Comentario musical sobre el Deutsche Requiem

(Fuente: Sing Tao Global Network)

"Una era inadaptada envuelve ahora al mundo. Somos nosotros quienes creamos esta era, y nosotros quienes nos hemos convertido en víctimas de la era. Dejemos que Gran Bretaña ¿Qué hay de malo en ser un martillo y un yunque? Lo importante es dejar que la violencia domine y no dejar que la derrota servil de los cristianos tome la delantera. Si la victoria, la justicia y la felicidad no son para Alemania, que lo sean los demás. Que el país lo disfrute. Que exista el cielo, incluso si vamos al infierno."

Este pasaje está extraído del "Deutsche Requiem" de Borges, una obra basada en Brahm. Una micronovela que lleva el nombre de la obra de Si. del mismo nombre. Existe mucha controversia sobre la correcta traducción de esta obra. Mucha gente insiste en que debería traducirse como "Un Réquiem alemán". Según el título alemán actual, esta traducción es la más correcta.

A diferencia de otros compositores, Brahms no adoptó el programa y la letra del réquiem fijo de la Iglesia católica, sino que extrajo algunos versos de la versión alemana de la Biblia de Martín Lutero, que forman el libreto completo de este Réquiem. y está cantada en alemán, como se desprende del título. Como tal, se diferencia de otros réquiems, lo que deja claro su diferente estatus en las creencias religiosas. Brahms comenzó a componer esta obra en 1857. Siguiendo su tendencia habitual de trabajar lenta y cuidadosamente, no fue hasta 1868 que completó los siete capítulos. Los motivos de Brahms para crear tal obra pueden no ser puros.

Esta fecha de 1857 puede ser más sensible, porque hace un año, falleció Robert Schumann, mentor y mentor de Brahms en su carrera creativa, dejando atrás a Brahms, con quien estaba enamorado de Clara. esto a lo largo de su vida.

En 1865 falleció la madre de Brahms, lo que es también uno de los motivos creativos identificados por mucha gente. Pero, de hecho, en el aniversario de la muerte de Schumann en 1863, Brahms ya se había propuesto poner en escena esta obra inacabada. Sin embargo, Brahms no mencionó en su carta que esta obra fue creada especialmente para Schumann, sino que la calificó de obra "amigable" y muy adecuada a la personalidad de Schumann.

De hecho, el "Réquiem alemán" de Brahms no es una creación aislada en la historia de la música, y este género no es su creación original personal.

En su historia anterior se pueden enumerar Schutz, Praetorius, Thomas Thaler, Michael Haydn, Schubert y Miller, etc. El "Réquiem alemán" que compusieron. Sin excepción, se eligieron como letras pasajes de la Biblia luterana.

Después de Brahms, John Fold y Benjamin Britten también compusieron "Requiem" en un latín poco convencional. Algunos compositores simplemente utilizaron poesía no religiosa como base, como el "Réquiem de Lenin" de Eisler y el "Réquiem celta" de Tafner. Así como los luteranos tradujeron originalmente la Biblia al alemán, en esta obra son evidentes tendencias musicales seculares y no rituales. El "Réquiem" de Brahms tampoco es una pieza de música litúrgica religiosa, sino una oda puramente íntima a la humanidad.

Por tanto, a diferencia del Réquiem tradicional, la obra de Brahms comienza con un deseo de resurrección. La música es profunda, pero no simplemente lastimera. Porque la primera línea de la letra es "Bienaventurados los que lloran" del "Sermón de la Montaña". Completamente diferente del "Señor, dales descanso" de la Misa en latín, la música aquí es el deseo de vida eterna después de la resurrección, en lugar de lamento por la muerte. Es este tipo de elogio de la vida lo que distingue a Brahms de otros compositores que utilizan libretos en latín, para poder inyectar más vida a su música.

En el proceso de composición del "Réquiem alemán", además de su sutil relación con Clara Schumann, Brahms también conoció a otro ángel de la música, que una vez aportó música a Wagner. Consulte a la señora Wesendonck en busca de innumerables inspiraciones. . Brahms, por supuesto, había estado evitando a Mathilde Wesendonck. No sabemos exactamente por qué, pero la relación entre ambos sólo dio lugar a una obra insignificante: "La ceremonia de cremación", una obra coral. La autora de la letra no es otra que la señora Wesendonck.

Aunque Brahms no se convirtió en otra "golondrina" para Mathilde, no hay duda de que la "Ceremonia de Cremación" jugó un papel en la promoción de la realización del "Réquiem alemán". Este tipo de pasaje con un fuerte sentido ritual permanece sólo en una parte de la segunda sección del "Réquiem alemán". No es difícil ver que Brahms debilitó deliberadamente la parte de la música de la marcha fúnebre. Y en la tradicional Misa de Réquiem en latín, el pasaje del "Día de la Ira" ocupa un lugar central. Pero pronto esta marcha fue interrumpida y reemplazada por el calor de la primavera.

La quinta sección de música del "Réquiem alemán" fue la última sección añadida. Debido a que Brahms eligió las palabras de una madre para consolar a su hijo, se consideró el mejor ejemplo de recuerdo de su madre. Quizás esta pieza musical refleje su dolor por su madre, pero no afecta la motivación creativa de toda la obra. Lo más influyente es la taquilla de este trabajo en el futuro: agregar una historia tan sensacional a un trabajo que ya es muy cálido sin duda hará que más personas estén dispuestas a aceptarlo.

En 1868, un año antes de que se añadiera esta música, se estrenó en la catedral de Bremen la versión de seis secciones del "Réquiem alemán", bajo la dirección del propio compositor. Brahms, de 35 años, se ganó con esta actuación el reconocimiento del público. Sin embargo, la versión completa de siete partes un año después no obtuvo inmediatamente la aprobación del público. Si existe la diferencia más importante entre la versión de seis partes y la versión de siete partes, puede ser que la tendencia de personalización sea más obvia en la versión final.

El éxito del "Réquiem alemán" en aquella época fue inseparable de factores políticos y religiosos. Aunque en aquella época Brahms vivía a menudo en pequeñas ciudades del sur de Alemania, fueron las zonas protestantes del norte de Alemania las que realmente aceptaron el "Deutsche Requiem". Estos luteranos interpretaron la resurrección más allá del cielo y del infierno. Brahms fue más allá. Aunque es un cristiano devoto y su familiaridad con la Biblia también le ayudó a seleccionar la letra con fluidez, el verdadero significado detrás de la música es la victoria de la razón y la herencia del anterior espíritu humanitario y filantrópico. A estas alturas, las obras de Beethoven, su modelo, y Handel, modelo de Beethoven, son parientes casi directos del Deutsche Requiem.

Además de heredar el espíritu secular y racional del oratorio alemán, Brahms también heredó la alabanza del espíritu humano en esta obra secular. Es este espíritu nacional el que contribuyó a la popularidad del "Deutsche Requiem" en Alemania. Sin embargo, Brahms fue un hombre que se esforzó por evitar la política durante toda su vida, y casi no hay ningún grito beethoveniano en sus obras. Pero esto no significa que sea incompetente, sino que evita conscientemente una dirección tan clara. Es posible que se haya añadido el quinto párrafo a tal efecto. ——Sobre el viaje de recopilación de la versión discográfica del "Réquiem alemán"

(Fuente: Comunidad Tianya Autor: Predestinated Rosary)

¿Quién puede rechazar el consuelo? En ese salón un poco vacío se escuchan los pasos y las miradas vacilantes y nostálgicas de nuestros familiares fallecidos.

Que cerraron suavemente los ojos, que en silencio secaron nuestras lágrimas y que tocaron los ojos y las almas una vez heridos.

Bajo la protección de Dios, el ruiseñor tarareaba las canciones de la infancia junto al ángel.

Las flores que rodean el altar han florecido silenciosamente. Pero el guardián del altar ha desaparecido.

Seguí la enorme figura de Brahms hasta el altar. Como lugar de culto, su apertura es enorme. He estado vagando por este vasto espacio durante mucho tiempo.

En este manuscrito, que Brahms llamó una elegía de dolor y consuelo humanitarios, se menciona claramente: "Que los que lloran sean benditos". Este es un réquiem por los vivos.

Aún recuerdo claramente hace muchos años cuando un amigo me regaló el "Deutsche Requiem", que era la edición de Sinopoli que conmemoraba el 150 aniversario del nacimiento de Brahms. Comenzó un viaje discográfico para encontrar más consuelo.

De hecho, el proceso de búsqueda de diferentes interpretaciones de los discos parece ser una búsqueda de más posibilidades, direcciones, ritmos, ritmos y sueños. Siempre he admirado a quienes intentaron construir grandes templos. La estructura y textura de los templos también es lo que me interesa explorar. Karajan debería cumplir mi deseo.

No sé desde cuándo, Karajan se ha convertido en un símbolo, y todo lo que este símbolo representa también se ha convertido en un límite y un gobernante. Realmente no quiero ver todo tipo de expresiones complejas y extremas cuando la gente vea este símbolo. Entre todas las versiones del "Réquiem alemán", no se pueden ignorar las dos versiones de Karajan. La versión de EMI de 1947 y la versión de DG de 1983 grabaron esta canción muchas veces a lo largo de su vida.

Para los fanáticos de la música que admiran la magnífica arquitectura, no deben perderse la versión de Karajan de 1947. Me tomó 3 años buscar este disco. Estos 3 años estuvieron llenos de dificultades y siempre se me pasó de largo. Siempre pasa a mi lado como una locha justo antes de cogerlo, dejándome pataleando y golpeándome el pecho, lo que me enfada mucho.

Es concebible que después de la guerra, la hierba en Alemania estuviera oscura, los árboles desolados y la sombra de la guerra todavía cubría los corazones rotos de la gente. Para las personas que han pasado por la catástrofe, cantar y bailar les parecerá inapropiado.

Creo que Karajan, Schwarzkopf, Hans Ott y la Orquesta Filarmónica de Viena no iban a un concierto sino a una batalla. Schwarzkopf y Hans Ott no parecían cantantes, sino guerreros, generosos, apasionados y decididos. Incluso sentí que cantaban con los puños cerrados y los ojos deslumbrantes. Bajo la palanca eléctrica de Karajan, la música no es sólo música, sino más bien una especie de poder, una especie de dignidad, una dignidad impresionante, y el sonido duro y pesado del mono hace que este sentimiento sea aún más importante.

Esta es una versión impresionante, un monumento al estilo Karajan.

Creo que esta actuación dejó un profundo recuerdo en Karajan. Tanto es así que, treinta y seis años después, Karajan sigue buscando el sentimiento que tenía entonces. Desde la grabación en 1983, en sus últimos años, todavía intentaba hacer este tipo de esfuerzo. Sin embargo, las cosas han cambiado y Karajan, que se ha hecho famoso, ya no necesita luchar. Lo que necesita es consuelo espiritual y estabilidad. La voz sencilla y pura atravesó el camino y atravesó los cuarenta años de Karajan. La pasión se ha convertido en calidez infinita, que es también gesto y expresión de la oración a Dios. Después de escuchar el canto de Schwarzkopf, ya tenía una buena idea. Todavía estaba pensando en la inspiradora experiencia de Karajan en 1947. En muchas series de guías en CD, descubrí que los más recomendados eran Klemperer, Diesko y Schwarzkopf. Esta era casi la combinación de mis sueños, pero después de escucharla varias veces, comencé a decepcionarme y a dudar de su audición. y capacidades de apreciación. ¿Podría ser que las recomendaciones de tantos expertos estuvieran equivocadas o que estuvieran difundiendo rumores?

Mis oídos no me engañaron. El ritmo siempre fue el de Klemperer, lento y ligeramente arrastrado. Lo que no puedo tolerar especialmente son Schwarzkopf y Diesko, con su estilo de estrella. elegante y lujoso, pero no impresionante. Toda la actuación estuvo completamente separada de la banda.

Me siento como si estuviera escuchando un concurso de habilidades de canto. Quizás la sombra de los 47 años de Schwarzkopf me ha estado siguiendo, siempre me crea obstáculos y me impide entrar por completo. Creo que esta versión puede no ser adecuada para mí. Es sólo un concierto normal y corriente. yo mismo así. Después de las primeras experiencias, comencé a ser cauteloso al seleccionar versiones.

Realmente no sé qué más quiero. Sabes, no puedo pedirles a todos que abran mucho los ojos y aprieten los puños para cantar, eso parecería ridículo e infantil.

Al charlar con amigos, me enteré de que existe una versión de Lehman en DG Lehua. Aunque no sé nada sobre Lehman, debido a mi confianza en DG Lehua, todavía tengo esta versión.

Maria Stead volvió a ganar confianza. Después de escucharlo, comencé a sentirme orgulloso de nuevo. Esta también es una actuación sobresaliente. Las cuerdas sonaban como una gasa desde lejos. Provenía de la tienda de campaña brumosa que se elevaba desde las lejanas montañas de color azul oscuro. Es como si un mensajero del cielo estuviera observando el mundo humano familiar. La melodía progresiva influye en nuestros corazones, y la parte más gentil y suave de nuestros corazones comienza a derretirse. El canto de Maria Stead es tal como esperaba, brillante y cálido como el viento que sopla. Primavera, no se come los fuegos artificiales del mundo, es pura y conmovedora. Si hay ángeles, entonces creo que la voz de María Stead en este momento es la voz de un ángel.

La versión Furtwangler es una grabación histórica de 48 años de la compañía "Música y Arte" También es la versión que he escuchado durante más tiempo. También es la versión con el estribillo más completo y apasionado. Mantiene la misma calidad de principio a fin. Estado de excitación. Lleno de solemnidad monumental. La textura de las cuerdas del primer movimiento es clara y tranquila, el canto de la soprano Tellinder es suave y cálido (perteneciente a la técnica vocal de la vieja escuela), el cariño del barítono Stade y la extraordinaria capacidad de control de Furtwangler me impresionaron.

Creo que Furtwangler debería ser el mensajero de Brahms, llegar al rincón más secreto del corazón de Brahms y luego dejar que el sol y la lluvia vengan hacia nosotros. Un amigo mío me recordó una vez que su colección de discos del Deutsche Requiem estaría incompleta sin la edición de Kempe. Después de escucharlo varias veces, inicialmente confirmé su afirmación.

Al igual que la portada de este álbum con la cabeza de Kempe en meditación, el pensamiento de Kempe es cuidadoso y sofisticado. Esta no es una interpretación apasionada. Cada movimiento brilla con la luz resplandeciente de la racionalidad de Kenpei. Es un gran río tejido con cuerdas, suave y ancho, mientras el coro se alza como una roca firme, extendiéndose en la noche oscura de Brahms. Elizabeth Grumer y el joven Fischer Diesko son dos estatuas brillantes en la oscuridad. Grumer es esbelto y ruidoso, mientras que Diesko es profundo y poderoso bajo el reflejo del río Chorus, claro y defendible. Cuadrado y cuadrado. Esta es mi impresión final después de escuchar esta versión.

No hay reglas, pero esta regla parece insuperable para Masur. Quizás las sinfonías de Beethoven y Brahms requieran este tipo de reglas, pero el "Réquiem alemán" requiere una enorme inversión emocional, inspiración y trascendencia.

Esta versión es sorprendentemente corta, sólo 60:19. Siempre he dudado de que este tipo de actuación turbulenta sea apropiada. La franqueza y la sencillez de Masur contrastan marcadamente con la sutileza y profundidad de Celibidachi.

Creo que la actuación de Masur es impaciente. Puede ser que el dolor de la realidad sea demasiado, por lo que solo puede salir a la carretera a toda prisa, sin tiempo para secarse las lágrimas propias o ajenas. Estos días he estado inmerso en el "Deutsche Requiem" de Brahms y mi corazón se ha vuelto extremadamente sensible y delicado. Estoy atrapado en esto y no puedo liberarme.

La misma Orquesta Filarmónica de Nueva York, en manos de Walter, se volvió sumamente cariñosa. También fue un corto período de 62:14. La actuación de Walter fue estirada y no tan apretada como la de Masur. Realmente quiero saber qué significa el tiempo para un director. Y si la velocidad del ritmo puede presentar la connotación de la música. El sonido era denso y el golpe de los timbales en el segundo movimiento pareció tocar lo más profundo de mi alma, que era profundo y doloroso. Esta versión me atrapó desde el principio, sin problemas, feroz y solemne.

Lo que me sorprendió fue el canto de Severide, que era fuerte y ligeramente nervioso, mientras que el canto de George London era bajo y de mente abierta. Como maestro intérprete de Brahms, Walter es digno de confianza. La pérdida y recuperación de este disco me hizo vivir un momento de confusión, duda, oscuridad y dolor.

Me empezó a gustar "Requiem alemán" a partir de este disco. Tiene un significado extraordinario para mí. Ha experimentado la calidez de la amistad y la oscuridad de la traición.

Todavía me siento profundamente culpable por el amigo que me dio la versión DG 83. Prometí encontrarla nuevamente. Finalmente, mi amigo y yo la encontramos juntos en la versión barata de DG. Creo que esto también es un consuelo para nuestra amistad.

Sinopoli no construyó edificios majestuosos, pero sus expresiones sencillas y humanas me conmovieron profundamente, como nuestros considerados amigos, que recordamos y fantaseamos con nosotros. El cariño y la atemporalidad de Sinopoli, la ternura y la elegancia de Pop y la profundidad de Brand trajeron montones de cálidos recuerdos a mis días normalmente perezosos. En cualquier caso, me trajo demasiada felicidad y dolor, y hizo un nudo profundo en mi memoria. Empecé a sentirme un poco reacio. Después de haber tenido tantas experiencias emocionantes y conmovedoras, ¿no podría haber una versión más emocionante para mí? No lo creía y fue entonces cuando encontré la versión de Tennstedt. Tenstedt entró en la sala de Brahms a un ritmo inusualmente lento.

El coro casi hipnótico me llevó a una especie de piedad, y Tenstedt ha estado muy atento a mantener este tipo de piedad, como si fuera un anciano en sus últimos años, recordando su vida con una sonrisa de alivio. Y Jesse Norman tiene una voz hermosa. Canta melodiosamente y brillantemente, y su rango de voz es tan cálido y afectuoso como el abrazo de una madre. Parece abrirme una ventana, dejando que todo el aire fresco y saludable llene mi pecho.

Siempre he creído que Tennstedt era un maestro director de orquesta que podía crear milagros de vez en cuando, como lo demuestran sus Mahler y Bruckner. Probablemente mi primer disco de Abbado. Si no hubiera sido por el "Réquiem alemán", si no hubiera sido por Charles Stead y Andrés Schmidt, creo que habría hecho la vista gorda ante Abbado, y no sé por qué.

Abbado tiene una calidad de canto consistente, fluyendo tan suavemente como un río en primavera o un río de música de cuerdas, fluyendo en el corazón del oyente, lejos del dolor y lejos del sufrimiento. El coro es pacífico y natural. La tensión y la solemnidad de Karajan desaparecieron como una brisa primaveral de Abbado.

La expresión de Abbado era tranquila al principio. A medida que la música se desarrollaba, obviamente estaba fascinado por el sonido que salía de su bastón. Su expresión era triste. El coro se emocionó, pero pronto volvió a la normalidad. La gente ahora necesita un concierto agradable en lugar de una ceremonia conmemorativa. Creo que Abbado me está empezando a gustar un poco, lo cual es una ventaja. La versión de Haitink es lo que he estado esperando durante mucho tiempo, y esta expectativa también incluye las expectativas de Janowitz. Afortunadamente, Haitink no me decepcionó. He escuchado muchos de sus Brahms, que son detallados y coloridos. Esta versión del tratamiento de Haitink es bastante especial. El primer movimiento entra suavemente y el ritmo siempre ha sido cauteloso. Incluso antes de que apareciera Janowitz, en el quinto movimiento, Haitink estaba completamente escondido detrás de la enorme figura de Brahms, como lluvia disuelta en agua, solo se puede escuchar el sonido escaso. de lluvia, pero no se puede ver de dónde viene. Sólo se puede sentir su atmósfera húmeda.

La voz de Janowitz demostró una vez más que ella es la mejor transmisora ​​del consuelo de Brahms. A diferencia de la voz fina y delicada de Maria Stead, la voz de Janowitz es clara y hermosa, noble y el poder de penetración de los agudos es incomparable. .

Después de escuchar a Janowitz cantar el quinto movimiento, entendí completamente a Haitink. Todo lo que hizo Haitink en los primeros cuatro movimientos estaba completamente esperando que Janowitz apareciera, sé que, como director, él debería saber lo que es. Lo más importante para él y necesita estar lleno de color. Antes de esto, el control y la paciencia o la preparación están bien fundamentados. El clímax aparece en el sexto movimiento. El coro es magnífico y desenfrenado, emergiendo de las montañas de los movimientos anteriores. el movimiento final cae en silencio después de ser brillante.

La versión de Haitink es la más dramática. Debes tener paciencia al escuchar esta versión. No sé que decir de esta versión, solo sé que no me gustó, no me dio esperanzas y tampoco me decepcionó.

La actuación de Solti fue normal y el canto de Kanaja fue normal. Parece que Solti no tenía ninguna ambición de explorar la fuerza interior del espíritu.

Todo empieza en lo ordinario y termina en paz, sin destacados. Lo único que salva es que, al igual que otros discos de Solti, la grabación es excelente. Esta es una versión normal, eso es todo. Finalmente apareció la tan esperada combinación soñada. En mi limitada experiencia auditiva, realmente no puedo pensar en ningún maestro que me entusiasme más que Giulini, la Filarmónica y el Coro de Viena, Barbara Bonnie y Andres Schmidt Combined.

Esta versión del disco es tan maravillosa como los otros discos de Giulini en la serie DG Master. Siempre ha sido uno de los directores con los que estoy más obsesionado. Es casi una garantía de perfección, precisión y confianza. . En cuanto a los discos de Giulini, casi siempre los recojo uno tras otro y nunca me he arrepentido.

Giulini entró resueltamente en el templo de Brahms. La vacilación, la vacilación y la espera no tuvieron nada que ver con Giulini. Bajo la batuta de Giulini, la banda entró en un estado de excitación inexplicable desde el principio, al igual que el coro. Creo que Giulini entendió a Brahms desde otro aspecto. Le proporcionó un espacio racional e intelectual.

Estamos acostumbrados a escuchar lo implícito y presagio de la introducción hasta llegar al clímax. Lo especial de la versión de Giulini es el desplazamiento y la inversión de la estructura, desde el comienzo apasionado hasta el final contemplativo del movimiento final. él. El diseño de Giulini es majestuoso y extraordinario. En la solemne y solemne mansión que construyó, el control y la comprensión del ritmo son muy imaginativos.

Barbara Bonnie es tan pura, suave y contiene un afecto incomparable como imaginaba. Este tipo de sonido libre de impurezas es necesario en "Requiem alemán" y no tiene nada que ver con la técnica. Bajo el fondo tranquilo y silencioso de las cuerdas, la voz de Barbara Bonnie se vuelve cada vez más delicada, agradable y refrescante. En esta atmósfera pura, todas las preocupaciones y dolores del mundo desaparecen y lo único que quedan son cálidos recuerdos.

Giulini heredó el manto de la escuela italiana representada por Toscanini. Sus obras alemanas y austriacas suelen tener una especie de poder contemplativo y de profunda meditación, y los sentimientos de la música son sinceros, sin ese tipo de exageración engreída. , escuchar el "Réquiem alemán" de Giulini tiene un poder sólido que te respalda.

Realmente no puedo imaginar qué tipo de flores florecerán en el “Réquiem alemán” de Brahms. He olido las flores brillantes, frescas, frías e incluso marchitas. ¿Qué estoy esperando?

Solo puedo seguir la dirección de mi corazón para encontrarlo. Después de una serie de montañas, mares y tierras extrañas, ¿qué sigo buscando? Los rumores, una portada con un diseño sobresaliente, el complejo del director, la formación de cantantes, la época y los antecedentes de la grabación, pueden ser todas las razones por las que lo poseo.

Creo que todavía necesito nuevos elementos para estimular. Pensé que Karajan aún podría ayudarme a hacerlo. Para el director más completo y detallado que ha acercado la música clásica al público, diferentes grupos de personas siempre encontrarán un hogar o un lugar de descanso en las versiones de Karajan de diferentes épocas.

Escuchar a Karajan en vivo es diferente del estudio de grabación. Se han eliminado muchos elementos de "creación" y parece animado e incluso áspero, como la brisa que sopla en las montañas. Para este tipo de grabación en vivo, es el único, por lo que es aún más valioso.

El sonido ya no es tan magnífico como en la grabación digital. La interpretación de Fischer Diskau es completamente diferente a la versión de Klemperer, con una voz plena, suave y apasionada, el canto de Lisa Casa fue cálido y agradable, y acompañó a los. coro en voz baja en la distancia, lo que profundizó el sentimiento tranquilizador. El clímax llega en el movimiento final, que es una expresión de profunda emoción después de la contemplación. Entre las muchas versiones del "Réquiem alemán", fui el último en comprar la versión de Celibidachi, que trastocó todas mis experiencias auditivas. Esta es una versión extremadamente larga, incluso más que la versión de Furtevanle, que duró 87:35.

Debajo del templo, Chelibidachi se acercó a mí arrastrando su larga figura. Creo que Dios siempre elige a sus mensajeros de confianza para transmitir nuestras meditaciones y deseos al mundo superior. Chelibidach se acercó a mí con un ritmo extraño y pasos lentos. Quizás fue la lentitud de sus pasos lo que impidió que me despertara el ruido y la inquietud. a nosotros. Corta nuestra audición poco a poco y subvierte nuestra imaginación poco a poco.

Ya sabes, cuando las personas miran a Dios o al altar, deben calmarse y aminorar el paso, para no perturbar esas almas dormidas. Las lágrimas llenaron nuestra visión y el mundo comenzó a volverse confuso. Fue el canto desgarrador de Alan Ogg lo que nos hizo levantar la cabeza nuevamente y mirar hacia adelante con firmeza. El viejo amigo ha seguido su camino, y nosotros, los que quedamos atrás, debemos apoyarnos unos a otros hacia la vida inacabada.

Cellibidacci ha encontrado el camino hacia el corazón de Brahms. Su poesía y rareza se mezclan, sus expresiones son complejas, oscuras y significativas, y todo está bajo su control. Creo que el arte de Celibidacci es un arte trascendental, la persistencia y exploración detrás del sonido, y todo surge de si nuestros corazones y nuestras experiencias son totalmente consistentes con las suyas, este tipo de contrato auditivo no requiere tiempo para perfeccionarse, incluso puede formarse con un rayo de luz, un flashback o una mirada.

Sé que he encontrado a la persona que canta el alma y es sencilla de corazón.

Siempre esperamos ver claramente qué tipo de retrato se esconde detrás de la música.

Siempre esperamos que la luz de nuestro corazón pueda iluminar cada centímetro de piel y cada lado de su cuerpo.

¿Qué más puedes esperar de las diferentes versiones del disco?

¿Cuántos aspectos diferentes del mundo pueden satisfacernos?

¿Es importante la luz que llevamos dentro?

¿O son importantes los diferentes aspectos de la presentación?

¿Son esas la esencia de la música?

¿Hasta dónde queda la esencia y el fin último de la música para llegar a nuestro corazón?

Lógicamente hablando, debería finalizar este largo viaje de recopilación de discos de "Deutsche Requiem". Tal vez, como mi amigo que coleccionaba las ediciones de Mahler de "European Song", me había obsesionado con el juego que había preparado. La colorida caja mágica me hizo olvidar la existencia del tiempo o las reglas del juego.

Sin embargo, las personas deben llegar a un acuerdo consigo mismas o con el mundo. No siempre puedes desafiar tus oídos y tu alma con un solo sonido. Sé que, como hombre sabio, debería saber instintivamente dónde llegar al final.

Sin embargo, siempre hay un poder que nos hace estallar en lágrimas, y siempre hay algo misterioso que nos tira, desapareciendo en la distancia desconocida o confusa, arrebatándonos nuestras ilusiones y sueños...