Características básicas del Renacimiento
El arte renacentista tiene un rasgo distintivo: realidad y humanidad. La mayoría de las creaciones del Renacimiento giraron en torno a este tema. Esto incluye los sentidos, creencias, deseos sexuales y visiones del mundo de las personas. Todas las obras de este período requirieron romper la teocracia feudal y romper el ascetismo feudal. Romper el bloqueo del sistema feudal sobre el espíritu e incluso el cuerpo de las personas. Gran parte de las obras de este período versaban principalmente sobre religión, y muchos comentaristas decían que utilizaban la religión como escudo. Me opongo a esta afirmación. Cualquiera que tenga un poco de conocimiento del mundo occidental sabe que las creencias religiosas ocupan una gran parte de sus vidas en Occidente. En última instancia, se puede decir que el arte religioso del Renacimiento es una especie de arte religioso del pueblo, no el arte religioso de la iglesia bajo el sistema feudal. Este punto debe quedar claro primero. Las características de las técnicas artísticas del Renacimiento se reflejan principalmente en el hecho de que la primera prioridad fueron los faxes realistas y la creación de técnicas de expresión basadas en teorías científicas e investigaciones prácticas, como la anatomía humana y las reglas de perspectiva. En términos de estilo y técnicas, prestamos más atención a la coordinación de colores y la naturaleza, y somos eclécticos. En términos de arte arquitectónico, su primera prioridad es la restauración de la tradición arquitectónica clásica y, al mismo tiempo, se centra en explorar las leyes racionales de la belleza arquitectónica. Las etapas del Renacimiento y sus principales representantes: El inicio del Renacimiento italiano (desde finales del siglo XIII hasta la primera mitad del siglo XIV): Este período fue la etapa de exploración de nuevos espíritus y elementos artísticos por parte de los artistas. El arte en ese momento aún era inmaduro y aún no había formado estándares idealizados, pero podía reflejar la búsqueda de nuevas técnicas artísticas por parte de los artistas. ¿Cómo reflejar más fielmente el contenido en la pantalla? Se convirtió en la principal preocupación de los artistas italianos de aquella época. Entonces comenzaron a estudiar esculturas antiguas y estilos de pintura griega y romana, y formaron un nuevo estilo realista. Quien tuvo una influencia decisiva en este nuevo estilo fue el pintor florentino Giotto di Bondone (1266-1337), entre sus obras representativas se encuentran: "Huida a Egipto", "El beso de Judas", etc. Giotto es considerado el maestro pionero de la pintura occidental. Fue el primer artista que combinó un estilo realista con técnicas de distancia de luz y oscuridad, dando un paso crucial en la pintura. Además, combinó una hermosa narrativa con una fiel observación, haciendo que la pintura ya no fuera una simple ilustración de palabras, sino un significado independiente. Pero es innegable que, como explorador en las primeras etapas del Renacimiento, Giotto todavía era relativamente ingenuo en términos de la relación espacial de la composición, el procesamiento de los colores e incluso el contraste entre la luz y la oscuridad. historia, Giotto El impacto en las generaciones futuras todavía es reconocido por el mundo. Arte del Renacimiento temprano en Italia (siglo XV): La progresión del arte del Renacimiento temprano en Italia constituye una escena muy intrincada. Este fue un período en el que nacieron y prosperaron muchas escuelas de arte regionales, lo que refleja un período en el que diversas tendencias ideológicas se influyeron activamente entre sí y lanzaron luchas. En esta era en la que cientos de flores compiten por la investigación, sus características únicas se centran en la expresión de la perspectiva espacial, el modelado sólido de personajes y el buen uso de las líneas. Los tres maestros más famosos son el arquitecto Brunelleschi, el escultor Donatello y el pintor Masaccio. Aquí presentamos principalmente al pintor Masaccio. Masaccio (1401-1428), cuyas obras representativas incluyen "Salida del paraíso" y "Dinero fiscal"; los logros artísticos de Masaccio marcaron la llegada de la prosperidad de la pintura renacentista italiana. Fue el fundador del realismo en la pintura renacentista. Masaccio aplicó sus conocimientos de anatomía y perspectiva a la pintura con un espíritu de exploración científica. Sus personajes son más realistas y poderosos que los de Giotto. Al mismo tiempo, también fue el primero entre los pintores del Renacimiento en dominar la perspectiva, el primero en revelar la estructura del cuerpo humano bajo las líneas de la ropa y el primero en hacer un uso extensivo. de luces y sombras. Personas que contrastan técnicas. Masaccio también incluyó el paisaje en su composición, dándole al paisaje una naturaleza magnífica, general y real. Usó el paisaje para ampliar el alcance de la imagen y darle una sensación de vasto espacio. Su contribución es, primero, utilizar una actitud científica para describir y representar las imágenes (personajes) de manera más realista, y segundo, coordinar el escenario y los personajes para que se complementen entre sí. Esto sentó una base sólida para el clímax del Renacimiento.
Arte en el Alto Renacimiento italiano (primera mitad del siglo XVI): El Alto Renacimiento fue el apogeo del Renacimiento italiano. En esta época, debido a diversas razones sociales y políticas, los artistas ya no estaban satisfechos con sus habilidades personales y su artesanía. compitieron entre sí. Anímelos a explorar ampliamente en los campos de las ciencias naturales, la cultura y el arte, y esforzarse por lograr mayores logros. Generalizaron y resumieron basándose en las exploraciones de artistas anteriores, haciendo que el arte alcanzara un estado de gran madurez y perfección a principios del siglo XVI. No sólo el tema se expandió del contenido religioso a la vida real, sino que también comenzaron a prestar atención a los paisajes naturales. Las imágenes que crearon eran más perfectas, con personalidades y necesidades psicológicas más complejas. Si los artistas del primer Renacimiento exploraron principalmente reglas científicas como la perspectiva y la anatomía, los maestros del período superior ya no estaban restringidos por estas reglas después de dominarlas, sino que enfatizaron los efectos visuales y exploraron el dramatismo y el nuevo lenguaje artístico de sus obras. . Se puede decir que el arte en su apogeo fue una combinación perfecta de arte y ciencia. Durante este período aparecieron muchos maestros clásicos, como Da. Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Bramante, Tiziano y muchos más. No sólo desarrollaron técnicas artísticas a alturas sin precedentes, sino que también hicieron contribuciones inmortales a la construcción de la teoría del arte. El pintor Leonardo Da Vinci (1452-1519) se selecciona aquí como principal objeto de introducción. Sus obras representativas incluyen "Mona Lisa" y "La Última Cena", etc. El genio de Da Vinci no se limita al arte. matemáticas, ingeniería mecánica, medicina, geología, etc. En términos de arte, Leonardo da Vinci resumió los resultados de las investigaciones de los artistas del siglo XV y logró grandes logros en la composición de la pintura, luces y sombras, perspectiva, color, etc. Su lenguaje artístico más singular es el uso de luces y sombras para crear una sensación tridimensional de imágenes planas. Leonardo da Vinci dijo una vez: "El mayor milagro de la pintura es hacer que un cuadro plano parezca cóncavo y convexo. Usó el principio del cambio de luz recibido por una esfera para crear el primer método de transferencia de luz y oscuridad (también conocido). como el método gradual de luz y oscuridad), es decir, en la imagen la transición de la luz a la oscuridad es continua, como el humo, sin límites claros. "Mona Lisa" es un modelo de este método de pintura. Lo sorprendente de "La Última Cena" radica en el dominio del maestro de las expresiones de los personajes de la imagen. Esta es una obra histórica pionera en obras de arte pasadas, por muy buenas que sean las habilidades de composición o imagen. Los personajes siempre parecen retratados rígidos y aburridos, el maestro tomó esta iniciativa histórica gracias a su profundo conocimiento de la anatomía humana, su dominio de las actividades de los músculos de la expresión facial humana y su profundo conocimiento de la anatomía humana y las proporciones humanas. Además, Leonardo da Vinci también tuvo muchos conocimientos destacados en la teoría del arte. Cree que la pintura es superior a cualquier otro arte porque abarca todo lo que hay en el mundo. El corazón del pintor es como un espejo que realmente puede reflejar el mundo y convertir la naturaleza universal en una segunda naturaleza. Se puede decir que Leonardo da Vinci no es sólo uno de los representantes más destacados de todo el Renacimiento, sino también uno de los representantes más destacados de la historia del arte mundial. También hay otro gran artista: Miguel Ángel (Michelangeonaroti 1475-1564). En el pasado, la vida de Miguel Ángel fue descrita profundamente en "Tres vidas de gigantes" por el premio Nobel Romain Rolland. Como maestro en el apogeo del Renacimiento, además de su genio supremo y sus logros sobresalientes, lo que lo hace único es la tragedia de su vida (esto se detalla en "Tres vidas de gigantes" de Romain Rolland, no se menciona más aquí). ). Experimentó los altibajos de la vida y la dureza del mundo, por lo que las obras que dejó en su vida están llenas de efectos dramáticos, impulso majestuoso y tragedia humana. Sus obras representativas en escultura incluyen "David", "Moisés", etc., y sus obras representativas en pintura incluyen "Génesis" y "El Juicio Final". En sus dos murales clásicos, la variedad y el majestuoso ímpetu de los personajes son una característica destacada. Pero aun así, las historias expresadas por cada personaje siguen siendo irregulares. Expresa plenamente las características de personalidad de los propios personajes y es numeroso pero no confuso.
El padre de Rafael era pintor de segundo nivel en la corte, por lo que aprendió a pintar de su padre desde pequeño. Cuando tenía 11 años murió su padre y trabajó como ayudante de un pintor. Posteriormente estudió las obras de artistas florentinos del siglo XV y absorbió activamente las ventajas y fortalezas de pintores de diversas escuelas.
Formó su propio estilo artístico armonioso, claro, gracioso y elegante y comenzó a emprender un camino original.
Rafael se dedicó a estudiar las características artísticas de los maestros de cada escuela de pintura, y comprendió y aprendió cuidadosamente de las fortalezas de los demás, especialmente las técnicas de composición de Leonardo da Vinci y la expresión del cuerpo humano y el estilo poderoso de Miguel Ángel. y finalmente formado Con su espíritu clásico único de belleza, redondez y estilo suave, se convirtió en uno de los tres maestros del mundo del arte renacentista, al lado de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.
Rafael creó un gran número de estatuas de Madonnas, revelando su extraordinario genio. Su serie de retratos de Madonna encarna ideas humanistas con ternura maternal y aptitud juvenil. Entre ellos, los más famosos incluyen "Las bodas de la Virgen", "La Virgen con la oropéndola", "La Virgen sobre la hierba", "La Virgen en el jardín", "La Virgen Sixtina", "La Virgen en la Cátedra", "Volini", "Nuestra Señora de Austria", "La Bella Jardinera", "Nuestra Señora de Alba", etc.
Las "Bodas de la Virgen" pintadas por Rafael cuando tenía 21 años no sólo muestra que absorbió plenamente la esencia artística de Perugino, sino que también vino desde atrás e introdujo innovaciones en la composición y creación de imágenes. En particular, el equilibrio del cuadro, la representación del fondo y la dignidad y elegancia de la Virgen María son raros en las obras de pintores anteriores.
El gran óleo "Madonna Sixtina" es la imagen de la Virgen más exitosa de Rafael, y es un himno a la Virgen compuesto por él con un humor piadoso. La imagen adopta una composición estable en forma de pirámide, y los personajes son similares a los de tamaño natural, solemnes y equilibrados. El fondo de la imagen está compuesto íntegramente por cabezas de angelitos, lo cual es un concepto novedoso y único. La imagen de la Virgen María es suave y santa, expresando la alegría y la grandeza del amor maternal.
En "La Virgen de la Sillita", Rafael retrata la imagen de la Virgen de una manera más humana. El atuendo de la Virgen está profundamente influenciado por costumbres exóticas, y los colores son hermosos y llenos de sentimiento oriental. . Toda la obra tiene una composición completa y refleja plenamente las incomparables habilidades pictóricas de Rafael.
El mural más famoso de Rafael es la "Escuela de Atenas" pintada para el Palacio del Vaticano. Este mural gigante reúne a más de 50 filósofos y pensadores famosos desde la antigua Grecia, incluidos Platón, Aristóteles, Sócrates, Pitágoras, etc., para celebrar la búsqueda de la sabiduría y la verdad por parte de la humanidad y alabar la creatividad humana.
En "La Escuela de Atenas", Platón y Aristóteles, que están en el centro del cuadro, uno señala con el dedo al cielo, y el otro extiende el dedo derecho para señalar el mundo que tiene delante. él indica sus diferentes puntos de vista filosóficos: el idealismo de Platón y el materialismo de Aristóteles. Con ellos dos como centro, algunos eruditos famosos están pintados en ambos lados, las imágenes son vívidas y nada desordenadas.