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Una historia del Dinastías del Sur y del Norte En tiempos difíciles, la venganza sangrienta y el amor verdadero han provocado que varios jóvenes caigan en conspiraciones políticas.
上篇: ¿Cuáles son las características estilísticas del Pop Art? Es la abreviatura de arte POPular, también llamado neorrealismo, porque se suele considerar Pop en el arte pop como la abreviatura de la palabra “pop, moda”. Representa una cultura pop. Bajo la influencia de la civilización estadounidense moderna, un movimiento artístico internacional está representado principalmente por imágenes de la clase alta de la sociedad o eventos accidentales en dramas. Refleja los valores sociales y culturales de la generación más joven que creció después de la guerra, esforzándose por expresarse y persiguiendo la novedad. Brotó en el Reino Unido a principios de la década de 1950 y floreció en los Estados Unidos a mediados de la década de 1950. Pop es la abreviatura de Popular, que significa arte popular y arte popular. El término arte pop apareció por primera vez en el período de 1952 a 1955. Fue iniciado por un grupo de jóvenes artistas del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres en un seminario de una sociedad independiente. y por un crítico decidió L. Allowi. Creen que la cultura urbana creada por las masas es un material excelente para la creación de arte moderno. Ante el impacto de la civilización comercial en la sociedad de consumo, los artistas no sólo deben afrontarlo, sino también convertirse en cantantes de la cultura popular. El artista que impulsó eficazmente el desarrollo de esta corriente de pensamiento en la práctica fue R. Hamilton. En 1956, en su primera exposición individual, This Is Tomorrow (Whitcher Pyle Gallery), presentó un portafolios de tenistas con las letras "POP". Esta obra se ha convertido en un estandarte del arte pop. Otros representantes del arte pop británico incluyen: E. Paolozzi, J. Tilson, D. Ho Nicole, R. B. Kitai, R. .Smith y A.Jones. El surgimiento del arte pop en Estados Unidos fue ligeramente posterior al del Reino Unido y heredó el espíritu del dadaísmo en sus actividades artísticas. En su obra se utilizaron a modo de mosaicos una gran cantidad de residuos, carteles comerciales, anuncios de películas y fotografías de diversos periódicos y revistas, de ahí el título de neodadaísmo. Los artistas pop estadounidenses afirmaban que su arte popular era similar al arte primitivo estadounidense y al arte indio, y que era la continuación y el desarrollo de las tradiciones culturales estadounidenses. Una exposición de arte pop de 1965 en el Milwaukee Art Center titulada "El arte pop y la tradición estadounidense". Los pioneros del arte pop americano fueron John y Rauschenberg, y los artistas más influyentes fueron Warhol, Dane, Lichtenstein, Oldenburg, Wesselmann, Rosenquist y el escultor Siegel. El arte ensamblaje y el arte accidental suelen considerarse dos ramas del arte pop. En el arte pop, el pintor más influyente y representativo es Andy Warhol (1927-1986). Es el fundador y principal defensor del movimiento Pop Art estadounidense. En 1962 se hizo famoso por la exposición de sus "Esculturas" de ollas soperas y jaboneras Brillo. Sus patrones de pintura son casi idénticos. Usó imágenes tomadas de los medios de comunicación, como latas de sopa Campbell, botellas de Coca-Cola, billetes de un dólar, la Mona Lisa y la cabeza de Marilyn Monroe, como elementos básicos, que dispuso repetidamente en la pintura. Intentó eliminar por completo el elemento manual en la creación artística. Todas sus obras están realizadas mediante técnicas de serigrafía, donde las imágenes se pueden repetir innumerables veces, dando a la pintura un efecto plano único. Respecto a su trabajo, Harold Rosenberg dijo una vez en broma: "Una columna de repeticiones adormecedoras de latas de sopa Campbell's es como una broma humorística que se ha contado una y otra vez. Le encantaba la repetición y la copia". "Llevo veinte años desayunando lo mismo", explica. "Supongo que es lo mismo una y otra vez". Para él, no hay nada "original", sus obras son todas copias y solo quiere reemplazar el lugar original con innumerables copias. Eliminó deliberadamente los colores personales y emocionales de sus pinturas y enumeró discretamente las imágenes más comunes. Tiene un lema famoso: "Quiero ser una máquina", que contrasta con la afirmación de Jason Brack de que quiere ser natural. Sus pinturas, casi inexplicablemente, "pueden despertar una curiosidad infinita: un vacío ligeramente aterrador que debe llenarse con charlas y palabras vacías". De hecho, las pinturas de Andy Warhol se caracterizan por la monotonía y el aburrimiento. Y la repetición transmite una sensación de indiferencia y vacío. y alienación, y muestra los sentimientos internos de las personas en una sociedad comercial y civilizada altamente desarrollada. La cabeza de Marilyn Monroe es uno de los temas más interesantes de la obra de Warhol. 下篇: txt conjunto completo de direcciones de nube_2