¿Son todas las obras de arte igualmente importantes?

1. Análisis de los materiales didácticos

(1) Objetivos docentes

Teóricamente, cualquier obra de arte ya no pertenece al artista una vez producida, sino a toda la sociedad o audiencia, por lo que diferentes obras de arte tendrán diferentes significados y valores a los ojos de diferentes sociedades y audiencias. Ya hemos hablado de la importancia de comprender la intención creativa del artista en la lección anterior. Lo que esta lección quiere explicar es que la intención creativa del artista es sólo un aspecto de nuestra comprensión de las obras de arte, no el único, o puede ayudar. Entendemos el arte. Las obras proporcionan algún tipo de referencia, y las obras de arte también requieren que nosotros, el público, nos demos nuestras propias interpretaciones. Por lo tanto, el propósito docente de este curso es hacer que los estudiantes se den cuenta de que el significado y el valor de las obras de arte tienen un aspecto tanto absoluto como relativo. La participación activa es premisa y garantía de la apreciación del arte. Sólo así podremos mejorar nuestra capacidad de apreciar el arte y cultivar nuestra mirada estética.

(2) Estructura del contenido

Esta lección incluye principalmente cuatro partes.

La primera parte comienza con la historia de los antiguos pintores chinos Ma Yuan y Xia Gui. A modo de introducción, esta sección señala su contribución a la historia del arte chino, pero el emperador de la dinastía Ming dio una explicación diferente, lo que demuestra que la apreciación del arte no sólo requiere comprender la intención del artista, sino también una cuestión del juicio del público. de su significado y valor.

La segunda parte, "Las características contemporáneas y regionales de las obras de arte", habla de la relación entre el significado y valor de las obras de arte y la época y región en la que fueron producidas, es decir, su producción. Fue influenciado por la época en ese momento y las restricciones geográficas, su comprensión también está estrechamente relacionada con su época y región. El ejemplo principal aquí es "Padre" de Luo Zhongli. Esto puede entenderse en conjunto con las intenciones creativas del artista descritas en la lección anterior.

La tercera parte "¿Cómo juzgar el significado y el valor de las obras de arte?" toma tres "David" creados por tres escultores en diferentes períodos de la historia occidental como ejemplos para explicar mejor el significado y el valor de las obras de arte. La relación con las épocas y las regiones señala que el significado y el valor de las obras de arte tienen a la vez un lado absoluto y un lado relativo. También se plantea aquí la cuestión de la innovación artística, principalmente desde la perspectiva de comprender el significado y la integridad del valor de las obras de arte. Dado que esta cuestión es más compleja, no se amplía y sólo se utiliza como referencia en la enseñanza.

La cuarta parte "¿Cómo tratar las diferencias en el significado y el juicio de valor de las obras de arte?" es una pregunta que sigue el lado opuesto del significado y el valor de las obras de arte mencionado anteriormente. Esta sección enfatiza la importancia de los sentimientos y juicios personales y proporciona diferentes ángulos y métodos para juzgar el significado y el valor de las obras de arte. Estos ángulos y métodos nos dicen que el significado y el valor de las obras de arte no son estáticos, sino que pueden tener varios niveles de comprensión. Cada nivel es parte del significado y el valor de las obras de arte. Esta interpretación es muy importante para que los estudiantes participen en el arte. Apreciación. La iniciativa tiene una connotación positiva. Pero también señala que a pesar de estas diferentes perspectivas y enfoques, la obra de arte en sí sigue siendo la base de nuestros juicios de significado y valor.

(3) Puntos clave y dificultades de la enseñanza

El enfoque didáctico de esta lección tiene dos aspectos: 1. Permitir a los estudiantes comprender que el significado y el valor de las obras de arte están relacionados a las características contemporáneas y regionales. Estrecha relación, es decir, tanto la formación de este significado y valor como la capacidad y alcance de las obras de arte para generar significado y valor están limitados por la época y región en la que se ubican; Permitir a los estudiantes comprender el juicio sobre el significado y el valor de las obras de arte. Puede haber diferentes ángulos, es decir, el significado y el valor de las obras de arte se pueden ver y comprender desde diferentes ángulos.

La dificultad de enseñar este curso es que el significado y el valor de una obra de arte tiene un aspecto tanto absoluto como relativo. Juzgar con precisión el significado y el valor de una obra de arte implica muchos factores. Sin embargo, no es fácil comprender con precisión la relación entre ellos en la enseñanza, a lo que se debe prestar atención en la enseñanza. Además, las diversas perspectivas para juzgar el significado y el valor de las obras de arte pueden fácilmente hacer que los estudiantes tengan la ilusión de que las obras de arte pueden entenderse arbitrariamente. Esto es incorrecto y los profesores deben prestar atención para corregirlas en la enseñanza.

2. Materiales de contenidos didácticos

(1) Análisis de la obra

Xiao Xueshan Tour (pintura china) Ma Yuan (Dinastía Song)

El hogar ancestral de Ma Yuan era Hezhong (ahora condado de Yongji, provincia de Shanxi), y nació en Hangzhou. Su nombre de cortesía era Yaofu y su apodo era Qinshan. Nació en una familia de pintores y ya es la cuarta generación.

Durante las dinastías Guangzong, Ningzong y Lizong, sirvió como el único marqués de la Academia de Pintura y del edicto imperial. Al igual que sus antepasados, Ma Yuan podía pintar paisajes, figuras, flores y pájaros, y pinturas diversas. Era un pintor versátil y único en el mundo de la pintura. Las que tienen mayores logros y mayor influencia son sus pinturas de paisajes, que se conocen como "el rincón de los caballos" porque la composición de sus pinturas a menudo coloca la escena real en una esquina del cuadro. Sin embargo, además de los primeros planos de una esquina, también tiene paisajes panorámicos y también aprovecha al máximo sus ventajas generales. Sus obras a veces combinan flores y pájaros con paisajes, a veces combinan figuras con paisajes y otras veces combinan. figuras con flores, pájaros y paisajes, de gran riqueza y variedad.

La flauta de pesca Qingyou (Pintura china) Xia Gui (Dinastía Song)

La historia de la pintura siempre se ha llamado "Ma Xia" porque sus estilos de pintura son muy similares. La diferencia es: Ma Yuan es más digno, Xia Gui es más sencillo; la pintura de Ma Yuan es más ajustada, la pintura de Xia Gui es más suelta, además, la tinta de Xia Gui es más vívida;

Xia Gui fue un poco posterior a Ma Yuan. Era de Qiantang y sirvió en la Academia de Pintura durante las dinastías Ningzong y Lizong. Aunque llega tarde, su reputación no es baja. Disfruta del mismo trato que sus famosos predecesores Su Hanchen, Lin Chun, Li Di, Ma Yuan y otros. Los paisajes de sus primeros años tenían más rastros de las dinastías Li y Tang, y después de su mediana edad, gradualmente formó su propio estilo. En términos de diseño, le gusta concentrar el paisaje en un lado, o en la mitad inferior o en los lados izquierdo y derecho, para expresar el interés espacial confuso y etéreo, lo que se conoce como "Xia Banbian". En sus últimos años, su estilo se volvió más conciso y atrevido. Como señaló Dong Qichang, Xia Gui también absorbió la técnica de la tinta de la pintura de paisajes de Mijia. Le gustaba usar tinta salpicada para mojar la superficie y luego usar el bolígrafo desnudo para quemar la tinta y teñirla. La pincelada es flexible y cambiante, y se utilizan alternativamente puntos, líneas cortas, pequeños cortes de hacha y grandes cortes de hacha para hacer que las sombras sean vagas y las nubes se desvanezcan.

Padre (pintura al óleo, 240 cm × 160 cm, 1980, recopilada por el Museo Nacional de Arte de China) Luo Zhongli

Luo Zhongli (1948- ) nació en el condado de Bishan, Sichuan. En 1964, fue admitido en la escuela secundaria afiliada a la Academia de Bellas Artes de Sichuan. Después de graduarse, vivió en la montaña Daba, Sichuan, durante 10 años. En 1978, fue admitido en la Academia de Bellas Artes de Sichuan y pintó el óleo "Padre" durante sus estudios. Basándose en su experiencia de trabajar y vivir en las montañas de Sichuan durante muchos años, se basó en las técnicas del fotorrealismo del arte moderno occidental y utilizó la forma de un retrato gigante de un líder para representar la imagen de una persona trabajadora, sencilla y amable y pobre viejo granjero. Su rostro de bronce, las arrugas marcadas por los largos y duros años, sus manos como rastrillos de leña y su boca a la que le faltan dientes están llenos de las profundas emociones del pintor y de una profunda reflexión sobre la realidad que provocó esto, inspirando así. profunda preocupación por la realidad, especialmente por el destino de los agricultores. Debido a esto, esta obra despertó inmediatamente una fuerte respuesta de la sociedad después de su exhibición pública. Es una de las obras de arte más influyentes desde la fundación de la Nueva China.

La Última Cena (óleo, 365 cm × 568 cm, 1592-1594, recogida en la Capilla de San Giorgio Maggiore, Venecia) Tintoretto (Italia)

Tintoretto (1518- 1594) es considerado un pintor manierista del Renacimiento tardío. "Tintoretto" no es su verdadero nombre, porque nació en una familia de tintoreros, por lo que recibió este apodo (que significa tintorero). Era un hombre ambicioso que amenazaba con combinar los colores de Tiziano con las formas de Miguel Ángel para convertirse en el mayor maestro del arte. Para lograr efectos artísticos únicos, siempre elige ángulos y composiciones que otros rara vez utilizan en sus creaciones. Persigue la grandeza, el dramatismo fuerte y un destacado sentido de la luz. Ignora la representación del temperamento interior y la personalidad del personaje. Se centra en el efecto de la imagen.

El tradicional tema bíblico "La Última Cena" ha sido pintado por muchos pintores en diferentes épocas. El propio Tintoretto pintó hasta siete u ocho cuadros. Una de las primeras pinturas de "La Última Cena" de Tintoretto fue pintada en 1547 y ahora se encuentra en la capilla de Santa Macchiola en Venecia. Pero las tres pinturas realizadas entre 1565 y 1594 son las más famosas (la primera está en la Iglesia de San Trovazzo, la segunda en el Gremio de San Rocco y la tercera es esta pintura). Esta pintura es más audaz que todas las demás por la singularidad de su concepción. Aquí, aunque todavía se utilizan los movimientos del cuerpo humano al colgar boca abajo y girar, la imagen todavía está llena de un fuerte color mitológico, pero la relación entre Jesús y los 12 discípulos es extremadamente rítmica. La composición deportiva de líneas diagonales y los fuertes claroscuros dan a la gente una fuerte impresión visual y psicológica.

Los 12 personajes en el banquete se asustaron por las palabras de Jesús: "Uno de ustedes me va a traicionar". Sus expresiones estaban nerviosas y sus expresiones variaban. Además, la fantástica fuente de luz del tragaluz y las nubes y la niebla en la parte superior izquierda. La esquina hizo la escena aún más dramática. Esta escena tiene un efecto escénico mítico.

El pintor dispuso creativamente esta "Última Cena" en perspectiva y ángulo vertical. El espectador parece estar parado en la puerta o en un lugar alto a un lado de la escena para observar los movimientos de todos. Los personajes son como agrupados, ocupados y narrativos. Según la valoración que hizo el historiador del arte italiano Vasari de las pinturas de Tintoretto: "No sólo trabajó con rapidez, sino que sus obras dejaron pinceladas ásperas que hacían imposible saber si sus pinturas estaban terminadas". Tienen muchas asperezas técnicas, que son fruto de su búsqueda de la luz y el movimiento con la pincelada. Prefiere usar colores cálidos, pero sus colores cálidos no persiguen colores brillantes. La luz y la oscuridad en colores cálidos son para fortalecer los factores psicológicos de los personajes. Este estilo de pintura fue apreciado más tarde por los impresionistas franceses del siglo XIX, quienes copiaron su método de pintura para absorber el efecto expresivo de la luz y la sombra.

La Última Cena (fresco, 484 cm × 880 cm, 1495-1497, recogida por el Convento de Santa Maria della Grazie, Milán) Leonardo da Vinci (Italia)

Leonardo da Vinci (1452-1519) fue el pintor, científico e inventor más destacado de la Italia del Renacimiento. Completó pocas pinturas en su vida, pero casi todas son obras inmortales. Sus obras tienen un estilo personal distinto de principio a fin, y saben combinar la creación artística con la exploración científica, que son profundas, implícitas y racionales. Se dedicó a la investigación científica en sus últimos años y tras su muerte dejó un gran número de notas, manuscritos y bocetos, que abarcaban casi todo, desde la física, las matemáticas hasta la anatomía fisiológica. Sus inventos tecnológicos también cubren todos los aspectos civiles, militares, de ingeniería y de maquinaria. Por ello Engels lo elogió: "No sólo es un gran pintor, sino también un gran matemático, mecánico e ingeniero. Ha realizado importantes descubrimientos en varios departamentos de física".

Mural "El Último" "La Cena" Fue creado por Leonardo da Vinci para el comedor del monasterio de Santa Maria della Grazie en Milán. No es un fresco gris ordinario, sino que está mezclado con pintura al óleo, por lo que algunos libros de historia del arte no lo llaman mural, sino que lo etiquetan como "pintura de huevo a base de aceite". Debido a que se trataba de un nuevo intento inmaduro, la pintura original se desvaneció y deterioró gradualmente en el siglo XVI. Además, debido a la mala conservación por parte de las generaciones posteriores, ahora está muy borrosa. Actualmente, las partes interesadas están intentando repararlo con tecnología moderna, pero el progreso es lento.

"La Última Cena" se basa en la leyenda de la Biblia cristiana de que Jesús fue traicionado por Judas, uno de sus 12 discípulos. Lleva el nombre de la última cena que Jesús tuvo con sus santos antes de su arresto en Jerusalén. Pinturas religiosas con este tipo de temática fueron creadas constantemente desde la Edad Media hasta el Renacimiento, y se formaron un conjunto de técnicas de expresión estilizadas. Esta obra de Leonardo da Vinci se ha convertido en una obra maestra inmortal debido a su ingenio único, excelente composición y profunda descripción psicológica de los personajes. En esta obra, Leonardo da Vinci captó con fuerza la escena en la que Jesús de repente dijo: "Uno de vosotros me va a traicionar" mientras cenaba con los 12 discípulos. Después de eso, los discípulos de repente mostraron varias expresiones. Este momento extremadamente expresivo se centra en representar. El mundo interior de cada personaje, que expresa el amor y el odio distintivos del artista hacia el bien y el mal, la belleza y la fealdad, la sublimidad y la despreciabilidad, y luego la sutil descripción psicológica de los personajes ha alcanzado una altura sin precedentes. La composición de todo el cuadro es perfecta: el estandarte se centra en Jesús, formando una composición estrictamente simétrica. Los 12 discípulos tienen estrechas conexiones entre sí y diversas posturas, que parecen ricas y unificadas. Además, en el procesamiento del espacio y el fondo de la imagen, se utiliza la perspectiva para dibujar un espacio de gran alcance. Todo esto hace de esta obra una obra maestra de fama mundial.

David (escultura en bronce, 126 cm de altura, 1443-1444, recogida por la Galería Nacional de Florencia) Donatello (Italia)

Donatello (1386-1466) Fue el más destacado Escultor italiano de principios del Renacimiento y uno de los importantes pioneros del arte realista. "David" es su obra más importante y la primera escultura desnuda del cuerpo humano durante el Renacimiento. Marca la restauración de las tradiciones del arte corporal griega y romana. La imagen de David de la leyenda de la Biblia fue un tema frecuentemente expresado por los artistas durante el Renacimiento europeo. Cuenta la leyenda que el antiguo rey judío David era famoso por matar al gigante Goliat con su truco de arrojar piedras cuando era un niño.

"David" de Donatello muestra al joven David pisando con el pie la cabeza del gigante después de matar a alguien, mostrando la alegría y el orgullo de la victoria. La imagen de David no sólo tiene proporciones humanas precisas, sino que también tiene una postura hermosa y líneas suaves, lo que demuestra la gran habilidad de Donatello para moldear el cuerpo humano.

David (escultura, altura 250 cm, 1501-1504, recogida por la Academia de Bellas Artes de Florencia) Miguel Ángel (Italia)

Miguel Ángel es el sucesor de Leonardo da Vinci Posteriormente, Otro gran maestro del Alto Renacimiento entró cuando era niño en los famosos "Jardines de los Medici", allí recibió formación artística y entró en contacto con una gran cantidad de tesoros artísticos antiguos allí reunidos. No está lleno de espíritu científico y pensamiento filosófico como Leonardo da Vinci, pero se esfuerza persistentemente por encarnar el espíritu y el poder humanos en el arte. Su estilo artístico es grandioso, emotivo y lleno de tragedia.

El "David" de Miguel Ángel es un joven gigante majestuoso. Estaba allí de pie tranquilamente, con la mano izquierda sosteniendo la honda sobre su hombro, con la cabeza en alto, mirando atentamente al enemigo, con el ceño lleno de confianza. de victoria. El escultor utilizó esta postura casi estática para transmitir eficazmente la alta tensión previa a la batalla y el enorme poder contenido en el cuerpo de David.

David (Escultura, 1623-1624) Bernini (Italia)

Bernini (1598-1680) nació en Nápoles y fue un gran escultor y el arquitecto fue el artista barroco más famoso en Italia en el siglo XVII. Bernini fue extremadamente inteligente y hábil desde niño. Comenzó a esculpir obras a la edad de 8 años. Mostró su talento desde muy temprano y se ganó una reputación. El mármol parecía tan suave y maleable como arcilla bajo el cincel. Sus esculturas son apasionadas, llenas de acción, vertiginosas y muy deportivas y dramáticas.

El "David" de Berigni es un David que lucha duro, que parece más auténtico ante la vida. Su David es más bien un luchador perseverante ante la adversidad. En este estado, el artista es capaz de expresar el movimiento vertiginoso del cuerpo humano y las intensas emociones de los personajes. La sensación de movimiento es el tema central del arte barroco.

Tiempos difíciles (escultura, 100 cm de altura, 1957, recogida por el Museo Militar Revolucionario Chino) Pan He

Pan He (1925-), natural de Guangzhou. Profesor del Departamento de Escultura de la Academia de Bellas Artes de Guangzhou. Comenzó a dedicarse a actividades artísticas en 1940. En 1957, creó su obra maestra "Tiempos difíciles" para el Museo Militar Revolucionario Chino. En esta obra, Pan He reproduce fielmente la imagen y la perspectiva espiritual del Ejército Rojo durante los "años duros" de la Gran Marcha: gorras militares rotas, uniformes militares andrajosos, pies descalzos y piernas gruesas abandonadas por una vida difícil. el esternón es como una flauta antigua sobre los dedos de una barra de acero, con los labios agrietados tocando el orificio de la flauta, tocando alegremente música melodiosa; la piel áspera de la cara se estira, con una sonrisa de complicidad en la comisura de la boca y una barranco en la frente Las profundas trincheras guardan el sufrimiento formado en los años difíciles: esta es la imagen del viejo soldado en la escultura de Pan He "Tiempos difíciles". Y un infantil soldado del Ejército Rojo estaba acurrucado junto a él, sosteniendo una lanza en una mano y sosteniendo su barbilla en la otra, escuchando el maravilloso sonido de la flauta, sonriendo y con los ojos ensoñados alzados hacia arriba, exiliados en el cielo infinito, anhelando ideales para el futuro. Esta imagen ha trascendido la individualidad y se ha convertido en un símbolo espiritual de una época.

El niño que toca la flauta (pintura al óleo, 161 cm × 97 cm, 1866, recogida en el Museo Impresionista de París) Manet (Francia)

Manet (1832-1883) Nació en París. Gran familia burguesa. Su padre era juez, por lo que tenía una buena educación. Tiene una opinión muy alta de sí mismo, desprecia todo lo conservador y atrasado y persigue el progreso y la revolución. Pero Manet no tenía el espíritu revolucionario completo como Courbet, pero todavía tenía algunas reservas, lo que también se reflejó en su arte posterior. Desde el principio no se dedicó al arte. Sus padres inicialmente querían que estudiara derecho o ingresara en una escuela naval, pero fracasó en ambos exámenes, por lo que se convirtió en aprendiz de marinero en un barco. Durante un viaje en barco a Brasil, se sintió profundamente atraído por la belleza de la naturaleza. Después de regresar a casa, convenció a sus padres y entró como estudiante en el estudio del pintor clásico Couture. Cuando abandonó el estudio de Couture en 1856, ya era un pintor con un sólido kung fu tradicional, como lo demuestran el "Hombre de la guitarra" y el "Retrato de la pareja Manet" que expuso por primera vez en el Salón de 1861.

Sin embargo, Manet estaba más interesado en las obras de los pintores contemporáneos, especialmente en la audaz autenticidad de las obras de Courbet y los efectos de luz al aire libre de los pintores de Barbizon, por lo que también tuvo el capricho de pintar su primer cuadro al aire libre, "Concierto de Tillery en el jardín". del Palacio. Sin embargo, además de considerar la luz como los impresionistas, Manet prestó más atención a la estructura interna del cuadro y a la combinación de colores. Sus investigaciones en este ámbito sólo fueron tomadas en serio después de Gauguin y especialmente de Cézanne.

Las pinturas de Manet, con su libertad técnica y el estatus que otorgaban al color, abrieron la puerta al futuro. Tenía un gran interés en la forma de arte japonesa Ukiyo-e, y también le gustaba la generalización de los colores y la planitud de las imágenes en los grabados chinos y japoneses, y buscaba colores contrastantes en sus obras. "El niño que tocaba la flauta" es un ejemplo. Esta es una pintura sin sombras, expresión tridimensional y profundidad. Las figuras aún tienen una sensación de espacio tridimensional debido al efecto de encogimiento creado por los contornos. Manet abandonó el método de convertir una superficie plana en un espacio pictórico desde Giotto. El gris del fondo es tan sólido como la figura, como si si la figura saliera del cuadro, habría un agujero en el fondo similar a ese. de la plantilla. Para fortalecer la planitud de la imagen, parece que ya no importa en qué horizonte se encuentre el personaje. Está bien decir que está flotando en el aire. El propósito es crear una impresión clara del plano. imagen.

La Flauta (Escultura, 1904) Boudel (Francia)

Budel (también traducido como Bourdel, 1861-1944) fue alumno de Rodin y Un artista que heredó la creatividad de Rodin espíritu, amplió aún más el arte de la escultura y lo llevó al arte moderno. No sólo heredó la tradición de la escultura clásica, sino que también se esforzó por dar pleno juego a las fortalezas del lenguaje escultórico, deshaciéndose del excesivo énfasis de Rodin en la literatura y buscando nuevas técnicas de expresión. Las obras de Boudel están llenas de poder y el lenguaje escultórico es sutil y profundo. Si Rodin puso fin a una era de la escultura centrada en el realismo y la representación psicológica, entonces Boudel inició una era que valoraba la expresividad y la fuerza del espacio de la escultura. Sus esculturas majestuosas y generales crearon una nueva tendencia.

Pergamino de imágenes de Luo Shen Fu (color sobre seda, 27,1 cm × 572,8 cm, recopilado por el Museo del Palacio, Beijing) Gu Kaizhi (Dinastía Jin del Este)

Este pergamino está basado en las obras de Cao Zhi (192-232) durante el período de los Tres Reinos. El famoso poema "Luo Shen Fu" se utiliza como tema, utilizando imágenes concretas y vívidas para expresar completamente el contenido del fu. La teoría literaria y artística emergente en este período histórico da importancia a la vida emocional.

El autor describe el contenido de la historia sección por sección. Al principio, Cao Zhi y su séquito fueron a la orilla del río Luoshui y miraron atentamente. Después intercambiaron regalos y Roselle y sus compañeros jugaron libremente en el aire o en el agua. En ese momento, el Dios del Viento detuvo el viento, el Dios del Río calmó las olas, el Dios del Agua tocó los tambores y la Diosa de la Creación Nuwa cantó, Cao Zhi y la Diosa de Luo viajaron en un "carro de nubes". seis dragones y tuvimos una conversación sincera. Al final, Cao Zhi lo añoraba en el barco que cruzaba el río Luoshui. Cuando se alejaba de la orilla, todavía miraba hacia atrás, sintiendo un apego infinito.

Los personajes principales de este volumen aparecen repetidamente en diferentes escenas y sus imágenes están llenas de cambios. Las montañas, rocas y árboles como fondo de los personajes también juegan el papel de separar y conectar diferentes párrafos en el largo pergamino, manteniendo la integridad de la composición. En la pintura, la ropa de Luo Shen fluye, sus movimientos son eufemísticos y tranquilos, y sus ojos están enfocados, expresando preocupación y vacilación. La imagen de Cao Zhi tiene el comportamiento de un poeta aristocrático y también expresa el estado mental de melancolía y anhelo. Los colores del cuadro son brillantes y luminosos, llenos de belleza poética. El éxito de la pintura al retratar la psicología de los personajes y sus profundos logros en la expresión de contenido emocional reflejan el nuevo desarrollo de la pintura china durante este período.

El "Pergamino de imágenes de Luo Shen Fu" se registró por primera vez en el "Catálogo de caligrafía y pintura" de Wang Yun y en el "Manual de pintura" de Tang de la dinastía Yuan, y posteriormente se encontró en la "Lista de pinturas famosas de Nanyang". por Mao Wei de la dinastía Ming. Hubo muchas copias durante la dinastía Song y actualmente hay tres volúmenes, pero este volumen es el más completo.

Sueño (pintura al óleo, 204,5 cm × 298,5 cm, 1910, recogida en el Museo de Arte Moderno de Nueva York) Rousseau (Francia)

Henri Rousseau (1844-1910) fue Un erudito autodidacta. Pintor, su padre era trabajador y su madre era agricultora. Cuando Henry Rousseau era joven, sirvió en el ejército durante cuatro años y conoció a soldados que habían estado en México. Las costumbres exóticas de las que hablaban le hicieron añorar ese país. En 1868 se instaló en París. En 1870 participó en la guerra franco-prusiana. Tras retirarse del ejército, trabajó como empleado de aduanas en París. Fue despedido por haber sido engañado y abandonado en sus deberes, por lo que tuvo que ganarse la vida tocando en tabernas. . También participó en actividades de pintura, pero sin formación, las técnicas de sus pinturas eran pobres.

Este "gusto torpe" sin pretensiones fue apreciado por el famoso poeta Apollinaire, quien le escribió artículos y recomendaciones. A partir de entonces adquirió cierta reputación en el mundo de la pintura. Animado por los artistas expresionistas, mantuvo este método sencillo de representar las cosas y mezcló algo de misticismo en sus temas, haciendo que su arte fuera único.

"Dream" muestra un bosque primitivo de fantasía. Hay algunas bestias extrañas y plantas tropicales raras en la pantalla. Además de la jungla de hoja ancha, también hay hermosas orquídeas, frutas tropicales, etc. Esta es una jungla primitiva intacta, pero en un entorno tan inimaginable, hay una mujer desnuda recostada en un sofá increíblemente hermoso. En el medio, un hombre de piel oscura toca su flauta de cara al público, mientras un león se asoma entre los árboles. Nada de esto es real, la estación y el entorno son contrarios al sentido común. Es un sueño, un sueño extraño en la mente de un pintor, muy lírico y muy decorativo.

"Dream" tiene un cierto elemento de expresionismo debido a los objetos concentrados en la pintura: tierra virgen, leones, hermosos pájaros, aterradores bisontes americanos, una luna solitaria y sombría, un flautista de piel negra y desnudos deformes. mujeres, etc., sólo revela la imaginación infantil del pintor. Debido a que está lleno de diversión, ha sido apreciado por mucha gente. Un crítico bromeó: "Su genio supera su ingenuidad y debería ser considerado un pionero del arte del siglo XX".

La melancolía y el misterio de una calle (pintura al óleo, 87 cm × 71 centímetros, 1914 , Colección privada, New Cannan, Connecticut, EE. UU.) Chirico (Italia)

Giorgio de Chirico (1888-1978) nació en Grecia de padres italianos. Estudió dibujo en Atenas en sus primeros años y luego estudió pintura durante cuatro años en el Politécnico de Atenas. Después de la muerte de su padre, la familia se mudó a Munich. Después de llegar a Munich, Chirico continuó estudiando en la Academia de Bellas Artes. En Alemania entró en contacto con la influencia de Böcklin. A Chirico también le gustaban los estilos de Klimt, Klingel, Alfred Kubin y otros pintores.

Leyó la filosofía de Nietzsche en Alemania y se interesó por las obras de Schopenhauer. De Chirico quedó profundamente impresionado por la exploración de Nietzsche del significado de las cosas más allá de las apariencias y su prosa literaria que describe las plazas vacías de los edificios arqueados de Turín, Italia. El cuadro "Melancolía y misterio de una calle" es un ejemplo típico de este tipo de pintura metafísica.

La perspectiva profunda del cuadro es muy contagiosa. A la derecha había una gran sombra bloqueada por edificios abovedados de color marrón oscuro y gris, y a la izquierda había una larga y baja arcada blanca. El cielo estaba nublado, pero las calles estaban iluminadas. En ese momento, una niña solitaria que hacía rodar una bola de hierro apareció desde la esquina izquierda, y su sombra pareció ser arrastrada desde fuera de la pintura. Más adelante había otra sombra fantasmal, que se arrastraba largamente sobre la brillante calle. Todo esto es a la vez ilógico y aterrador. En esa sombra, hay un vagón vacío de un tren antiguo, cuya puerta está abierta, lo que confunde y aumenta la confusión del espectador. A juzgar por la hora, parecía una tarde de finales de otoño, pero la plaza de la ciudad estaba vacía. El mercado comercial se ha detenido, lo que parece ser el fin de la ciudad. Chirico reconoció que la pintura se inspiró en las representaciones de Nietzsche de las plazas de las ciudades italianas, que son como un sueño y también están ambientadas a finales de otoño, cuando el sol italiano se pone más bajo y las sombras son más largas que en verano.

Escena callejera de París (óleo, 105,1 cm × 152,1 cm, 1972) Estes (Estados Unidos)

Richard Estes (1936- ) fue un pintor de los años 60 Uno de los principales representantes del hiperrealismo (también conocido como "alto realismo" o "fotorrealismo") que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1990. Este tipo de arte es una rebelión contra la tendencia rampante de expresión personalizada en Occidente desde la década de 1950, que se basa en la fotografía y en la imitación tanto como sea posible para evitar la individualidad en el arte. Este enfoque no es nuevo, ya que Courbet alguna vez pintó paisajes basándose en la fotografía. Pero la diferencia es que el hiperrealismo utiliza un proyector de diapositivas para proyectar fotografías directamente sobre el lienzo y luego las calca con detalles extremadamente finos. Como resultado, cada detalle de la foto se reproduce con precisión, sin ninguna diferencia con la foto. Sin embargo, la gran escena original tiene un efecto visual extraño después de ser imitada de esta manera. No solo suprime la personalidad del artista, sino que también resalta la personalidad. audiencia confundida. No lo aceptes pasivamente: cuanto más intentas verlo como real, más se distancia de ti. La "Escena callejera de París" de Estes ilustra bien este punto.

Además de representar de manera realista los detalles de cada objeto en esta obra, también utilizó los reflejos de los espejos en la pared para aumentar esta autenticidad visual. Sin embargo, la verdadera intención del pintor es decirle a la gente que la realidad que vemos es ilusoria y, aunque se represente de manera tan realista, sigue siendo solo una pintura.

(2) Glosario de términos

Humanismo

El significado básico del humanismo es que todo está centrado en las personas, todo es para las personas y todo se promueve. para la humanidad. Incluye dos aspectos de significado: uno es como visión del mundo y perspectiva histórica; el otro es como principios éticos y normas morales. En el primero, considera que el mundo y la historia están centrados en el ser humano; en el segundo, enfatiza la naturaleza humana universal. Pero hay dos puntos de vista sobre cómo ver el humanitarismo: el humanitarismo burgués y el humanitarismo socialista. El primero se centra en el individualismo, mientras que el segundo se centra en el colectivismo. Los diferentes puntos de vista humanitarios se expresan de manera diferente en las obras de arte de diferentes épocas.

"Falso Gran Vacío"

Es un fenómeno literario y artístico formado durante la Revolución Cultural y está relacionado con los principios literarios y artísticos propuestos durante la Revolución Cultural. El primero son las "tres protuberancias". El término "Tres Prominencias" fue propuesto por primera vez por Yu Huiyong, director del Comité Preparatorio del Comité Revolucionario del Sistema Cultural de Shanghai en ese momento, y luego fue revisado y finalizado por Yao Wenyuan como: "Prominencia entre todos los personajes, los personajes positivos; resaltar los héroes entre los personajes positivos; resaltar a los héroes entre los héroes. Según este principio, también estipulan que no está permitido escribir sobre las faltas de los personajes principales; ningún otro personaje puede hacerse cargo de los personajes heroicos principales; no se permiten escribir más de dos héroes principales, etc. Otro principio creativo establecido durante la Revolución Cultural fue el método creativo de "combinación de realismo revolucionario y romanticismo revolucionario". Este método creativo se propuso antes de la Revolución Cultural, pero se desarrolló aún más durante la Revolución Cultural. Según el entendimiento de la época, el llamado "método creativo que combina el realismo revolucionario y el romanticismo revolucionario" es "el pensamiento que combina la 'teoría de la revolución permanente' marxista y la 'teoría de las etapas revolucionarias', y el pensamiento de que combina ideales revolucionarios y luchas realistas. Este tipo de pensamiento se manifiesta en la creación literaria y artística como una "combinación de realismo revolucionario y romanticismo revolucionario". Está "basado en el realismo revolucionario y dominado por el romanticismo revolucionario" y su núcleo es "el objetivo". de ser invencible." Guiado por el pensamiento de Mao Zedong, describe 'nuevos personajes, nuevo mundo' - expresa la nueva era en la que los trabajadores, campesinos y soldados son los amos, da forma a la imagen heroica de los trabajadores, campesinos y soldados, y hace literatura y el arte se convierte en 'unir al pueblo, educar al pueblo, atacar al enemigo y destruir al enemigo' "Un arma poderosa".

Este estilo artístico, impulsado por la "Gran Crítica" y la conciencia de clase lucha, toma sus elementos estilísticos de ciertos carteles propagandísticos, murales campesinos y caricaturas de época anteriores a la Revolución Cultural, formó gradualmente sus características artísticas distintivas de oposición binaria: en términos de descripción de personajes, los personajes positivos son en su mayoría primeros planos, rostros cuadrados, cejas pobladas y ojos grandes, brazos cortos y gruesos, músculos abultados y líderes del país, mientras que los personajes negativos son humildes y avergonzados, incapaces de esconderse en un rincón oscuro en términos de forma artística, los colores planos negro y rojo no solo; tienen un fuerte efecto visual, pero también representan el mundo dual de revolución y reacción, luz y oscuridad. De hecho, es principalmente otra manifestación concreta de los principios creativos de las "Tres Prominencias", la "Luz Roja" y el "Gao Daquan" durante la Revolución Cultural, y finalmente se convirtió en un proceso falso.