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Resumen del desarrollo del ballet mundial El ballet de banquete

El ballet apareció en Italia durante el apogeo del Renacimiento en los siglos XV y XVI. Los artistas hicieron todo lo posible por imitar el estilo artístico. Grecia antigua. La primera representación de ballet se realizó en un banquete de palacio. En 1489, se representó "Orfeo" en una pequeña ciudad italiana para celebrar la boda del duque de Milán e Idabel, la princesa española de Aragón. El formato de las representaciones en aquella época era completamente diferente a las representaciones de ballet que vemos hoy en día. Cada representación estaba relacionada aproximadamente con el servicio de comida. Por ejemplo, después de que comenzara la representación de la caza simulada, se comía el jabalí; Aparecieron ríos y empezaron a comer peces. Luego, muchos personajes mitológicos subieron al escenario para ofrecer numerosos platos y frutas, y finalmente todos los invitados participaron en el animado espectáculo carnavalesco. Se trata de una forma de actuación que combina canto, danza, recitación y teatro. Se puede decir que es el prototipo del ballet. Las generaciones posteriores lo llamaron "ballet de banquete".

Ballet de la Corte

Con los matrimonios mixtos entre los nobles italianos y la corte francesa, las representaciones del "ballet" italiano llegaron a Francia en 1581, a cargo de la hermana de la reina Enrique III, Margarita. En la celebración especial de la boda se presentó "The Queen's Comedy Ballet". No había escenario y el público se sentaba en una galería de dos pisos con tres paredes. El rey y los dignatarios se sentaron en el altar y la actuación tuvo lugar en el suelo del salón. El coreógrafo y director Beauroye era un italiano empleado en Francia. El contenido muestra cómo la súcubo Silse conquistó a Apolo, pero Su Majestad el Rey de Francia se rindió. La actuación es una mezcla de teatro, música, danza, recitación y acrobacia. Durante el período de Luis XIV (1643-1715), el ballet francés alcanzó su apogeo. Al propio Luis XIV le encantaba bailar y estaba bien entrenado. A los 15 años participó en la representación del ballet de la corte "Cassandra" y desempeñó el papel de Apolo.

Ballet Melodramático

La Ilustración europea del siglo XVIII influyó profundamente en el desarrollo del ballet francés. Sus ideas innovadoras se reflejan en su oposición a tratar el ballet como una decoración para el entretenimiento aristocrático. Quiere que el ballet exprese la vida real como un drama y defiende que el ballet debe tener contenido social y significado educativo. Este es el trasfondo de la era en la que se "trama el ballet". "nació. Nowell representa la corriente principal de la innovación del ballet europeo y encarna el espíritu democrático de la Ilustración. Presentó sus ideas innovadoras para el ballet en "Cartas sobre la danza y la danza dramática". La danza dramática "No Use of Caution", creada por el alumno de Nowell, Jean Doberval, todavía se representa hoy en día y se ha convertido en el repertorio de las principales compañías de ballet contemporáneo.

Ballet Romántico

El ballet romántico es la "edad de oro" en la historia del desarrollo del ballet. Ha experimentado una etapa espléndida en términos de habilidades de danza, coreografía y formas de interpretación. La aparición de dramas de danza como "La Sylphide", "Giselle", "Esmeralda" y "Pirates" ha creado una serie de talentos del ballet, como Perrault, Bournonville, Tagoni y Elsler. Las características del ballet durante este período se resumen en:

1. Cambios en contenidos y temáticas. Hadas y fantasmas de otro mundo reemplazaron a los personajes de mitos, leyendas y antiguos cuentos heroicos. Refleja una emoción de insatisfacción y decepción con la realidad, una búsqueda de un interés en otro mundo que trasciende este mundo, o la muerte para deshacerse de la decepción en la realidad, o una búsqueda poco realista para reemplazar el deseo de vivir. Entre las obras representativas se encuentran "La Sylphide" (1832) y "Giselle" (1841). "Giselle" reúne estilos franceses y se convierte en la cima del ballet romántico. Desde entonces, ha ido apareciendo el fenómeno de combinar romanticismo y realismo.

2. Las habilidades y actuaciones de danza han experimentado un desarrollo significativo. Las habilidades de baile con los dedos de los pies se han convertido en un factor importante en la actuación de las bailarinas, y las habilidades de danza de los hombres también han mejorado aún más.

3. En cuanto a la forma escénica, se utilizó iluminación con lámparas de gas y grandes cortinas, y se reformaron los trajes y zapatos de ballet, creando un estilo poético y ligero.

La época dorada del ballet romántico duró extremadamente poco. Desde la década de 1830 hasta la de 1940, se estancó y se marchitó en poco más de 10 años.

A partir de la segunda mitad del siglo XIX, el centro del ballet europeo se trasladó gradualmente a Rusia.

Ballet Ruso

Con el desarrollo de la sociedad, el ballet pasó gradualmente de ser una danza de entretenimiento de la corte a un ballet con una trama y entró en el teatro, representando dramas de danza con contenido de vida social.

En el siglo XIX, el romanticismo también tuvo un profundo impacto en el arte del ballet. El ballet ha experimentado cambios fundamentales desde el contenido hasta la forma. Las historias que reflejan mitos y leyendas populares, hadas, dioses de las flores, elfos y fantasmas se han convertido en los temas principales de la creación del ballet. Las actrices se convirtieron en protagonistas, los trajes cambiaron a faldas cortas y la danza de puntas se convirtió en un elemento esencial del ballet. Esta técnica de ponerse de punta eleva el cuerpo del bailarín hacia arriba, lo que es adecuado para expresar una postura ligera y expresar emociones de búsqueda y deseo.

A finales del siglo XIX, las inmortales obras maestras "El lago de los cisnes", "La bella durmiente", "El cascanueces" y otros ballets compuestos por Tchaikovsky se representaron sucesivamente en Rusia y otros países, convirtiéndose en el centro del arte del ballet mundial. De París a San Petersburgo. En particular, la música de Tchaikovsky aporta un rico contenido de imagen, dinámica dramática y desarrollo sinfónico a la música dramática de danza. No es sólo una obra clásica del ballet, sino también una obra inmortal en la escena musical mundial.

En la segunda mitad del siglo XIX, el ballet romántico europeo decayó, y la misión de revivir el ballet históricamente recayó sobre los hombros de Rusia. Desde la década de 1940, los bailarines extranjeros han visitado Rusia con frecuencia. Las actuaciones y actividades coreográficas del padre y la hija Taglioni, Perrault, Saint-Leon y otros, especialmente las actividades docentes de los estudiantes de Bournonville Johnson (en San Petersburgo) y Brass (en Moscú), rindieron homenaje a la danza rusa. mundo la esencia de las dos principales escuelas de danza de Francia e Italia, y gradualmente formó una nueva escuela de pensamiento: la escuela de danza rusa. Matipa e Ivanov jugaron un papel decisivo en la construcción del repertorio. A finales del siglo XIX, ballets como "El lago de los cisnes", "La bella durmiente" y "El cascanueces" compuestos por Tchaikovsky se representaron sucesivamente en Rusia y otros países. El centro del arte del ballet mundial se trasladó de París a San Petersburgo. En particular, la música de Tchaikovsky aporta un rico contenido de imagen, dinámica dramática y desarrollo sinfónico a la música dramática de danza. No es sólo una obra clásica del ballet, sino también una obra inmortal en la escena musical mundial. Ha realizado la innovación de la música de teatro de danza, haciendo de la música la base para dar forma a imágenes y narrar eventos en dramas de danza, inspirando y enriqueciendo las ideas de danza sinfónica del director de teatro de danza. El segundo acto de "El lago de los cisnes" alcanza la cima de la poesía danzaria y es considerado un ejemplo de danza sinfónica. Más tarde, Glazunov escribió "Raymunda" (1898) y "Cuatro estaciones" (1900). Estas obras no sólo heredaron la tradición del ballet romántico, sino que también reflejaron la tradición del realismo ruso.

A principios del siglo XX, el ballet ruso ya había ocupado una posición dominante en la escena mundial del ballet. Tenía su propio repertorio, estilo de interpretación y sistema de enseñanza, y contaba con varios coreógrafos y talentos interpretativos. surgió. Desde entonces, un grupo de jóvenes del mundo del ballet ruso ha exigido innovación y exploración de nuevos métodos de interpretación y caminos de desarrollo. Gorski y Fokine son sus líderes. Las ideas innovadoras de Fokine no pudieron materializarse en el Teatro Imperial, y sus principales obras fueron ensayadas y representadas en el extranjero para el Ballet Diaghilev. Diaghilev organizó temporadas de espectáculos rusos durante tres años consecutivos a partir de 1909, y estableció una compañía de teatro permanente con sede en Montecarlo en 1913: el "Ballet Ruso de Diaghilev", que realizó giras por Europa y Estados Unidos y tuvo una gran influencia en la música clásica y. El repertorio tradicional conservado en Rusia fue enviado de regreso a Europa, lo que contribuyó al resurgimiento del ballet europeo. Después de la disolución del grupo, sus miembros se dispersaron por varios países europeos y americanos. Lifar estaba en Francia, De Valois estaba en Inglaterra, Balanchine y Fokine estaban en los Estados Unidos, e hicieron importantes contribuciones al resurgimiento o creación del ballet en varios países. países.

Ballet Contemporáneo

A finales de 1929, Lifar se convierte en coreógrafo permanente y bailarín principal del Ballet de la Ópera de París hasta que lo abandona en 1958, realizando efectivamente una reforma, por ejemplo. , abolió el derecho centenario de los clientes a ir detrás del escenario y charlar con los bailarines antes de una representación de ballet. También hay una ceremonia de apertura semanal. En la reposición de Giselle en 1932, Lifar interpretó a Albert, un hombre de gran talento.

Dos importantes coreógrafos franceses, Laurent Petit, coreografiaron "El jorobado de Notre Dame" basada en la música de Jarrar en 1965 y lograron un éxito brillante. "El pájaro de fuego", escrita y dirigida por Maurice Bayard en 1970, es una obra singular. El repertorio del Ballet de la Ópera de París también incluye "Giselle", "Coppelia", "Sylvia", etc.

El ballet británico se debe principalmente a la obra de toda una vida de tres grandes mujeres: Madame Adelina Genet, quien ejerció como primera bailarina en el Teatro Real durante muchos años; Madame Ninat de Valois. Su obra inmortal es el Royal Ballet; Lady Mary Lambert es la fundadora de la compañía de ballet que lleva su nombre. También hay Festival Ballet y Ballet Escocés.

No existía ningún Ballet Nacional en Estados Unidos. Balanchine se reunió con Lincoln Costin en 1933 y fue invitado a albergar la American Dance School. En 1948, se transformó en el Ballet de la ciudad de Nueva York. Balanchine se desempeñó como director artístico y coreógrafo principal, y el asesor artístico asociado fue Jerome Robbins. Se ha desarrollado un estilo de baile típico americano. Otra compañía de ballet importante es el American Ballet Theatre, que inició sus actividades en 1940. Entre quienes han ejercido como director se encuentran Ford King, Maxine, Anthony Tudor, etc. También estaba el Joffrey Ballet, el Dance Theatre of Harlem de Arthur Mitchell, la primera compañía de ballet clásico negra.

El Ballet Real Danés es un excelente heredero de la tradición nacional danesa. La danza dramática creada por Bournonville hace cien años todavía se representa en Copenhague con un estilo puro. (En realidad, estilo francés antiguo) En el ballet danés, el sentido de tradición siempre ha sido muy fuerte. En 1932, Harald Randall fue nombrado director de ballet del Teatro Real hasta 1952. Su reorganización de "Etude" para Francia e Inglaterra fue una brillante exhibición de habilidades de ballet.

Los directores rusos influyentes de principios del siglo XX incluyeron a Gorsky, Puni y Fokine. Anna Pavlova encarnó idealmente la concepción de Fokine con "La muerte del cisne" en 1905.

En Rusia, tras la Revolución de Octubre, Gorsky insistió en el carácter expresivo del teatro, permitiendo a sus bailarines vivir los personajes al estilo Stanislavsky, que originalmente se producía en la corte. "Red Poppy" se representó en Moscú en 1927. Fue el primer drama de danza heroica de temática moderna en Rusia. Marcó la victoria de la escuela clásica y señaló los principios a seguir. El ballet clásico ganó una nueva reputación. Semyonova y Ulanova hicieron su debut. El drama de danza recién creado se centró en la estructura dramática e hizo un mayor uso de la danza folclórica para enriquecer el vocabulario del coreógrafo. El ballet ruso comenzó un renacimiento.

Durante más de 400 años desde la representación del "Ballet de Comedia de la Reina" en Francia en 1581, el ballet se ha extendido por todo el mundo y es reconocido como una parte importante del patrimonio cultural humano. Arte mundial con numerosas actuaciones en los cinco continentes. Los países han creado sus propias escuelas de ballet profesionales y grupos de actuación de ballet. En el mundo actual, el arte del ballet es próspero. Diferentes escuelas como el ballet clásico y el ballet moderno, el ballet dramático y el ballet sinfónico compiten por la excelencia. Han surgido una gran cantidad de talentos y repertorios. Muchos países han ido formando sus propios estilos. Características En términos de expresión artística del ballet, constantemente surgen nuevas exploraciones y creaciones.

El símbolo del ballet es la bailarina de puntillas. Para el público, bailar de puntillas es relajante y divertido. Las zapatillas de ballet rosas en los pies de la actriz son tan elegantes y elegantes que recuerdan a la gente que se trata de un arte noble. Pero, en realidad, bailar de puntillas es muy difícil.

Quienes se dedican al arte del ballet y descubren sus misterios no están dispuestos a revelar sus secretos al público. Si se revela el secreto de las zapatillas de ballet, parece que el misterio del ballet dejará de existir.

La enorme carga que pueden soportar las zapatillas de ballet es comparable a la de las zapatillas de fútbol, ​​y la clave es la puntera. La puntera no sólo es suave, sino que también tiene un factor de seguridad considerable. Aunque la punta de su zapato se rompa al saltar, la actriz garantiza que no quedará discapacitada.

Las zapatillas de ballet producidas por la famosa compañía rusa "Grishko" son populares en más de 30 países, desde África hasta México.

La punta de la zapatilla de ballet está cosida de tela de corsé, como el raso.

Los expertos de "Grishko" concluyeron que el color más adecuado para las zapatillas de ballet es el color piel de melocotón, que no irrita al público y tranquiliza a la propia actriz, en lugar del rosa, como es habitual en muchos países.

El mayor secreto de la puntera de las zapatillas de ballet es la "caja de zapatos" que permite a la actriz bailar de puntillas. La "caja de zapatos" está escondida en la punta del zapato. Una "caja de zapatos" es en realidad una funda dura que cubre los dedos y parte de la parte superior del pie. La "caja de zapatos" no utiliza madera, plástico, corcho ni otros materiales, sino que está hecha de 6 capas de la arpillera más común u otros textiles. La empresa "Grishko" tiene experiencia en adhesivos que hacen que los dedos de los pies no sean ni demasiado duros, ni demasiado blandos, ni fáciles de romper.

La punta del zapato se cose a mano y luego se cose junto con el resto del zapato con el interior de la "caja de zapatos" hacia afuera. Después de eso, el zapatero gira la punta hacia atrás y alisa la "caja de zapatos" con un pequeño martillo. Cuando no haya áreas irregulares, coloque el zapato en posición vertical sobre algo difícil para ver si puede mantener el equilibrio. Finalmente, deja secar los zapatos de baile a 50 grados centígrados y guárdalos a temperatura ambiente. ¡Un par de zapatillas de ballet está listo!

La vida de un par de zapatillas de ballet es lamentablemente corta: 2-3 funciones. El récord de los zapatos de baile "Grishko" es que Nadezhda Gracho, solista del Teatro Bolshoi, colaboró ​​​​con Kitri y bailó 9 veces en el ballet "Don Kihot".

Para adaptarse a las diferentes alturas de pies, existen tres modelos de zapatillas de ballet: "Vaganova", "Elita" y "Fuertier". Cada modelo se divide en 17 tamaños. Además, existen 5 situaciones de gorda y delgada para cada talla. Cualquier actriz puede elegir el zapato ideal que le convenga entre 255 tipos de zapatos con diferentes grosores, tamaños y pesos. Sin embargo, para que los zapatos se ajusten mejor a sus pies, cada actriz tiene su propio truco: algunas usan un martillo para golpear los zapatos, otras usan una puerta para apretar los zapatos y algunas usan diferentes cosas para amortiguar las "cajas de zapatos". " "En...

La bailarina estrella rusa Ekaterina Maximovaya admitió que en una época en la que no había suficientes opciones, tenía que dedicar un día entero para completar cada nueva obra. Pies adaptados a los zapatos de baile.

Una cosa que no se ha comentado es que cada actriz suele coser ella misma las pequeñas cintas de los zapatos de baile. ¡El camino al escenario está abierto!

En cuanto a los actores masculinos, usan los llamados zapatos blandos, que a los forasteros les parecen zapatos de tela comunes y corrientes. Por supuesto, su tecnología de producción no se puede comparar con la de las actrices, pero también tiene su propia exquisitez. Hay dos tipos de zapatos blandos: de suela entera y de suela partida. La suela consta de dos partes: la parte delantera y el talón. Es la parte delantera del zapato la que permite que los pies del actor se sientan cómodos y libres por dentro. Cómo apreciar el ballet Generalmente hay dos ideas para apreciar el ballet. Uno es tradicional y el otro es moderno. En general, se defiende que el método de apreciación debe unificarse con el objeto de apreciación: es decir, utilizar un pensamiento tradicional meticuloso para apreciar el ballet, el ballet musical y el ballet puro en los tres períodos tradicionales: "temprano", "romántico" y "clásico". ".

El método tradicional de apreciación exige que el público llegue al teatro con media hora de antelación, para poder dejar todos los asuntos triviales y preocupaciones de la vida diaria fuera de la puerta del teatro o en el espacio terrenal de el guardarropa, y luego cálmate, dedícate de lleno al teatro, un campo estético muy especial que nada tiene que ver con las aglomeraciones en la carretera, el ruido en el mercado, las disputas en el lugar de trabajo y las trivialidades en el trabajo. la familia y adéntrate en "Sylphide", "Giselle", "Un país de las maravillas creado por el hombre como "Coppelia" y un mundo de ensueño como "La Bella Durmiente", "El Cascanueces" y "El Lago de los Cisnes" para escapar del ajetreo y el bullicio de la ciudad y la presión mental durante varias horas.

A continuación, también podemos estudiar detenidamente la lista de programas, leer atentamente la sinopsis de la trama, los comentarios relevantes, una breve historia de la compañía de danza, presentaciones de coreógrafos y bailarines, etc., buscar estrellas de ballet ampliamente reconocidas e imaginar otras estrellas de ballet. Música embriagadora, obras maestras, trajes lujosos y magníficos y paisajes magníficos...

El método de apreciación moderno no tiene requisitos estrictos para el público, pero les proporciona una filosofía despreocupada. Porque la vida moderna El ritmo de la película no permite que el público, especialmente el público profesional, llegue al cine con media hora de anticipación. En cambio, enfatiza que el público no necesita ideas preconcebidas durante el proceso de apreciación, solo necesita. Para utilizar los diferentes conocimientos racionales que llevan consigo para comprender, simplemente utilice sus coloridas experiencias perceptuales de la vida para participar.

Esta forma de apreciación cree que las cosas del programa son simplemente trampas tendidas por los coreógrafos, o panaceas vendidas para compensar la incoherencia del director de teatro de danza o del coreógrafo de ballet. Puedes verlo o no. ¡Es incluso mejor no mirar! No importa cómo se "escribe" la trama, el éxito o el fracaso sólo puede depender de cómo "baila" en el escenario. En última instancia, el ballet sigue siendo danza y teatro como complemento. De lo contrario, sería imposible explicar por qué los actores principales del ballet saludan con frecuencia al público después de bailar el pas de deux o incluso después de bailar las variaciones. Si el drama es más importante que la danza, ¿no sería este tipo de comportamiento un "drama"? ¿Cómo pueden tolerarlo el público y los críticos occidentales durante todo un siglo?

Esta forma de apreciación cree que las celebridades pueden ser apreciadas, pero no hay necesidad de adorarlas hasta el punto de la admiración. ¡La cultura de adoración a las celebridades es realmente demasiado clásica! Lo más importante es seguir tus propios estándares estéticos en lugar de seguir las opiniones de los críticos; encontrar la estrella en tus propios ojos y corazón en lugar de seguir a la multitud.