Disfruta de una vida diferente en el drama
Es un pintor moderno que no está influenciado por el Impresionismo, el Cubismo y el Expresionismo Abstracto. La palabra "surrealismo" se utiliza para describir su obra. Sus obras son pintorescos paraísos de fantasía, con personas voladoras, peces con alas, terneros tocando instrumentos musicales y gallos a caballo. No es difícil adivinar que el pintor que creó estos cuadros de cuentos de hadas es Chagall.
Chagall: Stages of Imagination, en exhibición en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, presenta vestuario y decorados diseñados por Chagall para cuatro producciones teatrales, y sirve para mostrar a un Chagall poco conocido: un escenario. diseñador. Entremos en el arte dramático de Chagall y veamos si es caótico, colorido o...
1 Apertura: Busque "Pintor Chagall"
Cuando la gente ¿De qué hablan cuando? ¿Hablan de Chagall? La curiosidad puede llevarte a escribir su nombre en un motor de búsqueda, y en la pantalla aparecerán algunos títulos hermosos: "Chagall - La esposa soñada", "El cumpleaños de Chagall y Bella", "La ciudad natal de mis sueños - "Mi pueblo" de Chagall", " La caída de los ángeles y la nostalgia del paraíso”, “Las pinturas de Chagall y…”. Probablemente esto perfila al Chagall que conocemos, un pintor con temas de amor, ciudad natal y religión.
Imagen|Marc Chagall Sobre la ciudad, óleo sobre lienzo, 1918.
En las pinturas de Chagall, muchos detalles narrativos se manejan con soltura, apareciendo desproporcionados y sin estructura alguna. Las imágenes de fantasía se expanden como burbujas, mientras que las personas reales se condensan y yuxtaponen. Los bloques de colores superpuestos, las inversiones y las formas intercaladas crean "una imagen ilógica".
Cuadro|Castigo blanco, Marc Chagall, óleo sobre lienzo, 1938.
Esta combinación y disposición lógica involuntaria en las pinturas de Chagall, dijo el hombre de 97 años en una entrevista con la revista francesa "Le Figaro": "¿Sabes cómo comencé a pintar? Copié ilustraciones de un diccionario y juntarlos en mi propio orden." Es esta falta de lógica lo que hace que sus pinturas y diseños parezcan tan oníricos.
Imagen | Marc Chagall antes del trabajo
En sus obras, parece que tres temas: el amor, la ciudad natal y la religión circulan en un ciclo, interpretando constantemente su forma y disposición ilógicas. Su deseo de repetición familiariza silenciosamente al espectador con los símbolos pictóricos de Chagall. Sin embargo, cuando la gente menciona ocasionalmente su identidad como escenógrafo, la palabra clave no se encuentra por ninguna parte.
Imagen|La flauta mágica, Marc Chagall, 1967.
De hecho, ya en 1911, cuando Chagall estudiaba en San Petersburgo, empezó a intentar diseñar ballet. Inspirado por la teoría de Richard Wagner, intentó cambiar la forma de interpretación del ballet en el pasado mediante la combinación de música, danza y pintura, combinando las tradiciones rusas y occidentales con el arte modernista.
2. Se levanta el telón: El teatro de ensueño de Chagall
Durante más de un siglo, los artistas visuales han ampliado su práctica artística al dedicarse al diseño de escenarios para ballet, teatro y ópera. Se puede decir que el teatro escénico es un lugar donde el arte y el diseño pueden conectarse. No es raro que en el arte moderno los artistas crucen fronteras o que los pintores colaboren con directores y diseñadores de teatro. Por ejemplo, a principios de la década de 1930, los artistas expresionistas alemanes Oscar Slime y Wassily Kandinsky en la Bauhaus,
<. p>Foto | Ballet para tres personas, Laboratorio Oscar Slim, ballet, 1922.Con el fin de difundir sus ideas dramáticas, Slime fundó un estudio de teatro en la Escuela Bauhaus y estrenó su ballet experimental "Ballet para tres" en el Teatro de Stuttgart en septiembre de 1922. Sus representaciones teatrales enfatizan un sentido de ritual para resaltar la alienación entre el escenario y el mundo real, y enfatizan la relación entre el cuerpo humano y las personas y el espacio circundante a través de movimientos y trajes estilizados.
Imagen | Personajes de "Ballet Trio", Laboratorio Oscar Slim, ballet, 1922
Otro ejemplo es el Black Mountain College en Estados Unidos en los años 1940 y 1950. Una colaboración experimental entre artistas. , compositores y bailarines.
Los teatros transfronterizos suelen ofrecer interpretaciones únicas de obras teatrales y crear diferentes efectos visuales escénicos. Desde 1911, Chagall colaboró con teatros y óperas de Rusia, México, Nueva York y París, añadiendo fantasía y diseño innovador a sus escenografías.
Foto | Marc Chagall prepara el escenario para La flauta mágica.
Foto | Marc Chagall prepara el escenario para La flauta mágica, 1967.
Acto 1: 1942: Aleko.
Chagall anhelaba diseñar teatro ruso. En 1942, diseñó el vestuario y el fondo escénico de la ópera "Aleko" de Sergey Rachmaninov, basada en el largo poema narrativo "Gypsy" de Pushkin.
Imagen|Escenografía de Marc Chagall Aleko, 1942.
"Aleko" cuenta la historia de Aleko, un intelectual aristocrático ruso que está cansado de la vida aristocrática sin vida y se enamora de la gitana Jane Terror. Entonces, abandonó su zona de confort familiar y siguió sus verdaderos miedos para unirse al grupo nómada libre de gitanos. Sin embargo, dos años después, Fear sí se enamoró de otra joven gitana. Enfurecido y desesperado, Aleko mató a la pareja. La gitana enterró el verdadero miedo y su amante, "abandonó el terrible barranco, y pronto todos desaparecieron en la distancia de la pradera", dejando solo a Aleko solo en el desierto.
Fotografía | Escenografía de "Aleko": el campo de trigo de Marc Chagall en una tarde de verano de 1942.
En el diseño del telón del escenario, Chagall debilitó la perspectiva y enfatizó el color, presentando un color más vivo. En grandes bloques de colores de amarillos cálidos y azules intensos, representa personajes habituales como los gallos que caminan en el aire y los amantes del vuelo. Cuando un actor actúa en un teatro con un traje diseñado por Chagall, es como mostrar un cuadro de Chagall.
Imagen | Borrador de diseño de vestuario para Aleko, Marc Chagall, 1942.
Foto | "Aleko" traje de terror real, Marc Chagall, 1942.
Foto | Borrador de diseño de vestuario de Alekoto, Marc Chagall, 1942.
Imagen|Traje de Aleko, Marc Chagall, 1942.
El vestuario de Chagall para Aleko encaja con el tono del ballet. Bajo los elementos frescos, hay un toque de tristeza. Nos parece ver los bloques de color superpuestos y las formas invertidas en las pinturas de Chagall en los trajes de los actores, y vemos los peces voladores, los caballos azules y los zorros que aparecen a menudo en sus pinturas...
Imagen Ah | Traje de Leco, Marc Chagall, 1942.
Fotografía | Boceto de diseño animal de Aleko, Marc Chagall, 1942.
Fotografía | Boceto de diseño animal de Aleko, Marc Chagall, 1942.
Lo que sustenta su diseño es una especie de pensamiento en prosa, que desprende una atmósfera de libertad onírica. Por lo tanto, los espectadores no pensarán erróneamente que están viendo un cielo azul y campos de trigo anaranjados, sino que se darán cuenta de que se trata de un conjunto realizado mediante un procesamiento artístico. Aunque "Aleko" cuenta una trágica historia de amor loco, con una escenografía maravillosa y telones de ensueño, ha diseñado un hermoso teatro de tragedia.
Fotografía | Boceto de diseño animal de Aleko, Marc Chagall, 1942.
Acto 2: 1945: El pájaro de fuego
El diseño teatral de Aleko dio a la gente una sensación refrescante en ese momento, lo que también atrajo más oportunidades para Chagall. En 1945, el Ballet de la ciudad de Nueva York le encargó el diseño de los decorados y el vestuario del ballet "El pájaro de fuego" de Stravinsky.
Fotografía | Grupo Firebird: Pájaro de fuego y Príncipe en el bosque de Marc Chagall, 1945.
Fotografía | Grupo Firebird: Pájaros de fuego en el bosque de Marc Chagall, 1945.
La historia de "El pájaro de fuego" está basada en la mitología rusa. Cuenta la historia del joven príncipe Iván que accidentalmente atrapó un pájaro de fuego en el bosque a altas horas de la noche. Ella le suplicó que la dejara ir, ofreciéndole una pluma ardiente como símbolo para ayudarla en su momento de necesidad. Iván soltó al hermoso pájaro de fuego.
Imagen|Traje Firebird: El pájaro de fuego regresa a la libertad, Marc Chagall, 1945.
Por la noche, Iván descubrió el castillo del diablo Kachi en el bosque. Vio a 13 princesas reales que habían sido secuestradas en el castillo por Cachey saliendo del palacio para jugar al juego de la manzana dorada. Al amanecer, las princesas tuvieron que regresar al Palacio Qazi para su confinamiento. El príncipe intentó salvar a las princesas, pero fue atrapado por el malvado monstruo.
Imagen|Firebird: Pájaro de fuego al rescate, Marc Chagall, 1945.
En el momento de la crisis, Iván recordó las plumas del pájaro de fuego. El pájaro de fuego cumplió su promesa y acudió al rescate y lanzó un hechizo para matar al rey demonio Kaxi. Cuando la luz vuelve a aparecer, las princesas son liberadas. Al final, Iván se casó con la Princesa No. 13 como deseaba y todos terminaron felices.
Imagen|El pájaro de fuego: El amante, Marc Chagall, 1945.
En la narrativa del ballet de "El pájaro de fuego", Chagall creó varios animales y monstruos imaginarios para crear el tono del teatro.
Foto | Firebird Monster 1 Borrador, Marc Chagall, 1945.
Foto | Monstruo pájaro de fuego 1, Marc Chagall, 1945.
Imagen | Borrador de Firebird Monster 2, Marc Chagall, 1945.
Imagen|Monstruos pájaro de fuego de Marc Chagall, 1945.
Diseñó más de 80 trajes para el espectáculo, muchos de los cuales incorporaron nuevos materiales, incluidas telas estampadas transparentes y coloridas, y utilizaron aplicaciones de patchwork y complejos métodos de bordado.
Fotografía | Cachey del pájaro de fuego de Marc Chagall, 1945.
Por ejemplo, los trajes de los espíritus malignos usan colores oscuros para expresar sus almas oscuras. El diseño de la capa utiliza materiales transparentes, que lucen salvajes y caóticos sobre el fondo rojo, contrastando con los trajes limpios y prolijos. de los personajes frontales.
Foto | Traje de pájaro de fuego, Marc Chagall, 1945.
Fotografía | Escenario del pájaro de fuego, Marc Chagall, 1945.
Acto III: 1967: La Flauta Mágica
En los diseños de Chagall, los atributos del bien y del mal de los personajes se pueden distinguir fácilmente por su vestimenta y estilismo. Esta regla también se aplica a la ópera "Mozart: La flauta mágica" encargada por la Metropolitan Opera en 1967, en la que Chagall volvió a vestirse con trajes para crear decorados y vestuario.
Foto | Las esculturas del Reino Oscuro de la Flauta Mágica, Marc Chagall, 1967.
Para realizar el fondo escénico y el vestuario, pasó tres años diseñando el vestuario de 1 y 21, desafiando la complejidad de los cambios de escena en la ópera. En este drama, Chagall enfatiza el contraste de color y enfatiza la belleza de las formas geométricas para crear un espacio onírico y transmitir una narrativa dramática.
Ilustración | Borrador de La flauta mágica, Marc Chagall, 1967.
Cuadro | La flauta mágica, Marc Chagall, 1967.
"La Flauta Mágica" es una de las cuatro óperas más destacadas de Mozart. Está adaptada de un cuento de hadas de la colección de cuentos de hadas de Wieland "La Flauta Mágica de Lulú". La historia cuenta que el príncipe egipcio Tamino fue perseguido por una gran serpiente y rescatado por la doncella de la Reina de las Tinieblas. La Reina de las Tinieblas le dijo al príncipe que el villano Sarastro Ro se había llevado a su hija y esperaba que el príncipe pudiera salvarla.
Imagen|El conjunto de la Flauta Mágica: La noche y la reina, Marc Chagall, 1967.
Le mostró el retrato de su hija Pamina al príncipe. El príncipe se enamoró a primera vista y aceptó fácilmente rescatar a Pamina. Cuando el príncipe parte, la reina le regala una flauta mágica con la que puede tocar música mágica.
Imagen|La Flauta Mágica: Tocando la Flauta Mágica, Marc Chagall, 1967.
De hecho, Saraste Ro es el maestro de la sabiduría y el líder de la "Tierra de la Iluminación". Antes de su muerte, el marido de la Reina de las Tinieblas le entregó a su hija Pamina para que le enseñara. La Reina de las Tinieblas estaba muy insatisfecha con esto y trató de destruir el Templo de la Luz y recuperar a su hija. El príncipe Tamino pasó por varias pruebas, descubrió la conspiración de la reina y finalmente se casó con Pamina.
Foto|La flauta mágica: El triunfo de la justicia, Marc Chagall, 1967.
Chagall distinguió a través del modelado a los dos personajes opuestos de la Reina del Reino Oscuro y Saraste Ro, el líder del Reino de la Luz, revelando así el tema de la obra y su creencia en que la luz eventualmente triunfará. Deseos oscuros.
Foto | La Reina de las Tinieblas en "La flauta mágica", Marc Chagall, 1967.
Fotografía | El vestido de la Reina de las Tinieblas de La flauta mágica, Marc Chagall, 1967.
Imagen|La flauta mágica, El señor de la luz, Marc Chagall, 1967.
La escenografía de Chagall interpreta sus propias ideas: en sus diseños aparecen muchas figuras de animales como ovejas, vacas, gallinas, caballos, peces y flores, violines, relojes, etc. Estas palabras también aparecen en sus pinturas, pero en teatro, creando la atmósfera emocional de diferentes escenas y reproduciendo la atmósfera y el tono de diferentes guiones. Al mismo tiempo, también utilizó el color para implicar los atributos buenos y malos de los personajes y la trama del drama. De esta manera, en el drama de Chagall, no hay riesgo en juzgar un libro por su apariencia, y no hay dificultad en distinguir entre el bien y el mal.
3. Final: ¿Por qué diseñar?
Chagall llevó al escenario sus propias características pictóricas. En sus diseños parece seguir una filosofía simple: la bondad es belleza. En este drama narrativo y emocional, podemos comprender mejor las buenas intenciones detrás de los llamados bellos diseños de Chagall. Chagall escribió una vez: "Demasiadas personas pobres fueron desplazadas en la guerra. Realmente quiero trasladarlos a todos a mi lienzo y escenario y dejarlos vivir seguros".
Imagen | Conjunto de flauta mágica, Marc Chagall, 1967.
Las penurias de la guerra también dejaron huellas en el diseño de Chagall, y todos los factores parecieron romperse. La perspectiva, la forma, la línea y el color revelan una agitación incómoda y, finalmente, colores brillantes y hermosas imágenes cimentan el teatro de sueños de Chagall. Su arte siempre ha sido amable: "Sólo con la simpatía y el amor humanos podemos galopar hacia nuestros ideales y dejar las innovaciones de nuestro tiempo a las generaciones futuras. Esperamos limpiar la tierra del caos y buscar alegría en colores brillantes. Dejemos que el arte entre en el reino de los cielos como la obertura de Mozart “¿No dijo Romain Rolland: “Ver el mundo con claridad y luego amarlo?” "
Imagen|El conjunto de la flauta mágica, Marc Chagall, 1967.