Cómo estructurar la estructura general del guión
Obra en tres actos
¿Cómo construir la estructura general de la obra?
Lo que quiero presentarles es el método convencional utilizado en la mayoría de las series de televisión estadounidenses y películas de Hollywood, llamado drama en tres actos.
¿Qué es una obra de teatro en tres actos? En pocas palabras, una obra de teatro en tres actos es el comienzo, el desarrollo y el final. En otras palabras, el primer acto plantea el problema, el segundo acto intenta resolver el problema y el tercer acto realmente resuelve el problema.
Como marco narrativo, la obra de teatro en tres actos es la herramienta más importante para garantizar la eficacia del guión.
La obra en tres actos se corresponde con nuestra estructura psicológica profunda. Primero planteamos el problema, luego intentamos resolver el problema y finalmente lo solucionamos. Así es como funciona nuestro cerebro.
La obra de tres actos puede utilizar nuestro subconsciente para dejar que el público lo siga, permitiéndole entrar inconscientemente en el mundo del protagonista, siguiendo naturalmente al protagonista en el viaje, llegando al momento oscuro y creando un final emocionante. pararse. Sin la ayuda de tres actos, el público se perdería en el laberinto de la trama.
En un guión se debe aspirar a una duración razonable de tres actos. Si la duración total de una obra de cine y televisión se considera como una barra de progreso, entonces la primera sección es el primer acto, la mitad del medio es el segundo acto y la última sección equivale al tercer acto. Por supuesto, el arte es el tabú más tabú en cuanto a dogmas y las obras específicas variarán. Por ejemplo, algunas obras solo representarán 15 en el primer acto y algunas obras representarán 50, por lo que este es un concepto general.
Ahora que ya están dispuestas las tres escenas, ¿a qué debemos prestar atención en cada escena?
Acto 1
El primero es el Acto 1, que involucra tres cosas.
El primero es el "modo de presentación", que es el modo diario de presentar al protagonista. Por ejemplo, hay un pescador que va a pescar todos los días. Entonces este modelo es para mostrarlo pescando, lo que permite que el público comprenda al protagonista y el mundo en el que vive.
Por supuesto, este modelo puede no ser del todo satisfactorio. Satisfecho o no, este estado es básicamente un estado de equilibrio diario.
Lo segundo que tienes que hacer es "romper el patrón", es decir, el patrón diario del protagonista se rompe y de repente ocurre un accidente. Por ejemplo, un día, un pescador atrapó una botella y había un diablo en la botella. El diablo se llevó a su esposa e hijos. Cuando se rompe el patrón diario, la historia realmente comienza.
Después de romper el patrón, todavía necesitas hacer la tercera cosa, que se llama "dar razones para la acción". ¿Qué quieres decir? Mostrando el conflicto psicológico interno del protagonista: para cambiar este estado de desequilibrio, tuvo que trabajar duro para superar sus propios demonios internos y lograr su objetivo.
Tomemos como ejemplo al pescador. El equilibrio original de la vida se rompe. Ahora debe abandonar su vida de pesca original e ir a una pequeña isla a miles de kilómetros de distancia para luchar hasta la muerte contra el diablo. Todo esto le obliga a realizar esfuerzos y acciones.
¿Por qué deberíamos dar razones de nuestras acciones? Porque necesitas hacer que la audiencia se preocupe por tu personaje. Si el público no entiende desde el fondo de su corazón por qué su protagonista necesita comportarse de esta manera, no se preocuparán por él y no tendrán la motivación para seguir el programa.
Al igual que cuando una empresa asigna una tarea importante, debes decir por qué. Si solo habla de lo que hace y no de por qué, y no habla de los conflictos profundos dentro de usted o de su organización, la gente realmente no se dejará guiar por usted. Por eso es muy importante movilizar las emociones profundas de la audiencia y los participantes.
Esta es la primera escena. El protagonista abandona el viejo mundo y se embarca en un viaje para desafiarse a sí mismo. Lo más importante de esta escena es mostrar el estado diario del protagonista y luego utilizar eventos inesperados para romper esta vida diaria estable y finalmente empujar al protagonista por un camino peligroso.
Además, en el primer acto, debes considerar cómo presentar el conflicto interno de tu protagonista para que el público se preocupe por tu protagonista y lo siga hasta el segundo acto.
Acto 2
Ahora llegamos al Acto 2, la parte intermedia de la historia.
En el primer acto, el protagonista se enfrenta a su primer reto y emprende su viaje. En el segundo acto, la situación seguirá deteriorándose y el protagonista se enfrentará al segundo, tercer y cuarto desafío. Intentará resolver los problemas, pero cuanto más lo intente, mayores serán los problemas que encontrará.
La segunda escena es la más difícil de escribir, porque el guionista necesita diseñar rutas de acción ricas para los personajes, y la acción debe conducir a la siguiente acción. Lo que encuentro a menudo es que muchos guionistas escriben el primer acto con mucha seriedad y felizmente descubren cómo poner fin a la enorme imaginación en el tercer acto, pero el segundo acto es superficial y el protagonista no hace nada. encima.
¿Cómo podemos plantear estas acciones?
En este momento, debes movilizar tu "inteligencia de tortura", es decir, el guionista pondrá varios obstáculos para el protagonista en el segundo acto, obligándolo a arrinconarse una y otra vez, y haciéndole sufrir diversas torturas, físicas, sociales y, lo que es más importante, psicológicas, hasta que no haya otra salida. Por eso los buenos guionistas son sádicos y muy crueles con sus protagonistas.
Los guionistas de la serie de televisión estadounidense "Breaking Bad" decían que a veces acorralan al protagonista con tanta fuerza que ni siquiera sabe cómo salir. ¿Sabías que algunas obras de teatro tardan más de diez años en escribirse? De hecho, es porque es posible que estos guionistas no hayan pensado en una solución para un punto importante de la trama.
Para "abusar" de tu héroe, puedes hacer una "lista de miedos". ¿A qué le tiene más miedo esta persona, a dejar que sucedan estas cosas? Que surjan estas situaciones.
Cuanto más insultes a tus héroes, es menos probable que los espectadores abandonen el programa. Lo que tiene que hacer el guionista es utilizar su ingenio sádico para que el público siga de cerca la historia.
Quizás sepas que existe un libro clásico sobre narrativa llamado “El viaje del héroe”. En inglés, héroe y héroe son la misma palabra, es decir, un héroe tiene que hacer algo que es imposible o difícil para la gente común y corriente ser llamado héroe. Así que siéntete libre de insultar a tus héroes. Cuanto más trabajes, mejor será la obra y más le encantará al público.
Tercer Acto
Veamos el Tercer Acto. Hay dos cosas principales que hacer en el Acto III:
Lo primero es preparar la inversión.
Como se mencionó anteriormente, cavas el agujero más grande del episodio o película para tu protagonista al final del segundo acto. El público te sigue hasta el tercer acto con curiosidad sobre si podrá sobrevivir y cómo. En este momento, debes usar una gran imaginación, generalmente reversible y accidental, para rescatar a tu héroe del pozo.
Quizás te preguntes: Entonces no tengo esa idea y realmente no puedo pensar en una manera para que el protagonista escape de la desesperación.
Aquí es necesario hacer una construcción psicológica. Siempre habrá más de una salida para un escape desesperado. Si tienes suficientes detalles antes de realizar el cableado, seguramente podrás encontrar muchas formas para que el protagonista resuelva el dilema final. A veces las personas no tienen soluciones porque ignoran las soluciones potenciales, especialmente la relevancia de los detalles subyacentes.
Lo segundo que hay que hacer en el tercer acto: ofrecer al público un final que le satisfaga. Según la teoría de la cima, la gente quedará más impresionada por el sentimiento al final de una experiencia, lo que significa que su final afecta directamente la impresión de memoria de la audiencia.
Por eso, hay que dejar que el público abandone la sala con una actitud satisfecha. Esta sensación de satisfacción proviene de una maravillosa reversión o de un maravilloso momento decisivo, o de que el protagonista logra su objetivo y el mundo regresa del desequilibrio al equilibrio.
Por supuesto, los guionistas suelen organizar un momento conmovedor al final, permitiendo que el protagonista y sus familiares y amigos tengan un momento tranquilo o relajado y divertido, de modo que el público se vaya feliz. Por supuesto, si se trata de una tragedia, el guionista también permitirá que las emociones fuertes continúen durante un tiempo.
En definitiva, las obras de cine y televisión aportan una experiencia comunicativa. Lo que el guionista tiene que hacer en este punto es sumergir a la audiencia en el flujo por un tiempo y luego finalizar lentamente la transmisión, cerrando el telón antes de que la audiencia se dé cuenta de que ha sido teletransportada de regreso.