¿Cuáles son las diferencias en el tratamiento de la relación entre texto y música en las diferentes etapas y géneros del desarrollo de la ópera barroca?

El período barroco fue una etapa importante en el desarrollo del arte de la ópera, aunque las óperas habían aparecido antes de este período, se habían desarrollado enormemente y se convirtieron en la base de las óperas posteriores del período clásico italiano. El compositor Monteverde Dee es conocido como el "padre de la reforma de la ópera" y tuvo una gran influencia en el desarrollo de la ópera durante este período. El nacimiento de la ópera marcó la llegada del período barroco. La ópera barroca nació en Florencia, se desarrolló en Venecia y maduró en Nápoles. Las óperas florentinas carecen de melodía, las armonías son sencillas y sin cambios, y la música es demasiado monótona, Caccini, el músico representante de esta escuela, señaló una vez en "Nueva Música" que si se quiere componer o cantar bien, hay que entender la música. tema y letra. El significado de ?6?1?6?1?6?1 Esto es mucho más importante que simplemente saber el contrapunto. Acepto el enfoque elogiado por Platón y otros filósofos que decían: "La música no es más que palabras, luego ritmo y finalmente sonido?6?1?6?1?6?1" Esto es típico La idea de cantar primero y música en segundo lugar. El punto de partida de los músicos florentinos fue crear una ópera simple como la antigua Grecia; creían que la multitonalidad del contrapunto hacía imposible escuchar la letra con claridad, eliminaba ideas y destruía la poesía, por lo que siguieron métodos de canto recitativo y recitativo. Con el fin de resaltar la letra, trama y tema. El estilo de expresión enfatiza el recitativo, pero enfatiza demasiado las palabras y la melodía es anticuada. La escuela veneciana, representada por Monteverdi, se deshizo de la tendencia recitativa de las primeras óperas que seguían la letra lo más estrictamente posible, reforzó la capacidad expresiva y el estatus de la música en sí, sin apegarse a la poesía ni a la letra, y persiguió la perfección. Se separa el desarrollo, buscando el equilibrio, el recitativo y el aria. Utiliza un tono de recitación melódico, no un tono de recitación rígido que se acerque demasiado al lenguaje hablado, sino una melodía flexible. Aunque obedece a todos los requisitos de los versos, debe expresar los más pequeños altibajos del tono en los versos. versos y darles un significado puramente musical. En lo que respecta a la ópera napolitana, una tendencia se hizo más prominente: las óperas se volvieron cada vez más estilizadas y los cantantes podían agregar flores adicionales a sus arias en ese momento, como la ópera completa como género principal, solo gradualmente. Persiguió la belleza del canto Independientemente de la autenticidad del drama, las habilidades para el canto tienen prioridad y el cantante es el centro de la ópera. Presta más atención a los efectos externos, es irreal y presta atención a la música. Las deficiencias textuales fueron compensadas por la música, lo que condujo al surgimiento de una ópera de larga duración, pero que luego decayó.