¡Quiero empezar a editar pero no sé por dónde empezar!

La edición (edición de películas) es uno de los procesos de postproducción cinematográfica. Es el término general para el proceso en el que los editores de películas reconstruyen, combinan y editan los materiales audiovisuales filmados en la etapa inicial para formar una película completa. . La cuestión más básica con la que tiene que lidiar la edición cinematográfica es la relación espacio-temporal entre las cámaras. El corte se refiere al proceso específico de procesamiento de películas. El montaje se refiere tanto a las habilidades artísticas de ensamblaje de lentes como a los efectos artísticos obtenidos mediante la edición. Sin embargo, en algunos países, montaje también es sinónimo de "edición".

Seleccionar y descartar una gran cantidad de materiales de la película y combinarlos en una obra que pueda transmitir la intención del creador es una parte importante de la creación cinematográfica y la recreación de la película desde el rodaje hasta su finalización.

Índice [hide]

1 Descripción general de la edición

2 La artesanía de la lente

3 El proceso y función de edición

4 Principales técnicas de edición

4.1 Técnicas de edición tradicional

4.2 Edición creativa

4.2.1 Edición narrativa y dramática

4.2.2 Edición analógica y expresiva

4.2.3 Edición de velocidad y ritmo

4.2.4 Edición de ritmo y música

4.2. 5 Edición de ritmo y música

4.2.2.3 Edición de velocidad y ritmo

Cinco cineastas famosos sobre la edición

6 Referencias

Descripción general de Edición

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Las primeras películas eran solo obras de teatro, filmando acción real.

A principios del siglo XX, el director de cine estadounidense Griffith comenzó a utilizar el montaje. El director Griffith comenzó a utilizar el método de disparo dividido para dividir el contenido en diferentes tomas, como usar primeros planos, primeros planos y otras tomas para resaltar detalles, usar tomas panorámicas y tomas largas para presentar el entorno, y El uso de una serie de cambios rápidos en tomas cortas para crear atmósfera y ritmo permite que la película rompa con el marco de la obra de teatro y la fotografía de eventos y se convierta en un arte moderno independiente, lo que también condujo al surgimiento del arte de edición. El arte de editar

Generalmente se cree que Edwin S. Porter fue uno de los primeros directores de cine en inventar el montaje. La mayoría de las primeras películas de Edison fueron cortometrajes stop-motion, que gradualmente aumentaron en duración, lo que llevó a la histórica película de Edwin Porter, La vida de un bombero americano (1902). Al año siguiente, realizó El gran robo del tren, película que ahora sirve de modelo para las primeras ediciones.

El montaje es originalmente parte del trabajo del director, y es una parte muy importante. Con el continuo desarrollo de la ciencia y la tecnología, las películas han evolucionado desde las primeras películas mudas hasta las sonoras. El proceso de edición se ha vuelto cada vez más complejo. Además, con la continua actualización de las técnicas de expresión cinematográfica, las tareas creativas del director se han vuelto cada vez más. Más arduo ya no tendrá tiempo, incluso le era imposible tener la capacidad de manejar equipos de edición y editar videos personalmente, por lo que poco a poco surgieron profesionales de la edición: editores y asistentes de edición. Los editores, al igual que los fotógrafos, artistas e ingenieros de sonido, son estrechos colaboradores del director. Comienza desde la etapa preparatoria del equipo de filmación y participa en todas las actividades creativas relacionadas con el director, como discutir el guión y ensayar la escena (es decir, ensayar la escena antes del rodaje). Debe comprender completamente las ideas y suposiciones del director, el director y los actores, y luego editar de acuerdo con los guiones de toma y escena proporcionados por el director, así como escenas de rodaje más específicas. La segmentación de escenas (diseño del director) y el montaje (edición de planos) son dos caras de la misma moneda. Lo primero es intención y lo segundo es implementación. Por eso, algunas personas llaman al montaje "postproducción de planos". Pero "período tardío" no significa operaciones puramente artesanales, sino una etapa de trabajo creativo. Que la lente sea apropiada afecta directamente la integridad y el atractivo de la imagen en pantalla y determina la calidad de la película terminada.

Los estilos de trabajo de los diferentes directores dependen de la edición en distintos grados. Sin embargo, además de reflejar más completamente las intenciones creativas del director, la edición también puede generar nuevas ideas de edición basadas en el plano por plano del director. Se recomienda que los directores agreguen ciertas tomas o eliminen ciertas tomas, y reajusten y complementen el diseño de la toma original para hacer que el contexto de un determinado párrafo o trama de la película sea cada vez más claro, y que la connotación y el ritmo sean más distintos.

El director necesita agregar algunas tomas o eliminar algunas, y reajustar y complementar el diseño de la toma original para hacer que el contexto de un determinado párrafo o trama de la película sea más claro, el significado más claro y el ritmo más distintivo.

El ingenio del material

La edición es un trabajo duro y minucioso. Un largometraje suele tener desde unos pocos cientos de planos hasta mil planos. La parte pictórica incluye escenas interiores, escenas exteriores, escenas reales y escenas construidas. El contenido de la misma escena generalmente se filma en conjunto y debe reorganizarse de acuerdo con el orden del contenido durante la edición. Las tomas importantes de la película a menudo se filman varias veces debido a razones técnicas o de rendimiento y deben seleccionarse durante la edición; . La mayoría de los planos son largos, por lo que es necesario encontrar el punto de empalme ideal; algunos planos largos y cortos deben aparecer transversalmente en la pantalla, en varias películas filmadas de forma continua, es necesario cortar muchos planos durante el montaje y luego. Siga la forma más efectiva. Las tomas se organizan en secuencia.

La parte sonora tiene tres métodos de grabación: pregrabación, grabación simultánea y post-doblaje. Las bandas sonoras grabadas mediante estos tres métodos de grabación deben procesarse en diferentes procesos y métodos. Las primeras grabaciones son en su mayoría cantos y música completos, y la música y las imágenes deben combinarse estrictamente de acuerdo con la melodía y la letra. Las bandas sonoras grabadas al mismo tiempo son en su mayoría líneas y efectos de sonido "basados ​​en la forma", que generalmente se editan en; al mismo tiempo que las imágenes correspondientes; el contenido del post-doblaje incluye líneas "Shape", voces interiores y efectos de sonido. La grabación de posproducción incluye diálogos "forma a forma", monólogo interior y voz en off, música ambiental de fondo y efectos de sonido "en pantalla" y "fuera de pantalla", etc. Estos contenidos generalmente se graban sobre la base de edición en pantalla, que requiere edición Considere la combinación de sonido e imagen de antemano. Esto requiere que la combinación de sonido e imagen y la serie de efectos artísticos que el sonido puede crear se consideren de antemano al editar. Antes de finalizar la edición final de la película, las imágenes editadas y las diversas bandas sonoras deben conservarse adecuadamente de manera ordenada para extender el tiempo de reunificación.

El proceso y función de la edición

Desde las tomas hasta las escenas, los párrafos y la finalización de la organización de la película, a menudo pasa por pasos como la edición inicial, edición, edición fina y edición compuesta.

El primer corte suele basarse en el guión, editando los movimientos corporales del personaje, diálogos, reacciones, etc.;

El segundo corte se basa en la corrección del primer corte;

La edición fina es más detallada y precisa, y las imágenes se revisan repetidamente;

La edición integral consiste en editar cada escena después de que se hayan completado todas las escenas de toda la película, teniendo en cuenta la Calidad general de la película. Estructura y ritmo. Algunas tramas funcionan bien por sí solas, pero cuando se combinan con escenas anteriores y posteriores, se sienten demasiado apretadas o demasiado sueltas, lo que requiere edición. Esto está relacionado con el ajuste de la estructura general y el ritmo de la película, que generalmente lo deciden el director y el editor mediante una investigación conjunta.

Principales técnicas de edición

La edición no sólo debe garantizar que el estado de acción compuesto por planos y lentes sea natural, coherente y fluido, sino también enfatizar el efecto escénico de la yuxtaposición de planos. y dar al estado de acción un significado inherente. La unidad dialéctica de las funciones duales de narrativa y expresión es una regla general para el uso de técnicas de montaje en la creación cinematográfica. Para lograr esta doble función, necesitamos dominar las técnicas de edición tradicionales y las técnicas de edición creativa.

Técnicas de edición tradicionales

La coherencia y la suavidad son técnicas de edición tradicionales, que también se puede decir que son las habilidades básicas de la edición.

Esta técnica tiene dos funciones principales:

Primera, en el montaje y recorte de planos, es necesario asegurar la suave transición de los planos, de modo que el público sienta que todos los planos las imágenes se completan de una vez.

El segundo es asegurar un cierto grado de coherencia entre los párrafos superior e inferior en la transición de los párrafos de la película, y delinear claramente los límites de los párrafos para que el público no confundirá el contenido de diferentes momentos y diferentes lugares con la misma escena. De esta forma, la audiencia no confundirá contenidos en diferentes tiempos y espacios con la misma escena. Para lograr técnicas de edición coherentes y fluidas, preste atención a los siguientes puntos al cambiar de toma: Evite la confusión. La conexión de acción entre los planos debe ser precisa, no desunida ni superpuesta; la dirección de los movimientos de los personajes y la relación espacial entre ellos no debe causar confusión visual debido al cambio de lentes. Por ejemplo, en la imagen, un personaje está activo en la sala de estudio, en la toma anterior, caminó desde la estantería hasta el escritorio y apareció desde el lado derecho de la imagen. Luego, en la siguiente toma, cuando camina hacia. el escritorio, debe estar en la imagen desde el lado izquierdo de la imagen. Las direcciones de entrada derecha e izquierda son las mismas, por lo que son suaves.

Si el plano anterior sale de la pantalla por la derecha y el siguiente entra por la derecha, las direcciones de movimiento del mismo personaje en los dos planos deben ser opuestas, lo que puede causar fácilmente confusión visual. Especialmente al editar escenas de batallas y persecuciones entre los dos bandos, la dirección debe ser clara, de lo contrario será difícil para el público distinguir.

Coordinación de transición de cámara. En la edición, a menudo es necesario editar partes de diferentes tomas que tienen formas y ritmos similares en estados de acción para lograr transiciones armoniosas. Las técnicas más utilizadas son "frenar con movimiento" y "frenar con estática".

"Movimiento con quietud" se refiere a cambiar la lente y los movimientos físicos del personaje durante el movimiento. Por ejemplo, si la lente está en movimiento, cuando no está en movimiento, cambia a otra lente de movimiento y la dirección. del swing es La velocidad es cercana y el efecto de conexión es bastante suave. La audiencia pasará naturalmente de un entorno o escena a otro a medida que la cámara tiembla. En la transición de tomas de acción como empujar, tirar, moverse y seguir, se aplica el mismo principio al "frenar con movimiento". El principio de "frenar con movimiento" es el mismo. "Frenado de movimiento" se refiere más a la transición de la cámara en los movimientos corporales del personaje. Por ejemplo, la acción de una persona que golpea la mesa cuando está enojada es a menudo el punto de corte de las tomas superior e inferior de la película, es decir, la mano de la cámara superior dispara hacia arriba y la mano de la cámara inferior dispara. hacia abajo.

"Estático" se refiere a cambiar la cámara al final de una acción (o en una escena estática), pasar a otra cámara y cambiar de estática a dinámica. "Estático" se usa principalmente para transiciones, es decir, la escena anterior termina en una pantalla estática y la siguiente escena comienza en una pantalla estática. La estática requiere algo más que conexión y coordinación. Y puede dejar espacio para que la audiencia piense. Se omite el proceso real. Es lo que se suele llamar edición compacta, es decir, el mismo contenido de acción puede omitir procesos innecesarios mediante la conversión de lentes, pero aún así mantener la coherencia y fluidez de la acción. Algunos expresan las intenciones de los personajes e implican indirectamente la omisión del proceso de acción, mientras que otros omiten el proceso real de compresión del impulso.

Como un actor corriendo hacia las escaleras. En la toma de la izquierda, el público ha comenzado a darse cuenta de que como el actor corre hacia los escalones, cuando llega a ellos, salta dos o tres escalones. En este caso, a menudo es posible comprimir el proceso real de impulso cortando la toma del actor unos metros antes de llegar al final de los escalones (arriba a la derecha) a la toma en la que ya salta dos o tres escalones (abajo). bien).

La coherencia y fluidez de las técnicas de edición tradicionales se basan en el "cambio" de planos (cortar y pegar directamente los planos), y la transición de los párrafos de la escena se expresa generalmente mediante "fundidos de aparición y desaparición". El final del párrafo de la escena anterior y el comienzo del siguiente párrafo de la escena; use "jin" para expresar un proceso de tiempo omitido y divida dos párrafos de la escena incompletos, y use "draw" para expresar cambios en lugares, ocasiones y eventos. dividir Dos o más segmentos de escena incompletos; todos los anteriores son películas producidas utilizando métodos fotográficos o de revelado. Los anteriores son "trucos ópticos" producidos en película utilizando métodos fotográficos. Además, existen muchos otros métodos de segmentación, como el método de cambio, que solo utiliza el personaje o escena más representativo como comienzo del siguiente párrafo cuando cambia el párrafo anterior.

Las técnicas de edición tradicionales siguen la lógica de la vida, pero no pueden reproducir de forma natural todo el proceso de la vida. La edición estricta y la edición omitida también muestran que la continuidad de la acción puramente natural entre tomas no siempre es necesaria. Comprimir (o extender) el tiempo real para que se puedan mostrar todos los eventos de acción significativos y reducir las acciones naturales al mínimo son principios complementarios importantes. para técnicas de edición fluidas.

Edición creativa

Las habilidades artísticas de edición tienen una rica experiencia en la práctica de producción a largo plazo. En los trabajos teóricos europeos y estadounidenses, a veces se las denomina colectivamente edición creativa; Las exploraciones pioneras y los resúmenes teóricos de directores como Stan y Pudovkin han formado algunos principios y leyes básicos del montaje, y han sido considerados como la estructura única del arte cinematográfico, y han penetrado en el mundo como una estructura única. medios de expresión hasta todo el proceso de creación cinematográfica. Las técnicas creativas y de edición comunes incluyen principalmente las siguientes

Edición de efectos narrativos y dramáticos

A pesar de la concepción de la obra y la grabación de las tomas, la viveza y el efecto dramático de la narrativa de la película no lo son En última instancia, todo se reduce a la capacidad del editor para controlar el momento de las tomas clave. Los puntos clave de las habilidades narrativas son ajustar el tiempo y la secuencia de los planos clave y elegir los puntos de edición apropiados en la continuidad de las acciones de la cámara para que cada nuevo desarrollo de las acciones de la cámara se muestre en el momento más apropiado del drama.

Los largometrajes a menudo insinúan de antemano o retrasan intencionalmente la ocurrencia de "crisis" y "eventos" para crear suspenso de anticipación tensa y pánico inesperado.

Edición de efectos de simulación y expresión

Las columnas de lentes con diferentes contenidos o formas son un método de expresión muy utilizado en la edición creativa. Lo que generalmente se observa es que a través de la edición, algunas tomas que son opuestas o similares al contenido de la historia narrada directamente se organizan, intercalan y yuxtaponen para lograr el efecto artístico de revelar el significado interno y representar la atmósfera emocional. El punto clave de la edición expresiva es garantizar la coherencia narrativa y al mismo tiempo utilizar la coherencia para expresar pensamientos y sentimientos más allá de la narrativa directa. Este tipo de montaje no sólo no hace que el público se sienta nervioso e incómodo, sino que también satisface con precisión las necesidades de emoción y ritmo. Simplifica audazmente los movimientos naturales y utiliza selectivamente emociones unificadas para centrarse en la atmósfera y la concepción artística.

Edición de efectos con sensación de velocidad y ritmo

Cuando el método de agrupación de lentes de diferentes escenas se convirtió en un método de expresión único de las primeras películas en un espacio de modelado específico, la gente descubrió que las tomas continúa La cantidad de tiempo es psicológicamente contagiosa en su impacto sobre el estado de ánimo.

Cuando el plano es corto, la imagen cambia rápidamente, creando una sensación de urgencia y excitación; cuando el plano es largo, la imagen cambia lentamente, provocando una sensación de lentitud o incluso depresión; Los planos largos y cortos provocarán altibajos psicológicos y tensión. Por lo tanto, controlar la duración de la imagen durante el montaje puede fortalecer o debilitar la velocidad de la acción al cambiar de toma y ajustar el ritmo emocional correspondiente al tono del contenido narrativo.

Este efecto técnico de velocidad y ritmo que se forma al contrastar la duración del plano se denomina generalmente tono de edición, y suele denominarse edición rápida o edición lenta. La duración de la toma depende básicamente de la simplicidad y complejidad del contenido de la toma. El cambio de velocidad de la imagen no puede exceder el límite de tiempo más corto para que el contenido de la toma exprese completamente el significado que el público quiere entender. El tono del montaje también se refleja en escenas o pasajes argumentales. Los pasajes de edición rápida a menudo contrastan con la edición de baja velocidad para resaltar los efectos de cada uno. El tono de edición de una escena (sección) se calcula a partir del número de planos que ocupan una determinada duración y un determinado tiempo de ejecución, llamado ritmo de edición. Un número pequeño indica que la escena está dominada por planos largos, lo que se denomina velocidad de edición lenta o tono de edición lento. Una gran cantidad de planos indica que la escena está dominada por planos cortos, lo que se denomina velocidad de edición rápida o edición rápida; tono.

Un ejemplo clásico del uso preciso de técnicas de velocidad y ritmo es el "Acorazado Piskin" de Eisenstein. Toda la película se compone de tres grandes secciones de movimiento, y cada sección de movimiento se distribuye con muchas escenas de movimiento más pequeñas de diferentes tonos. En el primer párrafo que describe el levantamiento del acorazado, el conflicto entre marineros y oficiales se volvió cada vez más intenso. Finalmente, la escena del levantamiento de los marineros y la toma del acorazado alcanzó su clímax. La escena se volvió cada vez más intensa y el tono de edición correspondiente. Después del clímax, la película se vuelve cada vez más urgente; poco a poco, la película conduce a una tranquila secuencia de escenas, el funeral de un marinero, un largo plano giratorio se filma con una velocidad de montaje tranquila y lenta. Los tonos de edición de diferentes escenas crean aquí un fuerte contraste.