Diez películas imprescindibles para fotógrafos
Apreciar y ver películas no es sólo para los camarógrafos. Los fotógrafos que toman fotografías también pueden aprender muchas lecciones de ello. Cuando se aprecia una película desde la perspectiva de un fotógrafo, lo que importa no son las dedicadas actuaciones de los actores ni los emocionantes efectos visuales. Entonces, ¿cuáles son las condiciones y razones básicas para que los fotógrafos elijan películas? Primero, lo más importante es el ángulo y el entorno de la luz. La segunda es la elección del escenario. Por eso, hemos seleccionado las siguientes diez películas con escenas tan inolvidables que te encantaría estar allí.
La mayoría de estas películas se pueden comprar en DVD auténtico, pero algunas son extremadamente raras, lo que también demuestra su valor.
1. Baraka (Cielo y Tierra Xuanhuang)
La patente de los fotógrafos, fotógrafos que toman fotografías, lo mismo
Baraka es un antiguo sufí islámico. palabra significa "bendición".
Esta película recibió críticas muy altas cuando se estrenó por primera vez y algunos críticos de cine locos la llamaron "el mejor documental del siglo XX". Hace unos años alguien incluso afirmó que si se exiliaran a una isla desierta, esa sería la única película que se llevarían consigo. Esta película toma como temas la evolución de la tierra y los humanos, y la relación entre los humanos y el medio ambiente. No hay diálogo de principio a fin. Depende totalmente del público descubrir de dónde viene el paisaje que tienen delante.
Se dice que para rodar esta película, el director Ron Fricke pasó 14 meses viajando a 24 países en seis continentes con un equipo de rodaje de tres personas. ***Cuesta cuatro millones de dólares. Para una película que no requiere que los actores paguen altos honorarios por su aparición, la inversión es considerable. Otra razón para una inversión tan elevada es el equipo de filmación: utiliza el costoso formato TODD-AQ de 70 mm. Al mismo tiempo, el efecto musical de esta película es extremadamente excelente, brindándole un impacto visual y auditivo poco común.
Apreciar y ver películas no se trata sólo de fotografiar escenas en Baraka, es el sueño de cualquier fotógrafo. En un momento todavía estás pensando en el rostro muy humano del macaco, y al siguiente llegas al monte Fuji cubierto de nieve en Japón y no tienes tiempo para saborear la ceremonia de cremación junto al río Ganges en la India; Te quedas frente a un templo sirio. Esta es una película que vale la pena ver una y otra vez, porque tiene tanto contenido que es imposible absorberlo por completo con una mirada superficial.
Además de la escenografía, el director también utilizó tecnología de programación informática para realizar una gran cantidad de tomas a intervalos para reflejar las concurridas escenas de las calles de Manhattan y Tokio. Esta es ciertamente una característica de los videos dinámicos, pero ¿aún pueden los fotógrafos considerar el uso de efectos de exposición de lapso de tiempo para expresar algunas escenas ocupadas?
Junto con el estreno de esta película se incluye un hermoso libro ilustrado, que registra en detalle varias experiencias interesantes durante el rodaje de la película. También se incluyen numerosas fotografías en color y en blanco y negro.
La película no se centra en las actuaciones dedicadas de los actores, ni
Si hay algún defecto en esta película, su creatividad y técnicas de rodaje parecen ser las mismas que las de La película de 1983 llamada "Koyaanisqatsi" es bastante similar. Curiosamente, "Koyaanisqatsi" también fue dirigida y fotografiada por Ron Fricke.
Como dice el título bastante extraño de esta película, se trata de una obra maestra dedicada a todos aquellos que entienden y están dispuestos a apreciar el arte visual.
2. Barry Lyndon (Children of Troubled Times)
En lo que se centra la película no es en la actuación dedicada del actor, ni
Antes de ver esta película, primero. Déjame hacerte una pregunta: ¿Quién tiene una lente f0.7? Incluso en el siglo XXI, con una industria desarrollada, tales cosas probablemente no se encuentren por ningún lado. Quizás en el mundo sólo exista un objetivo f0,7: el que utilizó el director Kubrick para rodar "Children of Troubled Times".
Esta preciosa lente, que se dice que es un producto personalizado por Zeiss para la NASA, acabó en manos de Kubrick por alguna razón desconocida. Modificó ligeramente la lente y la instaló en la cámara.
La enorme transmitancia de luz de f0,7 le permite utilizar completamente la iluminación de las velas al fotografiar escenas en interiores sin ninguna otra fuente de luz artificial.
Con una herramienta de filmación de este tipo, ya sea un paisaje salvaje o un espacio interior, la composición y la iluminación de esta película son extremadamente cuidadosas, como si fluyeran exquisitas pinturas al óleo. Será hermoso. Se puede colgar en la pared. Sin embargo, vale la pena señalar que la película utiliza conscientemente una gran cantidad de "composiciones centrales", especialmente en escenas interiores. Siempre se utilizan pilares, puertas, ventanas, mesas y sillas y otros objetos para marcar el punto central de la imagen. ahí es donde la escena está a punto de desarrollarse. El centro es el centro hacia donde la cámara quiere dirigir la atención del público. Desde un punto de vista psicológico visual, sólo cuando la simetría se desvía o cambia puede haber una sensación de dinámica activa. Esta simetría estándar en una toma estática sólo puede producir un sentimiento psicológico aburrido. Y esto es exactamente lo que Kubrick quería transmitir: una sociedad sin vida, jerárquica y ociosa.
Hay muchas lecciones que aprender de esto. Aprecialo desde la perspectiva de un fotógrafo
Esta película cuenta la historia de Europa en el siglo XVIII, cuando la Alianza Anglo-Prusiana y la Alianza Franco-Austríaca luchaban ferozmente. Barry, un sinvergüenza irlandés sin un centavo y un niño pobre, conoció por casualidad a una viuda rica y se metió en la sociedad de clase alta. Pero se batió en duelo con un señor en busca de un título nobiliario y finalmente fue expulsado de Inglaterra. Quizás esta película debería traducirse más apropiadamente como "Versión europea de El ciervo y el caldero".
En esta película, Ryan O'Neal, que interpreta al protagonista Barry Lyndon, capta muy bien el estado de ánimo libre del pequeño sinvergüenza sin ninguna presión moral. Él mismo y la película también ganaron una serie de premios como el Premio al Mejor Estudiante de Arte Cinematográfico, el Premio al Mejor Director de Arte y el Premio a la Mejor Película Británica. En esta película de más de tres horas, hay al menos veinte o treinta escenas dignas de ser grabadas como imágenes fijas. Por supuesto, si no tienes la lente f0.7 mencionada anteriormente, será mejor que intentes utilizar algunos reflectores. Después de todo, f0.7 suena más lejos que un mito.
3. El conformista
De esto se pueden aprender muchas lecciones. Apreciala desde la perspectiva de un fotógrafo
Se puede decir que esta película es la obra más famosa del gran director Bernardo Bertolucci. Aunque la trama no adopta el tradicional modo "de principio a fin", la filmación espiritual del fotógrafo Vittorio Storaro ha hecho de esta película un clásico en la historia del cine. El uso extremadamente particular de la iluminación, los raros ángulos de disparo y el uso de varios filtros de color contribuyen a la belleza de esta película. Aunque la foto fue tomada hace 35 años, los fotógrafos de hoy todavía pueden aprender mucho de ella, es decir: romper con las viejas cajas y crear su propio estilo.
El director parmesano Bertolucci rodó posteriormente la conocida "El último emperador", y ese año también ganó el Oscar al mejor director. Sus otras obras incluyen "Shading the Sky", "Last Tango in Paris", etc.
4. Día del Cielo
Apreciar y ver películas no se trata sólo de disparar
Los fotógrafos fijos suelen hablar de la llamada "hora mágica" es el amanecer y el anochecer de cada día. Durante estos tiempos, la débil y cálida luz del sol hace que los objetos parezcan extraordinariamente bellos. Pero para los camarógrafos, el "momento mágico" a menudo no es una opción debido a limitaciones de trama y presupuesto. Obviamente, ningún equipo está dispuesto a gastar mucho dinero para que los actores y el equipo se queden sentados durante un día solo para filmar al anochecer.
La única excepción es "El sueño", que se filmó en 1978. Esta película cuenta la historia de un triángulo amoroso a principios del siglo XX. El director Malick tuvo la rara oportunidad de contratar a dos camarógrafos famosos en ese momento: Nestor Almendros y Haskell Wexler. La mayoría de sus tomas fueron tomadas al anochecer y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Fotografía en 1978.
En resumen, la trama de esta película es muy extraña y no resiste el escrutinio.
Pero lo que no se puede disimular son sus impresionantes efectos visuales. Estos son los pensamientos de Néstor Almendros después de terminar la película:
La patente de los fotógrafos, los fotógrafos que toman fotos fijas, también
“Malick me dijo que iba a filmar una película Películas que se centran en efectos visuales cuentan historias a través de efectos visuales. Muchas personas no se dan cuenta de la importancia de los efectos visuales y muchos directores también se centran más en los actores. Sin embargo, esta es una película que utiliza efectos visuales para hablar. Antes de la invención de la electricidad no había luz eléctrica, por lo que la luz era a menudo muy débil y dependían exclusivamente de la luz que entraba por la ventana."
"La llamada magia. El tiempo es en realidad un eufemismo. Durante este tiempo, el sol acaba de ponerse y el cielo aún no se ha oscurecido, pero el sol ya no es visible. A menudo hay un período de suavidad. Es un efecto mágico. A veces solo podemos filmar durante 20 minutos al día, pero realmente vale la pena y el video es muy hermoso y romántico”.
5. Sueños
Hay muchas lecciones que aprender de esto. Aprecialo desde la perspectiva de un fotógrafo
Este es el esbozo de un sueño del emperador del cine japonés Akira Kurosawa. La obra completa se compone de ocho sueños: lluvia solar, huerto de melocotoneros, tormenta de nieve, túnel, cuervo, Monte Fuji rojo, diablo llorón y aldea con ruedas hidráulicas. Estos ocho sueños abarcan casi todos los temas de la vida humana, la guerra y la paz, la sociedad y la vida. Hay diferentes escenas en diferentes sueños, con diferentes colores, presentando uno por uno todos los temas que enfrenta el ser humano. Los efectos visuales surrealistas fueron bastante llamativos en ese momento.
Dejando de lado el carácter nacional de Little Japan, la mayor inspiración que esta película brinda a los fotógrafos fijos es: aprovechar la imaginación más profunda tanto como sea posible. Muchos fotógrafos se ven atrapados por un trabajo comercial abrumador o por "opiniones de arriba" y no pueden dar rienda suelta a su inspiración. Pero creo que, como artistas, los fotógrafos siempre deberían buscar su propia inspiración tanto como sea posible. Lo que sale de la cámara del fotógrafo no sólo debe ser un reflejo de la realidad, sino que también debe esforzarse por reflejar las ideas de su corazón. En esta película, Akira Kurosawa utilizó audazmente una gama de colores extremadamente brillantes, desde brillantes paisajes primaverales hasta túneles sombríos. Quizás todo el mundo tenga un sueño colorido.
En resumen, "The Dream" no es sólo una especie de catarsis emocional para Kurosawa Akira. Hoy en día, cuando nuestros sentimientos y emociones se vuelven cada vez más aburridos y ásperos debido a las malas películas, en realidad lo necesitamos. Es un cuento de hadas tan real, no uno de esos libros de texto idiotas que hacen que la gente parezca más estúpida y tonta.
Hay muchas lecciones que aprender de esto. Apreciación desde la perspectiva de un fotógrafo
6. El último emperador
Esta es otra película de Bertrucci. Para cualquier director del mundo, filmar la historia del último emperador Puyi es un enorme desafío. Bertrucci completó con éxito esta película, que abarcó 59 años (de 1908 a 1967), y la convirtió en un clásico de la historia del cine. La historia es grandiosa, colorida y espectacular.
La historia comienza en el invierno de 1950: Puyi, el emperador depuesto de la dinastía Qing, es escoltado de regreso a China desde la Unión Soviética como criminal de guerra. Después de que el tren llegó a la estación de tren de Manzhouli en la frontera chino-soviética, Puyi creyó que no le salvarían la vida, por lo que se metió en el baño e intentó suicidarse cortándose las venas. El director del Instituto de Gestión de Criminales de Guerra de China notó que algo andaba mal y llamó apresuradamente a la puerta del baño. El golpe en la puerta sumergió a Puyi en recuerdos...
El uso del color es definitivamente lo más destacado de esta epopeya. Bertrucci y el director de fotografía Vittorio Storaro utilizan tonos bastante raros para representar la atmósfera. Algunas personas dicen que el verdadero protagonista de esta película no es Zunlong, sino el fotógrafo Storaro. Por ejemplo, durante la infancia de Puyi, su vida era bastante colorida, y los colores en ese momento eran principalmente rojo anaranjado y amarillo brillante. (Pu Yi también dijo en sus memorias que cuando era niño, debido a que la mayoría de los objetos a su alrededor eran amarillos, representando al emperador, creía que todo era originalmente amarillo). Durante el período del "Puppet Manchukuo", el tono del película Se convierte en índigo opresivo.
Y cuando recibió el cuidado del presidente Mao y recibió reeducación, el color cambió a un simple gris. En la última etapa de la vida de Puyi, los colores poco a poco se fueron suavizando, insinuando el despertar definitivo de este hombre que había pasado por altibajos...
En 1998, Bertrucci publicó un libro, "El último Emperador: "Múltiples tomas". En este libro, explica su experiencia con el uso del color en "El último emperador". Como fotógrafo fijo, debes saber que el tono de una foto es muy importante. Es extremadamente sutil y difícil de captar, e incluso puede guiar inadvertidamente el estado de ánimo del espectador.
También vale la pena mencionar que aunque hay muchas películas y series de televisión rodadas en la Ciudad Prohibida, pocas pueden capturar verdaderamente la grandeza y solemnidad de la Ciudad Prohibida. Aunque es obra de un director italiano, "El último emperador" puede servir de modelo para muchos "dramas del palacio Qing" en nuestro país.
Hay muchas lecciones que aprender de esto. Apreciarlo desde la perspectiva de un fotógrafo
Después del estreno de la película en Occidente. Inmediatamente comenzó la "fiebre china". En 1988, se anunció la 60ª edición de los Premios de la Academia y "El último emperador" ganó la Mejor Película. 9 premios que incluyen Mejor Director, Mejor Guión Adaptado, Mejor Vestuario, Mejor Compositor, Mejor Montaje, Mejores Efectos de Sonido, Mejor Fotografía y Mejor Diseño Artístico.
7. Raise the Red Lantern
Como película psicológica, "Raise the Red Lantern" es muy particular en cuanto al uso del color. Zhang Yimou merece ser fotógrafo, y la aparición repetida de diferentes tonos de color hace que las emociones del público suban y bajen junto con la trama. Cada vez que el Sr. Qiao quería pasar la noche en el baño de una dama, colgaba una linterna roja frente a la puerta de esa dama. El uso del método clásico de impresión en tres colores hace que los rojos y amarillos de esta película sean muy vivos, lo cual es poco común en las películas occidentales. Al mismo tiempo, una variedad de disfraces de colores brillantes también hacen que la película parezca más sofisticada.
Apreciar y ver películas no se trata solo de filmar
Esta película ha ganado innumerables honores: una de las diez mejores películas chinas en la décima edición de los Premios de Cine de Hong Kong; el "Premio León de Plata"; " del 44º Festival Internacional de Cine de Venecia en Italia, el Premio de la Sociedad Internacional de Críticos de Cine, el Premio de la Asociación Católica de Críticos de Cine, el Premio Especial Kingery Style, el Premio Especial Avila Notta; ganó el 64º Festival Internacional de Cine de Venecia en los Estados Unidos Nominada a Mejor Película en Lengua Extranjera en los Premios de la Academia de 2016; Nominada a Mejor Película en Lengua Extranjera y Mejor Actriz en una Película en Lengua Extranjera en el Oscar Nacional Italiano "Premio David" (Otorgado por la Asociación de Cine de Milán de Italia por la película); Mejor Película Extranjera del Año por el Público Primer lugar Gran premio.
8. El tercer hombre
Gracias a la aplicación de la tecnología digital, esta película tiene la oportunidad de ser producida en DVD y convertirse en un recuerdo inmortal de la era del blanco y negro.
Hay muchas lecciones que aprender de esto. Apreciación desde la perspectiva de un fotógrafo
En términos de técnicas de disparo, esta es probablemente la primera vez en la historia del cine que la cámara se coloca en un rincón para expresar inquietud y ansiedad. Al mismo tiempo, la distorsión consciente del gran angular y la poca profundidad de campo de las tomas también contribuyen al tono frío de la película. El uso de una gran cantidad de luces y sombras moviliza eficazmente la atención del público. Toda la película es tan impactante como una pesadilla e inolvidable.
En comparación con las películas en color anteriores, ¿parece esta película en blanco y negro un poco anticuada? Pero si miras esta película con atención, volverás a experimentar el encanto de las luces y las sombras en blanco y negro: la magia del monocromo. La película ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, el 23º Premio de la Academia a la Mejor Fotografía, el Premio de Oro del Instituto Británico de Cine a la Mejor Película y fue seleccionada como la mejor película número uno en la historia del cine británico.
9. Visiones de Luz
La patente de los fotógrafos, también de los fotógrafos que hacen fotografías fijas
Estrictamente hablando, esto no es una película, debería serlo. más apropiadamente dicho como un "documental sobre películas". En esta película también podemos encontrar muchas de las películas presentadas anteriormente. Por ejemplo, Néstor Almendros, el director de fotografía de "El último día", concedió una breve entrevista a la película antes de su muerte.
También están Storaro, el fotógrafo de "El último emperador" y otros.
En cierto sentido, es el director quien controla las técnicas fotográficas del fotógrafo. Por ejemplo, Roman Polanski, el director de "El bebé de Rosemary", mencionó muchas veces en entrevistas que a veces con sólo mover la cámara unos centímetros se puede mejorar mucho el efecto de la película. En una entrevista de 1967, Conrad Hall, el director de “A sangre fría”, mencionó cómo seleccionó y construyó una celda en la que estaba encarcelado un asesino interpretado por Robert Blake, que estaba a punto de ir a la horca. La lluvia seguía golpeando las ventanas de hierro. Hall descubrió que si la cámara se sostenía en cierto ángulo, las sombras de las gotas de lluvia parecían lágrimas en el rostro de Blake. Esta escena luego se convirtió en una escena lacrimógena en el teatro.
La película consta de cientos de fragmentos de película. Una vez terminada la película, quedarás profundamente conmovido por la inspiración y la magia detrás de la cámara. Los fotógrafos fijos también se beneficiarán enormemente de esto. Esta es una película científica y educativa sobre fotografía. Cientos de clips le guiarán sobre cómo utilizar la luz, cómo elegir los tonos adecuados y cómo hacer de su película un clásico.
Hay muchas lecciones que aprender de esto. Aprecialo desde la perspectiva de un fotógrafo
Esta película se divide en tres partes según la época. La primera parte es la época del cine mudo. La segunda parte es una película de época en blanco y negro con narración. La tercera parte es el período del cine en color. La película termina con una discusión sobre cómo se pueden usar diferentes colores para evocar emociones en la audiencia.
10. Migración alada
Este es un documental sobre animales salvajes. Creo que muchos fotógrafos han tenido la experiencia de fotografiar pájaros volando. ¿Teleobjetivo más disparo continuo? Eso es sólo un juego de niños. Veamos cómo este loco director francés retrata pájaros voladores.
Con un apoyo financiero de millones de dólares, el director Cluzaud contrató un equipo de filmación de 450 personas. Las herramientas de filmación incluyen globos aerostáticos, pequeños planeadores e incluso pequeños aviones disfrazados de pájaros con cámaras incorporadas. Durante el primer año, básicamente no tomaron ninguna fotografía. Simplemente siguieron a las aves mientras migraban, familiarizándose tanto con ellas que ya no desconfiaban de ellas. Durante los dos años siguientes, su equipo de filmación (que incluía cincuenta expertos en aves) rastreó a las aves a través de cuarenta países y condensó todos los resultados en una película de 98 minutos, con un promedio de solo 225 minutos de metraje por minuto. El efecto es naturalmente muy real y conmovedor.
La versión en DVD viene con 50 minutos de metraje detrás de escena. Se puede ver que el equipo de filmación no perdió tiempo en domesticar a un grupo de pájaros y acostumbrarlos al rugido de los aviones para filmar escenas en portaaviones y fábricas. El fotógrafo necesita desarrollar sentimientos con los gansos recién nacidos, imitar sus llamados, nadar con ellos y hacerles pensar que el fotógrafo es uno de ellos. Es este increíble y paciente cultivo emocional el que nos permite mostrarnos esas tomas cercanas y reales. Como documental, no es casualidad que "Pájaros y sueños en vuelo" haya alcanzado una taquilla de 2,5 millones de personas en Francia. Hermosos gráficos, banda sonora decente. La impactante toma es una sinfonía completa y perfecta.