Un pintor occidental que es bueno pintando mujeres hermosas o luces y sombras.
Raphael (Raffaele), uno de los tres maestros del Renacimiento, era bueno pintando Madonnas.
Raphael (Raffaele) Raphael (Lafayette) Sanchi: "El que cura" Mensajero Brillante", Rapha significa sanador, médico, etc. en hebreo. Como Rafael es un ángel que practica artes curativas, se le asocia con la imagen de las serpientes. Rafael es el ángel regente del segundo día, el monarca de los ángeles del poder, el guardián del árbol de la vida en el Jardín del Edén y uno de los siete ángeles que siempre están frente al trono de Dios. La leyenda de Rafael es extremadamente complicada. Es a la vez un arcángel y un ángel poderoso, pero tiene las seis alas de un serafín y también pertenece a las tres órdenes de querubines, ángel señor y ángel poderoso. La imagen de Rafael siempre ha sido agradable. Además de curar las enfermedades de las personas, también le enseñó a Noé los conocimientos y habilidades para construir un arca. El Antiguo Testamento registra que también se dice que el ángel que luchó con Jacob y alivió a Abraham del dolor de la circuncisión en su vejez era Rafael. No sólo trata los cuerpos de las personas, sino también sus creencias.
Sus obras tienen un estilo elegante y bello. Es bueno pintando "dioses" con imágenes "humanas", y la Virgen que pintó es la imagen de una madre corriente con una conducta elegante y un corazón bondadoso en la vida. Su obra maestra es el fresco "Madonna Sixtina". Esta obra refleja el estilo pictórico único y las ideas humanistas de Rafael.
Rafael (1483～1520) Rafael
Pintor italiano. Nacido en Urbino el 6 de abril de 1483, fallecido en Roma el 6 de abril de 1520. Su nombre original era Raffaello Sangio. Estudió pintura con su padre (pintor de la corte del duque de Urbino) desde niño, y posteriormente pasó a los discípulos de Perugino, graduándose en 1500. Las primeras obras de Rafael revelan un genio extraordinario. Las "Bodas de la Virgen", pintada cuando tenía 21 años, no sólo muestra que absorbió plenamente la esencia artística de Perugino, sino que también vino desde atrás e introdujo innovaciones en la composición y la creación de imágenes. En particular, el equilibrio del cuadro, la representación del fondo y la dignidad y elegancia de las imágenes de la Virgen María y su esposo José son poco comunes en las obras de pintores anteriores. Vivió en Florencia de 1504 a 1508, donde fue influenciado por la democracia y la política, una vez restauradas, el espíritu democrático y las ideas humanistas. Al mismo tiempo, comprendió cuidadosamente las características artísticas de los maestros de cada escuela de pintura y aprendió de las fortalezas de las demás. Se dedicó especialmente a estudiar las técnicas de composición de Leonardo da Vinci y la expresión del cuerpo humano y el estilo poderoso de Miguel Ángel. haciendo cada vez más maduro su estilo único y hermoso de espíritu clásico, logrando así rápidamente grandes logros que lo sitúan a la par de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Sus series de retratos de Madonna se diferencian de temas similares pintados por pintores medievales. Todos encarnan ideas humanistas con ternura maternal y aptitud juvenil. Los más famosos entre ellos son "Madonna con Oriole" (recopilada en la Galería de los Uffizi, Florencia), "Madonna in the Grass" (recopilada en el Kunsthistorisches Museum de Viena) y "Madonna in the Garden" (recopilada en el Museo del Louvre). . La pintura al óleo a gran escala "Madonna Sixtina" pintada en 1512-1513, las figuras son similares a las de tamaño natural, la composición triangular compuesta por la Virgen y los santos es solemne y equilibrada, la Virgen y Jesús tienen posturas fuertes y fuertes. mostrando el poder del amor maternal la felicidad y la grandeza. Otra más alta es la "Madonna de Foligno" en forma de retablo, y la "Madonna en la silla" y la "Madonna de Alba" creadas posteriormente, las cuales pueden considerarse sus obras impecables. Después de 1509, fue invitado por el Papa Julio II a pintar murales en el Palacio del Vaticano, entre los que destacan los murales de la Sala de las Firmas. Este lote de pinturas repartidas por las paredes y el techo de la sala representan cuatro aspectos de las actividades espirituales humanas: teología, filosofía, poesía y derecho. Además de mostrar su estilo pictórico único, las obras también prestan especial atención a la expresión pictórica y la arquitectura. La plena armonía de la decoración da a la gente un sentimiento solemne, rico y colorido. Entre las obras importantes de este período se incluyen "La expulsión de Eliodoro del templo" y "La misa de Porsenna" pintadas para la Sala Eliodoro, "La alarma de incendio en Borgo" pintada para la Sala de los Bomberos y "El triunfo de Galatea" pintada en la Villa Farnesina, etc. La forma de la imagen y el uso de la luz y el color en estas obras han alcanzado un nuevo nivel y son conocidas como la cúspide del arte mural antiguo y moderno.
Sus retratos también están muy logrados. Se caracteriza tanto por la forma como por el espíritu y está lleno de encanto.
La mayoría de ellos utilizan una postura ligeramente lateral para ocultar el fondo, dejando solo el comportamiento natural y amigable de los personajes destacándose en la imagen. Representado por el "Retrato de Castiglione" y el "Retrato de una mujer con velo". El primero representa a un erudito cuya elegancia y profundo conocimiento son evidentes. Este último representa a una niña cuya apariencia es similar a la imagen de la Virgen en las obras del autor, pero su vestimenta elegante y su cuerpo fuerte representan adecuadamente a la mujer en la vida. En la primavera de 1520, estaba gravemente enfermo y todavía estaba pintando "La Transfiguración". Aunque no estaba terminada, las partes que tenía en la mano todavía estaban radiantes y majestuosas, lo que indica que en el último momento de su vida todavía estaba explorando. y explorar. Enriquece y perfecciona tu propio estilo.
Muchos maestros del Renacimiento pintaron Vírgenes. Sin embargo, ninguno de ellos alcanzó la versatilidad de Rafael, ese color delicado al abordar la imagen de mujer-madre. Esto queda claro al comparar estas dos obras maestras, "Madonna de Granduca" y "Della Segia". En el primer cuadro, la joven María aparece como si estuviera perdida en su propio mundo interior, que está infinitamente lejos de todo lo que la rodea. La expresión mesurada de su afecto maternal se expresa a través de su gentil gesto de tomar con cuidado la mano del niño. Esto último es enteramente mundano y quizá incluso ligeramente ordinario. Sin embargo, toda su apariencia estaba llena de verdadera dignidad humana y tranquila gracia. La Virgen, que tenía el bello rostro de una campesina italiana, sostuvo a su hijo en brazos y trató de protegerlo del dolor. La joven madre no viste el traje tradicional de la Virgen, sino el bragi que llevaban los contemporáneos del pintor, y su cabeza está cubierta con un turbante a cuadros. Raphael Sandro nació en Urbino, Italia en 1483, y estuvo influenciado por ideas humanistas desde niño. De niño estudió pintura con el famoso pintor Perugino y se hizo un nombre. Su ambición pictórica es tan famosa como la de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, y es uno de los tres maestros del Renacimiento. Muchas de las bellezas ideales que creó, especialmente las imágenes de la belleza femenina, están fuera del alcance de las generaciones futuras.
Cuando el joven Rafael llegó por primera vez a Florencia, era simple en pensamientos y sentimientos, pero pronto mostró un talento propio, es decir, el talento para absorber y transformar varias posibilidades potenciales, y Él sin problemas Pasó del estilo sentimental tradicional de Umbría al estilo magnífico que se especializa en grandes escenas dramáticas y se convirtió en un pintor que expresa la naturaleza humana (en términos de habilidades pictóricas, también cambió de un estilo de dibujo lineal a un estilo de pintura). Desde entonces, sus obras han conservado las cualidades femeninas de su maestro Perugino e integrado con éxito muchos de los logros iniciados por Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Aunque a los ojos del mundo puede carecer de la sutil y aguda sensibilidad de Leonardo da Vinci, y ni siquiera puede igualar a Miguel Ángel en poder expresivo, su sentido de afortunada moderación y su afable carácter aún hacen brillar sus obras, haciéndolas cada vez más preciosas. y raro.
En su corta carrera, Rafael dejó un gran número de obras maestras de la pintura a las generaciones futuras. Entre sus obras representativas destacan principalmente "El Novio", "La Virgen Sentada", "La Virgen de Cardellino", "La Virgen de Canarias", "La Escuela de Atenas", "El Debate Sacramental", "Santa Cecilia" y "La Sixtina". Madonna". También hay muchos retratos hermosos. Nos dejó hasta 400 bocetos. En cuanto al método de dibujo, al igual que Leonardo da Vinci, primero hizo un borrador de la idea general y luego lo pintó cuidadosamente para lograr la armonía entre las distintas partes del cuadro y el conjunto. Contenido, equilibrio, casi al nivel del pensamiento. En el uso de herramientas de dibujo, generalmente cambia de manera flexible según las necesidades del propósito de la pintura.
En términos generales, el arte de Rafael está lleno de bondad, con un estilo suave y elegante, situándose en la cima del honor artístico ideal.
El pintor holandés Rembrandt es bueno representando la luz.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Rembrandt Harmenszoon van Rijn)
Pintor holandés (1606) 15 de julio de 1669 - 4 de octubre de 1669)
Uno de los más grandes pintores de Europa del siglo XVII y el más grande pintor de la historia holandesa. La abreviatura de Taiwán es Rembrandt.
Rembrandt nació en Leiden, Países Bajos. Su padre era molinero y su madre era hija de un panadero.
Rembrandt ingresó en la Universidad de Leiden a los 14 años; a los 17 años, fue a Ámsterdam para aprender pintura del pintor histórico Lastman, en 1627, cuando tenía 21 años, ya dominaba básicamente; y desarrolló sus habilidades de pintura al óleo, dibujo y grabado. Con su propio estilo, regresó a su ciudad natal y abrió su propio estudio para reclutar aprendices de pintura. Durante este período, pintó muchos autorretratos. En 1631, abandonó Leiden. y se fue a Ámsterdam. En la década de 1930, se convirtió en el principal retratista de Ámsterdam. Sus arreglos de figuras en estilo retrato son dramáticos y profundamente conmovedores, y sus obras basadas en historias mitológicas y religiosas tienen una gran demanda. Estaba interesado en el drama y a menudo usaba colores brillantes como reflejos del escenario para representar figuras sobre fondos oscuros. Después de la década de 1950, sus pinturas se volvieron más amplias y poderosas, utilizando colores superpuestos para hacer las imágenes más tridimensionales.
A partir de la década de 1940, caminaba y pintaba a menudo por el campo, creando numerosos bocetos y grabados que reflejaban la naturaleza, con un estilo sencillo. 1661 fue el año en el que más pintó. Después de 1663, pintó menos. Se hizo amigo de muchos ciudadanos de clase media y baja. Su visión se hizo más amplia, sus habilidades se hicieron más maduras y su creatividad alcanzó su punto máximo.
Rembrandt y su esposa tuvieron 4 hijos, sólo el menor sobrevivió, pero su esposa murió poco después de dar a luz al niño. Vivió con una criada, quien le dio a luz una hija, para lo cual. La iglesia lo condenó oficialmente como una "vida pecaminosa". Debido a que a menudo compraba grandes cantidades de ropa y herramientas para pintar y nunca se preocupaba por la propiedad, pronto estuvo al borde de la bancarrota. Murió en la pobreza y la enfermedad en 1669, solo con su hija a su lado. Después de su muerte, fue enterrado en un cementerio anónimo en la Iglesia del Oeste.
Rembrandt dejó más de 600 óleos, más de 300 aguafuertes y más de 2.000 bocetos durante su vida. Casi pintó más de 100 autorretratos, y casi todos los miembros de su familia aparecieron en sus cuadros. Aprobar.
La obra más famosa de Rembrandt es “La ronda de noche”. Este es un tesoro de valor incalculable, pero debido a esta pintura, Rembrandt cayó en una situación embarazosa.
Los Países Bajos en el siglo XVII eran una época de tendencias pictóricas generalizadas. Sin embargo, las pinturas en ese momento eran principalmente retratos para diversas clases del mercado. Por lo tanto, la satisfacción del empleador era la clave para un pintor. éxito. En aquella época vivía en los Países Bajos el pintor de éxito Rembrandt. Rembrandt triunfó en sus primeros años. En aquella época, sus pinturas eran muy populares en los Países Bajos, por lo que su vida era muy cómoda. La esposa de Rembrandt era hija de un noble en decadencia. Para mantener la dignidad de la familia, Rembrandt compró una casa grande y se hizo cargo de los gastos extravagantes de los hermanos de su esposa.
En 1642, el capitán Banning Kirk y sus 16 milicianos pagaron 100 florines cada uno para pedirle a Rembrandt que pintara un retrato colectivo. Rembrandt no pintó un retrato aburrido colocando a 16 personas frente a una mesa de banquete como era popular en ese momento, sino que diseñó una escena él solo, como si las 16 personas hubieran recibido la orden de salir a patrullar, y cada una de ellas. Estaba haciendo algo diferente. Prepárate. Esta pintura utiliza una fuerte técnica de claroscuro y utiliza la luz para dar forma al cuerpo. La imagen es rica en capas y dramática. Desde cualquier punto de vista, es una obra maestra absoluta. Esta es la "Ronda de Noche" más famosa del futuro. Sin embargo, los milicianos vulgares renunciaron y todos pagaron 100 florines. ¿Por qué algunas personas son tan obvias en la pintura, pero tienen que esconderse detrás de ellas? Los milicianos pidieron al artista que pintara un nuevo retrato. Sin embargo, por el sentido artístico de un pintor y su insistencia en sus propias ideas artísticas y métodos creativos, Rembrandt insistió en no pintar un nuevo cuadro.
Este incidente causó revuelo en toda Ámsterdam. Después de esto, nadie pidió a Rembrandt que volviera a pintar un retrato de grupo. Durante este arduo proceso, la esposa de Rembrandt murió después de dar a luz a un hijo.
Después de que los milicianos recuperaran la "Ronda de Noche" porque era demasiado grande para colgarla en el vestíbulo, la cortaron, provocando que toda la pintura perdiera su equilibrio original. La sala donde estaba colgado el cuadro se calentaba con un fuego de turba. La ceniza de turba depositó una gruesa capa de ceniza de carbón sobre el cuadro, oscureciendo todo el cuadro. En el siglo XVIII, la gente creía que originalmente se trataba de un cuadro diurno. La escena tiene lugar de noche, lo que le da el nombre de "Guardia Nocturna". Ahora este cuadro tiene su propia sala independiente en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Cuando lo miramos, parecemos sentir que hay vida fluyendo sobre el lienzo...
Rembrandt era una persona que lo arriesgaba todo. Para pintar, cuando entró al estudio, podría haber ignorado el mundo exterior durante unas semanas y haberse dedicado por completo a la pintura. Para cuidar de su hijo, Lun contrató a una joven del pueblo con poca educación para que fuera suya. niñera. Más tarde, tuvo un hijo con ella. Ahora toda Amsterdam está emocionada, piensan que esto es un escándalo, esto es una especie de adulterio, toda la pequeña burguesía ha caído en una situación en la que están entusiasmadas con la oportunidad de salpicar agua sucia sobre las almas nobles, todos miran lo bueno. espectáculo, todos Todos se rieron del pintor, y el sacerdote calvinista también comenzó a denunciar a la mujer del pueblo, y luego estalló una tormenta más violenta. Ya nadie vino a pedirle a Rembrandt que pintara, solo comenzaron a llegar varios acreedores para cobrar las deudas. La vida de Rembrandt cayó en problemas.
La vida de Rembrandt fue difícil en sus últimos años. Las propiedades de su familia fueron subastadas y no había muchos compradores para sus óleos, sólo se encargaban grabados con temas religiosos. Una de las obras denominada "100 Dutch Coin Print" recibió su nombre por su precio de venta. Un alma noble pereció y la Escuela de Pintura Holandesa comenzó a decaer.