principalmente en plazas y mercados, con gente yendo y viniendo en un ambiente ruidoso, y la obertura funciona. Es para esperar a la audiencia y ayudar a la audiencia a calmarse. La obertura a menudo no tiene historia ni personajes, solo música. Se ha mostrado por un tiempo, por lo que la película a menudo comienza a entrar en la historia desde la primera escena. de la película del director chino Zhang Yimou "Raise the Red Lantern" comienza con Gong Li hablando porque la historia ya ha terminado, la función de hacer que el público espere a que se enciendan las luces también ha sido abandonada por muchos guionistas y directores. Las películas clásicas de Hollywood se estructuraron estrictamente en cinco actos. Después de la década de 1980, la estructura narrativa pasó a carecer de obertura y de epílogo. Sólo los tres actos de apertura, desarrollo y resolución se han convertido en algo habitual. el medio ambiente.
2. "Escuela clásica china". En términos de estructura del artículo, hay conceptos de "inicio, sucesión, transición y conclusión". apertura, desarrollo, clímax y resolución de la estructura narrativa clásica del cine de Hollywood.
Introducción: El objetivo principal del director en esta parte es "romper el tema", es decir, presentar al personaje estrella. en la obra e introducir a su oponente, y para establecer un conflicto o crisis, la apertura requiere "ir al grano", que es un conflicto rico en acción. Cualquier arte narrativo se centra en el escritor, y este "conflicto" es. A menudo se refleja en el conflicto de personalidades. La parte inicial debe dejar en claro las diferencias de personalidad entre los personajes importantes y también señalar el enfoque y la situación básica de la narrativa. El método típico es utilizar acciones continuas de la trama para atraer la atención de la audiencia. curiosidad por seguir mirando. Esta situación se puede describir como "hacer que el público no pueda salir de la trama". Se especula sobre las posibles razones del incidente.
El estreno de la película clásica de Hollywood "The Blue". Bridge" es un ejemplo de un conflicto lleno de acción entre el héroe Roy y la heroína Mara. Se conocieron durante la caótica advertencia de ataque aéreo de la Primera Guerra Mundial. Esta fue la gran escena. Roy era un soldado a punto de ir al frente. y Mara era bailarina en una compañía de ballet estrictamente disciplinada. Estas fueron las pequeñas escenas de No se les permite enamorarse. Roy es un soldado con antecedentes aristocráticos románticos y Mara es una chica de una familia civil. Se lleva el pequeño amuleto de Mara y no asistió al banquete del jefe, pero fue a ver la actuación de Mara. Él concerta una cita privada con ella y los dos tienen una cita en el "Candlelight Club". También es la presión de los conceptos jerárquicos tradicionales en la sociedad británica tradicional. Esta sección inicial permite que el conflicto de personalidades entre en contacto y establezca las bases para conflictos futuros. Establece una base razonable y creíble para el final trágico.
Desarrollo (Desarrollo), también llamado “entrelazamiento”, se centra en mostrar cómo los conflictos y enredos potencian las dificultades y crisis de los héroes de la obra. No sólo debe mostrar la energía y el propósito de los protagonistas y villanos de la obra, sino también centrarse en retratar el entorno peligroso que enfrentan los personajes de la obra. Hay cinco escenas en la parte de desarrollo de la película "El Puente Azul". Cuando se ven de forma aislada, cada escena se divide en párrafos. Después de un análisis cuidadoso, el párrafo anterior es el comienzo del siguiente párrafo, y el siguiente párrafo es la continuación inevitable del párrafo anterior. Otra forma de decirlo es que el anterior es la preparación para el siguiente, y el siguiente es el clímax del anterior. El autor de "Soul" siguió la ley del "conflicto" y diseñó y organizó cuidadosamente las distintas partes de manera ordenada para lograr el propósito de profundizar la contradicción. A medida que las contradicciones continúan profundizándose, también se crea el tipo de tensión necesaria para el arte dramático. Esta "tensión" debe intensificarse gradualmente y no se puede permitir que se relaje. Los puntos difíciles tienen que volverse cada vez más difíciles para quedar bien. Después de que la hermana se opone, la madre se opone y el padre se opone nuevamente. Este es un error común en los dramas de Qiong Yao. Las oposiciones de la misma naturaleza tienen la misma tensión, por lo que no es una tensión progresiva.
Archer dijo en su libro "El método del drama": "La mayor parte del secreto del drama reside en la palabra "tensión". Y el contenido principal de la habilidad del dramaturgo es generar, mantener, suspender, intensificar y aliviar la tensión. "
Para fortalecer continuamente esta sensación de tensión, la estructura de desarrollo clásica a menudo sigue un principio, es decir, de acuerdo con la lógica del desarrollo de la trama, los entresijos se explican claramente en orden, de modo que La trama puede desarrollarse con el poder de cada uno paso a paso. Debe conectar segmentos con segmentos, campos con campos, paso a paso, de manera vinculante, y de manera razonable y lógica según la relación entre causa y efecto.
La mayoría de los patrones de desarrollo de la trama son: causa y efecto cambian la situación del personaje de diferentes maneras. El más común son los cambios en la información conocida. A menudo, los personajes obtienen información a lo largo del camino, parte de la cual juega un papel importante en los giros de la trama. Además, existe el modo guiado por objetivo, y el modo de búsqueda y el modo de investigación derivados del mismo. El tiempo y el espacio también proporcionan diferentes modos de desarrollo de la trama.
El modelo de desarrollo clásico enfatiza la integridad de la obra, sus motivos aparentemente razonables y la coherencia de sus componentes. Cada toma pasa sin problemas a la siguiente, esforzándose por hacer que la acción se desarrolle sin problemas y crear una sensación de inevitabilidad. Para añadir un sentido de urgencia a un conflicto, a veces se añade algún tipo de fecha límite, reforzando así los sentimientos. Especialmente en las primeras películas clásicas de Hollywood, el modelo de desarrollo clásico a menudo tiene dos pistas argumentales, que desarrollan una historia de amor romántica al mismo tiempo que la pista de acción principal. En una historia de amor, una pareja de amantes secundarios aparecen al mismo tiempo que una pareja de amantes primarios.
Punto más alto, el clímax en la narrativa cinematográfica se refiere al punto más alto del progreso dramático (en términos de emoción, trama e intensidad). El clímax de la narrativa de una película clásica de Hollywood no tiene por qué ser necesariamente una escena intensa, sólo debe ser emocionalmente intensa. En la clásica escena del asesinato en la ducha en "Psicosis" de Hitchcock (al final del primer acto), hay mucha más brutalidad y sangre que el descubrimiento final del cuerpo de la madre en el sótano. El clímax tampoco tiene por qué ser un cambio repentino y dramático. Por el contrario, el clímax puede ser una confrontación totalmente esperada y esperada. Por ejemplo, en películas de género clásico como los westerns y las películas de detectives, el protagonista y su oponente tienen contacto y enfrentamiento público. Un lado gana y el otro pierde.
El clímax en la estructura narrativa clásica de Hollywood es a menudo la cúspide de la estructura, el momento en el que el conflicto cambia de cuantitativo a cualitativo. En "Puente Azul", si la parte de desarrollo es simplemente que las contradicciones están pasando por un proceso de cambio cuantitativo, entonces cuando emerge la nueva contradicción de la "brecha de nivel" que ha sido tratada como una línea oculta, provoca que la contradicción original experimente Un cambio cualitativo formó el clímax de toda la obra: Mara tomó la decisión final. Corrió a la habitación de la madre de Roy y le confesó su desafortunada experiencia. En este momento clímax, los personajes a menudo exponen su esencia espiritual al máximo. claramente. En el clímax, la personalidad de Marla es distintiva y deslumbrante: es una mujer profundamente ligada a ideas ortodoxas, una mujer cuyo cuerpo está insultado pero cuya alma es pura y hermosa. En el momento culminante, se ha determinado el ganador de las dos fuerzas encarnadas en todo el conflicto: en la contienda entre el amor puro y los conceptos tradicionales, Mara finalmente perdió.
Las pinturas occidentales siempre tienen el centro de atención. Las pinturas occidentales pueden naturalmente atraer la atención del espectador hacia el enfoque visual, que es el resultado inevitable de sus habilidades. En consecuencia, una película narrativa clásica de Hollywood de dos horas de duración suele tener un punto de inflexión importante en la mitad de su tiempo: una hora, que es la "primera culminación".
La resolución, la parte posterior al clímax, es el final del conflicto. En principio, cualquier narrativa avanzará hacia un final, y el final a menudo significa que los conflictos mostrados en la historia se resuelven (o al menos se responden). La mayoría de las películas narrativas clásicas de Hollywood presentan un final cerrado, sin dejar dudas sin resolver y buscando un resultado final que complete la cadena causal. El público suele conocer el destino de cada personaje, la respuesta a cada secreto y el resultado del conflicto, pero lo más importante es que estas características no son necesarias para la forma narrativa.
En la tradición clásica, en la comedia es una boda o un baile, en la tragedia es la muerte, en el drama ordinario es el reencuentro o el regreso a la vida normal: el final. Debido a su estatus especial, la última toma suele ser una especie de resumen filosófico, que resume el significado de los materiales anteriores.
3. El último concepto de escritura de Hollywood: el puente
El académico estadounidense Thomas Schatz señaló en su libro "Old Hollywood/New Hollywood: Ritual, Art and Industry": "Los estudios de Hollywood en realidad han Estandarizó gradualmente cada etapa de la producción cinematográfica, desde la concepción de la narrativa hasta el estreno final de la película. "La producción estandarizada de Hollywood es el resultado de un estrecho contacto y coordinación con la audiencia de Hollywood, y es una especie de comprensión de la audiencia. de responder a valores y creencias colectivas. El éxito en el mercado necesariamente fomenta la repetición, y la evolución de cualquier patrón narrativo, incluso de una técnica aislada dentro de la gramática general de la narrativa cinematográfica, es el resultado de un intercambio continuo entre el productor y el público. La reacción del público determina en última instancia si el paradigma o la técnica narrativa de una historia debe repetirse o cambiarse y, en última instancia, se formaliza dentro del sistema de producción cinematográfica.
Echemos un breve vistazo a las docenas de procesos por los que pasa la producción cinematográfica clásica de Hollywood: primero, el productor propone la intención de hacer la película, luego se la entrega al departamento de guionistas para que fabrique la historia y determine la trama y luego agregue los "trucos". Haga bromas, agregue escenas divertidas, subtramas y luego vaya al departamento que se especializa en diseño de diálogos para escribir el diálogo. Una vez finalizado el guión, el director en jefe lo asignará a los subdirectores responsables de cada escena para que lo organicen y coordinen...
De esto podemos ver que la creación y finalización de un clásico El drama narrativo de Hollywood no requiere que una pintura o una novela a menudo sean concebidas y creadas por una sola persona, sino que es un proyecto colectivo. Por ejemplo, la estructura de una novela no es importante. El novelista escribe mucho y el lector puede entenderlo incluso si lee la novela al azar. Las películas, especialmente las clásicas de Hollywood, son narrativas lineales y la estructura de la historia debe ser muy estricta y fluida.
¿En qué se basan los guionistas de diferentes procesos en Hollywood para estructurar el marco narrativo? Después de leer la interpretación de la imagen a continuación, podemos obtener la respuesta: los guionistas de Hollywood se parecen más a un grupo de ingenieros de construcción que construyen puentes. El método dramático recientemente desarrollado que desarrollaron se llama "estilo puente".
La historia entra en varios clímax
Ⅰ Ⅱ Ⅲ
Prólogo, apertura (resolución del problema), desarrollo (entrelazamiento), resolución, final
Primero Primer muelle, segundo muelle
(motivación) (meta)
Sabemos que construir un puente no es construir un puente de un lado al otro del río , pero primero construir un puente de carga en el medio y luego construir plataformas de puente en ambos lados. Los "ingenieros" de Hollywood tampoco escriben guiones de principio a fin, sino que primero encuentran los dos pilares de "motivación" y "objetivo", como se muestra en la imagen. A partir de aquí se establece la estructura narrativa de la obra. El primer muelle es el punto de entrada de la historia. Lo que los "ingenieros" están pensando mucho es en encontrar qué tipo de "accidente" hace que la historia entre. En el primer muelle, lo primero que tienen que resolver es la motivación del protagonista. En la narrativa de las películas clásicas de Hollywood, la cadena causal de la trama, provocada principalmente por factores psicológicos, es la motivación de casi todos los acontecimientos narrativos. El segundo muelle se encuentra en el clímax de la obra, donde se encuentra la portería del protagonista. Sólo cuando estas dos partes sean comprendidas, analizadas y construidas sólidamente podremos comenzar a diseñar el tablero del puente. Este es el núcleo del "método puente". Aunque este método es ingenioso, también es una forma muy práctica de estructurar una película narrativa clásica de Hollywood.
Antes, la duración de una película era de 10 minutos. Una película de Hollywood de 120 minutos estaba compuesta por 12 películas grandes. Esto también es un hábito mecánico. un hábito escondido en el corazón de la audiencia, es decir, esperar con ansias el próximo evento tan pronto como pasen 10 minutos. Los ingenieros que construyen puentes deben sopesar el tamaño y el peso al seleccionar los materiales para la construcción.
Los "ingenieros" de Hollywood cortan el material en unidades de tiempo. Para eventos que duran más de 10 minutos, simplemente resten 5 minutos de 15 minutos y compensen el déficit. Con el avance de los tiempos, el público cinematográfico ahora tiene un ritmo acelerado de apreciación y requiere de 6 a 8 minutos para completar un evento pequeño. De esta manera, una película de 120 minutos requiere alrededor de 16 eventos pequeños.
Los "ingenieros" siempre comienzan eliminando pequeños eventos al modificar y pulir el guión, y luego analizan la estructura más grande para determinar si está bien proporcionada o no. Ésta es la forma más sencilla y eficaz para que los "ingenieros" del drama de Hollywood capten el ritmo.
3. Técnicas y estrategias narrativas del cine clásico de Hollywood
1. Técnica de montaje: el director de cine estadounidense Griffith situó de forma creativa la escena dentro de la escena en películas como “El nacimiento de una nación”. Realizar una gran cantidad de cortes, deconstruir directamente el espacio dramático y luego volver a ensamblarlo para adaptarlo al pensamiento y la participación emocional del público, y desarrollar así una gramática de filmación y edición que luego se convirtió en la narrativa clásica de Hollywood: usar planos maestros o planos de interrogación para establecer una Luego, a medida que se desarrolla la acción, corte la historia a mitad de plano de una persona u objeto y utilice un primer plano para captar la atención del público en el clímax dramático. Obviamente, este tipo de montaje narrativo se basa en la lógica psicológica de la comprensión de las cosas por parte del público. Por lo tanto, es fácil de ser comprendido y aceptado por el público. En otras palabras, el público acepta sin saberlo la narrativa de la película pero no es consciente de la técnica narrativa del montaje. Lo que se esconde es una narrativa llamada "transparente". Esta narrativa crea una ilusión en el público, haciéndole creer en las leyendas de Hollywood.
2. Selección de puntos de vista: Los puntos de vista clásicos de Hollywood incluyen visión subjetiva, objetiva, objetiva absoluta, omnisciente, de autor y múltiple, compuesta (combinación).
La tendencia más obvia entre las muchas técnicas narrativas de las películas clásicas de Hollywood es el uso de la "objetivación", que significa presentar una historia objetiva básica e intercalar la "subjetividad perceptual" y la "subjetividad psicológica" de los personajes. sobre esta base. "Punto de vista". Por ello, las películas narrativas clásicas de Hollywood suelen utilizar técnicas narrativas irrestrictas. Aunque el público sólo preste atención a un personaje, también podemos obtener a través de la trama información que los personajes de la obra no conocen ni escuchan ("North by Northwest" y "The Road Warrior" son buenos ejemplos de esta tendencia). Esta técnica sólo se abandona en determinadas películas de género que se basan principalmente en el misterio (como las películas de detectives).
La narrativa clásica de Hollywood no anima ciegamente al público a identificarse absolutamente con el protagonista de la película. En esencia, "el poder último de la película, especialmente el poder de la tradición clásica de Hollywood, reside en la identificación subjetiva. y desapego objetivo, participación en la acción y observación La tensión entre acciones "Las películas clásicas de Hollywood se esfuerzan mucho para permitir que la audiencia se dé cuenta activamente de la identificación subjetiva y participe en la trama. Al mismo tiempo, también utilizan arreglos cuidadosos para poner a la audiencia. fuera de estos personajes centrales y mantenga al público a una cierta distancia estética. Observe cómo actúan los personajes de la obra. Esto se destaca por el uso interactivo del modo narrativo (sujeto) de avance/retroceso de la cámara y el modo narrativo omnisciente. Por un lado, en el plano frontal/inverso, la película permite a los actores del drama organizar directamente el espacio dramático para la audiencia. Solo cuando los actores del drama están mirando, el público puede ver visualmente el espacio físico que se ve en. el drama, animando así directamente al público a identificarse fuertemente con los personajes de la obra y, en cierto sentido, el público se convierte en partícipe de la acción de la trama. Por otro lado, cuando la cámara adopta un modo narrativo omnisciente, la comprensión de la trama por parte del público es mucho mayor que la comprensión de la trama por parte del dramaturgo, y el público de hecho entra en una conspiración involuntaria con el director: es decir, el público y El director Todos están "por encima" de los personajes de la obra, pasando por alto la difícil situación de los personajes de la obra como si fueran Dios. En este momento, la identificación del público con los personajes de la obra cambia a su identificación con el director, y el público pasa de ser un participante de la trama a un espectador.
3. Espectro de estructura de personajes: Los roles en las películas clásicas de Hollywood a menudo incluyen los siguientes tipos: protagonista, antagonista, secundario, activo y pasivo (Pasivo), personaje estereotipado (cliché), personaje de una sola cadena ( una cadena), carácter redondo (redondo), carácter plano (plano).
El erudito ruso Vladimir Propp creía en su "Investigación sobre cuentos populares rusos" que las muchas identidades y diferentes personajes de la historia no son más que siete roles, los clasificó como las llamadas siete "categorías de acción". Ellos son: ① chico malo ② benefactor ③ ayudante ④ princesa, o la persona y cosa que estás buscando ⑤ despachador o iniciador ⑥ héroe o víctima ⑦ héroe falso.
Cabe decir que ya sea una película narrativa o un cuento popular, los personajes tipificados son la base de sus diferentes narrativas. Las películas clásicas de Hollywood a menudo se centran en la tipificación de los personajes. Los llamados personajes tipo, como decía el teórico literario británico Forster, son personajes con una única estructura de carácter, es decir, personajes que pueden resumirse en un nombre propio o colectivo. Foster cree que la mayor ventaja de los personajes tipográficos en las obras literarias y artísticas es que los lectores o espectadores pueden distinguirlos y recordarlos fácilmente. Este tipo de personajes tienen una distinción clara entre el bien y el mal, y los límites entre los personajes positivos y negativos son muy claros. claro. Por supuesto, la mayor debilidad de este tipo de personaje es que la personalidad del personaje es demasiado reveladora y superficial, y carece de connotaciones de carácter suficientemente ricas. En una gran cantidad de películas occidentales producidas por Hollywood, casi todos los protagonistas tienen una tendencia estereotipada a distinguir entre el bien y el mal, ya sean vaqueros e indios heroicos, sheriffs y gánsteres, casi todos se pueden dividir en estereotipos.
4. Habilidades de diálogo: el diálogo de las películas clásicas de Hollywood tiene las siguientes funciones: impulsar la trama; expresar el corazón del personaje; presentar el origen, el trasfondo y el pasado;
Cuéntame algunas cosas con las que los guionistas deben tener cuidado al escribir diálogos. No lo digas en frases completas, cuidado con las buenas frases. Es bueno leerlo solo, pero no es bueno cuando lo pones en boca del personaje. No hables claramente cuando estés emocionado. Pida a las personas que hablen su propio idioma, no demasiado. "¿Cómo puede un yo destrozado salvar a un tú destrozado..." Esta es una frase que no se puede pronunciar en la vida diaria, y es un fracaso cuando se escribe como un diálogo. En el escenario se utilizan muchos diálogos largos, así que tenga cuidado al incluirlos en las películas. Tanto "Sophie's Choice" como "Paris, Texas" tienen diálogos largos y maravillosos que duran más de diez minutos. Esto requiere, en primer lugar, que los actores sean geniales y, en segundo lugar, que la historia esté cubierta de esa emoción y concepción artística. El diálogo también se puede utilizar para hacer transiciones de escenas y formar comunicación. El diálogo no debe repetir las imágenes, pero puede complementarlas. La línea de diálogo más cliché de los guionistas de Hollywood: la última línea es la más poderosa.
5. Control del ritmo: El autor del artículo controla el ritmo del artículo a través de párrafos. La forma en que las películas controlan el ritmo es muy similar. Una película está segmentada mediante signos de puntuación visual en los planos inicial y final. Las tomas vacías, las tomas panorámicas, los fundidos de entrada y salida, etc. pueden funcionar como comas y puntos de párrafo. Las transiciones de las películas clásicas de Hollywood incluyen transiciones de tiempo, transiciones espaciales, transiciones emocionales, transiciones de planos vacíos, transiciones de efectos posteriores y otros métodos de transición.
6. Proceso de escritura de un guión de Hollywood: generalmente la secuencia es idea, sinopsis, boceto de personaje, tratamiento, esquema escena por escena), guión.