Cómo mejorar la enseñanza de coreografías de danza
Un coreógrafo es un escritor que utiliza la danza como lenguaje de creación; un pintor que utiliza el cuerpo humano como pluma y tinta para dibujar en el espacio; un escultor que utiliza músculos, huesos, carne y sangre; como materiales para tallar minuciosamente; un voyeur que utiliza El compositor que compone la música de la vida a partir del ritmo de la vida. Enseñar a coreógrafos de danza también es muy difícil. Aquí te proporcionaré algunos métodos sobre cómo enseñar mejor a los coreógrafos de danza.
Comprensión correcta del coreógrafo de danza
1. Qué es un coreógrafo de danza: el coreógrafo y director de obras de danza.
2. ¿Cuáles son las diferencias entre directores de teatro y coreógrafos de danza? La dirección de teatro es todo el trabajo necesario para poner en escena guiones literarios. ¿Pero no se trata de un trabajo cualquiera, sino de un trabajo creativo? Es decir, la recreación de convertir guiones literarios en performances (también llamada creación secundaria).
En el arte dramático, el dramaturgo sólo se encarga de escribir el guión. La recreación del arte escénico (rendimiento) es tarea del director. En el arte de la danza, el propio coreógrafo no sólo es el creador de todo el guión y las "líneas" (movimientos de danza), sino también el director que lo pone en escena. Tiene la doble misión de editar y dirigir. Para las obras de danza, es imposible "dirigir" sin participar en la "coreografía", y el director es también el coreógrafo.
Debido a la particularidad de la danza, una creación de danza debe considerar al mismo tiempo desde el inicio, muchas partes que originalmente pertenecen a la "concepción del director", tales como: cuerpo, expresión, líneas, programación de la escena. , composición, etc. , requisitos especiales para el arte y la escenografía.
Como coreógrafo de danza, solo puedes comenzar el trabajo creativo después de haber dominado ciertas habilidades de interpretación de danza y conocimientos de creación de danza. En primer lugar, debes tener un conocimiento profundo de las características artísticas de la danza, los métodos y técnicas de expresión de la danza, las categorías de la danza, etc., para poder dominar las reglas especiales de la creación de la danza y organizar programas de danza; no podrá empezar.
Tres grandes aspectos a los que los estudiantes deben prestar atención a la hora de educarlos
El grado de referencia entre diferentes danzas
Cuando los coreógrafos crean danzas, para ser innovadores y novedoso, a menudo inyecta "sangre nueva" en sus obras de danza y, a través de nuevos procesamientos e integración, hace que sus obras sean más frescas cuando se presentan al público. Intenta utilizar este método de aprender de las fortalezas de cada uno para hacer que la danza funcione. más interesante. Creatividad, estimulando así el deseo de la gente de apreciar las obras y rompiendo los ojos de la gente. Desde este punto de vista, este tipo de referencia mutua entre tipos de danza es beneficiosa para la herencia y el desarrollo de la danza. Sin embargo, todo tiene ventajas y desventajas. Cuando algunos bailes se presentan al público, a menudo inyectan demasiada "sangre nueva" e ignoran la importancia de la herencia. Esto no sólo no añade color a la obra, sino que hace que el espectador deambule entre sí y no durante el proceso de visualización. Le hace sentir que la división del coreógrafo de los límites de los tipos de danza no está clara, lo que compromete en gran medida la obra.
Presta atención a la comprensión de la trama a través del lenguaje corporal.
La danza es un arte que sabe expresar emociones y centrarse en la narrativa. Aun así, la danza argumental es uno de los tipos de danza, aunque los coreógrafos rara vez la utilizan en obras de danza pequeñas, pero se usa ampliamente en obras de danza a gran escala y dramas de danza. La creación de una danza argumental es hasta cierto punto difícil. Cuando los coreógrafos crean obras de danza argumentales, les resulta fácil prestar demasiada atención a la expresión de la trama y a la representación de las emociones. Sin saberlo, recurren demasiado al método de expresión de la pantomima e ignoran el componente más importante de la danza. -Lenguaje corporal, haciendo así dramático todo el trabajo de danza y haciéndolo sentir como una pantomima situacional. Por lo tanto, en el proceso de creación de bailes argumentales, los coreógrafos siempre deben recordarse a sí mismos que deben usar el lenguaje corporal para contar historias, exagerar emociones y usar el encanto corporal para interpretar obras de danza.
No abusar de las habilidades
Un excelente trabajo de danza no excluye las habilidades, especialmente en los momentos críticos, cuando la trama o la emoción se desarrolla hasta un punto crítico o en el momento más crítico. Habilidades excelentes y precisas contribuirán a todas las presentaciones, expresando tramas o emociones de manera vívida, refrescante, cordial o impactante. Sin embargo, las excelentes obras de danza rechazan demasiadas habilidades deslumbrantes. En la obra, una demostración irracional e inexplicable de habilidades llevará a la muerte una buena obra.
Por eso, en el proyecto de creación de danza, el director de danza debe recordar que el arte de la danza no es acrobacia, y el uso de las habilidades debe ser el adecuado, de lo contrario será superfluo.
Cómo llevar a los estudiantes a mejorar sus habilidades coreográficas de danza
Aprende los conocimientos teóricos y las técnicas coreográficas de la coreografía de danza. Hay muchos tipos de técnicas coreográficas. están interrelacionados y pueden usarse de manera flexible. Tales como coreografía de elementos de movimiento (el método de coreografía más básico), método de implementación de modelado, método de conexión de movimiento y ritmo, método de coreografía de acción e impulso, método de restricción de partes de acción, método de coreografía sinfónica, método de elementos de ontología, técnicas de coreografía musical, técnicas de coreografía de improvisación, técnicas de coreografía de danza solista, técnicas de coreografía de danza a dúo, técnicas de coreografía de danza en trío, técnicas de coreografía de danza en grupo, etc. No sólo necesitamos practicar técnicas coreográficas en la sala de ensayo, sino también aprender conocimientos teóricos relevantes de la danza. Sólo la teoría guía la práctica y la combinación de teoría y práctica puede contribuir a las actividades prácticas de la coreografía. También puede encontrar algunos materiales y libros didácticos relevantes, combinados con una gran cantidad de escenas de observación y CD de observación, comenzar con la imitación e intentar organizar algunos programas, explorar gradualmente la experiencia y convertirse en un director personalizado.
Ampliar la rica imaginación. La imaginación es la observación y el descubrimiento de la sociedad y las cosas de la vida por parte de una persona, y se integra con la acumulación en los pensamientos del creador. Toda creación artística comienza con la imaginación, y la imaginación es creatividad. La imaginación de la danza proviene de la aguda observación del bailarín de las cosas objetivas, de la experiencia de la vida real y de la abundante pasión inspirada por la realidad objetiva. La imaginación de la danza puede expresar perfectamente la conexión causal del desarrollo de las cosas sociales, personificar la naturaleza y hacer que los sentimientos e ideas abstractos sean concretos y visuales. El arte de la danza es inseparable de la imaginación y desarrollar la imaginación es particularmente importante. En primer lugar, desarrollar la imaginación es inseparable de mucha práctica, por lo que se puede ver lo importante que es la acumulación de cantidad. Si quieres crear un baile con una idea novedosa, debes proponer docenas o cientos de ideas, negarlas una y otra vez y dejar de lado una idea o idea novedosa e inesperada. Fortalecer el cultivo del sentido musical La relación entre la danza y la música es inseparable e inseparable. La música usa hermosos sonidos para crear imágenes auditivas y la danza usa hermosos movimientos para crear imágenes visuales. La combinación de los dos forma un arte de danza que fluye en el tiempo y el espacio. Al crear una obra, el coreógrafo puede primero concebir la idea, determinar el contenido a expresar, luego concebir la estructura y el contenido de la coreografía, y luego elegir concebir y crear música que sea consistente con el contenido y el estado de ánimo de la obra de danza; él o ella también puede elegir primero una canción. Música, impulsada e inspirada por la música, coreografía hermosos bailes basados en la música.