Quiero aprender pintura al óleo. Así que ahora debería tener una buena base en acuarela o gouache.
Conocimientos básicos de pintura al óleo
Utiliza aceite vegetal transparente para mezclar pigmentos y crear imágenes artísticas sobre tela, papel,
tablas de madera y otros materiales que tengan sido utilizado como base. Se originó y desarrolló en Europa y se convirtió en un género pictórico importante en todo el mundo en los tiempos modernos.
Ocurrencia: La pintura al temple en la pintura europea anterior al siglo XV fue la antecesora de la pintura al óleo
. Mientras usaban pintura al temple, muchos pintores continuaron buscando agentes de mezcla más ideales. Generalmente se cree que los pintores holandeses hermanos Van Eyck de principios del siglo XV fueron los fundadores de las técnicas de pintura al óleo. Basado en los intentos de sus predecesores de usar pigmentos solubles en aceite, usaron aceite de linaza y aceite de nuez como agentes mezcladores para pintar, lo que hizo que las pinceladas fueran suaves al pintar y la pintura estuviera en el cuadro. El tiempo de secado es moderado y. Es fácil de cubrir y modificar muchas veces durante el proceso de pintura, formando ricos niveles de color y brillo. Después del secado, la pintura tiene una fuerte adherencia y no es fácil de despegar ni decolorar. Utilizaron nuevos materiales de pintura al óleo para crear obras, lo que fue muy influyente en el mundo de la pintura en ese momento. Pintura al óleo
La tecnología pronto se extendió a otros países de Europa occidental, especialmente en Venecia, Italia
donde se desarrolló rápidamente.
Materiales y herramientas Los principales materiales y herramientas para pintar al óleo incluyen pintura, pincel,
espátula, lienzo, barniz, marco exterior, etc.
① Los pigmentos se dividen en dos categorías: minerales y de síntesis química. Los pigmentos iniciales eran en su mayoría pigmentos minerales, que se molían a mano hasta obtener un polvo fino y luego se mezclaban durante la pintura. En los tiempos modernos, las fábricas los producen en lotes y los colocan en tubos de estaño, y los tipos de pigmentos también están aumentando
. El rendimiento de los pigmentos está relacionado con los componentes químicos que contienen. Al mezclar colores, las reacciones químicas pueden provocar reacciones adversas entre algunos pigmentos. Por lo tanto, dominar las propiedades de los pigmentos te ayudará a aprovechar al máximo tus habilidades para pintar al óleo y hacer que el color de tu obra dure sin cambios.
② Los pinceles están hechos de pelo de animal con una elasticidad moderada, y están disponibles en redondos con bordes afilados,
con bordes planos, con bordes cortos y en forma de abanico.
③ La espátula para pintar, también conocida como espátula, está hecha de finas láminas de acero elásticas.
Tiene formas puntiagudas o redondas y se utiliza sobre paletas, después de mezclar la pintura. Los pintores también utilizan cuchillos en lugar de bolígrafos, pintando directa o parcialmente formando capas y texturas en el lienzo para aumentar la expresividad.
④ El lienzo, un lienzo estándar, se fabrica tensando lino o lienzo en el
marco interior de madera, luego mezclando pegamento o aceite con polvo blanco y pintándolo sobre la tela. de superficie
. Generalmente, se convierte en una base que no absorbe aceite y tiene un cierto efecto de textura.
También se puede convertir en una base semi-absorbente de aceite o completamente absorbente de aceite según las necesidades creativas. El grosor del patrón de la tela está determinado por el tamaño de la pintura y las necesidades del efecto de la pintura.
Algunos pintores utilizan lienzos que han sido pintados con un color de fondo, que puede formar fácilmente un tono de color unificado
y permitir que el color de fondo se revele sin darse cuenta al pintar. Después de la imprimación, también se puede utilizar madera o cartón que no absorba aceite en lugar de lienzo.
⑤ El barniz generalmente se aplica después de completar y secar la pintura al óleo para mantener el brillo de la imagen y evitar la erosión del aire y la acumulación de suciedad.
Parece completo y concentrado, y los objetos de la pintura se desarrollan en profundidad en la percepción del espectador.
El grosor y tamaño del marco dependen del contenido de la obra. Los marcos exteriores de las pinturas al óleo clásicas están hechos en su mayoría de madera y yeso, mientras que los marcos exteriores de las pinturas al óleo modernas están hechos en su mayoría de materiales metálicos como la aleación de aluminio.
Técnicas Las limitaciones de las herramientas y materiales de la pintura al óleo conducen a la complejidad de las técnicas de pintura al óleo
. A lo largo de los siglos, los artistas han creado una variedad de técnicas de pintura al óleo en la práctica para resaltar todo el efecto expresivo de los materiales de pintura al óleo.
Las principales técnicas de pintura al óleo
son:
① Método de sobrepintado transparente, es decir, utilizando pigmentos que no aportan blanco sino que solo se diluyen
con colorante. óleo para pintura multicolor. La siguiente capa de color debe pintarse después de que cada capa esté completamente seca. Dado que el color de cada capa es más fino, el color de la capa inferior puede revelarse ligeramente. Es diferente del color de la capa superior. . Por ejemplo, si aplica un azul constante sobre una capa de color rojo intenso, producirá un rico efecto de azul con púrpura, que es fresco con calidez en el medio. Esto suele ser lo mejor. Método de mezcla de colores. Tonos que no se pueden resaltar en el tablero.
Este método de pintura es adecuado para expresar la textura y el grosor de los objetos, especialmente para representar vívidamente los delicados cambios de color de la piel de los personajes, haciendo que las personas sientan la expresión de la piel.
Hay sangre que fluye debajo de la piel. Sus desventajas son que la gama de colores es estrecha, el proceso de producción es meticuloso, lleva mucho tiempo completar la obra y no es fácil expresar las emociones inmediatas de creación artística del artista.
② Método de coloración opaca, también llamado método de coloración multinivel. Al pintar, primero use un solo color para dibujar la apariencia general del cuerpo y luego use múltiples capas de color para darle forma. Las partes oscuras suelen ser más delgadas, mientras que los tonos medios y las partes brillantes se pintan de manera espesa capa por capa. o hacia la izquierda, la forma
contrasta el bloque de color. Debido a los diferentes espesores, se revela el rico encanto y la textura de los colores.
No existe una distinción estricta entre los dos métodos de pintura, transparente y opaco, y los pintores suelen
combinarlos en una pintura. Al expresar objetos en la oscuridad o en la sombra
, el método de superposición transparente puede producir una sensación estable y profunda de volumen y espacio
; el método de superposición opaca es fácil de dar forma a otras formas. las partes oscuras aumentan la saturación del color de la imagen.
La mayoría de los pintores antes del siglo XIX usaban estos dos métodos de pintura. El tiempo para realizar las obras generalmente tomaba mucho tiempo. Algunos pintaban una capa y la dejaban durante mucho tiempo hasta que la capa de color estaba completamente terminada.
③ Método de coloración opaca de una sola vez, también llamado método de coloración directa. Es decir, después de
realizar el contorno del objeto en el lienzo, los colores se disponen en función de la sensación de color del objeto o
la idea del color de la imagen. Básicamente, la pintura se completa de una sola vez, lo cual es incorrecto
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Use un cuchillo de pintura para raspar el área y continúe coloreando y ajustando. En este método de pintura, la pintura utilizada en cada trazo es relativamente espesa, la saturación del color es alta y las pinceladas son más claras, lo que facilita expresar la sensación vívida al pintar. Muchos pintores después de mediados del siglo XIX adoptaron este método de pintura. Para lograr una capa de color completo después de una coloración, debe prestar atención a la aplicación de las pinceladas y al método de recubrimiento. Los métodos de recubrimiento comúnmente utilizados se dividen en recubrimiento plano, recubrimiento suelto
y recubrimiento grueso. . La pintura plana consiste en pintar una gran área de color con fuerza unidireccional y trazos uniformes, que es adecuada para dar forma a formas estáticas en una composición estable y estable;
La pintura dispersa se refiere a Las pinceladas son basado en la tendencia natural de giro de la forma pintada, y las pinceladas son más sueltas y flexibles. El empaste es una gruesa pila de pintura en todo el marco o parte de él, y algunas formas de hasta varios miles de milímetros de capa de color o; El bloque de color hace que la pintura muestre una textura interesante
y la imagen también se fortalece.
Como lenguaje artístico, la pintura al óleo incluye color, luces y sombras, líneas,
textura, pinceladas, textura, luz, espacio, composición y muchos otros factores de modelado.
La función de las técnicas de pintura al óleo es incorporar varios factores de modelado de manera integral o centrarse en elementos individuales
El rendimiento de los materiales de pintura al óleo proporciona completamente un plano bidimensional
Posibilidad de utilizar técnicas de pintura al óleo. El proceso de producción de pintura al óleo es un proceso creativo en el que el artista controla consciente y hábilmente los materiales de pintura al óleo, selecciona y utiliza técnicas que pueden expresar ideas artísticas y formar imágenes artísticas. Las pinturas al óleo no sólo expresan el contenido ideológico dado por el artista, sino que también demuestran la belleza única del lenguaje de la pintura al óleo: la pictórica.
El proceso de desarrollo de la pintura al óleo ha pasado por varios períodos: clásico, moderno y moderno.
Las pinturas al óleo en diferentes épocas están dominadas por las ideas y técnicas artísticas de la época
Las limitaciones del derecho adquieren diferentes aspectos.
Las condiciones históricas en las primeras etapas del desarrollo de la pintura al óleo establecieron la tendencia realista de la pintura al óleo clásica.
En el movimiento renacentista europeo del siglo XV, el pensamiento humanista se basó en la crítica de la religión y en la exigencia positiva de prestar atención a la realidad social. Muchos pintores famosos se deshicieron gradualmente del tema único y comenzaron a observar creaciones basadas en los clásicos cristianos. Y describe directamente los personajes, paisajes y objetos de la vida en ese momento, haciendo que las obras de temática religiosa contengan factores seculares obvios, algunos pintores representan completamente escenas reales de la vida real. Los pintores de la época del Renacimiento heredaron los conceptos artísticos de Grecia y Roma, es decir, no solo se enfocaban en describir un determinado evento o hecho, sino que también revelaban las causas y consecuencias del evento o hecho, formando así una técnica artística que enfoca. en concebir tramas típicas y dar forma a imágenes típicas.
Al mismo tiempo, el pintor también exploró la aplicación de la anatomía, la perspectiva en la pintura y el papel de la distribución de la luz y la oscuridad en la imagen, formando los principios científicos del modelado.
El uso de la anatomía humana hace que las figuras en las pinturas tengan proporciones, formas y relaciones estructurales precisas como si fueran reales
El establecimiento del método de perspectiva de enfoque hace que las pinturas
La pintura forma un espacio de profundidad ilusorio a través de la composición, y el paisaje en la pintura tiene la misma experiencia visual instantánea que en la realidad
El método de sombreado unifica los objetos en la pintura
Bajo la luz de la fuente de luz principal, se forman gradaciones claras de cerca a lejos.
El tema artístico del humanismo y la búsqueda de conceptos de modelado realistas no se pueden perfeccionar en otros tipos de pintura
debido a las limitaciones de herramientas y materiales, y de las herramientas de pintura al óleo
Las propiedades del material son adecuadas para incorporar ambos por completo. Por lo tanto, la pintura al óleo clásica
se convierte en una apariencia muy realista que se ha producido durante un largo período de tiempo.
La pintura al óleo clásica en su conjunto es el resultado de la aplicación simultánea e integral de varios factores en el lenguaje de la pintura al óleo
Sin embargo, artistas de diferentes países y diferentes épocas tienen opiniones diferentes. sobre esta base
Se pone especial énfasis en uno o varios factores, formando diferentes estilos. Literatura y Arte
Los pintores italianos del Renacimiento prestaron más atención al uso de la luz y las sombras. Las partes oscuras de la escena
están uniformemente envueltas en sombras, y el límite entre ellas. la luz y la oscuridad muestran una transición suave.
Crea un efecto concentrado y claro en la imagen. "La Virgen de las Rocas" de L. Leonardo da Vinci es un representante de este estilo. Los pintores holandeses del mismo período describieron claramente cada detalle del paisaje en la pintura. Las diferencias entre los paisajes fueron la diferencia de color más que la transición entre la luz y la oscuridad. El cuadro del altar de tres hojas "Notificación de la concepción". Presenta meticulosamente todas las escenas interiores y exteriores. Tiziano en Italia fue el primer pintor que prestó especial atención a la expresividad del color en las pinturas al óleo. Pintó sobre fondos oscuros y a menudo utilizó colores brillantes con brillo similar y tonalidades ligeramente diferentes, formando un magnífico amarillo dorado.
tono, superposición múltiple de pigmentos transparentes y pinceladas a veces gruesas y finas, mezclando orgánicamente el color
con el cuerpo para crear un efecto de textura.
El siglo XVII fue un período de rápido desarrollo de la pintura al óleo clásica europea. Pintores de diferentes regiones y países
según su propio origen social y temperamento nacional pintaron al óleo
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Se han realizado diferentes exploraciones en profundidad en el lenguaje de la pintura. Los tipos de pinturas al óleo se dividen según la temática: pinturas históricas, pinturas de relatos religiosos, retratos de grupo, retratos personales, pinturas de paisajes y fotografías fijas. Cuadros de vida, cuadros de género, etc. Las técnicas de pintura al óleo también se han enriquecido cada vez más y se han formado escuelas de pensamiento en varios países y regiones.
Algunas pinturas al óleo del siglo XVII enfatizaron la sensación de luz en las pinturas al óleo, utilizando el color
contraste entre frío y calor, contraste entre intensidad de luz y oscuridad, y contraste entre espesor y espesor para crear una sensación de luz
Crea una atmósfera dramática en la imagen. El pintor italiano Caravaggio rompió el efecto de luz ordenado y armonioso de sus pinturas al óleo anteriores. Intensificó el contraste entre la luz y la oscuridad en la imagen, utilizando a menudo grandes áreas oscuras en el plano de fondo para resaltar el efecto.
Hacer que la gente sienta que la luz del cuadro es deslumbrante.
El pintor español El Greco
manejó el paisaje bajo luces y sombras moteadas. No trabajó desde los dos grandes aspectos de la luz y la oscuridad
sino desde la distribución intermitente de la luz y la oscuridad. La frialdad y calidez de las formas y colores también forman cambios intermitentes y continuos. Las pinceladas son solemnes, y las capas de color se infiltran entre sí durante el apretón, dando a la gente un efecto confuso, y algunas incluso se llenan de un. atmósfera de misterio e inquietud. El pintor holandés Rembrandt también utilizó el sentido de la luz en sus pinturas
como medio para expresar el estado mental de las personas. En la gran cantidad de retratos que pintó, los personajes estaban todos en gran tamaño envueltos en la oscuridad, sólo el rostro. , manos y otras partes importantes que expresan expresiones muestran un brillo distintivo. Usó colores tranquilos
múltiples capas delgadas de pintura en las partes oscuras para hacer que las partes oscuras parecieran profundas, y usó pintura espesa y
método de color apilado con espátula para pintar las partes brillantes. para crear una sensación de volumen pesado.
Durante el mismo periodo, muchos pintores también se centraron en explorar el uso de la pincelada. Las pinceladas
son rastros del movimiento del pincel al óleo con pigmento sobre el lienzo. El grosor de la capa de pintura en cada parte de la pintura al óleo temprana es relativamente consistente, y las pinceladas son uniformes y casi desiguales.
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Revelar pinceladas. Los pintores del siglo XVII notaron que el movimiento de las pinceladas estaba impulsado por su estado mental y ritmo emocional durante la creación. Al pintar, los pintores podían producir emociones que controlaban el movimiento de las pinceladas: el peso, la lentitud, la urgencia y la dirección del movimiento. no sólo hace que la imagen moldeada parezca vívida, sino que las pinceladas mismas también tienen expresión artística.
El pintor flamenco P.P. Rubens utilizó grandes pinceladas de colores finos y brillantes en muchas obras de gran formato, y las pintó según la forma de los personajes, dejando atrás
La libertad y Las pinceladas desenfrenadas, en su mayoría curvas, crean un fuerte impulso del cuerpo y un conflicto dramático en la historia.
El pintor holandés F. Hals utiliza pinceladas rápidas y flexibles para representar retratos, dando a los retratos una sensación vívida de la energía persistente de los personajes, que contrasta con su tendencia a expresar expresiones heroicas y optimistas. Los personajes se complementan entre sí. Otro pintor holandés, J. Vermeer, sabe representar personajes en interiores con pinceladas finas y redondas que parecen perlas, creando una atmósfera tranquila y cálida en la imagen.
El desarrollo de la pintura al óleo tuvo una nueva tendencia en el siglo XIX, principalmente el cambio de color de la pintura al óleo
Color. El pintor británico J. Constable fue el primero en utilizar directamente pinturas al óleo para dibujar interiores para obtener una rica experiencia de color. Utilizó pequeñas pinceladas para yuxtaponer los colores en áreas locales para mezclarlos. bloque de color, y la imagen es mucho más brillante que el clásico tono marrón
. Colores complementarios de colores: el principio de que los colores en los dos polos de la rueda de colores pueden mejorar el brillo y la intensidad de cada uno cuando se yuxtaponen
se entendió científicamente más tarde
, pero Constable Al observar la naturaleza , adquirió el principio de los colores complementarios y lo aplicó parcialmente en la práctica. Sus obras inspiraron al pintor francés E. Delacroix. Delacroix utilizó ideas románticas para dominar sus creaciones y creó grandes pinturas temáticas basadas en acontecimientos históricos de esa época. Aplicó más la relación de colores complementarios a la expresión cromática de la creación y utilizó pinceladas activas para formar contrastes de color en muchas partes de la imagen, realzando el brillo y la sensación de magnificencia. Formó un estilo que conmocionó al mundo de la pintura en ese momento. Muchos pintores de la Escuela Francesa de Barbizon pintaron paisajes bajo diferentes condiciones climáticas naturales y se dieron cuenta de la relación entre el color de la fuente de luz, el color inherente y el color ambiental de la escena. Reconocen la gran importancia del color para encarnar el tiempo, el entorno y la atmósfera, resaltando el. tema del arte, y constituyen la concepción artística y el estado de ánimo de la pintura. Sus numerosas creaciones paisajísticas representan atmósferas cromáticas específicas, como el viento, la lluvia, la mañana y el atardecer en la naturaleza.
Sobre esta base, los pintores impresionistas franceses hicieron aportaciones innovadoras en el uso del color.
Absorbieron los logros de la óptica y la química del teñido y resolvieron el problema del color de las pinturas al óleo basándose en el principio de mezcla de colores y luces.
Pintores como C. Monet y A. Sisley capturaron la impresión instantánea de colores creada por los cambios de luz en la superficie de las escenas al aire libre. Combinaron colores contrastantes con pinceladas finas y gruesas. Se dieron cuenta de que las partes oscuras o las sombras no son cambios de color. las tonalidades de negro, y cambiaron el método tradicional de pintar partes oscuras con un solo color que se ha armonizado. También utilizaron el método de pintar partes oscuras en partes oscuras y se yuxtaponen puntos de color. . Debido a los efectos de la fisiología visual, los puntos de color yuxtapuestos aparecen a cierta distancia como bloques de colores transparentes, fríos y cálidos, formando una transición sutil. El impresionismo diluyó el volumen del paisaje y fortaleció el factor color. Ya no se basaba en la luz, las sombras y las líneas para formar una sensación de distancia espacial, sino que se basaba en el principio del reflejo de la luz del color utilizando el frío. y colores cálidos para crear una sensación de distancia. Las obras impresionistas eran brillantes y vívidas sin precedentes, lo que demostraba que el color tenía un poder expresivo tanto integral como puro.
En el siglo XIX, la pintura al óleo europea surgió como una escuela con propuestas artísticas claras.
Aunque se reflejaba principalmente en la temática y el contenido artístico, las técnicas de pintura al óleo también variaban en consecuencia.
Ten cara. Por ejemplo, el neoclasicismo se centra en el rigor y la solidez del modelado de objetos en las pinturas al óleo, lo que está en consonancia con las reglas de modelado de la tradición clásica. El romanticismo se centra en el tema de la tragedia y se esfuerza por utilizar el color, los factores de la pincelada y las líneas en movimiento; en la composición crean tensión
en la trama de la pintura; los prerrafaelitas se centran en la expresión de las emociones psicológicas de los personajes de la pintura
Muchas pinturas utilizan el azul y el morado. , los tonos verdes constituyen una concepción artística sentimental y tranquila... Aunque la apariencia de las pinturas al óleo modernas ha sido relativamente rica,
todas tienen las características generales del realismo. Todas se expresan de la siguiente manera: una pintura al óleo es la unidad de la forma de arte, el color unifica el tono principal. los colores de cada parte de la imagen. Los colores locales forman una relación armoniosa entre sí en el gradiente de transición. No hay bloques de color aislados. Las pinceladas se utilizan básicamente para crear una imagen, el grado de exposición es limitado y unificado. en una cierta tendencia ordenada que puede ser larga o corta; los objetos representados se unifican en la composición del foco central, el efecto es isomórfico con el campo de visión real.
Desde finales del siglo XIX, la pintura al óleo occidental ha sufrido cambios fundamentales.
Las funciones artísticas relativamente limitadas y las técnicas realistas integradas de la pintura al óleo tradicional han
alcanzado un alto grado de saturación en sus propios sistemas, por lo tanto, en términos de conceptos filosóficos y artísticos<. /p>
Tiende a desintegrarse en el cambio. La pintura al óleo ya no se basa en imitar y reproducir la naturaleza como principio de creación artística. La imagen artística de la pintura al óleo construida libremente por el artista se considera la nueva realidad. Los artistas ya no representan la naturaleza fielmente a través de la pintura al óleo, sino que utilizan la pintura al óleo como medio para expresar su mundo espiritual y emocional, construyendo obras a través de la imaginación, la fantasía y otros métodos. Tres pintores posteriores a los impresionistas fueron los primeros en abandonar el modelo tradicional de pintura al óleo. V. Van Gogh utilizó pinceladas rápidas y desenfrenadas para llenar los colores gruesos y brillantes con una fuerte sensación de fuerza, expresando su inquietud emocional interior.
P. Gauguin utilizó colores y formas simbólicas para componer el cuadro. El espacio de la obra es contrario a la forma tradicional y tiene una atmósfera misteriosa y no descriptiva. La exploración de P. Cézanne
Utiliza formas geométricas para formar imágenes artísticas, creando una imagen que es un mundo lleno de orden propio
. Sus obras se convirtieron en símbolos de los dramáticos cambios en la apariencia de la pintura al óleo.
En la pintura al óleo del siglo XX, diferentes conceptos artísticos formaron diferentes
escuelas y restringieron la forma de arte para mostrar diversas tendencias en las técnicas tradicionales de pintura al óleo,
. >Algunos factores suelen potenciarse como expresión formal de conceptos artísticos, e incluso
llevarse al extremo. El lenguaje formal de la pintura al óleo es muy valorado. Por ejemplo: el cubismo, que ignora el color y se centra principalmente en la construcción libre de formas; el fauvismo, que se centra en el efecto equilibrado de los estados de colores fuertes y hace uso de los estados; desorden de colores y pinceladas
Expresionismo que expresa una psicología distorsionada que utiliza puramente puntos, líneas y superficies de colores para formar imágenes y el lanzamiento, salpicadura y goteo aleatorios de pintura
Expresionismo abstracto sobre lienzo, etc.
En los últimos cien años, ha habido muchas escuelas de pintura al óleo moderna en Occidente, que han sido reemplazadas una tras otra. Siempre que se utilicen herramientas y materiales de pintura al óleo como medio de modelado, los artistas pueden crear cualquier apariencia de pintura al óleo.
Con la continua expansión de los conceptos artísticos, los materiales de pintura al óleo se combinan con otros materiales
para producir un arte integral que no pertenece a un tipo de pintura al óleo específico
<. Por lo tanto, la pintura tiende a perder su estatus como tipo importante de pintura en Occidente.La pintura al óleo china se desarrolló a partir de la introducción de técnicas de pintura al óleo europeas
. La Escuela Normal Excelente de Nanjing Liangjiang, establecida en 1902, fue la primera en establecer una escuela de pintura occidental y contrató profesores extranjeros para enseñar pintura al óleo. Durante el mismo período, el gobierno Qing también envió estudiantes al extranjero para estudiar pintura al óleo. En 1887, Li Tiefu estudió en Inglaterra y Estados Unidos y recibió clases de pintores impresionistas. En 1904, Li Shuping fue a Japón para estudiar pintura al óleo. Además, hay sucesivos pintores que estudian en Europa por cuenta propia. A finales de la década de 1920,
los estudiantes extranjeros regresaron a China uno tras otro y participaron activamente en la creación y la educación de la pintura al óleo.
Formaron varias sociedades de pintura y sociedades artísticas. El cuerpo principal, publicó álbumes de imágenes y presentó las pinturas al óleo de Western. De esta manera, la pintura al óleo se introdujo en China directamente desde Europa e indirectamente desde Japón, y se convirtió en un nuevo tipo de pintura en el mundo de la pintura china.
Los estudiantes que estudiaban en el extranjero estudiaban en diferentes escuelas de arte o estudiaban con pintores de diferentes estilos
lo que hacía que las primeras pinturas al óleo chinas parecieran diferentes. Debido a la falta de atmósfera social para el arte de la pintura al óleo y las limitaciones materiales después de que el pintor regresó a China, las primeras pinturas al óleo chinas no eran tan ricas y expresivas como las pinturas al óleo occidentales. Algunas de las obras utilizan materiales de pintura al óleo para expresar el contenido y las características de modelado de las pinturas tradicionales chinas. Las imágenes a menudo parecen secas y estancadas, y no son fáciles de conservar durante un tiempo. mucho tiempo.
De los años 1920 a los años 1940, Peking Art College, Departamento de Arte de la Universidad Central,
Hangzhou Art College, Shanghai Art College, Suzhou Art College
Escuela , Wuchang Art College y otras instituciones han capacitado a varios talentos de la pintura al óleo.
Liu Haisu, Lin Fengmian y Xu Beihong son artistas de pintura al óleo que tienen una gran influencia en la educación
y sus obras representan el nivel más alto en ese momento.
Muchos pintores representados por Xu Beihong insisten en tomar el contenido de la vida real como
temas, representando temas tramados específicos, centrándose en la modelación corporal rigurosa
y lo realista. El color y el tema de la obra están estrechamente relacionados con el trasfondo social e histórico de la época, formando un fuerte significado social y educativo. Algunos pintores, representados por Lin Fengmian y Liu Haisu, se centraron en absorber varios estilos posteriores al impresionismo europeo, expresando principalmente el paisaje a través de colores ricos y pinceladas libres.
El sentimiento subjetivo del objeto, la forma artística de la imagen. es fuerte y en su mayor parte suave y relajado.
Algunos de los pintores al óleo que regresaron de estudiar en el extranjero en la década de 1940 se adentraron en las Grutas de Dunhuang para estudiar el arte chino antiguo y pintaron obras que absorbieron las formas y colores de las pinturas nacionales.
Tras la fundación de la República Popular China, la pintura al óleo china alcanzó un desarrollo popular
. A finales de la década de 1950, la enseñanza y la creación de la pintura al óleo sufrieron nuevas influencias extranjeras y se adoptó principalmente el modelo de pintura al óleo ruso-soviético. En el trabajo básico, las características de las técnicas de pintura al óleo son: centrarse en representar el efecto de los objetos bajo una fuente de luz principal y utilizar la progresión de tonos claros y oscuros, es decir, la relación entre el boceto, como forma dominante. /p>
Factores. El color expresa los tonos formados por los colores ambientales entre los objetos. Generalmente, se utiliza un método de pintura multicapa para mantener la transparencia de las partes oscuras y la superposición de capas de color en las partes brillantes. Las pinceladas son en su mayoría amplias y obvias, formando una elegante. transición y textura del objeto.
La creación de pintura al óleo china sigue principalmente los principios artísticos de reflejar la vida social real.
A partir de la observación de la vida, los materiales de creación se recopilan y se les da forma mediante métodos de dibujo.
Forma una concepción artística con un tema claro, encarna el tema artístico mediante la creación de escenas de un determinado estado de vida momentáneo y enfatiza la trama y la naturaleza literaria del contenido.
Las imágenes
generalmente tienen un sentido realista de enfoque y perspectiva, utilizando luces, sombras y formas para resaltar el tema. La tendencia del color
forma la concepción artística de la imagen y resalta el. tema. Muchas obras basadas en la vida real y hechos históricos modernos reflejaron la conciencia social general en los años 1950 y la primera mitad de los años 1960, y las técnicas de pintura al óleo se hicieron cada vez más ricas. Se ha convertido en una forma de pintura vibrante en el mundo de la pintura china. A finales de la década de 1960, la pintura al óleo china pasó de un estrecho camino artístico a la conceptualización, con un contenido de expresión única. Muchas de sus obras se convirtieron en ilustraciones de lemas políticos de la época, y la pintura al óleo se perdió casi por completo. Características.
Después de 1979, la pintura al óleo china se desarrolló gradualmente con normalidad, cambiando
la situación anterior de absorber un único modelo de pintura al óleo y absorbiendo de manera más integral los estilos occidentales de
estilos y géneros clásicos a modernos. Los artistas prestaron más atención a la función estética de la pintura al óleo
arte y se centraron en la diversificación y personalización del lenguaje formal de la pintura al óleo,
formando la prosperidad inicial de la pintura al óleo china. . Entre ellos, el destacado estilo de pintura al óleo absorbe las técnicas de la pintura al óleo clásica francesa, presta atención a formas rigurosas y resumidas artísticamente y utiliza delicados cambios de color y colores de múltiples capas para formar tonos armoniosos, las obras.
tener un ambiente elegante y una concepción artística fresca. Algunos se basan en las técnicas del fotorrealismo americano y utilizan pinceladas extremadamente finas para representar objetos construidos racionalmente. Sus obras se basan en situaciones de la vida real y, a menudo, muestran un estado de ánimo sombrío. Cada vez más pintores buscan la expresión artística emocional, utilizando materiales de pintura al óleo de manera flexible para crear obras de arte individuales.
El rico poder expresivo de la pintura al óleo se ha vuelto cada vez más evidente en su desarrollo. Es un lenguaje artístico importante en el mundo para comunicar las emociones humanas.
Bibliografía
Guo Shaogang: "Conocimientos básicos de la pintura al óleo", Editorial de Bellas Artes de Hunan, Changsha,
1984.
(Fandiano)